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Esta obra teatral está inspirada en el histórico juicio que tuvo lugar en Italia en 2015, en el que se enjuiciaron a los represores implicados en la infame Operación Cóndor. Tras su exitoso estreno en Italia en 2017, la obra fue aclamada y posteriormente reestrenada en Chile en 2023. Ahora, con el apoyo de Crysol y las madres y familiares de detenidos desaparecidos, la obra llega a Uruguay en el mes de mayo, coincidiendo con el Mes de la Memoria.
Idea original: Liliana García Sosa
Dramaturgia: Daniella Lillo Traverso
Sala: Atahualpa
2 Únicas Funciones: JUEVES 16 Y VIERNES 17 DE MAYO 20:30hs.
Sinopsis: «El 9 de julio del 2021, el Tribunal de Casación italiano emitió una sentencia definitiva en la que condenaba a 14 represores latinoamericanos como responsables de la muerte y desaparición de ciudadanos italianos.
Los condenados formaban parte del Plan Operación Cóndor, puesto en marcha en los años 70 y 80 por las dictaduras de Argentina, Chile, Uruguay, Brasil, Bolivia, Paraguay y Perú. El objetivo de este plan de terror era silenciar a quienes se oponían a estos regímenes. La sentencia de condena dictada por la justicia italiana por homicidio voluntario pluri – agravado constituye un importante hito internacional en el ámbito de la justicia. Con esta sentencia, Italia ha dado un importante ejemplo de justicia hacia América Latina, donde en varios países aún no se ha atendido la petición de las víctimas y sus familiares, que llevan años luchando por verdad, justicia, memoria, reparación y garantías de no repetición: por el «Nunca más».
La importancia internacional de esta sentencia de la justicia italiana nos motiva a reponer el espectáculo «Operación Cóndor: El vuelo de Laura», estrenado en el Teatro Marcello de Roma en 2017, y luego en el Festival Quartieri dell’Arte de la ciudad de Vitorchiano (VT) y en gira internacional en el Festival Teatro a Mil (FITAM) de Santiago de Chile y en el Teatro El Galpón de Montevideo/Uruguay en enero de 2018. La inspiración del espectáculo fue el juicio que tuvo lugar en 2015 y 2016 en Roma contra estos criminales culpables de crímenes contra la humanidad, muchos de los cuales estaban en libertad.
La obra está basada en hechos históricos acaecidos bajo las alas del terror de la así llamada Operación Cóndor, que involucró entre otros, ciudadanos ítalo-latinoamericanos. La investigación fue llevada a cabo durante unos quince años por el Ministerio Público italiano, a raíz de las denuncias de los familiares de las víctimas y de los sobrevivientes.
El trágico resultado del Plan Cóndor, es de alrededor de 50.000 personas asesinadas, 30.000 prisioneros desaparecidos y 400.000 detenidos. Según las denuncias de las “Madres y Abuelas de Plaza de Mayo”, muchos de los niños raptados estarían en Italia, como botín de guerra y bajo mentiras camufladas.«
Liliana García Sosa: «La obra está inspirada en el juicio «Processo Condor» (2015/2016) al cual asistí por razones personales encargando la dramaturgia en Chile a Daniella Lillo. La obra se estrenó en Italia en 2017 con equipo artístico y técnico italiano y con el financiamiento del «Ministero Della Cultura» de Italia y de la Alcaldía de «Roma Capitale». Juicio que en Europa fue considerado un Núremberg del siglo XXI con respecto a América Latina y los crímenes cometidos contra civiles en toda la región bajo las alas de la «Operación Cóndor».En el 2023 en el marco de la conmemoración de los 50 años del Golpe Civil_Militar, se presenta en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM) con equipo artístico y técnico chileno y en coproducción con el «Ministerio de las Culturas, Artes y Patrimonio» (MINCAP), el «Istituto Italiano di Cultura Santiago» (IIC) y la «Universidad Tecnológica Metropolitana» (UTEM).»
La obra se presenta con 5 funciones en la Sala Zavala Muniz – Teatro Solís los días 15, 16, 17 y 18 de Mayo a las 20:30 hs y 19 de Mayo a las 19:30 hs.
Sinopsis: «Todo el hielo del mundo se quiebra en mil pedazos, el hielo se astilla y nos corta y nos lastima y nos abre por completo, se transforma en un arma mortal, nos parte la piel, nos hiela la sangre y después al final sólo son lascas de hielo roto como cristales y lo que sobrevive lo que no se rompe entonces se derrite y se derrite y se derrite.»
“Todo lo vivo habla, encuentra sus maneras de decir las cosas.”
Todo lo que explota permanece haciendo ruido es la segunda pieza del colectivo transdisciplinar Accidente Geográfico, que toma como punto de investigación los paisajes que se derriten y al hielo como materia sonora, de forma experimental, performática y ficcional. Dando voz a un relato exagerado y vertiginoso de dos personas que sin conocerse se ven envueltas en una historia accidental, breve y fugaz, mientras alrededor de ellas todo va cambiando de forma, en una geografía glaciar que las amenaza todo el tiempo y va colándose de a poco en el transcurso de la obra.
Una crónica torpe y desesperada sobre el amor y la ausencia, sobre la fragilidad de todas las cosas, de todos los momentos y de todos los lugares. Narrada constantemente a dos puntos de vista, y que comienza a verse suspendida por un ruido permanente que pareciera salir de la tierra y devenir en un lamento, como si el territorio pudiera hablar y quejarse de algo.
El hielo muta, cambia, se transforma, de forma indefinida todo el tiempo, y la obra se congela y se rompe y sigue, pero hay cosas, otras cosas, que son irreversibles.
“… veo como el paisaje se resiste, intenta no romperse, intenta no desaparecer.”
Ficha técnica:
Texto y dirección: Alejandra Gregorio
Interpretación y performance: Cecilia Placeres – Marisa Riera Creación e interpretación sonora: Agustina Racchi – Gonzalo Rodriguez
Diseño de espacio: Ivana Domínguez – Mariana Pereira Diseño de luces: Ivana Domínguez Diseño sonoro: Carolina Roballo Diseño gráfico: Josefina Ochs – Lucía Cioli Diseño de vestuario: Mariana Pereira Fotografía: Reinaldo Altamirano Prensa: Beatriz Benech Producción: Lucía Etcheverry Co-producción: Teatro Solís – ENCIENDE
Entradas en venta por Tickantel y boletería del teatro Solis. Precio de las entradas $ 500
Una pieza teatral escrita y creada en honor a la memoria de Sabina Spielrein (1885-1942), Pionera del psicoanálisis, rescatando palabras de su diario, su correspondencia y su teoría.
SER HUMANA es una obra escrita por Angie Oña y dirigida por Freddy González, en honor a la memoria de Sabina Spielrein (1885-1942) rescatando palabras de su diario, su correspondencia y su teoría.
3 ÚNICAS FUNCIONES: Viernes 3, Sábado 4 y Domingo 5 DE MAYO a las 21 hs.
TEATRO VICTORIA (Río Negro 1479)
La obra recibió diferentes premios:
Premio Florencio 2018. Actriz en unipersonal.
Premio Escuela de Espectadores 2018. Categoría Unipersonal.
Premio Escuela de Espectadores 2018. Actriz en unipersonal.
Premio Mujer del Año 2018-2019. Categoría Actriz de Teatro
Oriana Larrea
Sobre Sabina Spielrein: Ella atravesó la locura y habitó profundos delirios. Comenzó a estudiar psicología mientras estaba internada, y se apasionó de tal forma que comprendió incluso el funcionamiento de su enfermedad, colaborando activamente con su sanación. Ingresó a la Universidad de Zúrich y se especializó en psicología y psiquiatría. Luego desarrolló aportes teóricos fundamentales para ambas áreas. Paciente, alumna, amiga, amante, colaboradora y colega de Jung. En sus diarios, sus cartas y su teoría, ella desarrolla ideas que mucho más tarde tomarán presencia en las obras tanto de Jung como de Freud. Sin embargo su historia estuvo oculta durante muchos años.
Su contribución al estudio de la mente fue una de las más importantes del siglo XX. Nacida en Rusia, en 1885, en el seno de una familia judía, empezó a presentar síntomas de trastorno desde muy temprana edad. A los 16 años, debido a una gran crisis, fue trasladada por su familia a Suiza e internanda en el hospotal psiquiátrico Burghölzli. Allí fue la primera paciente psicoanalizada por Jung, quien más tarde fue su maestro, amante y colega. Su gran senisbilidad y su aguda inteligencia le permitieron su recuperación absoluta. La internación duró 10 meses. Inmediatamete después inició sus estudios en la Facultad de Medicina de Zurich. Es la primera mujer en presentar una tesis de contenido psicológico y psiquiátrico (“Acerca del contenido psicológico de un caso de esquizofrenia“). Es la segunda mujer en formar parte de las reuniones de Freud. Como pensadora, e investigadora constante, elabora conceptos pioneros y fundamentales que mucho más tarde serán retomados en las obras de Freud y de Jung. Muere asesinada por los nazis en 1942. Y recién en 1977 su figura vuelve a cobrar valor. En el subsuelo de un edificio que antes había sido sede de una institución psicológica encontraron una valija repleta de notas suyas, documentos, diarios íntimos y correspondencia intercambiada entre ella, Freud y Jung. Material absolutamente revelador que comienza, poco a poco, a subsanar un olvido imperdonable. La obra SER HUMANA se desenvuelve haciendo foco en tres grandes aportes teóricos de Sabina: “La destrucción como causa del devenir“ (antesala de la teoría de “Pulsión de muerte“ de Freud), “Acerca del contenido psicológico de un caso de esquizofrenia“ y “Contribución al conocimiento del alma infantil”.
EQUIPO TÉCNICO
Dirección: Freddy González
Dramaturgia y Actuación: Angie Oña
Iluminación: Fernando Scorsela
Intervención Musical y Diseño Sonoro: Pablo Bonilla
Escenografía y Vestuario: Doce Monos
Fotografía: Oriana Larrea
Diseño Gráfico: Gabriel Acosta Álvarez
Asistente de Dirección: Elisa Queirolo
Asesoramiento de Investigación: Psic. Renata Udler
A partir del Sábado 6 de abril el teatro «El Tinglado» recibe a toda la familia para ver la obra «ELEMENTAL«.
Sinopsis:Elemental es un espectáculo de títeres y objetos diseñado especialmente para niños y niñas a partir de 2 años. Desde su narrativa visual y musical, busca conectar con las infancias proponiendo una dinámica lúdica con diferentes planos de interés. La obra plantea un recorrido cíclico por los cuatro elementos de la naturaleza: Aire, Tierra, Fuego y Agua, invitando a los pequeños espectadores a explorar la belleza y la importancia de cada elemento a través de pequeñas historias entrelazadas. La música en vivo acompaña cada escena, creando una atmósfera cautivadora y envolvente. Es un espectáculo que le propone a la primera infancia sumergirse en un mundo de juego, donde las cosas pequeñas son importantes, donde los objetos cotidianos pueden ser más que simples objetos, donde la fascinación y la sorpresa aparecen en las cosas sencillas y elementales.
Estreno: sábado 6 de abril 2024 a las 15:00. Funciones:Sábados y Domingos de Abril y Mayo a las 15 hs.
Las entradas están a la venta en Redtickets y boletería de la sala. Costo: $ 400
Todos los jueves de abril a las 21hs. el Teatro Alianza abre sus puertas para disfrutar de la obra «Cadaver Extravagante» del director Andrés Pastorini.
Esta es una obra de improvisación teatral inspirada en un juego utilizado por diversos artistas surrealistas denominado «Cadáver exquisito«. En esta adaptación teatral de una hora de duración, actrices y actores traerán a escena historias ocurridas en un antiguo pueblo donde comenzaron a suceder una serie de acontecimientos, que son inspirados por la audiencia y que comenzaron a ocurrir a partir de la llegada de un sujeto un tanto «Extravagante«.
La obra tiene la peculiaridad de que el director, se encuentra en escena; proponiendo historias, ajustando otras, y poniendo a los actores y actrices en circunstancias inimaginables.
Entradas por Redtickets y boletería del Teatro Alianza.
Elenco: Maxi Constenla, Mercedes García, Lucía Dotta, Johann Hagobian, Matute Correa, Andrea M. Hernández, Edinson Mouriño
Apartir del Sábado 9 de Marzo hasta el domingo 7 de Abril tenés oportunidad de ver «Hijas e Hijos» este Re estreno tendrá un total de 10 funciones.
Horarios: sábados 21 hs y domingos 19:30 hs. en el Teatro Victoria (Río Negro 1479)
Sinopsis – Una pareja de físicos nucleares jubilados vive en una pequeña cabaña cerca del mar. Sus vidas se han visto afectadas por un reciente desastre. De forma inesperada, llega una ex-colega, a quien no veían desde hace 38 años. Un pedido urgente e inusual vendrá a alertar la precaria y ordenada existencia de esta pareja. Un pedido que les cambiará la vida a ellos y a otros como ellos.
Amílcar PersichettiAmílcar Persichetti
Ficha técnica:
Elenco:
Bettina Mondino – José Luis Morales – Margarita Musto
Diseño de Vestuario: Soledad Capurro
Diseño de Escenografía: Gustavo Petkoff
Diseño de Iluminación: Martín Blanchet
Música Original: Fernando Condon
Diseño gráfico: Alejandro Persichetti
Fotografía: Amílcar Persichetti
Agente de prensa: Beatriz Benech
Difusión en Redes: María Victoria Parada
Producción ejecutiva: Miriam Pelegrinetti
Entradas a la venta por Redticket y boletería del Teatro Victoria
Entradas grales $ 500
Beneficios con La Diaria y Socio espectacular.
Jubilados (solo venta en sala)
Reservas de entradas a producción de la obra comunicándose con el celular 098 171 880.
Teatro sobre Ruedas, fundado en 2014, es un proyecto itinerante que promueve la participación y el teatro foro, ofreciendo una experiencia artística, educativa y cultural para niños y niñas. En su décimo aniversario, invitan a todos a conocer su trabajo.
Este domingo 10 de marzo, a las 17 hs, en el CENTRO CULTURAL ARTESANO, presentarán la obra «¿Qué me importa?» de Agustín Urrutia, como parte del programa de fortalecimiento de las artes, con entrada gratuita. La función está dirigida a familias, docentes, niños, niñas y adolescentes, ofreciendo un espectáculo infantil para toda la familia.
A lo largo del año, se organizarán más actividades abiertas para que referentes educativos y culturales puedan conocer su trabajo de forma gratuita. Este colectivo nació con el propósito de compartir un proyecto artístico de calidad con niños y niñas, difundiendo la cultura nacional y transmitiendo valores humanos.
El teatro itinerante se elige como medio para garantizar el acceso a la cultura como un derecho fundamental. La práctica del teatro foro se considera crucial para fomentar la participación infantil y construir infancias críticas y saludables.
Del 13 al 17 de marzo – 20:30hs y domingo 19:30hsen la Sala Zavala Muníz – Mi casa llena de peces.
Sinopsis: Una mujer, un oso y un hombre sin cabeza. Los intentos de un encuentro, temido y a su vez deseado. ¿Podemos tomar un café?
Fragmentos de memorias transformados en sueños. Una obra de teatro narrada en una lógica clownesca que celebra un mundo absurdo y onírico.
«Mi casa llena de peces» es un espectáculo donde los acontecimientos son guiados por liebres que corren en el mar y sardinas que nadan en los valle, basado en recuerdos biográficos – y en la ausencia de ellos – de la autora (Agustina Pezzani) . Piezas de un puzzle que componen una poética de imágenes surrealistas. Una búsqueda de contacto frente a la imposibilidad de relación de dos naturalezas tan cercanas como distantes. Una fábula adulta. Una historia que es tan personal como colectiva.
él dijo:
«mi ausencia es fuerte y cálida.
te sostendrá.
te enseñará a echar de menos.
a estar sin.
y a cómo sobrevivir de todos modos».
– cómo me crió mi padre
(Nayyirah Waheed)
Credits_Konstantin Demeter
Entradas en venta en Tickantel y boleteria de la sala.
Este espectáculo fue creado en Suiza en 2022, con Enzo Loui y Soma Mamadou, como primer elenco. En su versión en Portugal se presentó con Elisa Rossin y Verónica San Vicente.
Sinopsis: Los Bárbaros es una obra de humor grotesco y descarnado. Una historia sobre lo que estamos dispuestos a hacer cuando el mundo que queremos no nos quiere a nosotros. Porque lo que nuestras sociedades más derraman últimamente es el rechazo.
Marusya espera en medio de una Terminal de Transporte Público a las 3:15 am. La Terminal está en la periferia de la ciudad. En 1993 Marusya migró junto a su hijo a Berlín, en busca de la felicidad capitalista. Casi 30 años después, nada fue lo que esperaba y ella limpia una cocina como si pudiese limpiar la historia.
Marusya no soporta el olor. Marusya les tiene asco. Marusya piensa que son unos bárbaros.
«Los Bárbaros» recibió 6 nominaciones a los premios Florencio 2022: Mejor Espectáculo y Dirección, Mejor Actriz Principal, Actriz de Reparto, Escenografía e Iluminación.
Es un proyecto de coproducción con el Goethe Institut y fue seleccionado para el programa de residencia de la Sala Lazaroff. Es, además un proyecto de traducción que comenzó con la lengua, del alemán al español, de la mano de Leticia Hornos Weisz y Jana Blümel. Ahora la traducción continúa hacia la escena con la actuación de Carolina Rebollosa y la dirección de Florencia Caballero Bianchi.
Son 4 únicas funciones, MARZO: MIÉRCOLES 6, JUEVES 7, SÁBADO 9 – 20:30 hs y DOMINGO 10 – 19:00 hs
Sinopsis: ¿Arriesgaríamos una verdadera amistad para transformarla en una relación sentimental?
Claudia y Valentín, estos entrañables personajes creados por Laurent Ruquier se enfrentan con la sinceridad de dos mejores amigos a este dilema.
Claudia, una mujer de 50 años, independiente y satisfecha consigo misma, decide confesarle su amor a su mejor amigo Valentín, de quien cree saberlo todo.
Valentín, algunos años menor que ella, inteligente, culto, guapo y divertido, está decidido a no perder a la única mujer con la que se siente verdaderamente relajado y libre, por convertirla en su amante. Una mujer y un varón, con algo de vida navegada, enfrentan sus inseguridades y sus miedos como lo haría cualquiera de nosotros.
¿Cuál será el resultado? Disfrutemos con ellos esta aventura de aprender a quererse.
¡No te pierdas esta comedia romántica que te hará reír y reflexionar!
«Prefiero que sigamos siendo amigos» llega al Teatro La Candela con nueve únicas funciones.
Detalles:
Sala: Teatro de la Candela (ELLAURI 308 esq. García Cortinas)
Fechas: Sábados 2, 9, 16, 23 y 30 de marzo, así como 6, 13, 20 y 27 de abril.
Horario: 21:00hs
Género: Comedia
Entradas: $500
Asegura tu lugar reservando con anticipación a través de WhatsApp 098 588 787.
El renombrado dramaturgo y novelista noruego, Arne Lygre, nacido en 1968, ha emergido en los últimos años como uno de los escritores más fascinantes debido a la originalidad de sus textos minimalistas y misteriosos. Con nueve obras de teatro, dos novelas y una antología de cuentos en su haber, Lygre ha demostrado ser uno de los mayores exponentes de las letras noruegas contemporáneas, destacando por la fuerza sugestiva y penetrante de sus piezas concisas y precisas.
«Desparezco«, en Montevideo, marca su estreno mundial en español y ofrece a la comunidad teatral de habla hispana la oportunidad de sumergirse en la obra de este prestigioso autor.
La obra, desde la riqueza de su estructura y su naturaleza peculiar, revela un teatro que explora juegos de identidad y variaciones elaboradas, incluso en el uso del lenguaje, desafiando los límites del Espacio/Tiempo.
El dramaturgo coloca a los personajes en una situación extrema, trágica, y luego, con habilidad sorprendente, explora desde el juego y a veces desde el humor, todos los mundos posibles, creando una experiencia teatral que es tanto matemática como musical en su escritura, escondiendo un sentido lúdico y humorístico que sorprende a primera vista. Su peculiar humor, dotado de un sexto sentido, establece una distancia natural entre los temas tratados y las crudas situaciones a las que enfrenta a los personajes, desafiando al espectador a cuestionarse sus propias expectativas e intimidades.
Sinopsis: Dos familias se ven obligadas a migrar dejándolo todo atrás. Durante ese periplo el autor somete a los personajes a asumir otras conductas, roles que no les son propios, pero que tampoco les son ajenos…
«Desparezco» destaca por su peculiar construcción, donde la palabra se convierte en acción y la acción reside en la palabra, proporcionando a los actores el único recurso para navegar este universo tan propio como ajeno.
La obra, dirigida por Daniel Spinno Lara y protagonizada por Pelusa Vidal, Carla Moscatelli, Gal Groisman, Isabel Legarra y Sergio Pereira, se presenta en el Teatro Victoria, con funciones los viernes y sábados de febrero a las 21 hs. y los domingos a las 19:30 hs., hasta el 3 de marzo.
Funciones: FEBRERO: Viernes y Sábados 21 hs. / Domingos 19:30 hs. hasta el 3 de Marzo LUGAR: Teatro Victoria (Río Negro 1477) Entrada gral. $ 550 2 x 1 La Diaria Socio espectacular 2 x $ 600 Jubilados y estudiantes $ 300 SUA $ 200 Localidades a la venta por Redticket y Boletería del Teatro
¡Estreno Imperdible! El jueves 15 de febrero, el Teatro Circular abre sus puertas para presentar un espectáculo impactante que no dejará indiferente a nadie. Con funciones los jueves y viernes a las 21hs, esta obra promete ser un viaje emocional que te mantendrá al borde de tu asiento.
El elenco está conformado por Emilia Asteggiante, Mariana Escobar y Carlos Rompani, bajo la dirección de Bruno Contenti Bello y la dramaturgia de Emilia Asteggiante. La producción, a cargo de Lucía Etcheverry, y la prensa coordinada por Beatriz Benech, garantizan un espectáculo de alta calidad que no te podés perder.
Esta obra, financiada por el Fondo de Fortalecimiento de las Artes de la Intendencia de Montevideo, aborda temas delicados con una profundidad y sensibilidad excepcionales. La historia gira en torno al reencuentro entre un actor consagrado y una actriz principiante, separados por una brecha de 20 años, quienes deben enfrentar un oscuro pasado de acoso laboral. A bordo de un auto blanco, los fragmentos de su historia se revelan ante el público, desentrañando los complejos mecanismos y las devastadoras consecuencias del abuso.
Las entradas, disponibles por $500, pueden adquirirse a través de Tickantel o directamente en la boletería del teatro. Además, aquellos que posean beneficios con SUA y Socio Espectacular disfrutarán de ventajas exclusivas.
Son 6 únicas funciones: 20, 21, 22, 23, 24 de Febrero a las 20:30 hs y 25 de Febrero a las 19:30 hsen Sala Zavala Muniz Teatro Solís.
Autoría y Dirección: Domingo Milesi.
Foto: Mauricio Rodríguez
Elenco: Martha Vidal, Ma. Elena Pérez y Carlos Sorriba.
Diseño de sonido: Gustavo Fernández.
Diseño de vestuario y caracterización: Mavi Amigo.
Diseño escenográfico: Martín Siri.
Diseño lumínico: Jimena Romero.
Asistencia de dirección y traspunte: Maria Jose Morales y Patricia Canén.
Diseño gráfico: Julia Tiscornia.
Fotografía: Mauricio Rodríguez.
Prensa: Lic. Beatriz Benech.
Producción: Lucía Etcheverry.
Sinopsis: Azucena busca el amor y el sentido de la vida, luego de la pérdida de su madre y el retiro laboral. Transita el duelo, junto a su amiga Graciela, rastreando nuevas señales y motivaciones, en sus visitas diarias a un viejo cine de barrio, que se resiste a morir. Allí conocen a Aníbal, y este es el disparador de un juego entre la realidad y la ficción; donde también aparecen elementos sobrenaturales, a través de prácticas esotéricas que podrían establecer una nueva interpretación del presente y una línea de comunicación con el más allá.
La obra cuenta con tecnología sonora binaural, por lo que será escuchada con auriculares.
Sonido binaural: Es una forma de grabar y reproducir el sonido que emula el modo en el que los seres humanos escuchamos. Imita las señales auditivas naturales creadas por el cerebro y el oído, producto de la interacción acústica entre nuestros cuerpos y el entorno que nos rodea; escuchado mediante auriculares, crea un mapa de sonido tridimensional que nos sumerge en los eventos propios del paisaje sonoro y nos ubica en el lugar exacto de donde provienen los sonidos, generando una nueva experiencia inmersiva. Los casos de su uso en el mundo, son de gran impacto, como una potente herramienta de accesibilidad e inclusión para personas con baja visión o ciegas.
La obra obtuvo 10 Nominaciones en los Premios Florencio 2022 y ganó Mejor espectáculo y dirección de comedia y elenco de comedia.
Entradas en venta a través de Tickantel y en boletería de la sala Zavala Muniz.
Este año «Temporada Alta» esta cumpliendo 10 años y se estará llevando a cabo desde el 30 de enero al 3 de marzo. Las obras que vienen desde Argentina, Chile, Colombia Españay Uruguay se presentarán en el Centro Cultural Artesano, la Plaza del Centro Cultural Terminal Goes, la Sala Jorge Lazaroff y la Sala Verdi.
Programación:
Martes 30 enero ROJO (Colombia) 20:30 h, Sala Verdi Miércoles 31 de enero ROJO (Colombia) 20:30 h, Sala Verdi Jueves1 febrero ROJO (Colombia) 20:30 h, Sala Verdi EL BROTE (Argentina) 20:30 h, Sala Lazaroff Viernes 2 febrero TOTÓ, un payaso viajero (España) 17 h, Plaza Centro Cultural Goes EL BROTE (Argentina) 20:30 h, Centro Cultural Artesano Sábado 3 febrero TOTÓ, un payaso viajero (España) 17 h, Centro Cultural Artesano LA VIOLACIÓN DE UNA ACTRÍZ (Chile) 20:30 h, Sala Verdi Domingo 4 febrero TOTÓ, un payaso viajero (España) Doble función: 16 y 18 hs Sala Lazaroff LA VIOLACIÓN DE UNA ACTRÍZ (Chile) 19 h, Sala Verdi Martes 6 febrero DEMASIADO JUNTAS (Uruguay) 20.30 h, Sala Verdi Miércoles 7 febrero DEMASIADO JUNTAS (Uruguay) 20.30 h, Sala Verdi Viernes 9 febrero MARÍA ISABEL (Chile) 20:30 h, Sala Verdi Sábado 10 febrero VIVIR VENDE (Argentina) 20.30 h, Sala Lazaroff MARÍA ISABEL (Chile) 20:30 h, Sala Verdi Domingo 11 febrero VIVIR VENDE (Argentina) 19 h, Sala Lazaroff LAS PENAS DEL JOVEN WERTHER (España) 19 h, Sala Verdi Lunes 12 febrero LAS PENAS DEL JOVEN WERTHER (España) 20:30 h, Sala Verdi Martes 13 febrero A FUEGO (España) 20:30 h, Sala Verdi Miércoles 14 febrero A FUEGO (España) 20:30 h, Sala Verdi Viernes 16 febrero EN MITAD DE TANTO FUEGO (España) 20:30 h, Sala Verdi Sábado 17 febrero CONTINENTE MARÍA (España) 20:30 h, Sala Lazaroff EN MITAD DE TANTO FUEGO (España) 20:30 h, Sala Verdi Domingo 18 febrero CONTINENTE MARÍA (España) 19 h, Sala Lazaroff
Jueves 22 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Viernes 23 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Sábado 24 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Domingo 25 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 19 h, Sala Verdi Martes 27 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Miércoles 28 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Jueves 29 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Viernes1 marzo MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Sábado2 marzo MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Domingo3 marzo MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 19 h, Sala Verdi
Las obras:
A FUEGO: Compañía LA BELLA OTERO Catalunya, España Monólogo tragicómico autoficcional en verso:
Fotografía:David Ruano
Eróstrato, un pastor de la Antigua Grecia, incendió el templo de Artemisa de Éfeso, considerado una de las siete maravillas del mundo antiguo. Después de ser detenido, interrogado y torturado, acabó confesando la verdadera razón que lo había llevado a cometer aquel acto: «pasar a la posteridad». En este monólogo íntegramente en verso, lleno de sátira, juegos de palabras y metateatralidad, veremos cómo la fascinación del protagonista por la figura de Eróstrato se convierte progresivamente en una obsesión, hasta hacerlo cometer un crimen a la altura de su ídolo infame. Saltando de un personaje a otro, el autor-intérprete se ríe de su propia megalomanía, invitándonos a reflexionar sobre el narcisismo imperante de nuestra época y el deseo intrínseco al ser humano de dejar huella; ya sea a través de una expresión artística, un oficio, una revolución o un acto criminal.
CONTINENTE MARÍA: Galicia, España Teatro documento
Fotografía: Aigi Boga
Un canto a la vida y al teatro a través del diálogo con la extraordinaria figura de María Casares. Mediante las múltiples posibilidades que nos ofrece el teatro, evocamos a María no solo como la inolvidable actriz que fue, sino también como el ser humano que se entregó con absoluta intensidad a la vida y a la escena para vencer el miedo y sobreponerse al exilio, descubriendo en las tablas su verdadera patria. La Casares se nos presenta como un mapa a recorrer, pero no como turistas, sino como viajeras curiosas, gozando de los detalles que nos proporciona su paisaje, lleno de vitalidad y ganas de vivir en presente absoluto todo lo que la realidad y la poesía nos puede ofrecer. Un mapa de un Continente inabarcable en el que queremos permanecer porque estamos seguras de que vivir en él nos hará mejores, como individuos y como sociedad. Conversamos con el legado de María tratando de recoger la retranca, el humor, y la musicalidad que se desprende de sus entrevistas y escritos, que se descubren ante nosotros como un faro que arroja luz y claridad a un presente que precisa referentes de libertad y compromiso.
DEMASIADO JUNTAS: Montevideo, Uruguay Comedia
Fotografía: Matías Fabricio
La pieza reúne a las famosas hermanas siamesas Yvonne y Mabel para narrar su verdadera historia. Nacidas en un viejo circo criollo, estas dos bellas niñas unidas en un solo cuerpo atravesarán distintas etapas de su crecimiento personal y artístico a lo largo del siglo XX. Así descubrirán el secreto más cruel que el destino les tiene guardado. Las mentiras, el éxito y el declive de su olvidada carrera brillarán una vez más sobre el escenario. ¿Quién podría perdérselas?
EL BROTE: Buenos Aires, Argentina Comedia dramática
Fotografía: Luis Ezcurra
A un actor se le comienzan a desdibujar los límites entre la ficción y la realidad y ahora hasta desconfía de quien escribe los acontecimientos de su propia vida. ¿Qué clase de personaje somos en esta historia?
EN MITAD DE TANTO FUEGO: Catalunya, España Drama
Fotografía: David Ruano
Un alegato contra la guerra y un canto a la libertad, al amor y el deseo. La pieza aborda la belleza, el misterio y la oscuridad de un poema épico que profundiza en la condición humana. Combina voces del pasado y el presente, enlazando diversas épocas a partir del personaje de Patroclo, compañero de armas y amante de Aquiles, presente en La Ilíada y otros textos clásicos. La obra es entonces, tanto una canción de guerra como un oratorio por las víctimas, un poema oscuro acerca de la violencia del campo de batalla, pero también de la violencia del deseo. Porque La Ilíada comienza con las deserciones de estos dos hombres que se aman y deciden abandonar el campo de batalla diez años después del inicio de la guerra. Por eso sostienen los artistas “seguimos hablando de la guerra de Troya porque todavía sigue ardiendo”.
LA VIOLACIÓN DE UNA ACTRIZ: Santiago, Chile Drama
Fotografía: Braulio Martinez
En medio de la peste, una actriz debe interpretar nuevamente una obra que ha interpretado durante años, aunque esta vez, es a través de una pantalla. Antes de entrar a escena, la actriz recuerda repentinamente un episodio de su vida y se niega a actuar: de pronto, toda su vida se ha resignificado. A partir de esta historia reflexionaremos acerca de la violencia sexual ejercida sobre la mujer a lo largo de la historia, la negación, la mentira y los obstáculos con los que se encuentran las víctimas al aceptar sus propios episodios de abuso.
LAS PENAS DEL JOVEN WERTHER: TEATRO TANTARANTANA Catalunya, España Un gran meme sobre el negocio de la tristeza a partir de la obra de Goethe
Fotografía: Roser Blanch
Ghosting, benching, sadfishing, palabras que maquillan una dolorosa realidad: pasan de ti. Así debía sentirse Werther, el personaje de Goethe, en su intento de conquistar a Lotte. El autor alemán se abrió un canal en este blockbuster empezando un negocio con su propio dolor. ¿En un mundo donde se nos impone “ser diferentes y auténticos” constantemente, estamos comercializando nuestras lágrimas?
Las penas del joven Werther es un espectáculo de estímulos y contrastes a partir de la obra de Goethe, alrededor de la mercantilización de la tristeza, el fascismo emocional y la identidad como espectáculo. ¿Desde cuándo el dolor se ha convertido en una fuente de negocio? Mel Salvatierra es actriz y al fin ha conseguido su deseo: hacer un monólogo a partir del Werther de Goethe. Aun así, el proceso de esta obra será todo un dolor de cabeza. A partir de una sola actriz, un montaje frenético y mucho de humor negro, se sirve un espectáculo en forma de neovarietés, relleno de referentes millennials como la cultura Emo, los memes tristes o Lana del Rey.
MARÍA ISABEL: Centro Cultural GAM Santiago, Chile Propuesta interdisciplinar
Diseño: Manuel Morgado
Una puesta en escena que explora la historia y figura de María Isabel Matamala, médica especialista en Salud Pública y ex miembro del Movimiento de Izquierda Revolucionario (MIR), detenida y llevada a Villa Grimaldi y posteriormente a Tres Álamos. Esta producción GAM dirigida por Ana Luz Ormazábal, llega bajo la línea de 50 años del Golpe. La figura de María Isabel Matamala es el personaje central de la puesta en escena que cuenta y rememora una investigación que nunca vio la luz. Esta doctora chilena escribió junto a otras militantes, un manifiesto feminista que hablaba de la realidad discriminatoria de las mujeres dentro de un partido revolucionario mientras fueron prisioneras en Tres Álamos. Repleto de datos, fechas, relatos, reflexiones y preguntas, el documento fue sacado del centro de detención y enviado clandestinamente a la CIMADE, pero al llegar a Francia y ser entregado al MIR desaparece. ¿Cómo era ser feminista dentro del MIR? ¿Qué cambios de época vemos y qué queda por hacer? ¿Qué pasó con esos textos? Son algunas de las preguntas que guían el proyecto.
“La historia de María Isabel representa la de muchas mujeres, mujeres que ya no están, que desaparecieron, fueron torturadas, asesinadas, y otras que sobrevivieron. Ella de manera muy generosa, nos entregó su testimonio, a partir del cual tratamos de encarnar otras voces; la historia del país, la de María Isabel, su vecina, personajes anónimos y de muchas otras identidades”, comenta la directora, Ana Luz Ormazábal.
MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO: Montevideo, Uruguay Versión escénica de la novela homónima de Alicia Migdal
Una podría ser otra, su doble -¿su multiplicación?- y las que no aparecen. Un torrente de mujeres se cristaliza: historias como instantáneas cotidianas que pudieron haber sido. Un discurso cinematográfico artesanal en el que alguien une un fragmento de film con otro y la vida cambia para siempre. Es por acumulación que la totalidad de la existencia se constituye como un sinsentido.
Momentos mínimos, gestos, objetos que parecen objetos que no son. Algo se traslada en un viaje que termina en las mismas esquinas, miradas, insistencias. Montevideo es una protagonista utópica y las calles una ficción ideal. Pero el teatro es un teatro y es adentro y es oscuro: apagadísimo encierro. Allá a lo lejos un destello. “Viajar a algún país y morir justo en el lugar en el que alguien ha puesto una bomba. Viajar para estar cerca de las bombas” La metáfora de la explosión ha quedado obsoleta; la versión escénica de Muchachas de verano en días de marzo es una invitación a la paciencia, a la escucha de lo imperceptible, a no esperar suceso ni momento específico ni hecho, a no forzar la vida ante tanta muerte.
ROJO: LA CONGREGACIÓN Botogá, Colombia Tragedia contemporánea
Fotografía: Saúl Redondo, Camilo Montiel
Se trata de una apuesta teatral de gran formato en la que dialogan disciplinas artísticas como la danza contemporánea, la música y las artes plásticas; parte de la necesidad creativa y poética de formular una reflexión crítica sobre la violencia y el terror en la historia de nuestro país, desde la tragedia contemporánea como género y lenguaje.
Rojo es la historia de un pueblo que desaparece del mapa. Es la cartografía del engaño y el odio que se siembra en “El Refugio” tras el velo del progreso y la civilización. Rojo es un zapato para caminar como la gente de bien, es un registrador que bautiza a su antojo “lugareños” en un tiempo sin nombre, es un señor con helicóptero que limpia la selva para hacer carreteras, es una promesa, es el deseo de tener más así seamos menos, es una pista donde aterrizan avionetas cargadas de dinero blanco, es el culto a la muerte, es brujería, es una pantera que muerde amaneceres y entierra antiguos amigos, es un barrio, es una frontera invisible, es la conducta del silencio, es la primera comunión con la guerra, es una foto de infancia bañada de sangre, es la patasola que visita una casa de espectros, es la genealogía del mal. Es la historia cifrada del narcotráfico y el terrorismo en Colombia.
TOTÓ, UN PAYASO VIAJERO: Las Palmas de Gran Canaria, España Clown
Fotografía: Dario Rocha
En este espectáculo multidisciplinar Totó nos cuenta, con una visión muy contemporánea del clown, sus últimos viajes por el mundo. Lo hace mediante sus números de malabares, lo que él entiende por magia, sus alocadas aventuras, historietas y hazañas…pero sobre todo, lo hace con mucho humor, porque eso es lo que nunca falta en su maleta después de cada viaje. Pero ¡cuidado! Totó puede estar por la mañana en Australia, almorzar en el Congo y llegar por la noche a Brasil y ¡claro que tanto soñar cansa mucho! así que su locura y delirios clown tendrán al público navegando permanentemente en el placer de ver un payaso, cercano, enérgico, travieso y soñador.
Un espectáculo para disfrutar con toda la familia y que con el paso del tiempo se ha convertido en un espectáculo fresco y participativo donde la diversión está garantizada para todos los públicos. Un formato ínter-generacional con el Totó ha recorrido muchos kilómetros tanto en Canarias, España, Europa, Asia y África.
VIVIR VENDE: Compañía SELECCIÓN NATURAL – Buenos Aires, Argentina Danza-performance
Vivir Vende FIBA - Fotografía: Ignacio Sánchez
VIVIR VENDE habla de vivir y de vender/se. La vida está en venta. VIVIR VENDE es una obra, una performance y un ensayo hecho por una compañía después de 10 años de trabajo conjunto.
Habla de nosotros, bailarines, artistas del tercer mundo, a la intemperie en medio de la super crisis de sentido de todo. Reafirmando nuestro presente, nuestra obra es estar. Permanecer. Ante el mercado salvaje, capitalizar nuestro erotismo. Usar nuestros cuerpos y seducción como capital. Entramos por decisión al juego y de algún modo logramos emanciparnos. Nos reímos de todo. De la moda, de la precariedad, de ser pobres, de ser lindos. Como los cartoneros salimos a buscar basura en las calles, para nuestro desfile de moda. Abrazamos el mundo asi como viene. Nos infiltramos. Desde el lugar que ocupamos, abrimos el campo. Nos ves por dentro, nos ves por fuera, nos ves ensayando, nos ves exigidos, nos ves gozar, nos ves el culo.
SEDES:
Centro Cultural Artesano Bv Aparicio Saravia 4697 (Peñarol) Centro Cultural Terminal Goes Gral Flores y Domingo Aramburú Sala Jorge Lazaroff Intercambiador Belloni, 1er piso 8 de Octubre 4849 esq José Belloni Sala Verdi Soriano 914
COMPRA DE LOCALIDADES:
Espectáculos en Sala Verdi hasta el 23 de febrero Entradas generales: $ 100 Comunidad La Diaria y FUCVAM:2 x 1 Credencial Verde: titular gratis, acompañante 50 % Montevideo Libre: gratis (de acuerdo al cupo) a partir del 24 de febrero Funciones de MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO Entradas generales: $ 500 Comunidad La Diaria y FUCVAM: 2 x 1 Credencial Verde: titular gratis, acompañante 50 % Montevideo Libre: gratis (de acuerdo al cupo) Jubilados: $ 300 / Jóvenes hasta 21 años: $ 200 Localidades en venta en Abitab, Redpagos, Tienda Inglesa, tiendas de ANTEL, página de Tickantel y boletería de Sala Verdi, abierta de martes a sábados de 15.30 a 21.30 y domingos de 15:30 a 19:30hs.
Espectáculos en Centro Cultural Artesano: Entrada libre, por orden de llegada. Espectáculos en Plaza del Centro Cultural Terminal Goes: Entrada libre. Espectáculos en Sala Jorge Lazaroff:Entrada gratuita. Reserva previa por: sala.lazaroff@imm.gub.uy tel 1950 9075 wsp 099612009
Stefanie Neukirch debuta con su primer trabajo como directora al frente de la obra teatral «Barrabás, Historia de un perro», una tragedia que promete conmover y reflexionar sobre las complejidades de las relaciones familiares. La pieza, con una duración de 75 minutos, se presenta en la Sala Zavala Muníz del Teatro Solís de Montevideo durante el mes de febrero de 2024.
Sinopsis: Un niño de dos años es atacado por su perro en una situación doméstica. La madre es testigo del ataque, el padre no. Padre y madre se culparán por turnos en el intento fallido de encontrar una explicación a lo inconmensurable.
Entradas: Tickantel y boletería del Teatro Solís – Costo: $ 550
Total: 10 Funciones
Fechas: Desde jueves 1 al domingo 4 y del martes 6 al domingo 11 – Febrero 2024
Horarios: Días de semana y sabados 20:30hs, domingos 19:30hs
Elenco: Estefanía Acosta (Muriel) y Lucio Hernández (Tomás)
BIOGRAFÍAS:
Stefanie Neukirch, Bonn 1983: Egresa de la American Academy of Dramatic Arts de Nueva York y completa sus estudios en el T. Schreiber Studio de la misma ciudad. Trabaja en teatro “off Broadway” junto al creador Richard Foreman.
Es actriz del elenco estable de la Comedia Nacional, donde interpreta repertorio clásico y contemporáneo del teatro universal tanto en Montevideo como en la escena internacional.
Ha traducido una decena de obras como Tom Pain de Will Eno y Madre Coraje y sus Hijos de Bertolt Brecht al castellano.
Como dramaturga, ha estrenado las obras Toda mi vida me gustaron las matemáticas, Valor Facial y No ver no oír no hablar (Premio Florencio a mejor texto de autor nacional). Barrabás, Historia de un Perroconstituye su primer trabajo de dirección.
Estefanía Acosta (1980): Actriz y licenciada en psicología. Egresa en 1998 de la Escuela del Actor y en 2004 de la Escuela de Arte Escénico Mario Galup del Teatro El Galpón. Ha integrado el elenco estable de dicha institución desde entonces.
Ha trabajado con destacados directores del medio, haciendo su debut en 2003 con Coco Rivero en la obra Cruzadas y su primer protagónico en 2004 con Vacas gordas bajo la dirección de Chino Campodónico.
Trabajó con directores extranjeros entre los que se destacan Aderbal Freire (Incendios), Natalia Menéndez (El pequeño poni), Fernando Rubio (Todo lo que está a mi lado) y Marcelo Díaz (Casa de muñecas)
En el medio audiovisual participó en Adicciones (serie canal 12), Temporario (serie canal 10) Joao o maestro (largometraje Brasil), Una bala para el Che (Uruguay), entre otras.
Lucio Hernández (1966): Egresado de la Escuela de Teatro Circular de Montevideo en 1993. Trabajó con los principales directores del medio a partir de 1994, debutando en Ángeles en América bajo la dirección de Antonio «Taco» Larreta.
En 2005, se integra a la Comedia Nacional, elenco estable de la ciudad de Montevideo. Se retira del mismo a finales de 2021 para continuar su carrera en el teatro independiente, después de participar en decenas de espectáculos y protagonizar Otelo y Arturo Uí entre otros.
Como director estrenó: Variaciones Meyerhold de Eduardo Pavlovsky, Tom Pain de Will Eno (Recibiendo el premio Teatro del Mundo de la Universidad de Buenos Aires), Labio de Liebre de Fabio Rubiano, Jumpy de April de Angelis y, recientemente, Consentimiento de Nina Raine.
En el exterior: participó de workshops junto al Studium Teatralne de Varsovia, el Panti Pusaka Budhaya de Bali y la School of Martial Arts, en Trivandrum, India. Participación en cine y series: Los enemigos del dolor, La muerte de un perro, La teoría de los vidrios rotos.
Con más de 90 artistas en escena, el Teatro El Galpón se prepara para recibir un espectáculo único que celebra la cultura y la historia armenia. «Somos Nuestras Montañas«, una obra dirigida por Verónica Pérez Manukián y producida por el Colectivo del Centro Nacional Armenio, promete llevar al público en un viaje sensorial a través de la música, la danza y la emotividad de una cultura milenaria.
Esta producción se llevará a cabo el lunes 20 de noviembre a las 21:00 horas en el Teatro El Galpón y contará con la participación de más de 90 artistas en escena. El conjunto de Danzas Armenias Gaiané, el Coro Grung y el Conjunto Orquestal, dirigido por el Maestro Alvaro Hagopián, se unen para ofrecer una experiencia cultural y artística inigualable.
«Somos Nuestras Montañas» se desarrolla en torno a tres ejes temáticos que honran la cultura armenia y su legado. En primer lugar, se rinde homenaje al compositor Aram Jachadurián a través de la interpretación de obras del ballet Gayané, incluyendo «Primavera» y «Danza de las Muchachas», junto con la pieza musical «ELEGÍA» de Arno Babajanyan en ocasión de la muerte de Jachadurián. Este homenaje artístico destaca la importancia de la música en la cultura armenia.
En segundo lugar, el repertorio clásico se presenta a través de la destreza y alegría de la cultura popular, con la participación de un grupo infantil que ejecuta una suite propia. Esta sección busca acercar al espectador a la riqueza del ballet folklórico y clásico armenio.
El tercer eje temático aborda la situación de Artsaj en el enclave de Nagorno Karabagh, donde los armenios han sido desplazados de sus tierras milenarias. En un año marcado por estos desplazamientos, el conjunto de Danzas Armenias Gaiané hace un llamado a la convivencia pacífica, al respeto y a la no olvidar la historia y el sufrimiento del pueblo armenio.
En el escenario, más de 50 bailarines y una orquesta compuesta por 11 instrumentos, acompañados por un coro de más de 30 integrantes, crean una experiencia visual y auditiva impresionante. El vestuario, rico en detalles étnicos y trajes típicos, transporta al público a tierras milenarias mientras se interpretan episodios históricos y se celebran las raíces culturales armenias.
La puesta en escena también destaca la importancia de mantener viva la cultura armenia en el mundo, especialmente en momentos difíciles como el desplazamiento de los armenios de sus tierras en Artsaj. A través de la danza y la música, se hace un llamado a la convivencia pacífica, el respeto y la memoria.
Este espectáculo es apto para todo tipo de público y ofrece una experiencia que combina música, color, emoción y sentimiento. Los bailarines demuestran tanto sutileza como fuerza en sus coreografías, brindando un espectáculo completo y único que nos lleva a tierras milenarias y nos hace reflexionar sobre los valores más profundos de la convivencia humana.
El Conjunto de Danzas Folklóricas Armenias «Gayané» ha desempeñado un papel fundamental en la preservación y difusión de la cultura armenia en Uruguay durante 68 años. Este grupo artístico ha actuado tanto a nivel nacional como internacional, llevando la riqueza de la cultura armenia a diversos rincones del mundo.
El Centro Nacional Armenio del Uruguay, fundado en 1935, ha sido un pilar en la promoción y preservación de la cultura armenia a lo largo de los años. A través de actividades culturales, deportivas y educativas, la institución ha contribuido al enriquecimiento de la comunidad armenia en Uruguay y la difusión de la cultura armenia en la sociedad uruguaya.
Las entradas para «Somos Nuestras Montañas» están disponibles a un precio que varía entre $500 y $750 según la ubicación en el Teatro El Galpón. Se pueden adquirir a través de Tickantel en Abitab y Redpagos, así como en la boletería del teatro.
¿Eres un amante de la literatura de Henrik Ibsen? ¿Te has preguntado alguna vez qué le habría sucedido a Nora Helmer, la icónica protagonista de ‘Una casa de muñecas‘, si su historia hubiera continuado? Ahora tienes la oportunidad de descubrirlo. El próximo 10 de noviembre, se estrena ‘Ibsen ha muerto (o lo que le hubiera pasado a Nora)’ en un espacio no convencional, en la zona del Parque Rodó, bajo la dirección general y adaptación de Fernando Rodríguez Compare.
La influencia del legendario dramaturgo Henrik Ibsen sigue resonando con fuerza, desafiando las barreras del tiempo y la historia. A pesar de haber fallecido hace 117 años, Ibsen continúa siendo una figura peligrosa en el mundo del teatro, especialmente cuando se trata de cuestionar la moral burguesa. Este noviembre, prepárate para sumergirte en el fascinante mundo de Ibsen a través de ‘Ibsen ha muerto (o lo que le hubiera pasado a Nora)’, una obra teatral que pone el foco en sus personajes femeninos apasionados y reprimidos, bondadosos y malvados, sumisos y rebeldes, sacrificados y pacientes.
Sinopsis de la Obra: La adaptación, dirigida por Fernando Rodríguez Compare, se inspira en las obras ‘Una casa de muñecas’ y ‘Espectros‘ de Henrik Ibsen. ¿Alguna vez te preguntaste qué habría ocurrido con Nora Helmer después de cerrar la puerta al final de ‘Una casa de muñecas’? ¿Y con Lena Alving, la protagonista de ‘Espectros’? ‘Ibsen ha muerto’ plantea estas preguntas de manera intrigante, llevando a la audiencia en un viaje emocional y reflexivo. La obra explora el destino de Elena, una Nora que no pudo dar el portazo e irse, y se cuestiona si Ibsen puede seguir «espantando burgueses» en el siglo XXI.
Fechas y Horarios:
Viernes y Sábados de noviembre a las 21:00 hs.
Domingos de noviembre a las 20:30 hs.
Para reservar tus entradas y conocer dónde se podrá en escena debes escribir al correo electrónico reservasibsen@gmail.com
El Teatro Victoria (Río Negro 1479) se prepara para recibir una obra teatral que promete cautivar a todos aquellos que buscan una experiencia emocional y reflexiva. «Hijos e Hijas» hará su estreno el sábado 18 de Noviembre y ofrecerá un total de 7 funciones para el disfrute del público.
Fechas y Horarios:
Sábados: 18 de Noviembre y 25 de Noviembre, 2 y 9 de Diciembre a las 21 horas.
Domingos: 19 de Noviembre, 3 y 10 de Diciembre a las 19 horas.
Sinopsis –
Una pareja de físicos nucleares jubilados vive en una pequeña cabaña cerca del mar. Sus vidas se han visto afectadas por un reciente desastre. De forma inesperada, llega una ex-colega, a quien no veían desde hace 38 años. Un pedido urgente e inusual vendrá a alterar la precaria y ordenada existencia de esta pareja. Un pedido que les cambiará la vida a ellos y a otros como ellos.
Este espectáculo es producido por el Programa Fortalecimiento de las Artes de la Intendencia de Montevideo.
Fotos: Amílcar Persichetti
Entradas a la venta por Abitab y boletería del Teatro Victoria
Entradas generales $ 500
Beneficios con La Diaria y Socio espectacular.
Jubilados (solo venta en sala)
Reservas de entradas a producción de la obra comunicándose con el celular 098 171 880.
Ficha técnica
Elenco: Bettina Mondino – José Luis Morales – Margarita Musto
El martes 3 y miércoles 4 de octubre a las 20:30hs se exhibirá «NO HAY PIEZAS DE REPUESTO EN EL CAIRO» en el Auditorio Nacional del Sodre, sala Hugo Balzo.
Sinopsis:
«Denisse cuestiona su presente a través de los fantasmas del pasado. Se le atraviesan sus pensamientos más íntimos, la liberación y hasta el arrepentimiento. En la recreación, sin embargo, se pregunta qué sucede cuando las piezas ya no existen.¿Es acaso el reemplazo una opción? Una suerte de bitácora autoficcional que habilita la mentira y la verdad a través de la reconstrucción de determinados hechos en la vida y familia del personaje protagonista.» Espectáculo con música en vivo.
En el año 2022 la obra obtuvo una mención en los premios nacionales de literatura en la categoría dramaturgia inédita.
Género: Autoficción, Unipersonal.
Entradas a la venta en TickAntel y boletería del teatro. Costo $ 600
Elenco:
Escribe y protagoniza : Melanie Catan Dirige: Luz Viera Músico en escena: Martín Pisano Vestuario: Nicolás Cabanelas Luces: Lucía Godoy Visuales: Renata Sienra Asistente de dirección: Julieta Barmaymón Producción: Belle Pozzi Gestión de prensa: Beatriz Benech
El 6 de setiembre tendrá su debut «La Sapo«, en el Teatro Alianza. Esta co-producción uruguaya – argentina dirigida por Ignacio Tamagno (AR) estará disponible hasta el 12 de setiembre, las funciones son a las 20:30hs, excepto 10 de setiembre que será 19hs.
La obra está protagonizada por Emilia Díaz y Sofía Rivero (UY).
Sinopsis: «En un patio lleno de oscuridad, una nieta y su abuela muerta desentierran el oscuro y violento pasado familiar que las mantiene unidas.La puesta en escena busca conmover al público mediante una atmósfera nocturna cargada de tensiones y violencia, pero que al mismo tiempo destila un nuevo amor intergeneracional, rompiendo los vínculos de crueldad y desamor que han plagado la historia familiar».
Entradas a la venta por tickantel y boletería de la sala. General: $600 | BBVA desc 20% | Promoción 2 x $1000.
La obra fue seleccionada por el Programa Iberescena y se presentará en el Festival de Artes Escénicas de Rosario y el Festival del Mercosur en Argentina.
El Sábado 26 y Domingo 27 de Agosto a las 21 hs. En la Sala Hugo Balzo del Sodre tendrás la oportunidad de ver la obra «Extractos» – Texto y dirección Leonardo Martínez.
Sinopsis: Extractos propone una experiencia estética sencilla y profunda. Está apoyada en el vínculo entrañable de sus dos personajes “Ada” y “El genio” a quienes vemos atravesar diferentes sucesos de sus vidas: charlas de bares, peripecias laborales, juramentos, canciones a toda hora, recaídas en vicios, pérdidas de familiares, desencuentros amorosos, deseos bajo las estrellas, serenata al vecino y más. Estos sucesos cotidianos y repetidos están presentados estructuralmente en la pieza, en dosis breves e intensas.
Ella y él, han juntado sus vidas para sobrevivir económica y afectivamente. Son moza-niñera y bailarín-actor de publicidades, pero por sobretodo son amiga y amigo: “tu amistad es lo único sano” dice ella, “tu amistad es mi único éxito” dice él.
Es una obra sobre la convivencia y la amistad. “Esto así expresado, puede parecer solemne. La obra no lo es. Esto es mérito de dos actores cuyos físicos se complementan notablemente, y que consiguen elaborar cuadros plásticos particularmente hermosos ensayando danzas o vuelos, que es lo que tienen en común, además de tomar helados” (María Esther Burgueño, “Cómo pactar con lo bello.” revista Relaciones, págs 29 y 30; mayo de 2023).
Entradas a la venta en Tickantel, Redes de Cobranza y boletería de la sala. Localidades generales $ 550 – 2 x 1 La Diaria – Socio Espectacular con beneficio.
Biografías:
LEONARDO MARTINEZ
Dramaturgo, Director teatral y Actor. Ha realizado la dramaturgia de más de 20 obras teatrales y dirigido más de 30 espectáculos, estrenados en diversas ciudades de Uruguay y Argentina. Ha participado con sus espectáculos en Festivales Internacionales en Argentina, Chile y Bolivia. Así como en sucesivas ediciones del FIDAE y de la BIENAL DE TEATROS DEL INTERIOR. Ha recibido premios y nominaciones de ATI, ACTU, y de la Regional Norte de Teatros Independientes de la Provincia de Buenos Aires, por sus Creaciones como Director y como Dramaturgo. Recibió el premio a la ACTIVIDAD TEATRAL, entregado por la revista Renacimiento y el Gobierno Dptal. de Río Negro (Uruguay). Actualmente es dramaturgo y director artístico en La Liga de Artes escénicas del Litoral que nuclea colectivos teatrales y creadores escénicos de Paysandú, Fray Bentos, Carmelo y Montevideo. En el marco de este proyecto escribe y dirige en varios espectáculos de los colectivos Decartón (Carmelo), Imaginateatro (Paysandú) y El Almacén (Villa Dolores, Montevideo) En 2019-2020 escribe y dirige el espectáculo “La inminencia de la fragilidad”, primera producción de la Liga de Artes Escénicas del Litoral.
RENATA DENEVI
Luego de estudiar durante dos años en el taller de actuación ante cámara dictado por Beatriz Flores Silva, ingresa en la EMAD ( Egresa en el año 2017). Paralelamente realiza trabajos como asistente de dirección en obras como: «Largo viaje de un día hacia la noche» de Eugene O’Neill, dirigida por Jorge Denevi, » Clase» de Guillermo Calderón dirigida por Coco Rivero. Se desempeña también en el área audiovisual como actríz en cortometrajes: » El próximo verano» y «Victoria» de Agustín Fernández. Realiza spots audiovisuales para obras de danza: » Enigmas como ofrendas para el pozo» de Julieta Malaneschii y «Expandido» de Cecilia Lussimehier. Escribe y dirige en el año 2017 » Madre». Actúa en : «La Nave» dirigida por Natalia Castello «Potestad» de E. Pavlovsky dirigida por Walter Silva ‘Panorama desde el puente’ de A. Miller dirigida por Jorge Denevi, “El desalojo» dirigida y escrita por Luis Pazos, «Pájaro estúpido» como actriz invitada de la comedia Nacional dirigida por Jorge Denevi “La violación de Artemisia Gentileschii» escrita y diriga por Jorge Denevi.
LUIS PAZOS
Actor, músico y bailarín, formado en la EMAD (Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático) y en la EDA (Escuela del Actor), con estudios complementarios en actuación, danza, música, literatura, recreación y pedagogía teatral, recibidos durante talleres, cursos y seminarios a cargo de maestrxs nacionales e internacionales. Actualmente forma parte de las compañías teatrales: El Almacén, en Montevideo, y Le Théâtre de l’Hydre, en Francia; y trabaja como actor en cine, teatro, televisión y publicidad, desde 2011. Como actor, trabajó en los proyectos: TEATRO – Extractos, dirección de Leonardo Martinez Russo. – Ismael, de Leonardo Martinez Russo y dirección de André Hubener. (Cía. El Almacén) – Galgos, de Leonardo Martinez Russo y dirección de André Hubener. (Cía. El Almacén, Liga de Artes Escénicas y Sala Verdi) – Macabre Carnaval, con la compañía Le Théâtre de l’Hydre, en el Festival CNAREP Sur le Pont (La Rochelle, Francia) y Festival des Francophonies (Limoges, Francia); con la troupe du Théâtre de l’Hydre. – Idea y Mario, Obra homenaje a Idea Vilariño y Mario Benedetti. Producida por Sala Verdi, dirigida por Gustavo Zidan. – Unipersonal Dados Tirados, de Anthony Fletcher, en Festival de Temporada Alta, Uruguay. (Nominado para el premio Florencio como “mejor actor en unipersonal”) en el mercado de artes Mapas, de Tenerife, España. – Participa del grupo de artistas en el Laboratorio Etre et Jouer WS2-Montevideo, dirigido por Laurent Berger. – La chancha, dirección de André Hübener, Cía. El Almacén. – Los Crueles, dirección de Viviana Stagnaro y Camila Vives. – Tiempo de fiesta, de Harold Pinter, dirección de Ana Pañela, (actor invitado en la Comedia Nacional). – Representantes, una obra sobre Horacio Buscaglia, dirección de Ignacio Duré. – Salsipuedes: El Exterminio de los Charrúas, de Alberto Restuccia, dirección de Paula Bonilla. – Work in Progress de La Fura dels Baus, dirección de Jürgen Müller y Judy Lomas, FIDAE (Festival Internacional de Artes Escénicas)
Desde el 17 al20 de Agosto, se estará realizando el VI Encuentro Internacional de Saxofones, a las 20 hs, en la Sala Verdi (Soriano 914). El espectáculo cuenta con grandes exponentes musicales de Argentina, Austria, Brasil, Costa Rica, México y Uruguay.
En el marco del 85° aniversario de AUDEM (Asociación Uruguaya de Músicos), junto con la Escuela de Música, se producirá este evento que no solo brindará una serie de conciertos, sino que también habrá talleres y clases magistrales dictados por algunos de los profesores participantes, dirigidos a todo público interesado.
Estará presente la profesora Ilse Riedler, gentileza de la Escuela J.S. Bach de Viena que en el marco de este encuentro estará impartiendo clases desde el 14 al 26 de agosto, en saxofón, clarinete y flauta traversa en las siguientes áreas: jazz, rock, pop y música de teatro, tanto en clases individuales como formación de ensambles.
También estarán presentes María Noel Luzardo (Uruguay- Argentina), Carlos Gontijo (Brasil) a Sofía Zumbado (Costa Rica), a Livio Almeida (Brasil), a Dúo Nacht & Carpossi (Argentina), Dúo “Brizki” (Argentina) y ensamble femenino de saxofones MUSAX (México), y desde Uruguay Patricia López con su proyecto “Jazz Latinoamericano”.
Entradas en venta en Tickantel, redes de cobranza y boleteria de la sala.
COSTO DE ENTRADAS $ 450
Abono por todas las fechas $ 1.200
Abono por 3 fechas $ 1.050
DETALLE DEL PROGRAMA:
Jueves 17 de agosto – 20 hs. Dúo Nacht & Carpossi (Argentina)/ Ilse Riedler – en cuarteto jazz (Austria)
Viernes 18 de agosto – 20 hs. Carlos Gontijo (Brasil) / MUSAX – Ensamble de saxofones (México )
Sábado 19 de agosto – 20 hs. Sofía Zumbado (Costa Rica)/ Livio Almeida (Brasil)/ María Noel Luzardo (Argentina).
Domingo 20 de agosto – 20 hs. Patricia López & jorge Rodríguez Stark – Jazz Latinoamericano (Uruguay)/ Dúo de saxofones “ Brizki” (Argentina)
Talleres (AUDEM – Maldonado 983 )
Lunes 14 a Sábado 26 de agosto – a partir de las 14 hs. Ilse Riedler
Jueves 17 de agosto – 14 hs. lse Riedler
Viernes 18 de agosto – Ilse Riedler – 14 hs. / Luis Nacht & Patricio Carpossi – 16 a 18 hs.
Sábado 19 de agosto – Sofía Zumbado – 14 a 16 hs. / Carlos Gontijo & Livio Almeida – 16 a 18 hs.
Lunes 14 de agosto – 14 hs. Taller abierto con entrada libre, el resto de los talleres con costo.
Durante abril vuelve la obra «Frecuencia Fantasma«, con 4 únicas funciones en Teatro Solís (Sala Zavala Muniz).
4 únicas funciones: jueves 18 · viernes 19 ·sábado 20 a las 20:30hs. y domingo 21 de abril19hs.
Sinopsis:
«Una neurocientífica llega a la ciudad de Montevideo con el objetivo de estudiar el efecto que ciertas frecuencias sonoras producen en el estado anímico de las personas. El desarrollo de una metodología singular la lleva a franquear las fronteras de la ciencia. La búsqueda de la Dra. Christina Heimbürger se vuelve así rizomática, problematizando la melancolía, los límites de lo cognoscible y las convenciones arbitrarias que a fuerza de repetición dejamos de ver«
La dramaturgia es el resultado de un proceso de investigación escénica tomando como punto de partida el texto Frecuencia fantasma: notas de campo de Florencia Dansilio y el trabajo interdisciplinar del colectivo Hiedra.
Colectivo Hiedra:
Hiedra es un colectivo de investigación y de creación escénica fundado en 2021 por Alejandra Artigalás, Florencia Dansilio, Karen Halty, Camila Sanson, Jimena Ríos y Lilén Halty. Los proyectos realizados por Hiedra hasta la fecha reúnen a un conjunto de creadoras escénicas especializadas en diferentes rubros (dirección, dramaturgia, actuación, diseño teatral, danza contemporánea, música) en torno a la investigación y creación teatral colectiva. La primera línea de trabajo exploró la relación entre diferentes disciplinas artísticas y el vínculo con espacios no teatrales. En 2021 presentan “Museo – Primer movimiento”, una puesta en escena del texto de Piel de Lava en el Centro de Exposiciones Subte de Montevideo. Ese mismo año, realizan “El alma – Segundo movimiento”, una creación escénica a partir de Fausto de J. W. Goethe en el marco del programa de residencias “Sala de Pruebas” de Proyecto Casa Mario. En 2023 presentan su tercer movimiento, “Sociología In Situ: un recorrido por el premio”, una intervención performática del Premio Nacional de Artes Visuales en el marco del ciclo “After EAC” del Espacio de Arte Contemporáneo. Una segunda línea de trabajo se abre en 2023 profundizando en los vínculos entre arte y ciencia, en donde se enmarca la creación Frecuencia Fantasma.
El equipo
Concepción y puesta en escena FLORENCIA DANSILIO
En escena CAMILA SANSON, KAREN HALTY y SEBASTIÁN CALDERÓN
El Martes 5 de Setiembre a las 21 horas se realizará en el Antel Arena un gran espectáculo en vivo. Se celebra el 90 aniversario del nacimiento de Julio Sosa «Kanela» con un show de Candombe sin precedentes, tambores del BarrioSur, Cordón y Palermo,más integrantes de su emblemática «Kanela y su Barakutanga» junto a componentes de su «Tronar de Tambores», rendirán homenaje a uno de los mayores exponentes del Candombe, en este espectáculo único e irrepetible, donde la tradición y la tecnología nos harán volver a vivir su encanto y figura con un cierre que será recordado para siempre por quienes nos acompañen.
Créditos de fotos Cote Romero
El foco de esta celebración será una proyección especial de la película «Kanela, Leyenda del Carnaval«, un documental que retrata desde la intimidad, la más extensa trayectoria dentro de nuestra mayor fiesta popular, nos muestra su manera de vivir, la forma de liderar su comparsa «Tronar de Tambores», al mismo tiempo que su propia historia nos lleva al pasado, a los carnavales de antes y a sus orígenes, sin dejar de lado su objetivo de ganar una vez más el «Desfile de Llamadas».
Es importante destacar que el diseño y producción del espectáculo se realizó en estrecha relación con la familia de Kanela.
Créditos de fotos Cote Romero
Posteriormente se llevará a cabo una ceremonia para homenajearlo en sus 90 años de nacimiento, donde participarán más de 70 artistas en escena.
Y citando una frase de Kanela : «El Carnaval es cultura, es pasión, es una gran fiesta popular. Siempre estaré al frente de mis tambores«.
Costo de las entradas durante la preventa $ 500 y $ 1.750
KANELA EL LEGADO es un Proyecto Transmedia sin precedentes en Uruguay pasando por la historia de vida y trayectoria de Kanela desde sus orígenes, en su ciudad natal Nico Pérez (Florida) pasando por su llegada a Montevideo con tan solo 17 años y sin documentación para cumplir su sueño, su juventud, sus sacrificios, su amor por los tambores, las plumas, los grandes vestidos, la danza reunidos en una gran noche mágica.
Además, durante todo un año, se estarán conmemorando los 90 años de Kanela y es así como se desarrollarán 9 plataformas diferentes donde cada una de ellas nos permitirá ir descubriendo diversos aspectos de su vida.
Ellas son:
El documental llamado «KANELA, LEYENDA DEL CARNAVAL»
El libro «Kanela el legado»
El “Archivo Kanela”
La Exposición en el Museo del Carnaval
Mural a gran escala
Escuela de Candombre Julio Sosa «Kanela»
Muestra fotográfica
Lista de reproducción en Spotify y Youtube y por último:
Una experiencia de realidad aumentada.
Cada una de estas 9 plataformas permitirá conocer más sobre Kanela, y todas juntas darán a conocer su LEGADO.
Se vivirá la esencia del Candombe, 65 años de trabajo intenso, el sentimiento del Carnaval, la felicidad que transmiten las cuerdas de tambores y la danza, la adrenalina del Carnaval.
Luego de 4 temporadas vuelve Devenir Felisberto de Domenico Caperchione y Agustín Urrutia, en esta ocasión al Teatro Solís (Sala Delmira Agustini) con 5 únicas funciones del 2 al 6 de agosto, de Martes a Sábado 20hs y el Domingo a las 19hs. El VIERNES 4 DE AGOSTO, SE REALIZARÁ UNA FUNCIÓN INCLUSIVA CON INTÉRPRETE DE LENGUA DE SEÑAS.
La obra es un magistral monólogo en donde el destacado actor Agustín Urrutia – junto a Santiago Caetano excelente pianista – desarrolla más de 10 personajes del mundo de Felisberto Hernández.
La obra fue premiada con el Florencio a Mejor Actor en Unipersonal a Agustín Urrutia en la edición 2021-2022.
Sinopsis: Un actor y un pianista fusionan sus respectivas artes para dar vida a Felisberto Hernández y a los personajes que deambulan en Por los tiempos de Clemente Colling. A partir del viejo, ciego y andrajoso profesor de piano, el autor pasea por sus recuerdos de infancia y su formación como músico. Un texto emblemático de nuestra literatura que Felisberto concibe cuando decide dedicarse por entero a la escritura y dejar atrás un sinuoso pasado de pianista itinerante.
Entradas a la venta: Tickantel y Boletería del Teatro Localidades generales $ 550 2 x 1 La Diaria Socio espectacular con beneficio
Todo lo que podés hacer con los niños en estas vacaciones
Con el adelanto de las vacaciones de julio, muchos padres se preguntan cómo mantener a sus hijos entretenidos durante este tiempo libre. ¡No te preocupes! Aqui te presento una lista completa de actividades emocionantes y educativas para disfrutar con los niños durante estas vacaciones.
En estas vacaciones de invierno L’Arcaza Teatro presenta las obras que ya se han vuelto clásicas en su repertorio. Una propuesta sutil que valora a niños, niñas y adultos. A través de la calidez de una puesta en escena que celebra la alegría del encuentro y el intercambio con el público con música en vivo, y un trío de actores que aseguran la risa, la sorpresa y la emoción. Son tres obras basadas en cuentos de Susana Olaondo:
Una Pindó: Funciones: Sábado 8, lunes 10, Domingo 16, Lunes 17 y Martes 18 de Julio DOBLE FUNCION a las 15 y 17hs. Domingo 9 de Julio a las 15:00hs
Olegario:Funciones: Martes 11, Miércoles 12 y Jueves 13 de Julio DOBLE HORARIO a las 15:00 Y 17:00hs. Miércoles 19 y Jueves 20 de Julio a las 15:00hs.
Julieta, ¿qué plantaste?: Funciones: Viernes 14, Sábado 15 de Julio DOBLE FUNCION a las 15:00 hY 17:00hs. Viernes 21 y Sábado 22 de Julio a las 15:00hs.
Recomendadas para niños de 2 a 8 años.
Venta de entradas: Teatro de la ACJ (Colonia 1870) RED TICKETS Entrada: $ 450.- La Diaria, Socios ACJ: 2 x $ 500.- Con 3 años cumplidos pagan entrada y ocupan butaca.
Luego del éxito rotundo en su primer temporada vuelve en las Vacaciones de Julio y a la SalaHugoBalzo del Sodre la obra para toda la familia ‘La increíble historia de Lucía, su padre y un chancho volador» del 19 al 22 de Julio a las 15 hs, para disfrutar, reírse e imaginar con este magnífico espectáculo de animaciones interactivas y títeres de gran porte del talentoso Damián Barrera.
La Experimental Centro Cultural – Viernes 7 de Julio a las 15 hs.
Inspirada en la vida y obra de Serafin J. García, se ubica en Treinta y Tres, en el Uruguay de 1915. Serafín y su prima Valentina se embarcan en una aventura en busca de su don, guiados y acompañados por su abuela Blanquita. Para encontrar este tesoro, los protagonistas nos invitan a recorrer distintos caminos, vencer algunos miedos y conocer personajes entrañables. Se encontrarán en un barco marino, en un circo criollo, y hasta en lo más oscuro del bosque. Finalmente, llegarán a descubrir ese tesoro particular, que cada uno de ellos guarda en su corazón.
La inscripción a los talleres tiene un costo de $300. Si comprás un libro infantil para llevarte a tu casa, no se cobrará la inscripción. Los talleres tienen cupos limitados, a asignarse a partir de las 14:00 del mismo día por orden de llegada en el salón de talleres de nuestra casa. No se realizarán inscripciones previo al día del taller. Además, para quienes tienen entre 3 y 6 años, la sección infantil de nuestra librería se llenará de actividades de acceso libre y gratuito que podrás descubrir en su agenda de actividades.
La otra feria – 21.a Feria del Libro Infantil y Juvenil:
Del martes 11 al domingo 23 de julio tendremos la segunda versión de la 21. ª Feria Infantil y Juvenil. El horario será de 12 a 20 horas. En la Explanada de la Intendecia de Montevideo
Museo Pedagógico José Pedro Varela: Ubicado en Plaza Cagancha tiene una muestra sobre la evolución de la escuela en Uruguay, con moviliario de las primeras escuelas y una interesante recorrido por los distintos métodos de enseñanza. Abierto de Lunes a Viernes de 8:30 a 19hs.
MAPI / Museo de Arte Precolombino e Indígena: Museo con artefactos de arqueología precolombinos y nativos. Ubicado en 25 de Mayo 279 (Ciudad vieja). Abierto de Lunes a Sábado de 10:30 a 18hs
Museo de Historia del Arte: El Museo de Historia del Arte, es un museo didáctico que exhibe diversas piezas originales así como réplicas de diferentes culturas y regiones. Ubicado en Ejido 1326, Intendencia de Montevideo. Horarios de Martes a Sábado de 12:30 a 17:45hs
Museo del Automovil: Fundado en 1983, el Museo del Automóvil “Eduardo Iglesias”, es el primer y único museo del país dedicado al automóvil y su historia. Fue creado con el objetivo de salvaguardar una parte fundamental del patrimonio cultural de la nación y es abierto al público de forma gratuita. Abierto de lunes a viernes de 14.00 a 19.00 horas. Estación Central de Servicios | Colonia 1251 piso 6
La Experimental Centro Cultural – Viernes 7 de Julio a las 15 hs.
Inspirada en la vida y obra de Serafin J. García, se ubica en Treinta y Tres, en el Uruguay de 1915. Serafín y su prima Valentina se embarcan en una aventura en busca de su don, guiados y acompañados por su abuela Blanquita. Para encontrar este tesoro, los protagonistas nos invitan a recorrer distintos caminos, vencer algunos miedos y conocer personajes entrañables. Se encontrarán en un barco marino, en un circo criollo, y hasta en lo más oscuro del bosque. Finalmente, llegarán a descubrir ese tesoro particular, que cada uno de ellos guarda en su corazón.
A lo largo de la obra, disfrutaremos juntos juegos, canciones, música en vivo, baile y mucha diversión !
Entradas en venta en TICKANTEL : 2 x $ 600 / 1 x $ 350 2 x 1 para La Diaria, Club Malvín y amigos de La Experimental (cupos limitados) Sugerida para niños y niñas en edad primaria (se puede sumar inicial desde nivel 3) Espectáculo declarado de interés cultural por el MEC.
Luego del éxito rotundo en su primer temporada vuelve en las Vacaciones de Julio y a la SalaHugoBalzo del Sodre la obra para toda la familia ‘La increíble historia de Lucía, su padre y un chancho volador« del 19 al 22 de Julio a las 15 hs, para disfrutar, reírse e imaginar con este magnífico espectáculo de animaciones interactivas y títeres de gran porte del talentoso Damián Barrera.
La Asociación Uruguaya de Músicos en el marco de su 85° Aniversario, presenta este espectacular Ciclo de Jazz Acústico en Sala Verdi con los mejores exponentes de nuestro medio. A lo largo del mes de Julio podremos disfrutar de 8 fechas con un gran despliegue de 16 grupos, que van desde dúos a quintetos y que representan a un espectro muy importante de la movida del jazz nacional reunidos en esta hermosa sala.
DETALLE DE GRUPOS POR FECHA:
LUNES 10/7 – Hora 20
EL ASESINO DEL OESTE Federico Graña – guitarra / Juan Correa – Contrabajo/ Noé Nuñez – batería, percusión y accesorios. TSUNAMI CUARTETO Joaquín Bértola/ Diego Banega/ Fabricio Rinaldi/ César Durañona
MARTES 11/7 – Hora 20
ROMPETAMBÓ Pablo Meneses, Andrés Pigatto, Álvaro Salas Gularte y Andrés Bedó ESTEBAN MONTAÑO & RAÚL MEDINA – “NOCTURNO” Esteban Montaño – voz/ Raúl Medina – piano.
MIÉRCOLES 12/7 – Hora 20
BETH SUZACQ & ROLO SUZACQ Beth Suzacq – voz / Rolo Suzacq – piano LAS RODETTS Jimena Molina/ Gabriela Rodriguez/ Eugenia Anton / Mariana Labrada – voces/ Mauricio Fernández – piano/ Santiago Bolognini – guitarra.
LUNES 17/7 – Hora 20
AIDA MARTÍNEZ Aida Martínez –voz/ Darwin Silva – piano/ Gerardo Alonso- bajo/ Tote Fernández – batería. ALBERTO MAGNONE TRÍO Alberto Magnone – Piano/ Nhils Di Concilio – Contrabajo/Jorge Rodríguez Stark – Batería
MIÉRCOLES 19/7 – Hora 20
NOLÉ / DE BELLIS / ROMANO Ricardo Nolé – piano/ Roberto De Bellis – Contrabajo/ Miguel Romano – batería. GABRIEL ESTRADA CUARTETO Pablo Somma – Flauta/ Pablo Meneses – batería/ Gerardo Alonso – bajo/ Gabriel Estrada – piano/ Aída Martínez – voz
LUNES 24/7 – Hora 20
MARIA NOEL TARANTO & RAÚL MEDINA – JAZZ DU0 Maria Noel Taranto – voz/ Raúl Medina – piano POPO ROMANO TRÍO Miguel Romano – batería/ Darwin Silva – piano/ Popo Romano – contrabajo y bajo acústico
SABRINA LASTMAN & HORACIO DI YORIO Sabrina Lastman –voz/ Horacio Di Yorio – Piano. HA DÚO Hugo Fattoruso & Albana Barrocas.
Entradas en venta por Tickantel – Red de cobranzas y boletería de la Sala.
Costo de las entradas $ 450
BIOGRAFIAS –
LAS RODETTS
Es un cuarteto vocal femenino, integrado por Gabriela Rodríguez, Eugenia Anton, Mariana Labrada y Jimena Molina, que se caracteriza por interpretar canciones populares versionadas en diferentes estilos del jazz, boogie, blues, soul y gypsi. Esta propuesta innovadora y llamativa, a nivel musical y escénico, tiene la esencia de resaltar la riqueza de los arreglos armónicos vocales, generando un sonido único y original.
HUGO FATTORUSO & ALBANA BARROCAS
Hugo y Albana con instrumentos electrónicos y acústicos, realizan temas propios y versiones de compositores/autores uruguayos. Las influencias y experiencias de cada uno, crean un ambiente musical muy particular. Esto es HA Duo, siempre en constante renovación, haciendo que cada recital sea irrepetible y tenga un marcado sello propio. Desde el 2013, han realizado más de 190 shows en territorio uruguayo, una parte extensa en Argentina, ciudades de Japón, España, Austria, Francia y Brasil. DISCOGRAFÍA : NEO (MMG) Ganador del Premio Graffiti 2014, categoría “mejor álbum de dúo o grupo de música popular y canción urbana” y ganador del Premio Graffiti 2022, categoría “Mejor álbum de jazz”
POPO ROMANO TRÍO
Popo Romano, ciudadano Ilustre de Montevideo – Premio Morosoli- Ganador del premio FABINI al mejor bajista, ha acompañado y grabado con artistas de la talla de Alfredo Zitarrosa, Eduardo Mateo, Jaime Roos, Ruben Rada, Leo Maslíah, Hugo Fattoruso, Malena Muyala, Jorge Drexler, Mauricio Ubal, así como con artistas extranjeros como la cantante Gloria Gaynor y el guitarrista Luis Salinas., Ha actuado en los más destacados festivales de jazz de nuestro medio (Punta del Este-, Jazz Tour Radisson –Montevideo), en el Festival del Agua de Estocolmo (Suecia) y en el Festival de Mälmo (Suecia), Participa en la Noche de la Improvisación («4° NUIT DE L ́IMPROVISATION» de Jean-Francois Zygel) en el Theatre Chatelet (Paris, Francia).
A la salida de su disco, Cuarto de música, la revista norteamericana Bass Player escribió: «El virtuoso bajista y contrabajista uruguayo Romano mezcla ritmos locales con fragmentos de fusión y esencia melódica…». Posteriormente la revista Rolling Stone calificó como excelente (cuatro estrellas) el CD editado por Ayuí. La propuesta Popo Romano Jazz Trío se conforma con contrabajo/ bajo acústico, batería y piano.
El repertorio incluye temas de los 5 trabajos editados de P. Romano, clásicos del jazz, así como también obras de autores uruguayos interpretadas con un concepto jazzístico.
Miguel Romano – batería/ Darwin Silva – piano/ Popo Romano – contrabajo y bajo acústico.
MATEAUDA TRÍO.
Trío de jazz fusión, fundado en 2013, temas propios. Participamos de el 4to festival de jazz de la Costa 2017, del 4to festival internacional de jazz de Valparaíso, Chile en 2018. Nos presentamos en El centro cultural Florencio Sánchez del Cerro en el día Internacional del jazz en 2022. Entre otras actuaciones destacadas.
Marcos Mateauda – guitarra/ Bruno López – Bajo acústico/ Lucas Soria- percusión
BETH SUZACQ & ROLO SUZACQ
Duo de voz y piano. Estilos jazz, pop, soul, blues.
Actualmente banda estable en el Enjoy de Punta del Este (ex Conrad).
Beth Suzacq, cantante, compositora y actriz; es reconocida por su voz y por su energía en escena. De adolescente desarrolla su carrera entre el jazz, blues y soul, tanto en Uruguay como en Argentina. En 2013 se afinca en Madrid donde participa en múltiples festivales de Jazz, compartiendo escenario con músicos de primer nivel. En 2016 lanza su primer álbum que resulta nominado en seis categorías de los Premios MIN, incluyendo Mejor Álbum de Jazz. En 2019 retorna a nuestro país para continuar con una carrera fructífera, deleitándonos en diversos escenarios montevideanos y esteños. En esta ocasión se presentará a dúo junto a su padre, Rolo Suzacq legendario pianista de la escena local.
En su repertorio interpretan clásicos de Jazz, Blues & Soul, pasando por Ella Fitzgerald hasta Amy Winehouse. Juntos crean un espectáculo novedoso, íntimo e intenso que no dejará a nadie indiferente. Beth Suzacq – Voz / Rolo Suzacq – Piano
GABRIEL ESTRADA CUARTETO.
Presentación de nuevas composiciones de Gabriel Estrada que formarán parte del quinto disco a editarse por sello Perro Andaluz, llamado «Eras y Labores»
Pablo Somma – Flauta/ Pablo Meneses – batería/ Gerardo Alonso – bajo/ Gabriel Estrada – piano/ Aída Martínez – voz
EL ASESINO DEL OESTE.
Surge como espacio libre de creación en el que se juntan el candombe con el funky y el rock psicodélico de los 70. La amistad entre los integrantes es un factor esencial a la hora de componer e interpretar el repertorio, lo cual cuenta como premisa fundamental a la hora de subirse al escenario. Las canciones (99,9% instrumentales) surgieron en la sala de ensayo fruto de improvisaciones e ideas de cada uno que fuimos puliendo sobre la marcha. Nuestra ópera prima tiene ya 2 años y cuenta con enormes artistas invitados como Miguel Leal, Nico Arnicho, Gonzalo Gravina, Nicolás Román entre otros. El disco fue grabado de manera totalmente «artesanal», y luego mezclado por el excelentísimo técnico de sonido don «Martín Brizolara». El proyecto se encuentra actualmente en fase de finalización del segundo material fonográfico el cual se estima que saldrá sobre la segunda mitad de éste año.
Federico Graña – guitarra / Juan Correa – Contrabajo/ Noé Nuñez – batería, percusión y accesorios.
AIDA MARTÍNEZ.
Una de las grandes voces de nuestro país que junto a excelentes músicos, estará presente en este ciclo de celebración de AUDEM, brindando temas reconocidos y propios en un espectáculo imperdible, de alto nivel musical.
Este es un proyecto de música creativa que fusiona elementos de música latinoamericana y jazz. Éste refleja las influencias que Sabrina ha recibido en los diferentes países donde ha vivido: Uruguay, Israel y los Estados Unidos. Sabrina expande las posibilidades de la voz hilando una variedad de sonidos, colores y texturas. Algunas de sus canciones se inspiran en la poesía de autores como Washington Benavides y Affonso Romano Sant’Anna. En esta instancia tocarán tanto composiciones originales de Sabrina, así como también arreglos de composiciones de músicos como Egberto Gismonti, Theo Bleckmann y Víctor Jara.
Nace en 1989 a raíz de la invitación de dos percusionistas a Andrés Bedó para actuar en el Café Central de Madrid. ¡Y qué fuerte le pegaban a los cueros esos percusionistas! “Chivo que rompe tambó con su pellejo paga” dice Bola de Nieve. Ya estaba claro el nombre que tendría el proyecto. El desafío de tocar sólo a percusión y piano iluminó la hermandad: los tambores percuten y cantan, el piano canta y percute. Llega un momento en el que no se sabe quién es quién. Pianotambor, Tamborpiano… El debut de Rompetambó en Uruguay, como quinteto, se produce en el Festival Internacional de Percusión (2010) y como dúo en el marco del Día del Candombe en la Facultad de Artes. Integrando el contrabajo los pianotambores pueden largarse a navegar en las olas del bajotambor. Cada habitante del mundo tiene su propia frase en el cuero. Por tratarse de un proyecto nuevo, esta formación en cuarteto ha estrenado su espectáculo recientemente y no hay video en las redes. Incluímos links a dos discos de Andrés Bedó :
Álvaro Salas /Pablo “Pelao” Meneses /Andrés Pigatto /Andrés Bedó
MARIA NOEL TARANTO.
Prestigiosa cantante de nuestro medio quejunto al Mtro. Raúl Medina se presenta en formato de dúo, en una recorrida de temas de jazz que ha desarrollado en su larga carrera solista. Reconocidos artistas de nuestro medio que darán su impronta al ciclo, para el disfrute del público.
ALBERTO MAGNONE TRÍO
La propuesta del concierto es un recorrido emocional por músicas originales y autores, que fusionan el Jazz con ritmos regionales como la bossa nova o el candombe. Todo de la mano del sonido único, del maestro ALBERTO MAGNONE.. El grupo está formado por algunos de los más destacados músicos del estilo en la escena local, NILHS DI CONCILIO en Contrabajo y JORGE RODRÍGUEZ STARK en Batería. Cada uno con su propia trayectoria local e internacional.
ESTEBAN MONTAÑO.
La voz masculina del jazz de nuestro país, estará presentando su propuesta “Nocturno”, en formato piano y voz.
Esteban Montaño – voz/ Raúl Medina – piano.
NOLÉ / DE BELLIS / ROMANO
Ricardo Nolé – piano/ Roberto De Bellis – Contrabajo/ Miguel Romano – batería.
Reconocidos profesionales de nuestro medio, con largas trayectorias cada uno de ellos, no podían estar ausentes en una velada de jazz. Ricardo Nolé, radicado en Argentina desde 1973, ha desarrollado una gran carrera musical en ese país. También entre 1979 y 1982 trabajó como músico profesional y de sesión en varios países de Europa.
Acompañó y participó en varios discos de Rubén Rada desde “En familia” (1982) hasta “Concierto por la vida” (1994).
Integró la banda de Beto Satragni, con quien grabó “Ecológico” en 1991 y “Ecológico II” en 1993, y la banda de Horacio Fontova en 1994.
Su formato de música preferido es el trío de jazz (piano, bajo y batería), formando su primer trío en 1990 con el que grabó los discos “Cuareim” en 1991 y “Afrombé” en 1993. En 2000 integró un trío con Osvaldo Fattoruso y Beto Satragni.
En 2017 se editó “Tríos… Uruguayos” su primer disco grabado en Uruguay donde trabajó con distintos tríos, entre ellos Nolé con Urbano Moraes y Martín Ibarburu.
En 2008 también formó un dúo de música de cámara con la trompetista Adriana Kahn, interpretando obras desde el período barroco hasta el siglo XX.
En 2016 grabó Homenaje a Rada junto a Lobito Lagarde y Nelson Cedréz , como The Rada’s Old Boys. El trío versiona temas de Rada en formato trío de jazz acústico. El disco ganó el Premio Graffiti a mejor álbum de jazz.
En estas vacaciones de invierno L’Arcaza Teatro presenta las obras que ya se han vuelto clásicas en su repertorio. Una propuesta sutil que valora a niños, niñas y adultos. A través de la calidez de una puesta en escena que celebra la alegría del encuentro y el intercambio con el público con música en vivo, y un trío de actores que aseguran la risa, la sorpresa y la emoción. Son tres obras basadas en cuentos de Susana Olaondo:
Una Pindó,
Olegario y
Julieta, ¿qué plantaste?
Recomendadas para niños de 2 a 8 años.
Las tres obras elegidas son:
UNA PINDÓ: Una hormiga se perdió por cargar una hoja y no puede regresar a su hormiguero, debajo de una Pindó. Por suerte, se encuentra con varios amigos que la ayudarán a encontrar una de esas palmeras bien altas que se ven desde muy lejos. Funciones: Sábado 8, lunes 10, Domingo 16, Lunes 17 y Martes 18 de Julio DOBLE FUNCION a las 15 y 17hs. Domingo 9 de Julio a las 15:00hs
OLEGARIO: Olegario es un bicho de luz apagado, pero decidido a encontrar su luz. Es que un bicho de luz sin luz no se siente bien, ni en el aire ni en la tierra. Y no se trata solo de encontrar su luz, se trata de ser él mismo. Funciones: Martes 11, Miércoles 12 y Jueves 13 de Julio DOBLE HORARIO a las 15:00 Y 17:00hs. Miércoles 19 y Jueves 20 de Julio a las 15:00hs.
JULIETA, ¿QUÉ PLANTASTE?: Julieta, la mulita, y el zorro hacen un trato para compartir los frutos de la cosecha. El zorro parece un poco haragán y querrá engañar a su vecina. Sin embargo, Julieta tiene una sorpresa que el zorro no olvidará. Funciones: Viernes 14, Sábado 15 de Julio DOBLE FUNCION a las 15:00 hY 17:00hs. Viernes 21 y Sábado 22 de Julio a las 15:00hs.
Venta de entradas: Teatro de la ACJ (Colonia 1870) RED TICKETS Entrada: $ 450.- La Diaria, Socios ACJ: 2 x $ 500.- Con 3 años cumplidos pagan entrada y ocupan butaca.
SOBRE L´ARCAZA TEATRO
L’Arcaza Teatro surge en 1995 con la necesidad de encontrar nuevos espacios y con un claro objetivo: llevar el teatro a donde nunca llega. Es así que sus primeros espectáculos fueron propuestas callejeras que les permitieron actuar para un público sumamente diverso. Actualmente siguen planteándose como meta la creación de nuevos públicos y aportar a la democratización de la cultura en todo el país. Esta línea de trabajo, forjada durante estos años, los impulsa en la búsqueda de modos de comunicación directa con el público. En una sociedad caracterizada por la mediatización de las comunicaciones, se torna imprescindible lograr encuentros que prioricen el contacto cara a cara, el intercambio de vivencias, experiencias, emociones y sentimientos. Nuestra formación incluye la escuela Puertoluna (Montevideo) y varios talleres de perfeccionamiento con distintos maestros de todo el mundo, entre los que destacamos por ser los que más les influenciaron los seminarios dictados por miembros del Teatro Sunil (Suiza) y el Odin Teatret (Dinamarca). Forman este grupo: Fabiana García, Pablo Albertoni y Richard Riveiro.
Pablo Albertoni: Actor, dramaturgo, licenciado en Lingüística y Magíster en Ciencias Humanas, opción Lenguaje, Cultura y Sociedad (UDELAR). Se formó en actuación en la escuela teatral Puertoluna (Montevideo) y se perfeccionó en dramaturgia y danza con diversos maestros nacionales y extranjeros. Como dramaturgo obtuvo en dos ocasiones el Premio Anual de Literatura (Ministerio de Educación y Cultura), su obra “Sinfonía kafkiana” logró una mención en Solos en el Escenario (Centro Cultural de España). Estrenó adaptaciones de diversos cuentos de Susana Olaondo en el Teatro Solís. Integra el grupo L’Arcaza desde su fundación hace 26 años con el que ha realizado giras por Argentina, Chile y Brasil.
Fabiana García: Actriz y docente. Integrante de L’Arcaza Teatro, grupo independiente con 26 años de trabajo ininterrumpido. Se formó en actuación en la escuela teatral Puertoluna de Montevideo. Trabaja en espectáculos de teatro para niños desde el año 2000 realizando funciones en escuelas de diversas localidades de Uruguay. Presenta espectáculos para niños en el Teatro Solís desde el año 2011. Ha realizado giras en Argentina, Chile y Brasil y participado en diversos festivales y eventos nacionales e internacionales. Algunos espectáculos para adultos en los que participó son: “Con olor a miel”, “Muelas,… Por Supuesto”, “El viento sopla donde quiere”, “La princesa Malena”, “La Mariposa”, “Dínamo”, “Quemadura China”, “La Gran Pepino”.
Richard Riveiro: Actor, bailarín, director, compositor, dramaturgo. Integrante de L’Arcaza Teatro, estudió en la escuela de Formación actoral Trenes y Lunas. Se formó en seminarios con maestros como Daniele Finzi Pasca, Eugenio Barba, David Zambrano, Cesar Brié. Dirigió varios espectáculos entre los que se destacan: “Bardo Criollo”, “Muñecas Armadas”. Por su trabajo en “La Gran Pepino”, fue nominado como “revelación” y “ambientación sonora” a los premios Florencio. Su último texto “Frágil” fue editado por “dos en el escenario” en el Centro Cultural de España. En el 2009 dirigió el espectáculo “Bardo Criollo” de Teatro del Bardo grupo radicado en Paraná-Argentina.
«CHICOS CATOLICOS, APOSTOLICOS Y ROMANOS» Dirección y producción: Federico Lynch
Texto: Juan Paya
Elenco: Rodrigo Garmendia – Emilio Meneses Costa – Fernando Amaral – Daniel Infante y Quique Massey.
Con ocho temporadas ininterrumpidas en Buenos Aires, estrenada en México, España, Panamá, Brasil y Perú vuelve a Uruguay “CHICOS CATÓLICOS APOSTÓLICOS Y ROMANOS”. Ellos son chicos católicos, apostólicos y romanos que, como todo niño, cuestionan con irreverencia aquello que descubren en el mundo. El sexo, la religión, la imagen y el poder de Dios, son algunos de los tabúes que irán echando por tierra de forma vertiginosa, con mucha inocencia, humor y picardía. ¡El resultado es explosivo!
Desde la producciòn de esta obra se aclara que la misma no pretende cuestionar la religion católica, sino que ésta es sólo el punto de partida para poder desarrollar la historia.
La obra estará en cartel los sábados de JUNIO a las 23 hs Teatro de La Candela (Jose Ellauri 308, Punta Carretas) 4 ÚNICAS FUNCIONES: 3, 10, 17 Y 24 DE JUNIO.
Esta dirigido a mayores de 18 años.
Informacíon sobre los integrantes de la obra:
Dirección: Federico Lynch
Actor, director y coreógrafo, egresa de su formación en Teatro de la Dirección de cultura departamental. A los 8 años comienza sus estudios en danza (ballet, contemporáneo y jazz). Continúa en Montevideo en la Esc. Nac. de danzas (división Ballet) y en la Escuela de Comedia Musical Luis Trochón, egresando de la misma en 2011. En 2014 funda y hasta la actualidad dirige IFA- Instituto de Formación Artística. Ha participado en diversos espectáculos como bailarín, actor, director o productor, en teatro y televisión, desde la coreografía de Carmen en el Auditorio Nacional en 2015 hasta la gira nacional y Argentina de Valeria Lynch en 2016, Comedias Musicales, Comedias para adultos, teatro para niños, espectáculos de danza contemporánea entre otros, han sido algunos de los géneros recorridos. Los Premios Florencio Sánchez al teatro lo ha galardonado en 2015 por la Mejor Coreografía, en 2017 y 2018 como Mejor Director de Musical.
Actúan: Rodrigo Garmendia
Actor, productor, director artístico, locutor y docente. Es egresado de la Escuela de Iniciación Musical, de la Escuela de Comedia Musical de Montevideo y de la Escuela Municipal de Arte Dramático.
Tiene estudios avanzados de Danza en la Escuela de formación Artística del SODRE (División Ballet) e innumerables estudios artísticos en el ámbito privado con maestros referentes en nuestro país y en el exterior.
Egresó recientemente del Programa de Desarrollo Directivo (PDD) del IEEM; Escuela de negocios de la UM y de la Tecnicatura en Gestión Cultural en la Universidad CLAEH.
Desde el año 2003 hasta la fecha ha estrenado más de 60 espectáculos profesionales tales como Cabaret, La Jaula de las Locas, Sugar, Mi Bella Dama, Chicago, Hamlet, Cuento de Invierno, Chicos Católicos, El Niño Argentino, entre tantos otros, abarcando gran variedad de estilos, desde comedias musicales, dramas, teatro clásico, contemporáneo y para niños. Tiene más de 10 Premios Florencios a Mejor espectáculo Musical, ganando en el 2022 Mejor musical infantil por “La Tribu” y Mejor Espectáculo Musical para adultos por “West Side Story”, ambos bajo su dirección.
En el 2009 ganó un Premio Florencio a Mejor Actor Infantil por su papel en “Robin Hood”. Ha generado varios proyectos corporativos en diferentes ámbitos apuntando al desarrollo de las personas y equipos en las organizaciones. Fundó y dirigió diferentes espacios culturales y escuelas de actuación y danza privadas (Espacio Arte y Espectáculos, MAD: escuela de música, actuación y danza y Sala Teatro Santander Arocena).
Además, hoy es docente de Artes Escénicas, Programador y Productor Artístico en la Escuela de Formación Artística del SODRE.
Fernando Amaral Actor, director y docente. Como actor tiene cerca de 80 espectáculos teatrales estrenados (Leonardo y la máquina de volar, 6 Seis, El juego de la silla, Los heridos, Apenas el fin del mundo, Pervertimento, Tengo una muñeca en el ropero, Snorkel, Luz negra etc.). Trabajó con directores como Fernando Gilmet, Alberto Zimberg, Marianella Morena, Alfredo Goldstein y Federico Guerra. En cine ha participado en varias películas y series en Uruguay y Argentina (El candidato; Las toninas van al este; Por un tiempo; Impuros; etc). Fue elegido por Daniel Hendler para ser el protagonista de su ópera prima Norberto apenas tarde, donde obtuvo varias nominaciones como actor protagónico en diferentes festivales.
En 2021 ganó el Florencio Revelación por su dirección de la obra Vitalicios, de José Sanchís Sinisterra. En 2022 fue nominado como actor protagónico de comedia por El enfermo imaginario y como director en Doña Ramona, obra también nominada a Mejor espectáculo, que obtuvo los premios a Mejor elenco y Mejor vestuario.
Emilio Meneses Costa Comienza su formación en el año 2001 teniendo como profesores a Rocío Villamil, Marcelino Duffau, William Soboredo, Isabel Sawer y María Pollak. Comenzando la actividad profesional en el año 2010 y participando en 26 obras teatrales en diferentes rubros hasta el momento. Siendo además profesor de teatro en “Apartamento 503, escuela de arte”, “Escuela MAD” y “BC, escuela de arte. Actualmente se encuentra en obras próximamente a estrenar. “Telarañas”. De Eduardo Pavlovsky. “Peter Pan” versión: Sebastián Silvera y “Chicos católicos apostólicos y romanos” de Juan Paya.
A partir del 3 de Junio se presenta, con 7 únicas funciones, los sábados y domingos de Junio, en la Sala 2 del Teatro Circular: «OTROS PROBLEMAS DE HUMANIDAD» de SEBASTIÁN CALDERÓN. Esta es su 5ta. temporada, al momento cuenta con más de 50 funciones, luego de girar por Brasil y Argentina.
Además, Sebastián Calderón publicará su libro en junio de 2023, con 3 de sus obras estrenadas (donde se encuentra Otros problemas de Humanidad) de la mano de la editorial FORMA (Ex editorial «Fardo»)
La obra fue traducida al inglés en Estados Unidos y al portugués en Brasil.
Sinopsis : Tres amigos conviven juntos e intentan desarrollar sus capacidades artísticas y humanas mientras los días avanzan sin pausa. Laura, Camila y José. La vida es lo que pasa entre que se sientan en la mesa y se sientan en la mesa de nuevo. Quieren ser felices, pero no les sale. Quieren ser personas, pero es difícil ser persona.
«Otros problemas de humanidad» se desarrolla en el living-cocina de una casa cualquiera en la ciudad.
Los tres personajes atraviesan los días mientras desempeñan acciones para obtener pequeños objetivos. Como lograr cocinar algo a la altura de sus expectativas, escribir un cuento exitoso o culminar su próximo cuadro. Entre medio sus problemas (ordinarios y no tanto) se atraviesan de forma arbitraria. Tomando como punto de partida un espacio no convencional y luego siendo adaptada a múltiples espacios, la obra plantea al público una experienciainmersiva en la que el espectador ingresará realmente a la casa de Laura, Camila y José. Siendo interpelados y consultados de forma constante sobre las decisiones y dudas que los personajes tienen y que encuentran solución en la comunicación con el público. Un misterio, sin embargo, se plantea casi al inicio: referencias a un cuarto integrante del grupo cuya ausencia habita la obra atravesándola a lo largo de las escenas y provocando la tensión constante entre los personajes. El pop como elemento sustitutivo de casi todo, permite la pluralidad de acciones desde la escasez de recursos económicos, algo propio y quizás identitario de parte de esta nueva generación teatrera.
Diálogos que devienen en monólogos por ausencia de réplicas, escenas frustradas o dichas a la mitad, inicios incómodos, ingresos tardíos, espacios inutilizados, problemas de letra, textos dichos en simultáneo por error, objetos que sobran, sillas en lugares que no van, canciones improvisadas para tapar agujeros, discusiones de fondo, incoherencias involuntarias, exabruptos, escapes, regresos improvisados … Son algunos de los problemas que la obra transita y demanda a quienes actúan solucionar primero los errores que hacen ruido y no dejan contar lo que debería contarse. Pero ellos –como sus personajes y varios objetos de la casa- están rotos y cargando con esas roturas construyen entre todos una historia que gira , epónimamente, sobre otros problemas de humanidad».
Elenco: Camila Parard, José Pagano y Laura Martínez Diseño: Florencia Wenzel y Matilde Santamaría Adaptación de diseño: Sofía Beceiro Dramaturgia y dirección: Sebastián Calderón Producción: Sofía Antonaz
Público al que se dirige –
La cercanía entre la escena y el público es esencial para el desarrollo de una obra teatral y fomenta la interacción y el convivio teatral. Los espacios descentralizados son ideales para propiciar la participación y la cercanía entre ambos. Además, la obra se beneficia de los accidentes o sucesos inesperados que puedan ocurrir durante la presentación, generando una «actualización» en el modo de actuar de los personajes. Se busca la identificación con lo uruguayo a través de temas interrelacionados con la vida cotidiana y un lenguaje natural e identificable.
El objetivo es involucrar a los vecinos en la experiencia teatral, creando un vínculo de cercanía e identificación con los personajes y la trama.
La obra podría ser atractiva para jóvenes estudiantes de secundaria y universitarios que buscan nuevas formas de entretenimiento y experiencias culturales en el territorio. Aunque también es apta para toda la familia, siendo una buena oportunidad para que se acerquen al teatro y descubran una nueva forma de expresión artística mediante la risa y la potencia metafórica y espectacular de la obra.
La obra podría interesar a personas que valoran la cultura y las artes, buscando experiencias teatrales distintas a las ofrecidas en salas convencionales. Asimismo, se considera la posibilidad de invitar a grupos comunitarios y organizaciones locales para generar vínculos y promover la participación activa de la comunidad en aspectos de la vida cotidiana.
¿Cuándo? – Fecha estreno: Sábado 29 de Abril 2023. Las funciones siguientes serán los sábados y domingos. 30 de abril, 6, 7, 13, 14, 20 y 21 de Mayo. Total: 8 funciones
¿En qué horario? – A las 15 hs.
¿Cuánto dura? – 50 minutos.
¿De quién es la obra? – Compañía «Bestia Peluda Teatro«. Texto y dirección: Damian Barrera. Director de la compañía y ganador de 4 Premios Florencio como Mejor Director de espectáculos para niños, (3 con trabajos de Bestia Peluda, “Señor M”, “Viaje al centro de la Tierra”, “El ilustrador” y uno con la Comedia Nacional, “El lugar de las luciérnagas”) vuelve a escribir y dirigir después de cuatro años.
¿Es apta para todo público? – Este trabajo está recomendado para niños y niñas a partir de los 6 años.
¿Qué tipo de espectáculos ofrece esta compañía? – Historias para toda la familia que disfrutan adultos y niños, animaciones interactivas en escena, títeres de gran porte que conviven con actrices y actores e historias de corte fantástico siempre ligadas a temáticas actuales que generan un intercambio para compartir después de la función.
El show, por su estética y los recursos en escena, invita a los espectadores a sumergirse en una aventura visual que transportará a la audiencia a un mundo imaginario repleto de personajes fascinantes que cobran vida en cada función.
¿De qué se trata esta obra?
Sinopsis: En un viejo altillo de la casa familiar, un padre y su hija deben ordenar los recuerdos del abuelo. Inesperadamente, entre cajas y objetos, aparece una pequeña foto que capta la atención de ambos y despierta antiguos recuerdos. Lo que no saben, es que el altillo encierra el secreto mejor guardado de su abuelo. La entrada a un mundo fantástico.
Al abrirse el portal aparece “Julián”, un curioso chancho alado parlanchín, que les pide con urgencia su ayuda. Es así que padre e hija entran a un mundo desconocido, poblado por seres inverosímiles como un caracol humano gigante, una enorme planta carnívora amigable y la “Guardiana de los sueños”, responsable de mantener, cuidar y guiar a los que duermen.
Los habitantes de este nuevo mundo están siendo perseguidos por un ser que acecha en la oscuridad. Padre e hija deberán averiguar dónde se esconde y la manera de enfrentarlo, intentando así cumplir esta misión, que los cambiará profundamente.
¿Dónde compro la entrada y qué precio tiene? – Entradas en venta en Tickantel y boletería de la sala. Precio: $ 400
Esta obra ha sido seleccionada por el Programa Fortalecimiento de las Artes 2022 de la Intendencia de Montevideo.
Luego del éxito de «Terrorismo Emocional» y «Llamaste a Walter», Clara vuelve al Teatro Solís en la Sala Zavala Muniz durante el mes de Mayo y se podrán volver a ver las dos obras.
Terrorismo Emocional: 2Funciones – Martes 9 y Miércoles 10 de MayoHora 20:30
Dramaturgia y actuación: Josefina Trías Dirección: Bruno Contenti Composición y músico en escena: Leandro Aquistapacie Producción: Sofía Antonaz
Premios: -Ganador Premio Florencio 2018 Actriz Unipersonal Josefina Trías -Ganador Premio Florencio 2018 Ambientación Sonora: Leandro Aquistapacie -Ganador Premio Escuela de Espectadores del Uruguay 2018 Actriz Unipersonal Josefina Trías. -Ganador Premio Escuela de Espectadores del Uruguay 2018 Ambientación Sonora Leandro Aquistapacie. -Nominación Premio Florencio 2018 Revelación Dramaturgia Josefina Trías.
Sinopsis: Clara, al volver a la casa de sus padres, comienza a vislumbrar en el dolor una catapulta creativa, y es por eso que la escritura se vuelve un motor de búsqueda personal y artística.
Dramaturgia: Josefina Trías Dirección: Vachi Gutiérrez Asistencia de dirección y producción: Ailín Osta Elenco: Agustín Martínez Cuello, Fernando Canto, Jenny Galván, Josefina Trías Elección musical y diseño sonoro: Vachi Gutierrez Música en escena y composición sonora: Michel Chattón, Rodrigo Curbello.
Premios: -3er. premio Nacional de Letras -3 Nominaciones Premios Florencio -Mejor espectáculo Premios Ojo Blindado -Mención de la Academia Nacional de Letras 2020 – Concurso de dramaturgia «Ariel» -Obra ganadora de Fondos Concursables – gran Formato 2019 –
Tres nominaciones Premios Florencio en las categorías: -Agustín Martínez Cuello por Actor revelación, -Josefina Trías por Espectáculo comedia, -Vachi Gutiérrez por Dirección espectáculo comedia.
Sinopsis: Clara escribe frases. Clara juega al teatro. Clara hace un ejercicio de memoria y reescritura trasladándose desde nuestros días al 2002, su adolescencia, nebulosa y último lugar seguro, para recrear la historia que atravesó la familia durante una de las mayores crisis que vivió el país en los últimos cuarenta años.
Entradas a la venta en boletería de la sala o Tickantel.
El miércoles 12 de abril se presentó en Magnolio Sala (Pablo de María 1015) el actual campeón mundial de magia de cerca, Luis Olmedo.
El público mayoritariamente se componía de magos y aficionados a la magia pero también estabamos los «humanos» como Olmedo denominó a los que no tenemos la experiencia de conocer el truco y los que más facilmente nos dejamos encantar por la magia. En escena presentó la rutina que lo llevo a ganar el título de campeón del mundo en magia de cerca (micromagia).
Los espectadores pudimos disfrutar viendo cartas que viajan de un lado a otro, que se multiplican, se reflejan, aparecen y desaparecen, monedas que se juntan solas, agujeros invisibles que crean un tunel. Para los «humanos» una experiencia inexplicable y asombrosa y para los conocedores una habilidad sensacional. En dos palabras Magia Pura.
Luis Olmedo obtuvo los premios: Campeón de España en 2019, Subcampeón de Europa en 2021 y Campeón del Mundo en Canadá 2022.
Pero, te estarás preguntando ¿Qué es la magia de cerca?. La Magia de Cerca es un tipo de show en el que el efecto mágico sucede con el espectador prácticamente al lado del ilusionista interactuando directamente con él y con los objetos utilizados en la ilusión.
De esa manera descubre que lo imposible se vuelve posible en sus propias manos y a escasos centímetros de sus ojos.
«Uruguay Magia» es un espacio creado en el 2018, que organiza y promociona espectáculos de magia, (principalmente Magia de Cerca) denominados «Sesiones Clandestinas». Cada Sesión es única e irrepetible, en ellas se presentan magos Nacionales e Internacionales y es una oportunidad para que el público acceda a este tipo de show. Además se organizan ciclos de conferencias denominadas «Clases Magistrales», en este caso para magos y aficionados, lo que les da la posibilidad de aprender magia con los mejores exponentes del mundo.
El fundador y responsable de Uruguay Magia es Willy Guedes, mago, apasionado por la magia de cerca, amante de la cartomagia y responsable de la organización y producción de todos los eventos.
El próximo 13 de mayo habrá una nueva oportunidad para presenciar un show de magia, esta vez en el Auditorio Adela Reta (Sodre). El espectáculo denominado «Magia 9 3/4» estará a cargo de Marcel del Lago, Willy Guedes, representando a Uruguay y Manuel Llaser mago argentino como invitado internacional.
HANAMI La belleza de la existencia de Danna Liberman bajo dirección de Jimena Marquez y Luz Viera vuelve al teatro en la semana que va desde el 25 al 30 de abril a las21 hs exceptuando el domingo que será a las 19 hs en Sala Hugo Balzo del Sodre.
“Si me mirás bien, me falta un pétalo. Si me mirás bien, mi alegría, tan amarilla ella, florece en el dolor”
Hanami es un unipersonal biográfico y ficcional de Danna Liberman. Es un homenaje a su hijo Uriel y a todas y todos los que danzamos el dolor. Una invitación a caminar vulnerables, y tomar la vida así como es, integrando el dolor como parte de la belleza de la experiencia.
La pieza integra diferentes lenguajes artísticos que confluyen en una experiencia escénica conmovedora.
Danna Liberman fue nominada a Premio Florencio (actriz en unipersonal), Mención especial en el concurso literario Juan Carlos Onetti 2021 y Obra seleccionada por FIDAE 2022.
«Empecé a escribir para aliviarme, para leerme y repensarme, para acompañarme en el duelo por la pérdida de mi segundo hijo, para honrar lo que fue y lo que es. Hanami nace de la necesidad de procesar el dolor, de pensar sobre el sentido de la vida, de querer elegir estar en la tierra. De encontrar la belleza de la existencia. Como un manantial muevo mis dedos en un texto que es honesto, que soy yo y todos. Decido servir con mi historia, compartirme para reconocer mi camino y homenajear a Uriel. El siguiente paso, tomar el coraje de compartirlo, de ponerlo en escena, de interpretarlo. De darle voz y cuerpo a la palabra escrita. Para eso elijo un equipo que potencie, enriquezca y transforme el texto en teatro.
Llegan Jimena Márquez y Luz Viera mujeres talentosas y poderosas para dirigirme, Lucia Tayler y su vuelo poético para diseñar el mundo de la escena, Renata Sienra para levantar sensaciones y universos en visuales, Susana Liberman con su impronta y delicadeza en el diseño gráfico, Sara Sabah y Federico Righi con su música mágica, Paula Villalba aportando su mirada profunda y maravillosa en el vestuario, Nicole Berenstein con su profesionalismo y humanidad en producción.
En síntesis, el mejor equipo del mundo mundial para levantar un espectáculo luminoso: Hanami, la belleza de la existencia».
Danna Liberman
Entradas por TICKANTEL $ 600
Web, Abitab, Redpagos y boletería de la Sala
BIOGRAFíAS:
Danna Liberman. Actriz, directora y docente de artes escénicas. «Mirando por la ventana de un ómnibus sentí libertad y decidí ser actriz. Me formé como maestra y psicopedagoga, y me enamoré del teatro. Amo mi trabajo y su gente, me seduce la pavada poética y los procesos creativos. Trabajo potenciando a lxs demás desde la docencia y dirección, hago teatro para salvarme porque el mundo me duele. Improviso con ansias de libertad, adrenalina, honestidad y sorpresa. Me gustan los encuentros, el caos, el cosmos y poder inventar otros mundos para habitarlos». Se formó como Actriz, Maestra y Lic. en psicopedagogía. Participó cómo actriz en más de 50 espectáculos teatrales, cortometrajes y largometrajes nacionales y con elencos internacionales. Desde 2003 se dedica a la docencia en arte escénico, especializándose en improvisación teatral y clown, dictando clases en diversas instituciones dentro y fuera del país. Desde 2007 dirige el espacio teatral Sal, club de teatro. Facilita capacitaciones de improvisación aplicada a empresas de todo el mundo con Impros. Estudió en la escuela de Teatro del cuerpo (Metodología de Jaques Lecoq) y actualmente investiga en las técnicas de clown e improvisación (realizó talleres maestros de Canadá, Brasil, Argentina, Colombia, Costa Rica, México, España, Perú, Israel, entre otros). Desde 2017 comienza su formación en meditación, yoga, coaching, mindfulness y diversas disciplinas de desarrollo personal. Es miembro fundador de compañía teatral Impronta teatro, con la que organizó tres Festivales Internacionales de IMPRO en el Teatro Solís y Auditorio Nacional del Sodre.
Jimena Márquez.Dramaturga y directora. Profesora de Literatura egresada de I.P.A. Premio Nacional de Letras 2019 . Docente de Arte escénico en la EMAD y como docente de dramaturgia en la Tecnicatura Universitaria de Dramaturgia y en la Escuela Nacional de Danza, SODRE. Docente del Taller de dramaturgia en la Tecnicatura de dramaturgia de Facultad de Humanidades. En 2009 obtuvo el Florencio en el rubro Revelación por la dirección y la dramaturgia de su pieza “Cajas Chinas”. En agosto de 2020 estrenó su tercera dirección de una pieza de su autoría para la Comedia Nacional «Nociones básicas para la construcción de puentes». Obtiene la beca FEFCA, otorgada por el MEC en dramaturgia para la producción escrita de «El desmontaje» estrenada en agosto de 2021 en la sala Zavala Muniz, por la cual obtuvo el premio Florencio a mejor actriz de unipersonal. Actualmente coordina sus propios talleres de dramaturgia y actuación en Sala Emilia. Se desarrolla también como letrista de carnaval desde el año 2008, pasando por diferentes conjuntos y categorías, obteniendo dos veces el premio a Mejor letrista del Carnaval (2018 y 2019) y el premio a «figura máxima del carnaval» en 2022.
Luz Viera. Actriz. bailarina y docente. Se formó en la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático, E.M.A.D. en la Escuela de Comedia musical, en INDANS Escuela en artes del Movimiento y en el Espacio de Desarrollo Armónico. Se forma con distintos profesores siendo María Inés Dantés su pieza clave de formación e inspiración. Docente de danza para niños y adultos en La Escuela de Acción Artística (Luis Trochón) y en El Taller-espacio de Arte para niñxs, adolescentes y adultxs. Fundadora de Sala Emilia (Espacio de Impulso Creativo) junto a Jimena Márquez, donde brinda talleres en los que nuclea su carrera de actriz y bailarina. En el 2014 comienza a integrar grupos de carnaval como componente y coreógrafa, viaja a Córdoba y Tucumán a trabajar puesta en escena para murgas Argentinas. A lo largo de su trayectoria participa en variados espectáculos y realizó la dirección de la obra El Desmontaje que se estrenó en la sala Zavala Muniz.
Teatro sobre ruedas es un proyecto que nace en el año 2014. Son obras teatrales que se presentan de forma itinerante en escuelas, colegios y centros educativos, los espectáculos apuestan a la participación y la promoción de valores humanos, generando una experiencia artística, educativa y cultural para niños y niñas.
Su objetivo es difundir el arte y la cultura nacional, y facilitar el acceso a la cultura como derecho fundamental, es por eso que la función se realiza en el propio centro educativo e incluye un foro posterior de intercambio entre el público y los artistas.
Es importante destacar que con las obras se genera una propuesta pedagógica para trabajar en clase a partir del hecho artístico. Los artistas llevan banners, afiches, programas para cada estudiante y carpetas de actividades para docentes.
Las obras disponibles son:
👉»Las aventuras de Serafin»
Inspirada en la vida y obra de Serafín J. García, se ubica en Treinta y Tres, en el Uruguay de 1915. Serafín y su prima Valentina se embarcan en una aventura en busca de su don, guiados y acompañados por su abuela Blanquita. Para encontrar este tesoro, los protagonistas nos invitan a recorrer distintos caminos, vencer algunos miedos y conocer personajes entrañables. Se encontrarán en un barco marino, en un circo criollo, y hasta en lo más oscuro del bosque. Finalmente, llegarán a descubrir ese tesoro particular, que cada uno de ellos guarda en su corazón.
A lo largo de la obra, disfrutaremos juntos juegos, canciones, música en vivo, baile y mucha diversión!Es apropiada para niños y niñas en edad primaria (se puede sumar inicial desde nivel 3).
Fue declarada de interés cultural por el MEC, Nominada a los premios Florencio y seleccionada para festivales nacionales e internacionales de teatro para niños y adolescentes. Ha realizado más de 100 funciones de extensión cultural por diferentes barrios en escuelas, colegios, centros culturales, clubes y otras instituciones culturales educativas y sociales tanto en Montevideo como en el interior de nuestro país.
Elenco: Patricia Fry, Florencia Colucci, Agustin Urrutia y Bruno Tognola
Dirección: Pablo Dive
Dramaturgia: Dive + Fry
👉 «¿Qué me importa?»
En el surreal mundo de los sueños todo puede pasar, pero… ¿es real? ¿está sucediendo? ¿es posible que cuatro cerebros se sincronicen para soñar exactamente lo mismo? Quienes lo saben todo y todas las respuestas tienen, salen de su comodidad a partir de un hecho inusual, una niña ardilla preguntona siembra la duda y de pronto… ¡todo parece explotar!
Apropiada para niños y niñas de primaria.
Esta obra cuenta con el apoyo del FCC del MEC y el Centro Gen Arte y Ciencia. Sus personajes generan empatía y nos acercan al mundo de la curiosidad y el pensamiento científico. Estrenada en la sala Delmira Agustini del Teatro Solís.
Elenco: Patricia Fry, Florencia Colucci, Agustin Urrutia y Leonardo Martínez
Dirección: André Hübener
Dramaturgia: Agustín Urrutia
PARA PODER LLEVAR ALGUNA DE ESTAS OBRAS A TU AULA PUEDES CONTACTAR Y PEDIR INFORMACIÓN AL MAIL: teatrosobreruedasuy@gmail.com
También puedes obtener información en Instagram: teatro_sobre_ruedas_uy
Llegó a los cines la película más esperada del año: «The Whale» (La ballena), de Darren Aronofky. Esta cinta generó mucha espectativa desde setiembre del 2022 cuando tuvo su estreno en el Festival Internacional de Cine de Venecia donde recibió una ovación de pie, además de un aplauso de más de seis minutos contados para Brendan Fraser.
¿De qué se trata?
Charlie es un hombre gay de mediana edad que sufre de obesidad mórbida debido a un transtorno de apetito desenfrenado causado por una severa depresión. Vive encerrado en un pequeño apartamento, prácticamente confinado al sillón donde transcurren sus días. Da clases de escritura de forma online en una universidad y bajo la excusa de que su computadora tiene la cámara rota mantiene su imagen como incógnita para sus alumnos. Está solo, salvo por su mejor amiga Liz quien además es enfermera y se encarga de controlar su bienestar (en este caso malestar). Su salud está al borde del colapso pero se niega a recibir asistencia médica, con suerte le queda una semana de vida por lo que decide aprovechar sus últimos momentos para acercarse a su hija y librarse de las culpas que lo atormentan desde hace varios años.
Trailer Oficial The Whale
¿Por qué tanto revuelo?
Primero que nada esta película supone el «renacimiento» de Brendan Fraser o como los fans se han dispuesto a llamar #The Brenaissance. Para los de la generación nacida entre los 80´- 90´ Fraser fue un hito del blockbuster dejándonos títulos como la saga de «La momia», «George de la Selva», «Al diablo con el diablo», «Corazón de tinta» entre otras. Pero poco a poco fue consiguiendo papeles menores y proyectos que supusieron un fracaso en la taquilla y de repente desapareció del radar público. Los motivos fueron varios, entre ellos de salud, problemas personales, la muerte de su madre, un prolongado divorcio que lo llevó practicamente a la ruina no solo financiera sino mental, todo esto conjugado con una especie de cancelación indirecta por parte de la industria luego de que realizara una denuncia de caracter sexual contra Philip Berk (ex-presidente de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood).
El guion es una adaptación homónima de la obra teatral escrita por Samuel D. Hunter basada en sus propias vivencias, en la adolescencia descubre que es homosexual lo que significó una experiencia traumática no sólo por su propia aceptación sino por la forma en que reaccionaron su familia y sus amigos. En esos momentos comenzaron sus crisis de ansiedad, la depresión que sentía al ser rechazado por los demás lo llevaron a sufrir transtornos alimentícios en los que los atracones eran la manera de sentirse complacido. Para él esta situación no duró mucho tiempo y logró encontrar la ayuda necesaria para salir de esa situación autodestructiva. Conoció a su futuro esposo que significó un apoyo permantente y su infierno tuvo un final feliz. Toda esta situación lo llevó a escribir «La ballena«, cuando comenzó a hacerlo, tenía en mente una única pregunta: “¿Qué pasaría si esta es la historia de alguien que no encontró la ayuda y salida que yo sí encontré?”.
Hunter participó en la cinta adaptando su obra al guion y comentó al respecto: “Adaptar mi obra a un guion ha sido una verdadera labor de amor para mí. Esta historia es profundamente personal y estoy muy agradecido de que tenga la oportunidad de llegar a un público más amplio. Soy fan de Darren desde que vi Requiem for a Dream cuando era estudiante de primer año en la universidad escribiendo mis primeras obras de teatro, y estoy muy agradecido de que haya aportado su singular talento y visión a esta película”.
La cinta ha obtenido varias nominaciones y premios a lo largo de su recorrido en festivales, resultando ganadora en:
Las Vegas Film Critics Society – Brendan Fraser ganador a Mejor actor
Mill Valley Film Festival – Premio a Favorito del público: cine de EE. UU
Montclair Film Festival – Premio Junior del Jurado
Asociación de Críticos de Cine de San Luis – Brendan Fraser ganador a Mejor actor
Critics’ Choice Awards – Brendan Fraser ganador a Mejor actor
Actualmente se encuentra esperando los resultados a sus nominaciones en los Premios Oscar
Ver esta película puede resultar un poco duro ya que en todo momento el espectador se está sometiendo a presenciar el lento suicidio del personaje. Lo ves en el límite de su salud y tambien lo ves entregado, comiendo a reventar sin hacer nada para revertir la situación. En este punto nos podemos identificar con el personaje de su amiga Liz y su frustración que trata de mil formas de hacerlo reaccionar, de convencerlo para recibir verdadera asistencia médica, de revertir la situación. A la vez Liz es una de las personas que le proveen comida y no precisamente sana. Esa faceta de su relación me hizo acordar a las historias de parejas «feeder» que alguna vez vi en el canal Home and Health, obviamente su relación no es de caracter sexual ni nada por el estilo, pero queda más que explícito en la película que a pesar de que ella no está a favor de esta situación tampoco puede evitar darle de comer de forma excesiva, tal vez por lástima, tal vez por un fallido intento de hacerlo sentir un poco mejor.
La cinta se basa en una obra de teatro y así está presentada, se desarrolla una sola locación que es el pequeño y agobiante apartamento de Charlie y nos da apenas un vistazo de las demás habitaciones, el baño, el cuarto, el pequeño pasillo, la habitación de su ex a la cual no logra ingresar no sólo por su peso sino también por los recuerdos, la entrada y su comedor con cocina integrada donde pasa la mayor parte del tiempo. Los acontecimientos se llevan a cabo en la última semana de Charlie y en los intentos de acercarse a Ellie a su hija adolescente interpretada por Sadie Sink. Charlie las abandonó a ella y a su ex esposa Mary (Samantha Morton) hace más de 9 años para poder vivir su historia de amor con un alumno de la universidad en la que daba clases. Desde esa decición nada ha ido bien en la vida del protagonista y sus acciones lo sumen en la culpa y la vergüenza.
Como nos tiene acostumbrados Aronofky, otros temas se esconden en la trama, como por ejemplo la maldad de los seres humanos, ¿hay seres intrínsecamente malos? ¿o son así por las circunstancias que les ha tocado vivir? ¿tienen remedio?. También está el tema de la religión, la salvación, el pecado y el perdón. Y más de soslayo nos presenta el desgano y desinteres de la sociedad en la que vivimos, sobre todo de los adolescentes, no solo con el personaje de su hija que no se muestra interesada en sus estudios sino tambien de sus propios alumnos.
Es una buena película, con excelentes actuaciones ya que considero que cada uno de los actores puestos en escena cumplen su rol a la perfección pero que también trabaja utilizando la morbosidad y la manipulación. La banda sonora nos va introduciendo en ese estado de espectador indefenso que termina siendo manipulado hasta las lágrimas.
Bette Davis, ¿estás ahí?» Vuelve con 9 únicas funciones en Febrero del 16 al 19 y del 22 al 26 a las 20:30 hs excepto domingos que se exhibirá a las 19:30 hs. Sala Zavala Muniz Teatro Solís
La obra del director Domingo Milesi fue ganadora de 2 Premios Florencio 2022; en el rubro mejor elenco y rubro mejor espectáculo y dirección de comedia.
Sinopsis: Azucena busca el amor y el sentido de la vida, luego de la pérdida de su madre y su retiro laboral. Transita el duelo, junto a su amiga Graciela, rastreando nuevas señales y motivaciones, en sus visitas diarias a un viejo cine de barrio, que se resiste a morir. Allí conocen a Aníbal, y este es el disparador de un juego entre la realidad y la ficción; donde también aparecen elementos sobrenaturales, a través de prácticas esotéricas que podrían establecer una nueva interpretación del presente y una línea de comunicación con el más allá.
La obra cuenta con tecnología sonora binaural, por lo que será escuchada con auriculares.
¿Qué es el sonido binaural? Es una forma de grabar y reproducir el sonido que emula el modo en el que los seres humanos escuchamos. Imita las señales auditivas naturales creadas por el cerebro y el oído, producto de la interacción acústica entre nuestros cuerpos y el entorno que nos rodea; escuchado mediante auriculares, crea un mapa de sonido tridimensional que nos sumerge en los eventos propios del paisaje sonoro y nos ubica en el lugar exacto de donde provienen los sonidos, generando una nueva experiencia inmersiva. Los casos de su uso en el mundo, son de gran impacto, como una potente herramienta de accesibilidad e inclusión para personas con baja visión o ciegas.
Entradas en venta a través de Tickantel y en boletería de la sala Zavala Muniz.
Costo $ 600
Autoría y Dirección: Domingo Milesi.
Elenco: Martha Vidal, Ma. Elena Pérez y Carlos Sorriba.
Diseño de sonido: Gustavo Fernández.
Diseño de vestuario y caracterización: Mavi Amigo.
Diseño escenográfico: Martín Siri.
Diseño lumínico: Jimena Romero.
Asistencia de dirección y traspunte: Maria Jose Morales y Patricia Canén.
Diseño gráfico: Julia Tiscornia.
Fotografía: Mauricio Rodríguez.
Prensa: Lic. Beatriz Benech.
Producción: Lucía Etcheverry.
Autor-Director: Domingo Milesi es un creador teatral, egresado de la EMAD, que trabaja profesionalmente como actor, director, dramaturgo y docente.
Como autor-director, investiga en una poética personal que juega con elementos narrativos y visuales del cine en búsqueda de una traducción teatral.Tiene dos obras estrenadas que recibieron nueve nominaciones a los Premios Florencio, incluido Mejor Texto de Autor Nacional (en ambas ocasiones). Realizó una asistencia de dirección en el Teatro de La Abadía. Madrid, España (IBERESCENA). Como dramaturgo fue seleccionado por el Royal Court Theatre (Inglaterra) y por la Sala Beckett (Barcelona). Como actor ha realizado giras en Uruguay, España, E.E.U.U., Brasil, Ecuador, Colombia, Venezuela y Argentina.
Ha realizado diversos talleres y seminarios con: Alistair McDowall, Tanika Gupta, Julio Chávez, Maurice Durozier, Alejandro Catalán, Carolina Adamovsky, Max Cúccaro, Hugo Gargiulo, Santiago Loza, Compañía Española Katubeltz, Ernesto Álvarez, Ana Katz, Nora Moseinco, entre otros.
Actores:
Martha Vidal es Lic. en Psicología egresada de la UDELAR, cantante y actriz egresada del Ictus en 1986 y de la Escuela de Teatro del Sur en 1994.
Se ha desempeñado como actriz en diversos espectáculos bajo la dirección de Walter Cotelo, Juan José Brenta, Homero Naranjo, Álvaro Borges, Sergio Lazzo, Taco Larreta, Elena Zuasti, Raúl Acosta, Gloria Levy, Ernesto Clavijo, Virginia Marchetti, Álvaro Correa, Juan González Urtiaga, Domingo Milesi, entre otros.
Fue nominada al premio Florencio por “Mujeres de Lorca” (como actriz de reparto) y por “El loco y la camisa” (como actriz de reparto).
Ha participado en la miniserie REC para Canal 5, y en el corto Matilde (El Joven Batlle) de Fernández Prando.
En la actualidad permanece en cartel con las obras “El loco y la camisa” y “Declive”.
María Elena Pérez Algortaes actriz, egresada de la Escuela Municipal de Arte Dramático “Margarita Xirgú” en el año 1990.
Desde esa fecha ha trabajado en forma ininterrumpida en diversos espectáculos teatrales, con directores como Nelly Goitiño, Eduardo Schinca, Juver Salcedo, Mariana Percovich, Jorge Denevi , Gabriel Calderón , Domingo Milesi, Ana Pañela, Cecilia Caballero, Lucia García , entre otros.
Fue nominada al premio Florencio a Mejor actriz de reparto por “Juego de Damas Crueles”.
Ha participado en diferentes producciones nacionales e internacionales de cine y televisión, con directores como Beatriz Flores Silva, Álvaro Buela, Esteban Schroeder, Diego Arzuaga, Daniela Esperanza, Guillermo Casanova, Matías Ganz Pablo Stoll, Adrián Biñiez, Sebastian Benardick , Jesús Braceras entre otros.
Recibió el Premio Tabaré a Mejor Actriz por “Una forma de bailar”.
Ha sostenido un proceso de formación permanente realizando cursos y seminarios con docentes uruguayos y extranjeros como Jimena Márquez , Ricardo Bartís Alejandro Catalán ,Ciro Zorzoli, Danielle Finzi Pasca, Guillermo Heras, Iñaki Moreno, Guillermo Cacacce, Claudio Méndez Casariego, Nora Moseinco y otros.
Actualmente dirige su propio Estudio de Actuación.
Carlos Sorriba es uno de los actores fundadores del Teatro Eslabón de Canelones. Desde 1980 a la fecha viene desempeñando un trabajo ininterrumpido en los escenarios, ha trabajado con directores como Leonel Dárdano, Pepe Vázquez, Omar Varela, Nacho Cardozo, Levón, Mariana Percovich, Mario Ferreira, Fernando Toja, Daniel Romano, Gastón Borges, Diego Araújo, Hugo Giachino, Gerardo Begérez, Alberto Coco Rivero, Damián Barrera, entre otros.
Participó como actor invitado por la Comedia Nacional en tres espectáculos: “La Orestíada”, con dirección de Levón, “Terrorismo”, dirigido por Mario Ferreira, y “El Casamiento de Fígaro”, bajo la dirección de Coco Rivero.
Nominado en varias entregas, obtuvo el premio Florencio en dos oportunidades, como actor y como director.
También obtuvo un Florencio en teatro para niños.
Ha realizado algunos trabajos para publicidad, televisión y cine. También participó como integrante del conjunto de parodistas “Los Antiguos” en el concurso oficial de carnaval del Teatro de Verano.
Actualmente dirige el grupo Teceo (Teatro de la Central Obrera), de reciente formación, y da clases de teatro y humor en las ciudades de Las Piedras y Canelones.
En el marco del 9no. FESTIVAL INTERNACIONAL TEMPORADA ALTA DE GIRONA EN MONTEVIDEO se re-estrena «Yo soy Fedra«, escrita y dirigida por Marianella Morena.
La obra tendrá lugar en la Sala Verdi con un total de 8 funciones: Sábado 4, Domingo 5, Sábado 11, Domingo 12, Sábado 18, Domingo 19, Sábado 25 y Domingo 26 de Febrero 2023. Los cupos son limitados, las entradas están en venta por Tickantel y Boletería de Sala Verdi. Costo de las entradas $ 600. El horario de los dias sabados es 23hs y para los domingos 12hs.
Sinopsis: 30 espectadores/as entrarán al dormitorio de Fedra para respirar con ella, y vibrar en la cercanía del espacio reducido. 30 espectadores/as adentro del dormitorio-casa, con las herencias rotas, y el fetiche musical: Hipólito. 30 espectadores/as y una porción de ficción íntima.
«Somos parte de una sociedad hipócrita que no acepta el sufrimiento que provocan los sentimientos, y nos obligan a mentir sobre ellos. Podemos faltar a trabajar por un resfriado, pero no por una pérdida amorosa. Inspirado en el mito, esta Fedra toma elementos contemporáneos que van desde la presión social por la belleza y eterna juventud —somos carne y como tal nos siguen tratando—, los limites de la fertilidad, hasta la corrección política sobre nuestros cuerpos y el relato promocionado sobre los mismos. Un grupo reducido de espectadores/as ingresan al dormitorio de Fedra y terminan de conformar el dispositivo escénico. El público respira con ella, la ve exponerse sin escondite y por un momento la experiencia de la representación se diluye. No hay cuarta pared. No hay restos de textos anteriores. Aunque el pasado se impone por sobrevivir, ella se resiste, y apela performativamente a sus vibraciones, al placer, y a cantar con Hipólito, quien es ausente/presente a través de sus canciones y su música ecléctica. Una habitación contiene la casa. Fedra rompe los límites del amor en acciones hiperrealistas como comer, cantar, ordenar, pero también en relatos oníricos, dolorosos, donde se despoja sin vergüenza y confiesa su desamparo. Morir y renacer, para volverse otra/o en el próximo parlamento. Afuera el tránsito, las compras, las reuniones, los días y las noches que organizan la vida social, afuera el frío, aunque sea verano.»
Del 01 al 26 de febrero el Centro Cultural Terminal Goes, Centro de Exposiciones Subte, el Mercado Agricola de Montevideo (MAM), la Sala Lazaroff y la Sala Verdi serán expositores del neveno Festival Internacional Temporada Alta.
Este festival es extensión del emblemático festival catalán nacido en Girona. Festival que desde hace casi una década se ha multiplicado en Latinoamérica a través de Timbre 4 en Buenos Aires, de la Alianza Francesa en Lima y de Sala Verdi en Montevideo.
En esta edición se presentarán trece propuestas provenientes de Argentina, Colombia, España, Francia, Portugal y Uruguay; diversas entre sí, pero reivindicativas del hecho artístico como un universo de libertad sin concesiones.
Obras:
360 GRAMOS – España, Tragicomedia
Un espectáculo poético, que fusiona palabra, cuerpo y danza. Con sólo un pecho el cuerpo no deja de ser bello. Cuando la vida te parte en dos se despliega ante ti la oportunidad de atravesar el dolor y redescubrir el misterio de la belleza. Una belleza política que combate la superficialidad y desafía los estereotipos. Una belleza que es lo que es, con su diferencia. Una verdad que abraza y ama la vida. Tu mirada cuenta, es importante, suma. Y como dice John Berger «No estoy desnuda tal como soy, sino que estoy desnuda tal como tú me ves». 360 GRAMOS es un proyecto que nace de una experiencia personal de Ada Vilaró, muy íntima y frágil y que, por primera vez, se atreve a compartir.
ALTSASU – España, Teatro documental de La Dramática Errante
En la madrugada del 15 de octubre de 2016, se produce a las puertas del bar Koxka, en Altsasu (Navarra), un altercado en el que se vieron implicados varios vecinos del pueblo, dos agentes de la Guardia Civil y las parejas de estos. El resultado fue de dos detenidos y un tobillo, el del teniente, roto. En menos de 24 horas Altsasu se convierte en un plató de televisión y en menos de un día y medio el caso es un asunto de Estado. Los denunciantes se niegan a declarar ante la Policía Foral, algo que sí hacen ante sus compañeros de la Guardia Civil. El giro de este espectáculo se produce cuando COVITE, el Colectivo de Víctimas del Terrorismo en el País Vasco, denuncia los hechos ante la Audiencia Nacional. Esta organización introduce la acusación de terrorismo y se pone en marcha un operativo policial contra nueve jóvenes. Siete de ellos ingresan en prisión inmediatamente. A la vista oral, que comienza el 16 de abril de 2018, se llega con peticiones fiscales de entre 6 y 12 años de prisión para ocho jóvenes. El juicio es seguido con expectación en todo el estado español por lo que puede significar de cara al recorte de las libertades y el abuso de la expresión “terrorista” que impulsa la Fiscalía.
¡BAILEMOS… QUE SE ACABA EL MUNDO! – Argentina, Obra audio-interactiva para bailar con el público
La obra consiste en una experiencia para un grupo de espectadores a quienes se invita a bailar como si fueran a un baile de club del pueblo. Cada espectador-participante recibe auriculares donde escuchará un audio. En esta situación de baile transcurren escenas variadas y el público recibe distintas instrucciones y consignas que deberá realizar en grupo o individualmente. De este modo los espectadores entran en un juego de coreografías y actividades que les involucran como parte de situaciones ficticias. Mezclados con el público hay también actores y actrices-bailarines profesionales que forman parte de la obra. A veces se confunden entre los participantes y en ocasiones asumen otros roles como líderes de coreografías, realizando performances individuales o encarnando personajes.
CLOWNTI – Colombia, Farsa cómica de Jabru Teatro de Títeres
Clownti se siente muy solo y un poco triste por lo que decide abrir la maleta de sus sueños. Es grande su sorpresa al darse cuenta de que allí están todas las cosas bonitas que su padre se ponía para convertirse en el mejor payaso del circo: peluca, nariz, zapaticos grandes y bombachos… Y además, como en una cajita mágica, cada objeto que encuentra lo invita a descubrir y a jugar. Después de mucho probar, finalmente queda vestido de payaso, pronto para entrenar y aprender algunos números de circo. A pesar de la dificultad, de su torpeza, de sus caídas y del riesgo que corre en el difícil arte de ser payaso, su corazón se llena de alegría. Primero, porque recuerda a su padre y lo siente cerca; y segundo, porque jugando y riéndose de sus propias dificultades logra despertar la ternura en los otros y hacer muchos, pero muchos amigos.
FIGUEIREDO – Portugal / Brasil, Teatro documental
De la memoria, del olvido, del borrado, de la selección de lo que debe o no recordarse; de los archivos, los restos, las huellas, las pistas, los documentos, punta del iceberg que nunca llegaremos a ver en su totalidad. Documentos que se pierden, ya sea por intereses deliberados o no, documentos que se olvidan en el tiempo, ya sea porque el contexto no exigió el acceso o no hubo suficiente material humano para tratarlos, haciéndolos conocer al público. Los archivos pueden ser una mina de la que los artistas extraigan elementos importantes que sustenten su historia. Los pueblos indígenas —al igual que otros grupos considerados minoritarios: remanentes de quilombos, pueblos ribereños y caboclos— son el rostro de la población brasileña que se oculta deliberadamente. Este ocultamiento se produce a medida que se borran de la historia, de los relatos, de la memoria. Un documento oculto sirve de punto de partida para esta conferencia performativa que busca transitar entre la historia y la memoria, tejiendo vínculos en torno a una política de destrucción que se extiende desde 1500: el genocidio indígena en Brasil. Relatório Figueiredo fue el nombre con el que se conoció el informe concluyente elaborado por la Comisión de Investigación establecida en Brasil en julio de 1967, para investigar las irregularidades en el Servicio de Protección al Indio, la agencia estatal responsable de implementar la política indígena brasileña entre 1910 y 1967. Mientras, la investigación historiográfica se realiza mediante la búsqueda de una verdad subyacente al discurso, reconstruyendo los elementos de la memoria (datos, hechos, información) como piezas de un juego, cuyo objetivo no es probar una realidad, como en un rompecabezas, sino erigir un edificio donde los personajes y documentos sean parte constitutiva de la historia. Pasado resignificado en el presente. Voces que resuenan y, la mayoría de las veces, ahogan y sofocan las voces de quienes son los sujetos de esta historia: los indios.
LA CELESTINA, TRAGICOMEDIA DE LITA – Argentina, Versión libre de “La Celestina” Tragicomedia – Clown
Las voces de la clásica obra de Fernando de Rojas atraviesan a Lita que está en permanente riesgo de muerte: con sus manos debe sostener una escenografía que se le ha caído encima. Todo pende de un hilo y ya no le quedan fuerzas. Aún así reirá, llorará y gozará hasta el final.
LOCO AMORIS – España, de La Bella Otero
Una pareja. Tú y Yo. Yo me voy a estudiar a París. Tú te quedas en Barcelona. Decidimos seguir con la relación a pesar de la distancia. Pero, ¿cómo seguir siendo Nosotros, si Tú y Yo no estamos juntos? Quien más quien menos ha vivido, está viviendo o vivirá una relación a distancia: la soledad, la impotencia, la euforia de los reencuentros, y la sensación de que el mejor sitio del mundo es una persona. Nosotros dos vivimos a distancia, uno en París y la otra en Barcelona. Fueron dos años llenos de experiencias, estados de ánimo y reflexiones de todo tipo. LOCO AMORIS (“lugar del amor”en latín) lleva al escenario la esencia de esas vivencias, extrayendo el humor del amor, el absurdo de los malentendidos y la belleza de las situaciones dolorosas. Cuando nos preguntan si todo lo que pasa en la obra ocurrió de verdad, siempre contestamos lo mismo: al final, cualquier relación tiene un punto imaginario, ¿no?
MA SOLITUD – España, Teatro visual, humor, títeres de Guillem Albà
El nuevo espectáculo de la compañía es un regreso a sus raíces: su característico universo visual. Esta vez a través de los títeres y la comicidad de pequeño formato, y de una vibrante experiencia colectiva de proximidad. Un viaje de la comedia a la poética, con sus manos como punto de partida, esa parte del cuerpo que nos devuelve a lo tangible, cotidiano y artesanal, y nos reconecta con la comunidad. Manos que han creado la mayoría de cosas que utilizamos. Manos que han desatado la belleza más sublime y las más terribles atrocidades. Manos que cuentan las historias que hace tanto tiempo que nos unen. Reivindicarlas para que no queden solas y olvidadas entre tanta tecla, pantalla y sobreinformación. Una experiencia para recordar la importancia de lo humano, sencillo y compartido.
MORIA – España, Experiencia inmersiva de teatro documento de Unahoramenos producciones
Esta puesta en escena cuenta la historia de dos refugiadas y sus respectivas familias a las que no les ha quedado más remedio que huir de sus países de origen. La dramaturgia se sostiene a partir de testimonios reales filmados en el campamento de Moria junto a la mirada de Nicolás Castellano. Zohra Amiryar tuvo que sobrevivir a cuatro bombardeos y diversos atentados en su país, Afganistán, perder a su hermano en uno de ellos y ver cómo sus cuatro hijos acababan heridos en el último de esos ataques. Todo esto la motivó a emprender el éxodo en busca de un refugio, pero cuando consiguieron llegar encontraron un auténtico infierno. La coprotagonista, Douaa Alhavatem, una treintañera iraquí, tuvo que abandonar su Bagdad natal después del secuestro de su marido por miedo a que ella y sus tres hijos pudieran correr la misma suerte. En el viaje, ella y sus pequeños, lo dieron todo por perdido después de 11 horas en alta mar sin señal de ningún barco de rescate. Ambas mujeres tenían sus esperanzas puestas en Moria por ser suelo europeo, pero lo que las esperaba era una nueva etapa de sufrimiento que jamás hubiesen imaginado. Y junto a ellas cientos de miles de personas viviendo el mismo infierno humano.
MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO – Uruguay, Obra teatral basada en la nouvelle homónima de Alicia Migdal
Las mujeres tiran por la ventana los trajes de los hombres, o los queman en una fogata que ni siquiera es ritual, solo rabia contra la corporalidad de la ropa. Hay un hombre que se va a un parque lejano a morir, sentado bajo un árbol. Otro lo hace en la rambla, sobre ese mar que lo trajo. Fragmentos de múltiples mujeres; ancianas, muchachas que recuerdan su infancia y se vuelven niñas, y el descubrimiento de la ciudad como espacio de búsqueda para ejercer el peligro aprendido en la intimidad. Los resabios de un contexto opresor se despliegan como un collage, la memoria compartimentada o los recovecos desconocidos del inconsciente. MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO puede ser la historia de una época o la agonía de todas las muchachas que alguna vez conocieron la inmensidad de un pueblo cualquiera en un día vacío de verano o en el romper de la nueva estación en marzo.
ROTA – Argentina
Una obra que nos interpela como sociedad, a través de la historia de una madre que debe reconstruir su existencia en torno a la muerte de su hijo, que se suicida después de cometer un femicidio. Una temática lamentablemente actual, que nos interesa llevar a la escena desde un enfoque distinto: la trama no estará centrada en la figura del femicida ni en su víctima, sino en la voz de esta mujer que tuvo que criar a ese hijo en soledad. Ella, a quien se juzga y señala como culpable, tratará de conseguir un poco de amor y comprensión; como cualquier otra mujer, lo merece. Desde la soledad en que la encontramos en escena, la madre del asesino, irá mostrando a quienes la juzgan, la hipocresía sobre la cual edifican determinados valores y lo que significa ser mujer y madre frente a la estigmatización social y el rechazo que sufre en su vida cotidiana.
VANITAS – Argentina / Francia, Video-instalación de danza Proyección continuada
VANITAS TRILOGÍA, llevado a cabo entre 2020 y 2022 por los coreógrafos y bailarines Agustina Sario y Matthieu Perpoint, es una video instalación que explora los contactos de la piel con territorios diversos, del bosque al cemento, del musgo natural a volcanes artificiales y a edificios en ruinas. La trilogía trabaja, como el género pictórico barroco, sobre el eje Eros/Thánatos al que se incorpora el eje cuerpo-entorno. Las tres partes, presentadas en instalaciones a veces activadas por los mismos performers, resultan ser la historia de un acercamiento íntimo a la textura de unos planetas, reales o inventados. VANITAS 1- QUIÉN TE QUITA LO BAILADO(2 canales, HD-27 Min) Un cuerpo femenino en un bosque (filmado en el Parc Naturel Régional du Pilat-Francia) como una manera de entrar en sintonía con todas las capas de lo vivo y el vínculo, tanto erótico como morboso, con lo vegetal y lo orgánico, investigación enraizada en el pensamiento ecofeminista. VANITAS 2-LHOOQ (2 canales, HD-27 Min) Un cuerpo masculino se vuelve escenario extremando sus posibilidades como geografía, redimensionando la escala y reinsertándola en la grilla urbana (filmado en Ciudad de Buenos Aires).
YO SOY FEDRA – Uruguay, Teatro inmersivo
Somos parte de una sociedad hipócrita que no acepta el sufrimiento que provocan los sentimientos, y nos obliga a mentir sobre ellos. Podemos faltar a trabajar por un resfriado, pero no por una pérdida amorosa. Inspirado en el mito, esta Fedra toma elementos contemporáneos que van desde la presión social por la belleza/la eterna juventud —somos carne y como tal nos siguen tratando—, los limites de la fertilidad, hasta la corrección política sobre nuestros cuerpos y el relato promocionado sobre los mismos. Un grupo reducido de espectadores/as ingresan al dormitorio de Fedra y terminan de conformar el dispositivo escénico. El público respira con ella, la ve exponerse sin escondite y por un momento la experiencia de la representación se diluye. No hay cuarta pared. No hay restos de textos anteriores. Aunque el pasado se impone por sobrevivir, ella se resiste, y apela performativamente a sus vibraciones, al placer, y a cantar con Hipólito, quien es ausente/presente a través de sus canciones y su música ecléctica. Una habitación contiene la casa. Fedra rompe los límites del amor en acciones hiperrealistas como comer, cantar, ordenar, pero también en relatos oníricos, dolorosos, donde se despoja sin vergüenza y confesa su desamparo. Morir y renacer, para volverse otra/o en el próximo parlamento. Afuera el tránsito, las compras, las reuniones, los días y las noches que organizan la vida social, afuera el frío, aunque sea verano.
ENTRADAS: Los espectáculos del Festival tienen localidades diferenciales:
CLOWNTI y VANITAS Entrada gratuita.
360 GRAMOS, ALTSASU, LA CELESTINA…, LOCO AMORIS, MORIA, MUCHACHAS DE VERANO…, ROTA, YO SOY FEDRA Entradas generales: $ 600 Club El País, Comunidad La Diaria y Fucvam: 2 x 1 Socio Espectacular y SUA: 50 % Jubilados: $ 300 Jóvenes hasta 21 años: $ 200 Promoción especial: 3 espectáculos por $ 600
BAILEMOS, FIGUEIREDO, MA SOLITUD Entradas generales: $ 400 Club El País, Comunidad La Diaria y FUCVAM: 2 x 1 Socio Espectacular y SUA: 50 % Jubilados: $ 200 Jóvenes hasta 21 años: $ 100 Promoción especial: 3 espectáculos por $ 600
10 Funciones : 1, 2, 3, 7, 8, 9, 10, 15, 16 y 17 de Noviembre a las 21hs.
Texto y dirección:
Alejandra Gregorio
Actriz:
Cecilia Placeres
Músicxs:
Agustina Racchi
Gonzalo Rodríguez
Ficha técnica :
DISEÑO DE ILUMINACIÓN – Ivana Domínguez DISEÑO DE ESPACIO – Ivana Domínguez y Mariana Pereira DISEÑO DE VESTUARIO – Mariana Pereira SONIDISTA – Juan Andrés Lepore ASISTENCIA DE DIRECCIÓN – Marisa Riera PRODUCCIÓN – Lucía Etcheverry
PRENSA & DIFUSIÓN – Beatriz Benech
Sinopsis :
Recital teatral. Monólogo que recorre con urgencia distintos años y sucesos, que se construye entre canciones y pesadillas, que deambula entre un grito y varias llamadas telefónicas, que invoca a una infancia y a un padre, o al recuerdo de ese padre, mientras el mundo se sigue terminando y la vida se sigue viviendo.
Entradas en venta en Tickantel y boletería de la sala
Hasta el 18 de febrero estás a tiempo de disfrutar de algunas de las obras que se exhiben en la octava edición del festival «Temporada Alta» en Montevideo.
Son 9 obras provenientes de Argentina, Chile, España, Perú, Portugal y Uruguay. Todos los espectáculos se llevarán a cabo en Sala Verdi, con excepción de MIGUEL BONNEVILE #6 2008-2018 que estará en el Centro Cultural Terminal Goes y CRIATURAS DOMÉSTICAS en Casa Caprario (espacio lindero a Sala Verdi)
Programación
Entradas generales: $ 500 Descuentos: Socio Espectacular: $ 250 Comunidad La Diaria: 2 x 1 Montevideo Libre: gratis de acuerdo a cupo disponible.
Las obras:
ESTREITO / ESTRECHO:
Dos compañías, Teatro Experimental do Porto (Portugal) y Teatro La María (Chile), se unen en una obra que reflexiona sobre la figura de Fernando de Magalhães y su viaje al Estrecho, instalando diferentes enfoques escénicos que huyendo de una simple anécdota histórica y un orden cronológico: cuestionan, profanan y se sumergen en la aventura de un grupo de hombres enfrentando lo desconocido, la conquista y el cambio de paradigma, en un montaje que mezcla estilos, opiniones y visiones; un vehículo de transgresión, donde los dos grupos creativos (portugués y chileno) transfigurarán sus preguntas, dudas y conflictos en escenas que, quizás, responden a un espectáculo de sedición. La misma sedición que ocurrió en esos barcos antiguos en medio del océano y luego en la sangrienta conquista de tierras, «descubrimientos».
MIGUEL BONNEVILE #6 2008-2018:
MB#6 es una experiencia de narración autobiográfica. Bonneville trabaja sobre su historia personal como momento de profundo encuentro existencial entre diversas identidades. Invita a algunas mujeres que forman parte de su vida para hablar sobre sí mismas, sobre sus experiencias relacionadas con el hecho de ser mujeres, adultas, artistas, en el formato de video-retratos. Las historias de cada una de ellas, sin embargo, son devueltas por el intérprete, en un doblaje en vivo, que reúne las diferentes historias bajo la misma voz y las funde, haciéndolas parte de un único gran retrato que describe una nueva identidad. Las autobiografías hechas por mujeres siempre fueron, a lo largo de la historia, vistas como incompletas, discontinuas, incoherentes, fragmentadas o privadas. Bonneville ve así también su trabajo, cualquier autobiografía será siempre incompleta, y estará en continua transformación y regeneración. Por eso decidió revisar el espectáculo, 10 años después, entrevistar nuevamente a las mismas mujeres, y también otras que a lo largo de este período influenciaron su recorrido, para seguir reflexionando sobre lo que es ser mujer hoy, convertirse en mujer hoy, sobre todo cuando el/los feminismo/s y las cuestiones de género y de la sexualidad han adquirido cada vez más protagonismo en las esferas pública y política.
PECADOS CAPITALISTAS:
Una entrevista en vivo entre un periodista, un político*, una actriz y un músico en un escenario teatral. Lo que suceda en esa conversación será material dramático para los artistas, quienes (también presencialmente) usarán el acontecimiento para reaccionar desde lo real o la ficción. Los siete pecados capitales que ha fijado la tradición eclesiástica como disparadores de la reflexión. Cada pecado estará adjudicado a cada político/a. El teatro es representación y los políticos representan a la ciudadanía, pero ambos son parte de una ficción en algún momento, el teatro lo es por su esencia y los políticos porque ficcionan un modelo de país. El espectáculo político o artístico produce personajes mediáticos y la cobertura informativa busca captar la atención, ¿ del público o la ciudadanía?¿Cuál sería la diferencia? O, ¿dónde está la frontera? No es un espectáculo, por lo tanto el valor no está en el resultado, sino en el riesgo del diálogo, (¿un diálogo de iguales?) cosa imprescindible en estos tiempos.
Invitados: 5/02: 20 h Patricia Rodríguez 22 h Graciela Bianchi 6/02: 20 h Darviña Viera 22 h Pacha Sánchez 7/02: 20 h José Mujica 8/02: 20 h Lilian Abracinskas 22 h Oscar Andrade
LA PERSONA DEPRIMIDA:
«Disculpame si te estoy distrayendo de tu vida activa, vibrante, libre de angustia y ubicada a larga distancia…» La persona deprimida es un vasto retrato sobre el estado anímico de una mujer. Una persona que se limita a describir las circunstancias, tanto pasadas como presentes, que componen y conforman su angustia. La imposibilidad de compartir o manifestar ese dolor. Dolor que nos acerca a lo humano.
CRIATURAS DOMÉSTICAS:
La obra resulta de un proceso de investigación desarrollado en el subsuelo de un hotel. Una experiencia teatral que busca el contacto íntimo y el diálogo directo con el espectador por lo que se desarrolla exclusivamente para una audiencia con un número reducido de espectadores. Saborear el dolor. Una tragicomedia inspirada en “Las criadas” de Jean Genet que nos pasea por las zonas más oscuras de las relaciones humanas, abordando como eje las temáticas de la violencia, el amor romántico y la sumisión Una comedia grotesca con una sutil crítica a la sociedad elitista, pone en escena tres mujeres domésticas en su situación de servidumbre. A través del humor estas mujeres nos narran como con pequeños accidentes domésticos podrían concatenar acciones que devinieran en muertes ridículas, expresando así el deseo de matar a sus amas que abusan de su poder frente a la necesidad que ellas viven. Dividida en tres actos breves que dan ritmo a la pieza nos adentramos en los universos domésticos de éstas criaturas.
EL SEÑOR ARMAND,ALIAS GARRINCHA:
“No hay que ser amante del fútbol para gozar este texto lleno de ternura y de humor, solo hay que amar a la humanidad. Y el señor Armand, como Garrincha, como un espejo, nos habla de nuestros sueños, de nuestros éxitos, de nuestros fracasos, de nuestras risas, de nuestros llantos, de nuestras existencias…”.
LA OBRA EN PALABRAS DE SU AUTOR Y DIRECTOR: «De cómo el Sr. Armand, jugador oscuro del Júnior Olímpico de Marsella, salvó la vida del mejor futbolista brasileño, Manoel Francisco dos Santos, apodado Garrincha, impidiéndole enfrentar en el Estadio Velódromo en junio de 1955, y de cómo al mismo tiempo salvó a todo el equipo de Botafogo de la muerte. De cómo también provocó la muerte de treinta y cuatro médicos automobilófilos en el terrible accidente de las Veinticuatro Horas de Le Mans el 11 de junio de 1955 a las 18.28″ Serge Villetti
“¿Cómo expresar y hacer palpable esta furiosa voluntad de jugar como un niño que nunca nos abandona, ni siquiera al borde de la muerte?”, escribía Serge Valletti en el año 2000, comenzando la escritura de la obra. Los amantes del fútbol ponen a Garrincha por encima de todos los jugadores, hasta encima del rey Pelé. Pero todo el mundo conoce a Pelé. Y poca gente recuerda a Garrincha. Y esto no es una cuestión de un futbolista, sino de un hombre. Garrincha, el niño que nunca quiso crecer. El hombre que soñaba como un niño, sólo el juego le gustaba, Garrincha el que “¡Tenía veintidós años y jugaba riéndose! Garrincha, el que hacía que el público se levantara de alegría”. Garrincha el que ha hecho soñar al señor Armand. El señor Armand que se confunde con Garrincha, contándose a sí mismo entrampado en sus alucinaciones de actor, revela sus demonios propios. Al contrario de Garrincha, el señor Armand nunca ha salido a la luz, como Garrincha tiene un destino trágico, hundiéndose en el alcohol, la nostalgia, y los sueños de niño, regresando a lado de los olvidados». Gilbert Rouvière
LIVALONE:
Una sarcástica radiografía de la generación millennial, creada y protagonizada por dos de los performers de Fundación Agrupación Colectiva. Armado con un portátil, un equipo de música y diversas proyecciones, el creador y performer Francesc Cuéllar encarna el prototipo de jóven de 25 años que se propone el gran hecho de vivir solo. Con lucidez y humor Cuéllar y Alejandro Curiel, dos de los nombres que despuntan en la nueva generación teatral española, presentan una conferencia escénica sobre los caminos para llegar a la autosuficiencia antes de los treinta años. Una disección de las adversidades que debe afrontar toda una generación de jóvenes millennials que viven indefinidamente en precariedad. Un repaso minucioso y sarcástico de los usos y costumbres, derechos y necesidades de la sociedad contemporánea.
POCAHONTAS:
«Todos sabemos que los cuentos que nos contaban de pequeños no corresponden con la realidad. Que eran eso, cuentos. Esas pequeñas e inofensivas historias formaron parte de nuestra feliz primera etapa como ser humano. Todos dicen que lo que ocurre en los primeros años de vida de un ser humano marca y da forma a ese pequeño ser que un día será adulto. Que eso que ocurre, es su base, donde se apoyaran todos sus rasgos. Así pues, esas pequeñas historias que inundaban nuestros oídos en una edad tan prematura, se puede decir que hicieron de nosotros lo que somos ahora. Aprendimos a cómo ser humanos al son de los cuentos infantiles. Pero, muchas de esas historias dulces y llenas de colores no eran invenciones, se basaban en hechos reales, y, como en la historia de la humanidad, llegaron a nosotros sufriendo enormes y terribles manipulaciones, recortes y cambios. Si esos cambios se hicieron por nuestro bien y para salvaguardar nuestra sensibilidad de niño no fueron una mala idea. Pero, y si la historia que llegó a nosotros, llegó tapando una realidad, una realidad que necesita ser contada? La historia, tal y como pasó. ¿Y si ese hubiera sido un mejor aprendizaje para todos? Muchos dicen que la historia solo es contada por los vencedores y alguien, una mujer, añadió que no solo es así sino que nos falta el 50% de ella. Hay un vacío enorme en el tiempo, un agujero inmenso en cada libro de historia de secundaria y, dentro de ese vacío, hay todo lo que de verdad ocurrió, a parte de lo que nos han contado. Porqué, no solo no sabemos ni la mitad, sino que la mitad que nos ha llegado, nos ha llegado solo desde un único punto de vista: el masculino. El 50% restante, esa mitad desconocida quedará para siempre jamás perdida en el tiempo o residirá en la imaginación de cada uno. ¿O quizás no? Así pues, la estructura de nuestra sociedad tal y como la conocemos ahora, está basada en solo la mitad de la realidad, en solo una media verdad. ¿Y una media verdad no es lo mismo que una media mentira?» Bárbara Mestanza
SE RESPIRA EN EL JARDÍN COMO EN UN BOSQUE:
Se respira en el jardín como en un bosque y se está en el teatro como en el mundo. Pero ni el jardín es la Naturaleza ni el teatro es el mundo. Alguien prepara los jardines para disfrutar de un pedazo organizado de naturaleza, en su origen salvaje y llena de peligros. En el teatro alguien ordena las palabras y las imágenes en un discurso que dibuja una lógica que parece una respuesta. Pero así como cuando abandono el jardín y entro en el bosque, cuando salgo del teatro y vuelvo al mundo, toda la ilusión se esfuma y el mundo que aparece de nuevo ante mis ojos se vuelve indomable, peligroso y siempre incomprensible. Se respira en el jardín como en un bosque es una pieza de teatro que esencialmente podría definirse como ejercicio escénico para una sola persona, donde quien asiste a la obra ocupa el rol de intérprete y público consecutivamente. En esta pieza se proponen las dos acciones básicas del acto teatral: alguien mira en silencio mientras alguien lleva a cabo una coreografía de acciones en un escenario. Y a partir de esta convención teatral primitiva que ha perdurado durante miles de años hasta nuestros días, se propone un juego escénico a través de una narración sostenida por simples acciones que confrontan al participante con la convención representada. En esta experiencia afloran algunas cuestiones alrededor de como se comprende la realidad, quien es capaz de construirla y por qué nos encanta observar en silencio, al igual que hacemos cuando vamos al teatro, el artificio del mundo que hemos creado.
Después de su éxito en Argentina llega a Uruguay OJALÁ LAS PAREDES GRITARAN
Del 24 al 27 de febrero en el Teatro Solis.
Esta obra fue estrenada a mediados de 2018 como un site specic(tipo de trabajo artístico específicamente diseñado para una locación en particular) en una casona de Colegiales en Buenos Aires. Consiguiendo una exitosa primera temporada de más de un año y medio con funciones diurnas y nocturnas agotadas. Lo novedoso de la propuesta y su calidad artística generó mucho interés en el público, logrando gran repercusión en la prensa y la crítica. Participó del FIBA (Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires), en sus ediciones 2019 y 2020, generando mayor visibilidad a nivel local y posibilitando su proyección internacional. En 2020 fue invitada a participar del Festival Muestra Escénica Iberoamericana en Islas Canarias y fue seleccionada por la Directora artística del Festival Iberoamericano de Bogotá para que participe en su edición de este año. A su vez, fue invitada a presentarse en diversos países de latinoamérica (Chile, México, Perú, entre otros) lo cual se mantiene en suspenso debido a la pandemia. Entre finales de 2019 y 2020, realizó su segunda temporada con más de 140 funciones en el teatro Metropolitan Sura de la calle Corrientes, donde también cosechó excelentes críticas de los medios, del público, y de instituciones del medio teatral como ADEA (Asociación de Diseñadores Escénicos de Argentina), la UNA (Universidad Nacional de las Artes), EMAD (Escuela Metropolitana de Arte Dramático), entre otras. Este nuevo montaje que desembarca en Uruguay tiene como protagonistas a destacados actores y actrices uruguayos.
Sinopsis: El sonido ensordecedor de las miserias de una nobleza posmoderna. Las paredes de un palacio neoliberal funcionan como caja de resonancia de abusos, de verdades y mentiras gritadas, trapeadas, sampleadas, dentro de una familia. Hamlet ahora es millennial.
En palabras de Paola Lusardi: «Ojalá las paredes gritaran, mi ópera prima, surge como un proceso académico sobre Hamlet. En el proceso, y a través del recorte hecho del Hamlet Isabelino y trabajando con el libro de Lacan «Ensayo clínico sobre Hamlet», aparece la necesidad de hablar de una madre, de un hijo, de una familia. El amor, la fraternidad, los genes, la descendencia, el Edipo, el poder del espejo, el quedar atrapado en los propios vínculos. El deber ser. El amor joven como reflejo de lo imposible. Lo que va quedando en el camino. Aquello de lo que no podemos escapar e indefectiblemente repetimos. El poder. El abuso de poder. La opresión que puede sentir un joven dentro de un contexto que no le es propio y de las posibles salidas que busca para escapar de él. Ahí aparece la fuerte rebeldía, el confrontar y la necesidad de tomar revancha como símbolo de escape de la propia angustia. El odio como su primer enemigo. El aturdimiento, la música electrónica, sus sonidos, el trap y sus letras».
FICHATÉCNICA: Dramaturgia: Paola Lusardi Colaboración en dramaturgia: Leila Martínez y Andrés Granier Dirección: Paola Lusardi Asistencia de Dirección: Francisco Barceló y Camila Parard Claudio: Álvaro Armand Ugón Gertrudis: Carla Moscatelli Polonio: Gustavo Antúnez Hamlet: Damián Lomba Ofelia: Fiorella Bottaioli Horacio: Martin Pissano Diseño de escenografía: Fernando Scorsela Diseño de Vestuario: Steven Vázquez Diseño de iluminación: Martín Blanchet y Tabaré Dávila Música original: Mateo Schreiterer y Tomas Melillo Colaboración musical: Ignacio Cantisano y Kchi Homeless Comunicación & Prensa: Valeria Piana Fotografía: Julmart Bueno Diseño gráfico: Leandro Correa Registro audiovisual: Botija Films Estilismo: Machado Nauar Producción Ejecutiva: Miriam Pelegrinetti, Guillermo Gallardo y Gabriela Larrañaga
Sobre su directora: Paola Lusardi Autora. Directora de teatro, cine y casting. Trabajó diez años como directora de casting en importantes proyectos de televisión , como Mujeres asesinas ( Fox de Italia), Epitafios (Hbo ) , El jardín de Bronce (Hbo) y Amas de casas desesperadas ( Univision & Disney) y Tres son Multitud ( Globomedia / Telecinco España). En 2013, ganó el premio Tato como mejor casting de serie de tv. Como productora trabajó en obras como «Rainman»m dirigida por Alejandra Ciurlanti, «Estilo de vida» dirigida por Lia Jelin, en donde también trabajó como actriz, «Ojo por ojo» dirigida por Augusto Fernandes, y «Reinas Magas» dirigida por Valeria Ambrosio. En 2018 viajó a Edimburgo como parte de la delegación «Ciudad de Festivales», programa que surgió de la embajada Argentina en Reino Unido y el British Council, y que tenía como objetivo la inmersión de productores, gestores culturales y artistas argentinos al ecosistema cultural de festivales. Como reconocimiento a su trabajo, en 2019 fue invitada a formar parte de la delegación de artistas seleccionada por el Instituto Francés en Argentina y el Festival de Aviñón que viajó a ficha ciudad dentro del marco del programa Especial Artes Francés en Argentina y el Festival de Aviñón que viajó a dicha ciudad dentro del marco del Programa Especial Artes escénicas para Sudamérica Hispanoparlante. Como directora y dramaturga, funda sus trabajos con la convicción de acercarse a la experiencia y la vida de las personas como modo de construir una dramaturgia fundada en la verdad. Su ópera prima «Ojalá las paredes Gritaran» fue seleccionada en FIBA 2019 en su versión casa, presentándose luego en el Metropolitan Sura realizando una exitosa temporada en Calle Corrientes en un formato innovador para el teatro comercial: espectadores y actores todos en el escenario. Su versión para el teatro le valió nuevamente ser seleccionada para el FIBA 2020 en donde además presenta su nuevo proyecto «SNSM» ( Su nombre significa mujer), un trabajo documental que se presentará en el segundo semestre del 2022 en el teatro San Martín de Buenos Aires.
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