«El viento que arrasa» – Un viaje entre la redención y la autodeterminación

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Poster oficial

El 23 de mayo de 2024, llega a las pantallas la película «El viento que arrasa», dirigida por Paula Hernández y basada en la novela homónima de Selva Almada. Esta obra cinematográfica transporta al espectador a un viaje introspectivo, donde los personajes se enfrentan a sus propias creencias, deseos y destinos.

Es una odisea emocional que combina la narrativa de una road movie con el poderoso telón de fondo del coming of age. La trama sigue a Leni, quien, sumida en un destino que no eligió, acompaña a su padre, el Reverendo Pearson, en su misión evangélica. Sin embargo, un incidente los obliga a detenerse en el taller mecánico del Gringo, un hombre que vive al margen de la fe, junto a Tapioca, un adolescente bajo su tutela. Es aquí donde comienza un enfrentamiento entre las creencias del Reverendo y la realidad de Leni, quien ve en la relación entre Pearson y Tapioca reflejos de su propia historia.

La película nos sumerge en un ambiente denso y cargado de tensiones, a medida que la tormenta se avecina tanto en el exterior como en el interior de los personajes.

El Reverendo Pearson, obsesionado con «salvar el alma» de Tapioca, representa el conflicto entre la imposición de las creencias religiosas y la libertad individual. Leni, por su parte, se enfrenta a su padre y a su propio destino, intuyendo que este momento crucial marcará el inicio de su verdadera vida, donde podrá finalmente asumir su propia identidad y forjar su propio camino.

«El viento que arrasa» no solo nos ofrece una narrativa potente y emocionante, sino que también plantea preguntas profundas sobre la religión, el poder y la autodeterminación. A través de una dirección hábil y unas interpretaciones cautivadoras, la película invita al espectador a reflexionar sobre el significado de la redención, la libertad y el destino.

Trailer oficial

La película fue producida por Cimarrón y Rizoma en coproducción con Cinevinay, ha conquistado escenarios internacionales desde su estreno en el Festival de Cine de Toronto (TIFF), y su destacado papel como película de apertura en Horizontes Latinos en el prestigioso Festival de Cine de San Sebastián.

Filmada íntegramente en Uruguay, en los pintorescos departamentos de San José, Montevideo y Rocha, esta producción cuenta con un equipo técnico mayoritariamente uruguayo, lo que le confiere una autenticidad y una conexión especial con el país y su gente.

La música, una pieza clave en la atmósfera de la película, fue compuesta especialmente por el talentoso músico Luciano Supervielle, añadiendo capas de profundidad emocional a cada escena. La fotografía, captura la vasta belleza de los paisajes uruguayos, convirtiéndolos en un personaje más de esta historia.

Cada personaje cobra vida de manera vívida y auténtica, gracias al talento de un elenco que transmite emociones palpables en cada gesto y cada diálogo.

«El viento que arrasa» es una experiencia cinematográfica que te atrapa desde el primer momento y te lleva en un viaje emocionante hacia la madurez y la autodeterminación.

Todo lo que explota permanece haciendo ruido

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La obra se presenta con 5 funciones en la Sala Zavala Muniz – Teatro Solís los días 15, 16, 17 y 18 de Mayo a las 20:30 hs y 19 de Mayo a las 19:30 hs.

Sinopsis: «Todo el hielo del mundo se quiebra en mil pedazos, el hielo se astilla y nos corta y nos lastima y nos abre por completo, se transforma en un arma mortal, nos parte la piel, nos hiela la sangre y después al final sólo son lascas de hielo roto como cristales y lo que sobrevive lo que no se rompe entonces se derrite y se derrite y se derrite.»

“Todo lo vivo habla, encuentra sus maneras de decir las cosas.”

Todo lo que explota permanece haciendo ruido es la segunda pieza del colectivo transdisciplinar Accidente Geográfico, que toma como punto de investigación los
paisajes que se derriten y al hielo como materia sonora, de forma experimental, performática y ficcional. Dando voz a un relato exagerado y vertiginoso de dos personas que sin conocerse se ven envueltas en una historia accidental, breve y fugaz, mientras alrededor de ellas todo va cambiando de forma, en una geografía glaciar que las amenaza todo el tiempo y va colándose de a poco en el transcurso de la obra.


Una crónica torpe y desesperada sobre el amor y la ausencia, sobre la fragilidad de todas las cosas, de todos los momentos y de todos los lugares. Narrada constantemente a dos puntos de vista, y que comienza a verse suspendida por un ruido permanente que pareciera salir de la tierra y devenir en un lamento, como si el territorio pudiera hablar y quejarse de algo.

El hielo muta, cambia, se transforma, de forma indefinida todo el tiempo, y la obra se congela y se rompe y sigue, pero hay cosas, otras cosas, que son irreversibles.

“… veo como
el paisaje se resiste, intenta no romperse,
intenta no
desaparecer.”

Ficha técnica:

Texto y dirección: Alejandra Gregorio

Interpretación y performance: Cecilia Placeres – Marisa Riera
Creación e interpretación sonora: Agustina Racchi – Gonzalo Rodriguez

Diseño de espacio: Ivana Domínguez – Mariana Pereira
Diseño de luces: Ivana Domínguez
Diseño sonoro: Carolina Roballo
Diseño gráfico: Josefina Ochs – Lucía Cioli
Diseño de vestuario: Mariana Pereira
Fotografía: Reinaldo Altamirano
Prensa: Beatriz Benech
Producción: Lucía Etcheverry
Co-producción: Teatro Solís – ENCIENDE

Entradas en venta por Tickantel y boletería del teatro Solis. Precio de las entradas $ 500

42º Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay Cinemateca Uruguaya

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A partir del 20 hasta el 31 de marzo de 2024 se realizará el Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay, organizado por Cinemateca Uruguaya.

La apertura del festival será el 20 de marzo en la sala Fabini del Auditorio Adela Reta del Sodre, a las 19.30 hs. será con el último film del director argentino Martín Rejtman. Y la noche de clausura, será el sábado 30 de marzo a las 19.30hs en la Sala Zitarrosa con el film La versión persa (The Persian Version) de la directora estadounidense de origen iraní Maryam Keshavarz.

Las películas se exhibirán en las tres salas de Cinemateca (Bartolomé Mitre 1236). En la Sala B del Auditorio Nelly Goitiño, el Complejo Cultural Alfabeta, el Complejo Life 21 y la Sala Zitarrosa. Además, habrá exhibiciones en el departamento de Canelones donde se presentarán ocho películas de las distintas secciones de esta edición. Las salas disponibles para las proyecciones serán: el Centro Cultural Salinas, Auditorio Batalla de Las Piedras, Los Cerrillos, Atlántida, San Ramón y Centro Cultural de La Costa (Ciudad de la Costa) con entrada libre.

Otra manera de acercarse a las películas seleccionadas en esta edición es a través de la Plataforma +Cinemateca (streaming). La sala virtual extiende la duración del festival, ya que tendrá las películas disponibles entre el 27 de marzo y el 15 de abril. De esta forma el Festival estará llegando a todos los rincones del país.

Spot 42º Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay

La programación está compuesta por cerca de 200 películas en las que están representados 60 países. Se estructura en ocho secciones competitivas, una sección panorámica internacional, una sección temática que reflexiona sobre el fenómeno cinematográfico (Ojo con el cine), una sección que acerca el cine y la música (Ensayo de Orquesta), un amplio Foco en el cine del país invitado, España: “Abrir los ojos: una mirada al cine español de hoy”, que se completa además con una muestra de algunos films producidos en el marco de la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid). Así como una importante selección de films realizados en 2023 por los grandes maestros del cine contemporáneo en Trayectorias y varias exhibiciones especiales.

El festival también cuenta con actividades paralelas a las exhibiciones. Taller de curaduría fílmica a cargo de Ana Gontad Fontán. El taller, programado para el viernes 22 de marzo de 14 a 16 horas, explorará los desafíos y problemas inherentes a la construcción de una programación cinematográfica relevante, así como la importancia de equilibrar la relevancia temática con otros aspectos fundamentales del arte cinematográfico. Cine salvaje en el prado más íntimo de tu pueblo, a cargo de Álvaro Gago, director de cine español. La actividad tendrá lugar el 26 y 27 de marzo en el CCE, entre las 14 y las 17 horas. El taller presentará una introducción a técnicas relacionadas con la ideación, la escritura de guión, el casting, el lenguaje formal y la dirección de actores. La actividad busca crear un espacio donde compartir y pensar el cine en grupo. Esta actividad es organizada en conjunto con el Centro Cultural de España en Montevideo.  Los cupos para los talleres son limitados y las inscripciones se reciben a través de un formulario disponible en la web de Cinemateca.

Una de las novedades que Cinemateca tiene preparada es que a partir del 21 de marzo estará habilitado el estacionamiento en el subsuelo de la Cinemateca para que los especadores puedan dejar sus autos y bicicletas. El parking será gratuito durante el Festival a partir de las 16 hs. luego comenzará a operar tarifado entre las 7am y la medianoche, a partir del mes de abril.

Este evento cuenta con el apoyo del Ministerio de Educación y Cultura, la ACAU, la Intendencia de Montevideo y la Intendencia de Canelones, así como también de las embajadas de Austria, Brasil, Canadá, Chile, Ecuador, España, Finlandia, Francia, Italia, Portugal, Suiza y Noruega; además del Instituto Italiano de Cultura, el Institut Français, el Instituto Camões, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, entre otros organismos e instituciones.

Re-estreno «Cadaver Extravagante»

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Todos los jueves de abril a las 21hs. el Teatro Alianza abre sus puertas para disfrutar de la obra «Cadaver Extravagante» del director Andrés Pastorini.

Esta es una obra de improvisación teatral inspirada en un juego utilizado por diversos artistas surrealistas denominado «Cadáver exquisito«. En esta adaptación teatral de una hora de duración, actrices y actores traerán a escena historias ocurridas en un antiguo pueblo donde comenzaron a suceder una serie de acontecimientos, que son inspirados por la audiencia y que comenzaron a ocurrir a partir de la llegada de un sujeto un tanto «Extravagante«.

La obra tiene la peculiaridad de que el director, se encuentra en escena; proponiendo historias, ajustando otras, y poniendo a los actores y actrices en circunstancias inimaginables.

Entradas por Redtickets y boletería del Teatro Alianza.

Elenco: Maxi Constenla, Mercedes García, Lucía Dotta, Johann Hagobian, Matute Correa, Andrea M. Hernández, Edinson Mouriño

Música: Edinson Mouriño

The Iron Claw – La garra de Hierro

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A partir del 29 de febrero llega a las salas de Uruguay «The Iron Claw» (La Garra de Hierro). Esta Producción de A24 cuenta la verdadera historia de la familia Von Erich quienes hicieron historia en el competitivo mundo de la lucha libre profesional a principios de la década de 1980. A través de la tragedia y el triunfo y siempre bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, los hermanos Von Erich buscan la inmortalidad en el escenario más grande del deporte.

Trailer Oficial

Un poco de historia: La lucha libre profesional (wrestling) es un deporte-espectáculo que involucra combates coreografiados entre luchadores, también conocidos como luchadores profesionales, en un ring. En la lucha libre profesional, los luchadores interpretan personajes con personalidades distintivas, conocidos como «gimmicks», y participan en enfrentamientos que combinan elementos de la actuación teatral, el deporte y el entretenimiento. Los luchadores suelen emplear una amplia gama de movimientos de lucha, desde golpes y llaves hasta técnicas de lanzamiento y movimientos aéreos, para someter a sus oponentes y ganar la lucha.

Una de las influencias más importantes en la lucha libre moderna proviene de la Antigua Grecia, donde se practicaba la lucha como parte de los Juegos Olímpicos antiguos. Los griegos desarrollaron un estilo de lucha conocido como «palestra«, que incluía técnicas de combate cuerpo a cuerpo y se considera una de las formas más tempranas de lucha libre. En el siglo XIX, especialmente en Europa y Estados Unidos, surgieron diferentes formas de lucha y entretenimiento que eventualmente se fusionaron para dar origen a la lucha libre tal como se conoce hoy en día.

Harris Dickinson – Zac Efron – Stanley Simons – Jeremy Allen White

Los hermanos Von Erich fueron una familia legendaria en el mundo de la lucha libre profesional, conocida por su impacto en el deporte y por las tragedias que marcaron su historia. La familia Von Erich estuvo compuesta principalmente por los hermanos: Jack Jr., David, Kevin, Kerry, Mike y Chris Adkisson, conocidos en el mundo de la lucha libre como Fritz Von Erich y sus hijos.

El patriarca de la familia, Fritz Von Erich (cuyo nombre real era Jack Adkisson), fue un luchador profesional estadounidense que alcanzó la fama en la década de 1950 y 1960. Fritz fundó su propia promoción de lucha libre en Texas, conocida como World Class Championship Wrestling (WCCW), que se convirtió en una de las más importantes en la escena de la lucha libre estadounidense.

Los hijos de Fritz, especialmente David, Kevin y Kerry, siguieron los pasos de su padre y se convirtieron en estrellas destacadas en la lucha libre profesional. Los hermanos Von Erich eran conocidos por su estilo atlético, carismático y emocionante, y se convirtieron en íconos del deporte durante la década de 1980.

Hermanos Von Erich

Sean Durkin escritor y director de la película «La Garra de Hierro» cuenta que era fanático de la lucha libre desde pequeño pero, viviendo en inglaterra le era muy difícil poder ver las luchas por lo que se mantenía informado a través de revistas especializadas en este deporte, allí fue dónde se entero que Kerry Von Erich había fallecido y esta noticia junto a la historia de la familia de luchadores no sólo lo impactó sino que plantó una idea que llevaría a cabo mucho tiempo después, llevar la historia de la familia Von Erich a la pantalla.

«The Iron Claw no trata sobre el dolor y la tristeza, sino sobre la ausencia de dolor y lo que puede suceder cuando las personas se niegan a mirar su dolor. Su historia familiar es una pequeña pieza de la historia estadounidense, pero desentierra la roca madre de la masculinidad extremadamente equivocada y una mentalidad generacional que ha dañado nuestra cultura de formas que apenas estamos empezando a comprender.»

The Teacher’s Lounge – La sala de profesores

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La Sala de Profesores es la película alemana nominada como «Mejor Película Internacional» Oscar 2024. Llega a las salas de nuestro país (Uruguay) el próximo 29 de febrero.

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Carla Nowak, interpretada por Leonie Benesch, es una maestra joven e idealista que comienza su carrera en una escuela secundaria alemana. La relación con sus alumnos es cercana, pero esta tranquilidad se ve amenazada cuando una serie de robos desencadena una fuerte investigación por parte del personal de la escuela.

Esta situación lleva a acusaciones y desconfianza entre profesores, alumnos y padres. Carla se enfrenta a las estructuras y políticas del sistema educativo a medida que intenta mediar con estas dinámicas.

«The Teachers’ Lounge», (La sala de profesores) dirigida por İlker Çatak, ofrece un complejo análisis de la institución educativa como reflejo de la sociedad. Leonie Benesch nos brinda una actuación atrapante en su papel de maestra comprometida, presa del conflicto. La película explora temas profundos como la verdad, la justicia, el racismo, el respeto, la cultura de la cancelación y los derechos de los niños, ilustrando cómo las personas se ven atrapadas entre posturas inflexibles.

Durante el Festival Internacional de Cine de Toronto, el director alemán Ilker Çatak comentó que fue bastante fácil llevar a cabo esta película independiente de bajo presupuesto. Él y su antiguo compañero de escuela Johannes Duncker idearon la historia juntos. Çatak explicó: «Queríamos hacer una película sobre una joven profesora que se mete en problemas. La educación es un tema con el que todos tienen una relación, ya sea que hayan estado en la escuela o tengan hijos en la escuela; es algo universal«.

Inspirados por un incidente real de sus días de escuela, los escritores decidieron ambientar toda la película dentro de la escuela. A medida que la protagonista se ve envuelta en controversias después de intentar, con buenas intenciones, identificar al ladrón, el público nunca está seguro de cómo va a reaccionar ni de cómo manejará cada situación. Esta incertidumbre genera ansiedad y tensión, elementos que los cineastas querían mantener presentes para darle un impulso al filme y hacerlo también un thriller.

A pesar de que inicialmente los distribuidores y agentes de ventas mundiales no mostraron interés en la película, todo cambió cuando tuvo su primera proyección en el mercado en Berlín en 2023, donde nueve distribuidores compraron la película el primer día y se vendió por completo al final del evento. Después de ganar cinco premios en los Premios del Cine Alemán y recibir elogios en festivales como Telluride, la película fue seleccionada como la candidata oficial de Alemania para los premios Oscar.

Días Perfectos – Wim Wenders

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Tal vez, si alguien te dice que vas a ver una película en la que sus escenas mayoritariamente transcurren observando a un hombre limpiando baños públicos, la primera reacción sea de rechazo, pensádolo bien suena aburrido. A lo mejor creerías que vas a encontrar escenas desagradables de baños en pésimas condiciones, una vida de peripecias con un trabajo desagradable, un tipo amargado o algo por el estilo. Nada más lejos de la realidad es lo que nos muestra Wim Wenders en su última película titulada «Perfect Days«.

Sinopsis: Hirayama está contento con su vida como limpiador de baños en Tokio. Fuera de su rutina estructurada le encanta escuchar música en cassettes, leer y tomar fotografías de árboles. A través de encuentros inesperados, reflexiona sobre cómo encontrar la belleza en el mundo.

Trailer oficial

La idea de esta película surgió cuando a Wim Wenders le proponen hacer una serie de cortos de aproximadamente 20 minutos para mostrar algunos proyectos sociales públicos de Tokio. La idea original involucraba baños públicos y total libertad de guion para el director. Wenders, sin embargo, propuso un largometraje, con un sólo protagonista, una historia que fuera creíble, interesante y que valiera la pena ver. La propuesta fue aceptada. Wenders contactó a Koji Yakusho (actor admirado por el director) para el papel protagónico y a Takuma Takasaki con quien co-escribió el guion.

Algo que hay que entender antes de analizar la película es que en Japón los baños públicos tienen un significado y una connotación totalmente alejada de lo que es un baño público para la cultura occidental. Para ellos un baño es un «pequeño santuario de paz y dignidad». Si uno observa con detenimiento, en la película, estos baños que Hirayama limpia con tanto cuidado, son arquitectonicamente perfectos, tecnológicos, bellos, una obra de arte en si mismos. Japón se caracteriza por tener un fuerte sentido del bien común y del respeto por la ciudad.

Perfect Days describe de forma casi poética la belleza de lo cotidiano, a través de la rutina de Hirayama, un hombre solitario, callado y respetuoso, que vive una vida modesta y aparentemente feliz en Tokio. Sus días trancurren de la misma manera, despertar con el ruido que hace el barrendero, vestirse, regar las plantas, tomar un café de la máquina expendedora, poner un cassette en la furgoneta e ir a trabajar. Un ritmo de vida regular, pausado, tranquilo, que día a día tiene sus pequeñas diferencias, diversos encuentros, un compañero de trabajo jóven, parlanchín, que no está a gusto con la tarea que desempeña, su sobrina, su hermana, la dueña del restaurante en el que cena los fines de semana, etc. En estas diferencias cotidianas, en las interacciones, es donde se empieza a conocer la historia de fondo de este personaje que intenta vivir en el «aquí y ahora», pero a lo mejor no es tan feliz y dichoso como se muestra.

Días Perfectos no es una película que te brinda toda la información de la historia de forma digerida, ágil y clara. El guion se toma su tiempo y deja muchos espacios vacios, sin embargo no es aburrida, es una historia tranquila, cotidiana e interesante, su protagonista, perfectamente encarnado por Koji Yakusho inspira cariño, es un personaje con el que inmediatamente uno conecta y quiere seguir viendo, conociendo.

Al verla me dió la sensación de estar armando un puzzle, una especie de acertijo en el que las piezas están ocultas y la imaginación del espectador va completando aquello que no se dice, que no se cuenta. Un factor fundamental para conocer o descifrar lo que está sucediendo con Hirayama son las canciones que escucha, la selección de temas musicales, al igual que los contados diálogos que mantiene no están librados al azar, sino que están ahí para decirnos algo.

En el idioma japonés se utiliza la palabra «komorebi» para describir a los rayos del sol que se filtran entre las hojas de los árboles, esta palabra retrata un fenomeno de la naturaleza sencillo pero de gran belleza, Hirayama tiene como hobbie (casi obsesivo) mirar la copa de los árboles y sus reflejos, sacarles fotos, revelarlas, clasificarlas, estas acciones también nos cuenta sobre este personaje y su sentido de la belleza en las pequeñas cosas.

Screenshot

La película compite en la categoría Mejor Película Internacional para la 96º edición de los Premios Oscar. Koji Yakusho ganó como Mejor Actor en la 76º ceremonia del Festival de Cannes. y fue nominada como mejor película en los Premios César, Critics Choise Award y los premios de la Academia Japonesa.

Wim Wenders dedica esta película al maestro Jasujiro Ozu (director de cine japonés) y comenta que de su obra el elemento que más le ha marcado es la idea de que «cada persona es única, cada momento sucede sólo una vez y las historias cotidianas son las únicas historias eternas».

Como yapa les comparto el cuento corto de Patricia Highsmith: «La tortuga». Una pequeña pieza del puzzle que los hará comprender algo más de la historia. 😉

Patricia Highsmith: «La tortuga»

«LOS BÁRBAROS» de Nino Haratischwili – Reestrena en Sala Zavala Muniz

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Sinopsis: Los Bárbaros es una obra de humor grotesco y descarnado. Una historia sobre lo que estamos dispuestos a hacer cuando el mundo que queremos no nos quiere a nosotros. Porque lo que nuestras sociedades más derraman últimamente es el rechazo.

Marusya espera en medio de una Terminal de Transporte Público a las 3:15 am. La Terminal está en la periferia de la ciudad.
En 1993 Marusya migró junto a su hijo a Berlín, en busca de la felicidad capitalista. Casi 30 años después, nada fue lo que esperaba y ella limpia una cocina como si pudiese limpiar la historia.

Marusya no soporta el olor. Marusya les tiene asco. Marusya piensa que son unos bárbaros.

«Los Bárbaros» recibió 6 nominaciones a los premios Florencio 2022: Mejor Espectáculo y Dirección, Mejor Actriz Principal, Actriz de Reparto, Escenografía e Iluminación.

Es un proyecto de coproducción con el Goethe Institut y fue seleccionado para el programa de residencia de la Sala Lazaroff. Es, además un proyecto de traducción que comenzó con la lengua, del alemán al español, de la mano de Leticia Hornos Weisz y Jana Blümel. Ahora la traducción continúa hacia la escena con la actuación de Carolina Rebollosa y la dirección de Florencia Caballero Bianchi.

Son 4 únicas funciones, MARZO: MIÉRCOLES 6, JUEVES 7, SÁBADO 9 – 20:30 hs
y DOMINGO 10 – 19:00 hs

Sala Zavala Muniz – Teatro Solís

Entradas en venta en TICKANTEL
Costo $ 500

Prefiero que sigamos siendo amigos – Teatro La Candela, 9 únicas funciones

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Sinopsis: ¿Arriesgaríamos una verdadera amistad para transformarla en una relación sentimental?

Claudia y Valentín, estos entrañables personajes creados por Laurent Ruquier se enfrentan con la sinceridad de dos mejores amigos a este dilema.

Claudia, una mujer de 50 años, independiente y satisfecha consigo misma, decide confesarle su amor a su mejor amigo Valentín, de quien cree saberlo todo.

Valentín, algunos años menor que ella, inteligente, culto, guapo y divertido, está decidido a no perder a la única mujer con la que se siente verdaderamente relajado y libre, por convertirla en su amante. Una mujer y un varón, con algo de vida navegada, enfrentan sus inseguridades y sus miedos como lo haría cualquiera de nosotros.

¿Cuál será el resultado? Disfrutemos con ellos esta aventura de aprender a quererse.

¡No te pierdas esta comedia romántica que te hará reír y reflexionar!

«Prefiero que sigamos siendo amigos» llega al Teatro La Candela con nueve únicas funciones.

Detalles:

  • Sala: Teatro de la Candela (ELLAURI 308 esq. García Cortinas)
  • Fechas: Sábados 2, 9, 16, 23 y 30 de marzo, así como 6, 13, 20 y 27 de abril.
  • Horario: 21:00hs
  • Género: Comedia
  • Entradas: $500

Asegura tu lugar reservando con anticipación a través de WhatsApp 098 588 787.

Anatomía de una caída – ANATOMY OF A FALL

Ya se encuentra en cines la película «Anatomía de una caída» (Anatomie d’une chute), dirigida por Justine Triet.

Esta cinta que ha sido reconocida desde su estreno: obteniendo la Palma de Oro (máximo galardón otorgado por el Festival de Cine de Cannes), Globo de Oro como Mejor Película de habla de Inglesa y Mejor Guion, y está nominada a cinco Premios Oscar (Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actriz, Mejor Guion Original y Mejor Montaje), nos sumerge en un intrigante laberinto de realidades y percepciones, donde la construcción de la verdad se convierte en el eje central de la trama.

El guion fue escrito por la directora junto a su esposo Arthur Harari. La historia se desenvuelve en torno a una familia fracturada después de un trágico accidente que dejó al hijo de la pareja, Daniel, interpretado magistralmente por Milo Machado Graner con una pérdida parcial de visión. La muerte misteriosa del esposo, Samuel (Samuel Theis), desencadena una serie de eventos que llevan a Sandra encarnada de manera convincente por Sandra Hüller, a ser arrestada y juzgada por asesinato. Mientras el proceso legal avanza, se revelan las complejidades de las relaciones familiares, marcadas por la depresión, la culpa, la competencia entre la pareja y el duelo.

Justine Triet opta por sumergir al espectador en un ambiente austero y desolado, reflejando la soledad interna de los personajes. Este paisaje alejado y frío se convierte en un personaje más de la historia, contribuyendo a la atmósfera sombría que envuelve a los protagonistas.

Lo notable de «Anatomía de una caída» radica en su capacidad para mantener el interés del espectador sin recurrir a efectos especiales ostentosos. La fuerza de la película reside en sus diálogos afilados y en la habilidad de sus actores para transmitir la complejidad emocional de sus personajes. A medida que la trama avanza, el público se ve inmerso en la incertidumbre de qué es verdad y qué no, acompañando a los protagonistas en su búsqueda de respuestas.

Un dato curioso pero no menor sobre lo notable de las actuaciones en esta película es que incluso Snoop (perro guia de Daniel), interpretado por «Messi» obtubo el premio «Palm Dog» (premio alternativo anual presentado por los críticos internacionales de cine durante el Festival de Cine de Cannes, a la mejor actuación de un canino).

81º Golden Globes – 2024 Todas las ganadoras

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La ansiada temporada de premios se inauguró con la gala de los 81° Golden Globes 2024, el pasado domingo 7 de enero. Esta ceremonia, reconocida mundialmente como una de las más destacadas en la industria del entretenimiento, honró lo más destacado de la televisión y el cine. La brillante ceremonia, dirigida por Jo Koy, tuvo lugar en el prestigioso Hotel Beverly Hilton en Los Ángeles, convirtiéndose en el epicentro de la elegancia y la emoción.

La alfombra roja se iluminó con la presencia de renombradas celebridades como America Ferrera, Dua Lipa, Elle Fanning, Bradley Cooper, Leonardo DiCaprio entre otras personalidades de la industria del entretenimiento. Estas estrellas, con su deslumbrante presencia, añadieron un toque adicional de glamour a la noche, anticipando una velada llena de emociones y reconocimientos.

Aquí les dejo la lista completa de ganadores: Los ganadores estan en negrita

El primer premio y segundo premio fue presentado por Jared Leto y Angela Bassett, los ganadorer fueros DA’VINE JOY RANDOLPH por THE HOLDOVERS y ROBERT DOWNEY JR. por OPPENHEIMER

MEJOR ACTRIZ  EN UN PAPEL DE SECUNDARIO – PELÍCULA

  • EMILY BLUNT (OPPENHEIMER)
  • DANIELLE BROOKS (THE COLOR PURPLE)
  • JODIE FOSTER (NYAD)
  • JULIANNE MOORE (MAY DECEMBER)
  • ROSAMUND PIKE (SALTBURN)
  • DA’VINE JOY RANDOLPH (THE HOLDOVERS)

MEJOR ACTOR EN UN PAPEL SECUNDARIO – PELÍCULA

  • WILLEM DAFOE (POOR THINGS)
  • ROBERT DE NIRO (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
  • ROBERT DOWNEY JR. (OPPENHEIMER)
  • RYAN GOSLING (BARBIE)
  • CHARLES MELTON (MAY DECEMBER)
  • MARK RUFFALO (POOR THINGS)

MEJOR ACTRIZ EN SERIE LIMITADA, SERIE DE ANTOLOGÍA O PELÍCULA REALIZADA PARA TELEVISIÓN

  • RILEY KEOUGH (DAISY JONES & THE SIX)
  • BRIE LARSON (LESSONS IN CHEMISTRY)
  • ELIZABETH OLSEN (LOVE & DEATH)
  • JUNO TEMPLE (FARGO)
  • RACHEL WEISZ (DEAD RINGERS)
  • ALI WONG (BEEF)

MEJOR ACTOR EN SERIE LIMITADA, SERIE DE ANTOLOGÍA O PELÍCULA REALIZADA PARA TELEVISIÓN

  • MATT BOMER (FELLOW TRAVELERS)
  • SAM CLAFLIN (DAISY JONES & THE SIX)
  • JON HAMM (FARGO)
  • WOODY HARRELSON (WHITE HOUSE PLUMBERS)
  • DAVID OYELOWO (LAWMEN: BASS REEVES)
  • STEVEN YEUN (BEEF)

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA EN TELEVISIÓN

  • ELIZABETH DEBICKI (THE CROWN)
  • ABBY ELLIOTT (THE BEAR)
  • CHRISTINA RICCI (YELLOWJACKETS)
  • J. SMITH-CAMERON (SUCCESSION)
  • MERYL STREEP (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
  • HANNAH WADDINGHAM (TED LASSO)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO EN TELEVISIÓN

  • BILLY CRUDUP (THE MORNING SHOW)
  • MATTHEW MACFADYEN (SUCCESSION)
  • JAMES MARSDEN (JURY DUTY)
  • EBON MOSS–BACHRACH (THE BEAR)
  • ALAN RUCK (SUCCESSION)
  • ALEXANDER SKARSGÅRD (SUCCESSION)

MEJOR GUIÓN

  • GRETA GERWIG, NOAH BAUMBACH (BARBIE)
  • TONY MCNAMARA (POOR THINGS)
  • CHRISTOPHER NOLAN (OPPENHEIMER)
  • ERIC ROTH, MARTIN SCORSESE (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
  • CELINE SONG (PAST LIVES)
  • JUSTINE TRIET, ARTHUR HARARI (ANATOMY OF A FALL)

MEJOR ACTOR EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – MUSICAL O COMEDIA

  • BILL HADER (BARRY)
  • STEVE MARTIN (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
  • JASON SEGEL (SHRINKING)
  • MARTIN SHORT (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
  • JASON SUDEIKIS (TED LASSO)
  • JEREMY ALLEN WHITE (THE BEAR)

MEJOR ACTUACIÓN EN STAND-UP COMEDY EN TELEVISIÓN

  • RICKY GERVAIS (RICKY GERVAIS: ARMAGEDDON)
  • TREVOR NOAH (TREVOR NOAH: WHERE WAS I)
  • CHRIS ROCK (CHRIS ROCK: SELECTIVE OUTRAGE)
  • AMY SCHUMER (AMY SCHUMER: EMERGENCY CONTACT)
  • SARAH SILVERMAN (SARAH SILVERMAN: SOMEONE YOU LOVE)
  • WANDA SYKES (WANDA SYKES: I’M AN ENTERTAINER)

MEJOR PELÍCULA – IDIOMA NO INGLÉS

  • ANATOMY OF A FALL (NEON) – FRANCE
  • FALLEN LEAVES (MUBI) – FINLAND
  • IO CAPITANO (Pathe Distribution) – ITALY
  • PAST LIVES (A24) – USA
  • THE ZONE OF INTEREST (A24) – UNITED KINGDOM / USA
  • SOCIEDAD DE LA NIEVE (Netflix)- ESPAÑA

MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – MUSICAL O COMEDIA

  • RACHEL BROSNAHAN (THE MARVELOUS MRS. MAISEL)
  • QUINTA BRUNSON (ABBOTT ELEMENTARY)
  • AYO EDEBIRI (THE BEAR)
  • ELLE FANNING (THE GREAT)
  • SELENA GOMEZ (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
  • NATASHA LYONNE (POKER FACE)

MEJOR  ACTOR EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – DRAMA

  • BRIAN COX (SUCCESSION)
  • KIERAN CULKIN (SUCCESSION)
  • GARY OLDMAN (SLOW HORSES)
  • PEDRO PASCAL (THE LAST OF US)
  • JEREMY STRONG (SUCCESSION)
  • DOMINIC WEST (THE CROWN)

MEJOR PELÍCULA – ANIMADA

  • THE BOY AND THE HERON (GKIDS)
  • ELEMENTAL (Walt Disney Studios Motion Pictures)
  • SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER-VERSE (Sony Pictures Releasing)
  • THE SUPER MARIO BROS. MOVIE (Universal Pictures)
  • SUZUME (Crunchyroll / Sony Pictures Entertainment)
  • WISH (Walt Disney Studios Motion Pictures)

MEJOR DIRECCIÓN – PELÍCULA

  • BRADLEY COOPER (MAESTRO)
  • GRETA GERWIG(BARBIE)
  • YORGOS LANTHIMOS (POOR THINGS)
  • CHRISTOPHER NOLAN (OPPENHEIMER)
  • MARTIN SCORSESE (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
  • CELINE SONG (PAST LIVES)

MEJOR ACTRIZ EN UNA PELÍCULA – MUSICAL O COMEDIA

  • FANTASIA BARRINO (THE COLOR PURPLE)
  • JENNIFER LAWRENCE (NO HARD FEELINGS)
  • NATALIE PORTMAN (MAY DECEMBER)
  • ALMA PÖYSTI (FALLEN LEAVES)
  • MARGOT ROBBIE (BARBIE)
  • EMMA STONE (POOR THINGS)

MEJOR ACTOR EN UNA PELÍCULA – DRAMA

  • BRADLEY COOPER (MAESTRO)
  • LEONARDO DiCAPRIO (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
  • COLMAN DOMINGO (RUSTIN)
  • BARRY KEOGHAN (SALTBURN)
  • CILLIAN MURPHY (OPPENHEIMER)
  • ANDREW SCOTT (ALL OF US STRANGERS)

MEJOR BANDA SONORA – PELÍCULA

  • JERSKIN FENDRIX (POOR THINGS)
  • LUDWIG GÖRANSSON (OPPENHEIMER)
  • JOE HISAISHI (THE BOY AND THE HERON)
  • MICA LEVI (THE ZONE OF INTEREST)
  • DANIEL PEMBERTON (SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER-VERSE)
  • ROBBIE ROBERTSON (KILLERS OF THE FLOWER MOON)

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL – PELÍCULA

  • “ADDICTED TO ROMANCE” — SHE CAME TO ME  Music & Lyrics by: Bruce Springsteen
  • “DANCE THE NIGHT” — BARBIE  Music & Lyrics by: Mark Ronson, Andrew Wyatt, Dua Lipa, Caroline Ailin
  • “I’M JUST KEN” — BARBIE   Music & Lyrics by: Mark Ronson, Andrew Wyatt
  • “PEACHES” — THE SUPER MARIO BROS. MOVIE   Music & Lyrics by: Jack Black, Aaron Horvath, Michael Jelenic, Eric Osmond,  John Spiker
  • “ROAD TO FREEDOM” — RUSTIN Music & Lyrics by: Lenny Kravitz
  • “WHAT WAS I MADE FOR?” — BARBIE Music & Lyrics by: Billie Eilish O’Connell, Finneas O’Connell

EFECTOS VISUALES Y LOGRO DE TAQUILLA

  • BARBIE
  • GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL. 3 (Películas en movimiento de Walt Disney Studios)
  • JOHN WICK: CAPÍTULO 4 (Lionsgate)
  • MISSION: IMPOSSIBLE – DEAD RECKONING PART 1 (Paramount Pictures)
  • OPPENHEIMER (Universal Pictures)
  • SPIDER-MAN: A TRAVÉS DEL SPIDER-VERSE (Lanzamiento de Sony Pictures)
  • THE SUPER MARIO BROS. MOVIE (Universal Pictures)
  • TAYLOR SWIFT: THE ERAS TOUR (Distribución en cines AMC)

MEJOR SERIE LIMITADA, SERIE DE ANTOLOGÍA O PELÍCULA REALIZADA PARA TELEVISIÓN

  • ALL THE LIGHT WE CANNOT SEE (NETFLIX)
  • BEEF (NETFLIX)
  • DAISY JONES & THE SIX (PRIME VIDEO)
  • FARGO (FX)
  • FELLOW TRAVELERS (SHOWTIME)
  • LESSONS IN CHEMISTRY (APPLE TV+)

MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN – MUSICAL O COMEDIA

  • ABBOTT ELEMENTARY (ABC)
  • BARRY (HBO | MAX)
  • THE BEAR (FX)
  • JURY DUTY (AMAZON FREEVEE)
  • ONLY MURDERS IN THE BUILDING (HULU)
  • TED LASSO (APPLE TV+)

MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – DRAMA

  • HELEN MIRREN (1923)
  • BELLA RAMSEY (THE LAST OF US)
  • KERI RUSSELL (THE DIPLOMAT)
  • SARAH SNOOK (SUCCESSION)
  • IMELDA STAUNTON (THE CROWN)
  • EMMA STONE (THE CURSE)

MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN – DRAMA

  • 1923 (PARAMOUNT+)
  • THE CROWN (NETFLIX)
  • THE DIPLOMAT (NETFLIX)
  • THE LAST OF US(HBO | MAX)
  • THE MORNING SHOW (APPLE TV+)
  • SUCCESSION (HBO | MAX)

MEJOR  ACTOR EN UNA PELÍCULA – MUSICAL O COMEDIA

  • NICOLAS CAGE (DREAM SCENARIO)
  • TIMOTHÉE CHALAMET (WONKA)
  • MATT DAMON (AIR)
  • PAUL GIAMATTI (THE HOLDOVERS)
  • JOAQUIN PHOENIX (BEAU IS AFRAID)
  • JEFFREY WRIGHT (AMERICAN FICTION)

MEJOR PELÍCULA – MUSICAL O COMEDIA

  • AIR (Amazon MGM Studios)
  • AMERICAN FICTION (Orion Pictures / Amazon MGM Studios)
  • BARBIE (Warner Bros. Pictures)
  • THE HOLDOVERS (Focus Features)
  • MAY DECEMBER (Netflix)
  • POOR THINGS (Searchlight Pictures)

MEJOR  ACTRIZ EN UNA PELÍCULA – DRAMA

  • ANNETTE BENING (NYAD)
  • LILY GLADSTONE (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
  • SANDRA HÜLLER (ANATOMY OF A FALL)
  • GRETA LEE (PAST LIVES)
  • CAREY MULLIGAN (MAESTRO)
  • CAILEE SPAENY (PRISCILLA)

MEJOR PELÍCULA – DRAMA

  • ANATOMY OF A FALL (NEON)
  • KILLERS OF THE FLOWER MOON (Apple Original Films)
  • MAESTRO (Netflix)
  • OPPENHEIMER (Universal Pictures)
  • PAST LIVES (A24)
  • THE ZONE OF INTEREST (A24)

Gracias, lo siento – Una película que habla sobre el duelo y el perdón

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Acaba de llegar a Netflix la película sueca «Gracias, lo siento«. La película está categorizada como comedia dramática aunque tiene poco de comedia y bastante de drama. La historia comienza cuando Sara, a semanas de dar a luz a su segundo hijo es abandonada sorpresivamente por Daniel, su esposo, pero lejos de ser un drama de parejas o la historia de un divorcio la trama da un giro porque esa misma noche Daniel muere durmiendo, debido a una falla cardíaca.

Esta situación deja a Sara en medio de un torbellino emocional, por un lado con la responsabilidad de cuidar sola a su hijo Elliot de 5 años, esperando al nuevo bebé, intentando sobrellevar el dolor del duelo y la realidad que suponía que Daniel la pensaba abandonar. A eso se le suma la presencia de sus suegros que a pesar de tener buenas intenciones, se entrometen.

Con este panorama planteado aparece Linda su hermana mayor de quien Sara estaba distanciada y con su llegada la historia toma su curso y se desarrolla. Nos encontramos con un drama sencillo que habla sobre el perdón, sobre las relaciones de familia, sobre las diferentes maneras de enfrentar las situaciones que nos toca en la vida.

24º Premios ACCU – Asociación de Críticos de cine del uruguay

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El pasado miércoles 13 de diciembre la sala Delmira Agustini del Teatro Solís se vistió de gala para recibir a los nominados de la ceremonia de los premios de la Asociación de Críticos de Cine del Uruguay.

Este es un reconocimiento que se da de parte de los Críticos de Cine a las mejores producciónes del año tanto nacionales como internacionales.

La ceremonia estuvo marcada por un espíritu de fiesta y el gran ganador de la noche fue Juan Ignacio Fernández Hoppe que se llevó cinco reconocimientos, incluyendo Mejor Documental Nacional, Mejor Dirección y Mejor Película Nacional por su película «El retrato de mi padre».

También se entregaron homenajes a la trayectoria para Aldo Garay y a Inés Olmedo. Y hubo un momento especial para recordar la vida y obra de Rosalba Oxanbarat fallecida este año.

Fotos: Luciana Rodríguez

Lista completa de películas ganadoras

Mejor película nacional: EL RETRATO DE MI PADRE

Mejor dirección: Juan Ignacio Fernández Hoppe – EL RETRATO DE MI PADRE

Mejor documental nacional: EL RETRATO DE MI PADRE

Mejor ópera prima: MILONGA

Mejor dirección de fotografía: Juan Ignacio Fernández Hoppe – EL RETRATO DE MI PADRE

Mejor dirección de fotografía – premio SCU (Sociedad de Cinematografía del Uruguay) Guy Chanel – EURÍDICE, ALLÁ LEJOS

Mejor guión: Juan Ignacio Fernández Hoppe, Guillermo Madeiro, Guillermo Rocamora – EL RETRATO DE MI PADRE

Mejor dirección de arte: Gonzalo Delgado – TEMAS PROPIOS

Mejor dirección de sonido: Santiago Carámbula, Santiago Bednarik – HOT CLUB DE MONTEVIDEO

Mejor música original: Martín Rivero, Nicolás Demczylo – TEMAS PROPIOS

Mejor montaje – premio EOU (Editores Organizados Uruguay) Juan Ignacio Fernández Hoppe, Guillermo Madeiro, Guillermo Rocamora – EL RETRATO DE MI PADRE

Mejor actor: Franco Rizzaro – TEMAS PROPIOS

Mejor actriz: Paulina García – MILONGA

Mejor actor de reparto: Santiago Musetti – AMORES PENDIENTES

Mejor actriz de reparto: Valeria Lois – TEMAS PROPIOS

Premio MUSITELLI al mejor cortometraje: ANTES DE MADRID

Premio revelación: Vicente Pieri – TEMAS PROPIOS

Mejor película internacional: LOS ASESINOS DE LA LUNA

Mejor documental internacional: EL JUICIO

Mejor animación internacional: SUZUME

Mejor película iberoamericana: LOS DELINCUENTES

«El Retrato de mi Padre» – La Búsqueda de una Identidad Fragmentada

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El documental «El Retrato de mi Padre«, dirigido por Juan Ignacio Fernández Hoppe, es una obra valiente y conmovedora que explora la complejidad de la identidad, de la vida y sobre todo de la muerte del padre del director, marcada por la tragedia y el enigma, y la búsqueda incansable de comprenderlo treinta años después.

La historia desarrolla el tema de la enfermedad psiquiátrica, el abuso de medicamentos y la ausencia de respuestas concretas sobre la muerte de Juan José.

Tráiler El retrato de mi padre

Juan Ignacio Fernández Hoppe no solo dirige este documental, sino también participa en la dirección de fotografía y contribuye al guion y montaje, lo que evidencia su compromiso y pasión por este proyecto.

«Para hacer esta película tuve que prestarle la cámara a ese niño de 8 años que no creyó del todo que su padre había muerto, porque la muerte es cosa de adultos.
Solo ese niño podía creer que retratar a su padre era una especie de juego de encastre de piezas. Si me esfuerzo lo suficiente, si logro filmar sus pertenencias de tal o cual modo, si filmo la playa donde lo encontraron ahogado, o si escuchamos su música, o qué tal si consigo que mi madre confiese lo inconfesable. En definitiva, si reúno todas las piezas necesarias, lo voy a lograr: podré traerlo de vuelta a la vida.
Pero no funciona de esa manera. Porque los objetos son mudos, los expedientes nunca dicen toda la verdad y los testimonios siempre son insuficientes.
Fue preciso perder la fe, sentir que esta autopsia cinematográfica había fracasado, para de esa manera acercarme un poco a la frustración que puede haber llegado a sentir mi padre al ver que sus sueños se hacían añicos.
Fue entonces que ocurrió el milagro. De eso se trata esta película».

La investigación a cargo de Carlos Schulkin se presenta como un elemento clave en la película, ofreciendo una base sólida para la reconstrucción del retrato del padre y la comprensión de su vida multifacética como músico inclasificable y musicoterapeuta de adolescentes discapacitados.

«El Retrato de mi Padre» ha sido aclamado en diversos festivales de renombre, incluyendo el IDFA y BAFICI, destacando su relevancia y calidad a nivel internacional. La película, apoyada por instituciones como INCAU-ACAU y la Intendencia de Montevideo, ha logrado capturar la atención de la audiencia y la crítica, consolidando su posición como un documental imprescindible en el panorama cinematográfico actual.

«El retrato de mi padre» está en exhibicion en Cinemateca, Sala B Cine Sodre, Life Cinema desde el 05/10/23. Por funciones especiales y horarios pueden consultar el siguiente link: EL RETRATO DE MI PADRE

«No me rompan» – La comedia ideal para mujeres que quieren mandar todo a la …

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«No me rompan», dirigida por Azul Lombardía y producida en Argentina, es una comedia de enredos con la que nos podemos sentir identificadas.

Angela Trigal (Carla Peterson) y Vera Lombardi (Julieta Díaz) son dos mujeres totalmente diferentes, Angela es actriz, famosa, independiente y en buena posición económica. Vera es madre, ama de casa y emprendedora. A pesar de vivir en realidades diferentes ambas tienen un punto en común, son mujeres a punto de explotar por las presiones diarias. Se conocen en un grupo de autoayuda para el manejo de la ira y se ven obligadas a trabajar juntas para controlarse una a la otra. Esta situación las lleva a unirse en un plan que cambiará sus vidas.

Su estreno en Uruguay es el 28 de setiembre de 2023. La película nos invita a un viaje hilarante y reflexivo a través de la vida de dos mujeres de mundos aparentemente dispares, desafiando estereotipos y reflejando los problemas de una sociedad que aún tiene el foco puesto en los cánones de belleza de antaño.

El guion de Jazmin Rodriguez Duca, Sebastián Meschengieser y Alberto Rojas Apel es ingenioso, la forma en que aborda los desafíos y las luchas de las mujeres en la sociedad de las redes sociales y exposición continua es divertida. La narración ofrece momentos de risa genuina, sin embargo en el desenlace cae en clichés y en situaciones tan irreales que hacen sentir que fue demasiado.

Las actuaciones de Carla Peterson, Julieta Díaz, logran mantener un ritmo ameno y entretenido que acompaña a la perfección la propuesta de una comedia ligera.

«No me rompan» es una opción atractiva para mujeres maduras que buscan una comedia sin pretensiones, diseñada para brindar risas y entretenimiento sin implicar una inmersión profunda en la trama. Es un escape agradable y sin complicaciones para aquellos que desean disfrutar de un momento relajado en el cine.

«NO HAY PIEZAS DE REPUESTO EN EL CAIRO» – Sala Hugo Balzo

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El martes 3 y miércoles 4 de octubre a las 20:30hs se exhibirá «NO HAY PIEZAS DE REPUESTO EN EL CAIRO» en el Auditorio Nacional del Sodre, sala Hugo Balzo.

Sinopsis:

«Denisse cuestiona su presente a través de los fantasmas del pasado. Se le atraviesan sus pensamientos más íntimos, la liberación y hasta el arrepentimiento. En la recreación, sin embargo, se pregunta qué sucede cuando las piezas ya no existen.¿Es acaso el reemplazo una opción? Una suerte de bitácora autoficcional que habilita la mentira y la verdad a través de la reconstrucción de determinados hechos en la vida y familia del personaje protagonista.»
Espectáculo con música en vivo.

En el año 2022 la obra obtuvo una mención en los premios nacionales de literatura en la categoría dramaturgia inédita.

Género: Autoficción, Unipersonal.

Entradas a la venta en TickAntel y boletería del teatro. Costo $ 600

Elenco:

Escribe y protagoniza : Melanie Catan
Dirige: Luz Viera
Músico en escena: Martín Pisano
Vestuario: Nicolás Cabanelas
Luces: Lucía Godoy
Visuales: Renata Sienra
Asistente de dirección: Julieta Barmaymón
Producción: Belle Pozzi
Gestión de prensa: Beatriz Benech

«Sonido de libertad» – Una película necesaria y controvertida

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El 31 de agosto llega a las salas de cine «Sonido de Libertad«. Este thriller dramático se adentra valientemente en el perturbador submundo del tráfico de menores. La película dirigida por Alejandro Monteverde busca arrojar luz sobre una realidad que afecta las vidas de innumerables niños. Sin embargo, esta producción no está exenta de controversia y cuestionamientos que rodean tanto su contenido como los hechos reales en los que se basa.

La trama, inspirada en hechos verídicos, sigue la historia de Timothy Ballard, un agente federal interpretado por Jim Caviezel, quien, después de rescatar a un niño víctima del tráfico de personas, descubre que la hermana de este aún sigue cautiva. La película narra su peligrosa misión por liberarla, adentrándose en las profundidades de la selva colombiana y arriesgando su propia vida en el proceso.

La dirección de Alejandro Monteverde transmite la urgencia y la tensión de la problemática, sin embargo, en ocaciones cae en sentimentalismos innecesarios. El reparto liderado por Jim Caviezel, Eduardo Verástegui, Bill Camp y Mira Sorvino, aporta actuaciones convincentes y comprometidas con la trama.

«Sound of freedom» aborda un tema social preocupante, del cual no todo el mundo tiene conocimiento. Se expone el tráfico de menores y la lucha de aquellos que se enfrentan a esta oscura realidad. Esta temática en particular ya ha sido mostrada cinematográficamente aunque en muy pocas ocaciones y con una estrategia de difusión bastante menor. Algunos ejemplos son: «The Jammed» (2007) escrita y dirigida por Duncan McLachlan, es una historia basada en hechos reales sobre la trata y el submundo del comercio sexual de Melbourne. «Trade» (2007) esta cinta alemana de Marco Kreuzpaintner relata el secuestro de una niña mexicana de 13 años y la desesperación de su hermano para salvarla. «Trade of Innocents» (2012) es un proyecto de Christopher M. Bessette en el que se trata el tema de la venta y explotación de niños, tambien protagonizada por Mira Sorvino. etc.

En el caso de «Sound of freedom«, se da a conocer el trabajo de Timothy Ballard, activista que fundó la organización sin fines de lucro «Operation Underground Railroad« (O.U.R.) para combatir la trata de personas. Pero a pesar de ser una película que busca poner sobre la mesa temas tabú como la pedofília, el tráfico de menores y la esclavitud sexual, se ha visto envuelta en discusiones y debates sobre su autenticidad y enfoque. La organización O.U.R. ha enfrentado críticas y cuestionamientos en torno a la veracidad de sus operaciones y la efectividad de sus métodos. Además, la cinta ha sido acusada de manipulación en su estrategia de publicidad, lo que ha generado escepticismo sobre si la historia presentada está siendo explotada con fines de lucro y promoción.

La controversia también rodea a ciertos miembros del equipo y elenco de la película. La vinculación de Eduardo Verástegui con la Iglesia Católica y su relación con figuras controvertidas han levantado críticas y sospechas sobre sus verdaderas intenciones.

Más allá de la polémica y los asuntos políticos y religiosos que se encuentran en el trasfondo de la producción, se expone un tema delicado del que pocos hablan y del cual es muy necesario y urgente hablar e intentar solucionar.

Presentación del disco «María Tango» de María de los Ángeles

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El Jueves 28 de Setiembre a las 20:30hs la Sala Nelly Goitiño del Sodre se viste de gala para el lanzamiento de «María Tango«, cuarto disco de María de los Ángeles. En la velada se compartirán composiciones musicales propias acompañadas de clásicos de hoy y de siempre.

Acompañan a María de los Ángeles el director musical Emiliano Greco, el bandoneonista Vicente Nicolas Perrone, el violinista Matias Cracium, en el contrabajo Juan Chilindron y en guitarra a Eduardo Mauris. Como artista invitado se presentará Javier Toledo y además se podrá disfrutar del espectáculo de los bailarines Iahara Stolarsky & Federico.

Entradas en venta en Tickantel y boletería de la sala .

Entre Acordes y Conflictos Generacionales: «Temas Propios» de Guillermo Rocamora

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En un cruce entre la pasión por la música y los desafíos de la convivencia familiar, «Temas Propios» dirigida por Guillermo Rocamora se erige como un retrato sincero y humano que explora las dinámicas intergeneracionales en el seno de una familia en crisis. Esta coproducción Uruguayo-Argentina llega a las pantallas el 24 de agosto.

La trama se centra en la vida de cuatro personajes que encarnan distintas etapas y perspectivas de la vida: Manuel, César, Virginia y Agustín. Estos individuos, cada uno lidiando con sus propias vicisitudes, se entrelazan en un lienzo emocional que oscila entre el conflicto y la esperanza.

La fuerza de esta película radica en la naturalidad con la que los actores dan vida a sus personajes. La habilidad de Guillermo Rocamora para dirigir y extraer actuaciones genuinas es palpable en cada escena. Las emociones fluyen sin artificios, lo que permite al público conectarse de manera directa con los sentimientos y dilemas de los protagonistas.

En términos técnicos, «Temas Propios» demuestra una maestría en la técnica de cámara, la elección de ambientes y colores. La cámara se convierte en una ventana a las complejidades internas de los personajes, capturando gestos y miradas que hablan por sí mismos. Los ambientes cuidadosamente seleccionados refuerzan la atmósfera de la historia, sumergiendo al espectador en los espacios íntimos de cada personaje.

La banda sonora, un elemento crucial en una película que gira en torno a la música, cumple su papel con maestría. La música no solo es un acompañamiento, sino que también se convierte en un lenguaje que comunica los sentimientos y estados de ánimo de los personajes. Desde las notas más melancólicas hasta los acordes llenos de energía, la banda sonora teje una narrativa auditiva que complementa perfectamente la visual.

Video Oficial del tema «No soy yo»

El contraste entre los personajes materno y paterno en «Temas Propios» explora las diferentes perspectivas y enfoques que los padres tienen hacia sus hijos y sus propias aspiraciones. Virginia y César representan dos visiones opuestas sobre el papel que la música y los sueños deben desempeñar en la vida de sus hijos.

Virginia, encarnada por una actuación segura y emotiva, personifica la preocupación materna en su forma más cruda. Su personaje, en el umbral de los 50, enfrenta las responsabilidades diarias como madre y proveedora, mientras intenta lidiar con los desafíos de la separación y el trabajo. Su postura con respecto al deseo de su hijo de unirse a una banda de rock refleja su anhelo de seguridad y estabilidad para él. Desde su perspectiva, la música puede parecer un riesgo, una mera distracción que podría apartar a su hijo del camino hacia un futuro seguro. Su deseo de protegerlo a veces la hace parecer demasiado restrictiva, pero su origen proviene del amor y la preocupación genuinos.

César, interpretado con destreza y carisma, personifica una actitud más liberada y audaz hacia la vida. A pesar de su edad de 45 años, su personalidad inmadura y su espíritu joven lo acercan más a un adolescente que a un adulto. La separación parece haberle proporcionado una oportunidad para reconectarse con su propia juventud y los sueños que quedaron atrás. La relación con sus hijos es un medio para cumplir sus propias aspiraciones. La música es su forma de liberación y sus hijos una vía para alcanzar lo que no pudo lograr en su juventud.

El conflicto entre Virginia y César es una lente a través de la cual se exploran temas universales de sacrificio y ambición. La dicotomía entre la seguridad y la búsqueda de sueños resuena en la audiencia, ya que todos en algún momento nos hemos enfrentado a la difícil decisión entre lo pragmático y lo pasional.

Trailer oficial

«Temas Propios» fue postulada como candidata por Uruguay a «Mejor Largometraje Internacional» para la próxima 96ª edición de los Premios Oscar.

Háblame – Talk to me

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Sinopsis: «Cuando un grupo de amigos descubre cómo conjurar espíritus usando una mano embalsamada, quedan enganchados a la nueva emoción, hasta que uno de ellos va demasiado lejos y desata aterradoras fuerzas sobrenaturales».

Trailer oficial

Para empezar a hablar de esta pelicula tengo que repetir que no me gusta el cine de terror. Soy una persona que se sugestiona fácilmente y no disfruto de las escenas de violencia, tampoco de los jump scares y sufro cuando el terror viene de la mano de seres sobrenaturales, espíritus malignos, etc. Sin embargo, por alguna razón siempre que aparece una película de este estilo termino viéndola. En este caso, después de negarme a asistir a dos funciones, las críticas que empezaron a recorrer las redes sociales y los medios de comunicación despertaron mi curiosidad. Se dijo que había llegado la película «más terrorífica del año», que estaba «muy bien ejecutada», que «su guión era muy atractivo», etc, etc. por lo que cuando se presentó una tercera oportunidad, había que comprobar si la película era tan buena.

Lo cierto es que no, sinceramente, no me pareció tan buena, sin embargo estoy convencida de que el problema es que yo no soy el público objetivo para esta película en particular.

«Talk to Me» es una cinta que claramente está dirigida a un público adolescente que se está acercando al cine de terror. Si bien no logra escapar de las trampas y clichés del género, su enfoque en la estética y la atmósfera son adecuadas, el elenco es creíble y sus actuaciónes son correctas. Tiene escenas de violencia gráfica que están bien ejecutadas y hacen que por momentos (al menos yo) bajes la vista y dejes de ver la pantalla.

«Háblame» (título en español) es la ópera prima de los hermanos Danny y Michael Philippou, quienes escribieron el guion y dirigieron la cinta. Ellos se hicieron famosos gracias a su canal de youtube RACKARACKA donde realizan parodias.

¿De que trata la película?

La protagonista es Mía, una adolescente en duelo por la pérdida de su madre. Un día convence a su mejor amiga para asistir a una fiesta en la que realizan espiritismo con una mano embalsamada. La adrenalina y sensaciones por esta nueva experiencia la hacen seguir asistiendo a este tipo de reuniones hasta que todo se sale de control y estos espíritus traspasan al mundo de los vivos. Mía junto a sus amigos deberán encontrar la forma de volver las cosas a la normalidad.

EXTRACTOS – dos únicas funciones 26 y 27 de agosto

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El Sábado 26 y Domingo 27 de Agosto a las 21 hs. En la Sala Hugo Balzo del Sodre tendrás la oportunidad de ver la obra «Extractos» – Texto y dirección Leonardo Martínez.

Sinopsis: Extractos propone una experiencia estética sencilla y profunda.
Está apoyada en el vínculo entrañable de sus dos personajes “Ada” y “El genio” a quienes vemos atravesar diferentes sucesos de sus vidas: charlas de bares, peripecias laborales, juramentos, canciones a toda hora, recaídas en vicios, pérdidas de familiares, desencuentros amorosos, deseos bajo las estrellas, serenata al vecino y más.
Estos sucesos cotidianos y repetidos están presentados estructuralmente en la pieza, en dosis breves e intensas.

Ella y él, han juntado sus vidas para sobrevivir económica y afectivamente. Son moza-niñera y bailarín-actor de publicidades, pero por sobretodo son amiga y amigo: “tu amistad es lo único sano” dice ella, “tu amistad es mi único éxito” dice él. 

Es una obra sobre la convivencia y la amistad.
Esto así expresado, puede parecer solemne. La obra no lo es. Esto es mérito de dos actores cuyos físicos se complementan notablemente, y que consiguen elaborar cuadros plásticos particularmente hermosos ensayando danzas o vuelos, que es lo que tienen en común, además de tomar helados
(María Esther Burgueño, “Cómo pactar con lo bello.” revista Relaciones, págs 29 y 30; mayo de 2023).

Entradas a la venta en Tickantel, Redes de Cobranza y boletería de la sala. Localidades generales $ 550 – 2 x 1 La Diaria – Socio Espectacular con beneficio.

Biografías:

LEONARDO MARTINEZ

Dramaturgo, Director teatral y Actor.
Ha realizado la dramaturgia de más de 20 obras teatrales y dirigido más de 30 espectáculos, estrenados en diversas ciudades de Uruguay y Argentina.
Ha participado con sus espectáculos en Festivales Internacionales en Argentina, Chile y Bolivia. Así como en sucesivas ediciones del FIDAE y de la BIENAL DE TEATROS DEL INTERIOR.
Ha recibido premios y nominaciones de ATI, ACTU, y de la Regional Norte de Teatros Independientes de la Provincia de Buenos Aires, por sus Creaciones como Director y como Dramaturgo. Recibió el premio a la ACTIVIDAD TEATRAL, entregado por la revista Renacimiento y el Gobierno Dptal. de Río Negro (Uruguay).
Actualmente es dramaturgo y director artístico en La Liga de Artes escénicas del Litoral que nuclea colectivos teatrales y creadores escénicos de Paysandú, Fray Bentos, Carmelo y Montevideo.
En el marco de este proyecto escribe y dirige en varios espectáculos de los colectivos Decartón (Carmelo), Imaginateatro (Paysandú) y El Almacén (Villa Dolores, Montevideo)
En 2019-2020 escribe y dirige el espectáculo “La inminencia de la fragilidad”, primera producción de la Liga de Artes Escénicas del Litoral.

RENATA DENEVI

Luego de estudiar durante dos años en el taller de actuación ante cámara dictado por Beatriz Flores Silva, ingresa en la EMAD ( Egresa en el año 2017).
Paralelamente realiza trabajos como asistente de dirección en obras como: «Largo viaje de un día hacia la noche» de Eugene O’Neill, dirigida por Jorge Denevi, » Clase» de Guillermo Calderón dirigida por Coco Rivero.
Se desempeña también en el área audiovisual como actríz en cortometrajes: » El próximo verano» y «Victoria» de Agustín Fernández.
Realiza spots audiovisuales para obras de danza: » Enigmas como ofrendas para el pozo» de Julieta Malaneschii y «Expandido» de Cecilia Lussimehier.
Escribe y dirige en el año 2017 » Madre».
Actúa en :
«La Nave» dirigida por Natalia Castello
«Potestad» de E. Pavlovsky dirigida por Walter Silva
‘Panorama desde el puente’ de A. Miller dirigida por Jorge Denevi,
“El desalojo» dirigida y escrita por Luis Pazos,
«Pájaro estúpido» como actriz invitada de la comedia Nacional dirigida por Jorge Denevi
“La violación de Artemisia Gentileschii» escrita y diriga por Jorge Denevi.  

LUIS PAZOS

Actor, músico y bailarín, formado en la EMAD (Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático) y en la EDA (Escuela del Actor), con estudios complementarios en actuación, danza, música, literatura, recreación y pedagogía teatral, recibidos durante talleres, cursos y seminarios a cargo de maestrxs nacionales e internacionales. Actualmente forma parte de las compañías teatrales: El Almacén, en Montevideo, y Le Théâtre de l’Hydre, en Francia; y trabaja como actor en cine, teatro, televisión y publicidad, desde 2011.
Como actor, trabajó en los proyectos:
TEATRO
– Extractos, dirección de Leonardo Martinez Russo.
– Ismael, de Leonardo Martinez Russo y dirección de André Hubener. (Cía. El Almacén)
– Galgos, de Leonardo Martinez Russo y dirección de André Hubener. (Cía. El Almacén, Liga de Artes Escénicas y Sala Verdi)
– Macabre Carnaval, con la compañía Le Théâtre de l’Hydre, en el Festival CNAREP Sur le Pont (La Rochelle, Francia) y Festival des        Francophonies (Limoges, Francia); con la troupe du Théâtre de l’Hydre.
– Idea y Mario, Obra homenaje a Idea Vilariño y Mario Benedetti. Producida por Sala Verdi, dirigida por Gustavo Zidan.
– Unipersonal Dados Tirados, de Anthony Fletcher, en Festival de Temporada Alta, Uruguay. (Nominado para el premio Florencio como “mejor actor en unipersonal”) en el mercado de artes Mapas, de Tenerife, España.
– Participa del grupo de artistas en el Laboratorio Etre et Jouer WS2-Montevideo, dirigido por Laurent Berger.
– La chancha, dirección de André Hübener, Cía. El Almacén.
– Los Crueles, dirección de Viviana Stagnaro y Camila Vives.
– Tiempo de fiesta, de Harold Pinter, dirección de Ana Pañela, (actor invitado en la Comedia Nacional).
– Representantes, una obra sobre Horacio Buscaglia, dirección de Ignacio Duré.
– Salsipuedes: El Exterminio de los Charrúas, de Alberto Restuccia, dirección de Paula Bonilla.
– Work in Progress de La Fura dels Baus, dirección de Jürgen Müller y Judy Lomas, FIDAE (Festival Internacional de Artes Escénicas)

Fleishman Is in Trouble – La nueva vida de Toby

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Lo que en sus primeros capítulos parecía ser la historia de un hombre recién divorciado, sufriendo una crísis de los 40, luchando para volver a insertarse en el mundo de las citas y el sexo virtual terminó mutando, muy favorablemente, en otra cosa. Trata sobre la amistad, el matrimonio, la familia, el divorcio, las frustraciones, el cambio y también la permanencia. Se tocan temas como la satisfacción y la carencia de esta, la salud mental, en definitiva es una serie sobre la vida y como todo coliciona cuando se entra en la mediana edad. También es una historia que demuestra que cada persona conoce y tiene una versión de los hechos donde todos tenemos un mundo interno, probablemente desconocido para quienes nos acompañan.

Tenemos un relato narrado por una voz femenina, que es nada menos que Libby (Lizzy Caplan), la mejor amiga de Toby (Jesse Eisenberg). Él se acaba de separar y se muda a un pequeño apartamento para volver a empezar. Una mañana despierta y su ex mujer había dejado a sus hijos durante la noche sin decirle nada, no responde sus mensajes, no contesta las llamadas, el tiempo pasa y todo indica que no va a aparecer. En medio de la asaña para descubrir dónde está Rachel (Claire Danes) deberá entender cómo y por qué su vida, que parecía perfecta, se desmorona. Es una serie que engancha, intriga, te hace reír pero mas que nada llorar.

La nueva vida de Toby (título original: Fleishman Is in Trouble) es una  miniserie  dramatica de ocho capítulos, dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris, basada en la novela homónima de Taffy Brodesser-Akner. Se puede ver en Star+, y la recomiendo.

Oppenheimer – Todo lo que tenés que saber

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Del escritor y director CHRISTOPHER NOLAN, Oppenheimer es un thriller histórico, que sumerge al público en la paradoja moral de un hombre que debe arriesgarse a destruir el mundo para salvarlo.

Al enterarme del nuevo estreno de Christopher Nolan y sobre todo de la duración de la misma (187 minutos) sentí miedo, realmente me senté frente a la pantalla con una especie de pesimismo esperando tal vez aburrirme o sentirme abrumada con determinada información científica a la que mi conocimiento no accede, sin embargo salí de la sala de cine convencida de que Christopher Nolan, es un gran cineasta. Con esta película demuestró su destreza como director y guionista, llevándonos en un viaje emocional y visualmente impresionante a través de uno de los eventos más significativos del siglo XX.

Uno de sus aciertos más grandes es el casting que acompaña este proyecto. Todos han sabido encarnar de manera excepcional a los personajes históricos, proporcionando profundidad y autenticidad a sus interpretaciones.

Los efectos visuales son sencillamente deslumbrantes y juegan un papel fundamental en la construcción de la atmósfera de la película. Nolan sabe cómo aprovechar al máximo los recursos visuales para transportarnos a la época de la Segunda Guerra Mundial y hacernos sentir parte de la historia. Las secuencias de acción son vertiginosas y espectaculares, mientras que los momentos más íntimos son capturados con elegancia y sensibilidad.

Nolan ha entregado nuevamente una película que no solo entretiene, sino que también despierta nuestra curiosidad por la historia y el potencial humano. Una experiencia imperdible para los amantes del cine y para aquellos interesados en la ciencia y la historia detrás del Proyecto Manhattan.

OPPENHEIMER, escrita y dirigido por Christopher Nolan

La película está basada en el libro ganador del Pulitzer titulado «American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer« escrito por KAI BIRD y por el fallecido MARTIN J. SHERWIN. Narra la vida y el legado de J. Robert Oppenheimer, padre de la bomba atómica y se adentra en la mente del brillante científico detrás del descubrimiento que transformó al mundo. Es un retrato crítico de Oppenheimer que no sólo lleva a la pantalla los acontecimientos, sino que también explorara su psicología y cuestiona las consecuencias de sus acciones.

Lo que yo quería era llevar al público a la mente y la experiencia de una persona que fue el centro absoluto del cambio más grande de la historia”, explica Nolan. “Nos guste o no, J. Robert Oppenheimer es la persona más importante que haya existido. Él hizo el mundo en el cual vivimos, para bien o para mal. Y su historia hay que verla para creerla”.

Cillian Murphy as J. Robert Oppenheimer in OPPENHEIMER, written and directed by Christopher Nolan

El origen del deseo de Nolan de hacer Oppenheimer radica en el miedo que inquietaba a los científicos del Proyecto Manhattan cuando buscaban los secretos de la fisión para fabricar una bomba de fusión; un temor que Oppenheimer denominó “la terrible posibilidad”.
En el período previo a la prueba Trinity, Oppenheimer y su equipo se enfrentaban a la pequeña posibilidad de que, cuando apretaran ese botón y activaran la primera bomba, incendiaran la atmósfera y destruyeran todo el planeta”, expresa Nolan. “No había ninguna
base matemática o teórica que les permitiera descartar por completo esa posibilidad, por pequeña que fuera. Y aun así, de todos modos apretaron ese botón».

Oppenheimer es la cuarta colaboración de Christopher Nolan y Hoyte van Hoytema (director de fotografía) quien también fue el director de fotografía de Interstellar, Tenet y Dunkirk, siendo
nominado al Óscar por esta última. Se decidió que las escenas contadas desde la perspectiva de Oppenheimer fueran en color y transmitieran las sencillez, naturalidad y texturas del mundo real y las escenas centradas en Strauss sean en blanco y negro, con numerosos primeros planos, intimistas y llenos de detalles y miradas impactantes que transportan al espectador directamente a la psique del personaje. Una decisión estética acertada de gran belleza visual.

A pesar de los rumores que circulaban en Internet, Christopher Nolan no detonó una bomba atómica real en Nuevo México para Oppenheimer con el único objeto de filmar el fuego nuclear y la nube en forma de hongo de la icónica prueba Trinity. En su lugar, Nolan y el director de fotografía Hoyte van Hoytema trabajaron con los supervisores de efectos especiales SCOTT FISHER y ANDREW JACKSON para producir la versión cinematográfica de la explosión atómica. La única restricción que puso Nolan fue que no podía haber imágenes generadas por computadora.

¿Quién es quien?

Está protagonizada por CILLIAN MURPHY (Peaky Blinders) como J. Robert Oppenheimer.

El resto del elenco se compone por EMILY BLUNT interpreta a su esposa, la bióloga y botanista Kitty Oppenheimer, ella era su absoluta confidente y su principal aliada a la hora de tomar grandes decisiones.

MATT DAMON interpreta a Leslie Groves, distinguido oficial del Cuerpo de Ingenieros del Ejército de los Estados Unidos que acababa de supervisar la construcción del Pentágono cuando se le asignó la misión de dirigir el Proyecto Manhattan.

ROBERT DOWNEY, JR. es Lewis Strauss, comisionado fundador de la Comisión de Energía Atómica en 1947, desempeñando un papel clave en la configuración de la política nuclear estadounidense de la posguerra. Administrador del Instituto de Estudios Avanzados de la Universidad de Princeton.

FLORENCE PUGH interpreta a Jean Tatlock, psiquiatra que estudió en Stanford y tuvo un intenso y tortuoso romance con J. Robert Oppenheimer.

JOSH HARTNETT es el pionero científico nuclear estadounidense Ernest Lawrence.

CASEY AFFLECK es Boris Pash, jefe de contrainteligencia del Ejército en el Presidio de San Francisco.

RAMI MALEK hace el papel del físico experimental David Hill.

KENNETH BRANAGH interpreta a Niels Bohr, el físico galardonado con el premio Nobel. Venerado por Oppenheimer y otros científicos de su generación por su estudio de la estructura atómica y la famosa “Interpretación de Copenhague” de la mecánica cuántica.

BENNY SAFDIE como el físico teórico Edward Teller; conocido como “el padre de la bomba de hidrógeno”. Investigando bajo las órdenes de Oppenheimer en la búsqueda de descifrar los secretos de la fisión, a Teller le costaba trabajar en equipo y a menudo se mantenía al margen de sus colegas para perseguir sus propios objetivos. Discrepaba con su jefe en cuanto al enfoque del proyecto —él creía que debían dedicarse al objetivo más difícil de construir bombas de hidrógeno más potentes. Incluso cuando instó a su colega a desarrollar las armas termonucleares más fuertes posibles, fue Teller el primero en especular sobre “la terrible posibilidad” que atemorizaba a Oppenheimer: de incendiar la atmósfera terrestre.

También actúan DYLAN ARNOLD como Frank Oppenheimer, hermano menor de Robert, GUSTAF SKARSGÅRD como Hans Bethe, miembro del Proyecto Manhattan. DAVID KRUMHOLTZ personifica al ganador del premio Nobel de física Isidor Rabi. MATTHEW MODINE como Vannevar Bush, jefe de la Oficina de Investigación Científica y Desarrollo de los Estados Unidos; DAVID DASTMALCHIAN como William Borden, un ferviente defensor de la superioridad nuclear de los Estados Unidos y el actor TOM CONTI interpreta a Albert Einstein.

Parte de la información de esta nota es extraída de notas de producción de la película – UNIVERSAL PICTURES – SYNCOPY

El visitante

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Un ex convicto decide luchar por la custodia de su hija.

El jueves 6 de julio se estrena en cines «El Visitante», película dirigida por Martín Boulocq y protagonizada por Con Enrique Araoz, César Troncoso, Mirella Pascual, Svet Mena.

Esta co-producción Bolivia – Uruguay estará disponible en Cinemateca Uruguaya, Sala B del Sodre y Sala Lazaroff.

Sinopsis 

Después de salir de la prisión, Humberto se gana la vida modestamente cantando en velorios. Su mayor deseo es reconstruir su relación con su hija y brindarle una vida digna, pero los abuelos de la niña, pastores evangélicos influyentes, no están dispuestos a ceder la custodia de su única nieta. Acorralado financiera e ideológicamente, Humberto se ve obligado a enfrentarse a sus propios demonios mientras lucha simultáneamente contra una poderosa institución eclesiástica a la que alguna vez perteneció. Ambientada en la ciudad de Cochabamba, El Visitante es una sombría meditación sobre las clases sociales, las relaciones familiares y el creciente poder del evangelismo en América Latina, reflexionando sobre los persistentes legados del colonialismo en la región y las nuevas formas de dependencia ideológica que guían a nuestras sociedades.

Festivales y Fallos

«El Visitante» ya ha sido premiada en diversos festivales alrededor del mundo:

*Mejor Realización Técnica y Tratamiento de Temáticas Sociales en la Competencia Latinoamericana – Premio SICA APMA (Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina) «Tato Miller», Mar del Plata, Argentina, 2022.

«Por su calidad técnica y actoral y por hacer una representación metafórica de las realidades sociales de Bolivia, pero también de toda América Latina, de las luchas sociales históricas, entre las clases burguesa con herencia colonial y la clase trabajadora, y cómo las estructuras de poder capitalizan el sufrimiento de los más débiles de la sociedad. Pone además en evidencia el crecimiento de la iglesia evangélica como nueva forma de dependencia y opresión financiera e ideológica de los más vulnerables. Filmada elegantemente explora el vínculo padre-hija con calidez y humanidad». Fallo del jurado compuesto por Adriana Vior, María Sol Muñoz, Mariano Cukar.

*Mejor Película Internacional-  Festival de Cine de Antalya, Turquía, 2022.
“Entregamos el premio más importante para nosotros a “El Visitante”, por su acercamiento a temas sensibles como el patriarcado y la religión, y porque el filme nos invita a contemplar y reflexionar sobre las paradojas del amor dentro de una familia y una sociedad fracturadas”.


*Selección Oficial en Competencia Oficial – Festival de Cine de Moscú – MIFF- Rusia, 2022.

*Mejor guión en la Competencia Internacional – Festival de Cine de Lima – PUCP – Perú, 2022.
“Por articular una historia alrededor de un tema neurálgico de la realidad contemporánea latinoamericana, con humor, sin solemnidad y sin excesos paródicos”.


*Mejor guión en la Competencia Internacional –  Festival de TriBeca, Nueva York, 2022.
«Una historia de dolor y una hipocresía aparentemente insuperable finalmente se convierte en una de conexión humana. Aquel en el que la resistencia se convierte en vínculo entre un padre y una hija que han sufrido una pérdida.” Al mejor Guión Internacional, El Visitante.

Datos Sobre el director

Martín Boulocq – Director/Guionista

Martín Boulocq nació en cochabamba, Bolivia. Estudió cine en la Escuela Andina de Cinematografía, de Jorge Sanjinés.

A sus 25 años estrenó su primera película “Lo más bonito y mis mejores años”, proyectada en San Sebastián, Locarno y otros festivales recibiendo premios y aclamada por la crítica boliviana entre las 12 películas fundamentales de la historia de Bolivia.

Su segunda película “Los viejos”, fue estrenada en Busan (Corea del Sur)  y ganó mejor película en Antofagasta. «Eugenia«, su tercer largometraje, se estrenó en competencia en Mar del plata y ganó el premio al mejor guión en Guadalajara.

Sus películas han tenido distribución en América Latina, Europa y Norteamérica, tanto en festivales como en museos, TV y streaming. El visitante es su cuarto largometraje.

Filmografía
2023   Cuerpo criminal, documental (post producción)
2022    El visitante
2017    Eugenia
2014    Los Girasoles, documental.
2011    Los Viejos
2009    Rojo,Amartillo, Verde (Fragmento Rojo), 
2005    Lo màs bonito y Mis Mejores años

Vuelve La increíble historia de Lucia, su padre y un chancho volador

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Luego del éxito rotundo en su primer temporada vuelve en las Vacaciones de Julio y a la Sala Hugo Balzo del Sodre la obra para toda la familia  ‘Lincreíble historia de Lucíasu padre y un chancho volador« del 19 al 22 de Julio a las 15 hs, para disfrutar, reírse e imaginar con este magnífico espectáculo de animaciones interactivas y títeres de gran porte del talentoso Damián Barrera.

Instalación Audiovisual 3D en el Zoo Villa Dolores

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Escuchame una cosa es una exploración artística en torno al tema de la comunicación entre humanos y otros animales, y se basa en experiencias de encuentro con animales como burros, carpinchos, caballos, gallinas, algunas llamas y una mona. Después de dos años de trabajo, se presentará un avance de la investigación entre junio y agosto de 2023 en el Zoológico de Villa Dolores, con una instalación audiovisual 3D.

«El momento que nos toca vivir vuelve urgente la necesidad de revisar los vínculos que como sociedad hemos generado con la naturaleza, en particular con animales de otras especies. Me interesa proponer un diálogo abierto y reflexivo sobre la interconexión que existe entre todas las formas de vida y sobre la capacidad de comunicarnos con otros animales.

Los estudios animales son un campo relativamente nuevo que integra antropología, biología, artes, filosofía, cine y otras disciplinas. Estudia las relaciones con animales no humanos mediante el empleo de distintas perspectivas teóricas, integrando también formas de conocimiento no académico.

Muchas de las referencias teóricas de este campo de estudio afirman que “el cuerpo humano no es simplemente humano”, y que por el contrario, los límites de nuestros cuerpos son abiertos, permeables y porosos. Afirman que las conexiones entre humanos y otros animales son conexiones relacionales que se pueden sentir y sintonizar. El problema es que la psiquis occidental está estructurada de tal manera que le da a la persona la sensación de que sus sentimientos son “suyos propios”, y que están contenidos física, energética y emocionalmente.»

El proyecto busca contribuir al fortalecimiento de una educación ambiental que fomente los vínculos respetuosos con todas las formas de vida. Durante el tiempo que dure la muestra se organizarán una serie de mesas de conversación donde el tema será abordado desde distintas disciplinas. La muestra estará abierta desde el 23 de junio de miércoles a domingos de 11 a 17hs.

Texto curatorial | Andrea Giunta

“Burros en las sierras de Maldonado, carpinchos en el lago del parque Lecocq, la mona rescatada del ecoparque Tálice. Sin una agenda previa, Pau Delgado Iglesias pasa días en su compañía buscando encontrar la clave de la comunicación, de la conexión con esas otras vidas. Silencio, pausa, escucha, respeto. Captar los campos mórficos. Conectar hacia adentro para conectar con lo demás. Sólo las horas que permaneció con ellos, logran crear la relación de confianza que se percibe en el film 3D Escuchame una cosa, que nos presenta el estado de una investigación en proceso. Una pesquisa que fue inicialmente impulsada por la trama teórica de los estudios animales que conoció cuando se formó en Inglaterra. Pero lo que nos propone escapa de la teoría. Se impregna de un tiempo real, dilatado, compartido con esas otras vidas que filmó en pocos momentos, ya que no se trataba de mostrar, sino de establecer un vínculo. Quedamos absortos, no solo en un sentido visual, sino también mental, ante esas imágenes de especies comunes, que no son exóticas, pero que atraen por su belleza, por la relación de proximidad, como si las tocásemos con los ojos. Escuchame una cosa capta el momento interespecie en el que la cercanía, el silencio, la mirada detenida, nos conecta con el afecto que impregna esta convivencia y logra ponernos en contacto con una emocionalidad que conmueve”

«La última temporada de Black Mirror: Un alejamiento de su esencia crítica»

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Black Mirror, la aclamada serie de ciencia ficción y suspenso, ha sido reconocida por su capacidad para analizar de manera provocadora los impactos de la tecnología en la sociedad, generalmente con un pronóstico desalentador del futuro que nos espera. Sin embargo, la última temporada parece haberse desconectado de la esencia que la definió en temporadas anteriores, perdiendo contacto con su leitmotiv.

La esencia de Black Mirror ha residido en su capacidad para exponer las consecuencias no deseadas de la tecnología y explorar los dilemas éticos que surgen de ella, exponiendo los peores rasgos de la humanidad. Sin embargo, en esta última temporada, en especial los capítulos «Loch Henry«, «Mazey Day» y «Demonio 79» no logramos ver esta premisa fundamental. Estos episodios se centran en aspectos más superficiales y por momentos entretenidos y se tornan predecibles y bizarros, dejando a los espectadores con una sensación de desconexión y una pérdida del factor distintivo de las primeras temporadas de Black Mirror. En lo personal, me hizo sentir que estaba viendo un nuevo episodio de «El gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro«.

«Hot club Montevideo» Entrevista a Maxi Contenti

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Sinopsis:

El Hot Club de Montevideo es una institución cultural uruguaya fundada en 1950 como resultado de las inquietudes de un pequeño grupo de músicos, con la misión de desarrollar actividades relacionadas con la música jazz, y contribuir a su difusión y comprensión.

Su primera actividad oficial fue la distribución de una revista mensual, el 2 de marzo de 1950. Su contenido la haría figurar en el catálogo del Primer Salón Internacional de Jazz de París. Se puede decir que prácticamente todos los grandes músicos de Uruguay recibieron la influencia formativa de esta institución.

El Hot Club brilla desde 1950 cuando fue fundado y eso lo convierte en el más antiguo de Latinoamérica (70+ años) y por el que han pasado los mejores músicos de todo el mundo. Este documental cuenta la historia y anécdotas de esta notoria institución y sus integrantes.

Ficha técnica:

Director / Productor: Maximiliano Contenti
Produccion ejecutiva: Gastón Contenti, Ailen Rodríguez Siqueria
Jefa de producción: Alina Kaplan
Dirección de fotografía: Maxi Contenti
Cámaras: Benjamín Silva, Santiago Bednarik, Agustín Lorenzo, Ailen Rodríguez Siqueira
Dirección de sonido: Santiago Carámbula
Editor: Santiago Bednarik
Postproducción: Santiago Bednarik
Música: Hot Club de Montevideo

La Sirenita ya disponible en la pantalla grande

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Tráiler oficial

Sin dudas es uno de los estrenos más esperados del año y uno de los más controvertidos. Desde que se anunció el live-action de La Sirenita todos han tenido algo para decir. Esta producción ha enfrentado a fans y haters en una lucha sin final pero principalmente sin sentido. Las redes sociales se han inundado de cuestionamientos: que si era o no necesario traer esta historia al mundo real, que si el elenco seleccionado era el adecuado, una multitud indignada por la elección de Halle Bailey para interpretar a Ariel debido a su color de piel, no se salvó ni el diseñador de maquillaje Peter King, ya que el público se sintió ofendido considerando que debian contratar a alguien que esté dentro del mundo queer.

Lo cierto es que la cinta ya es una realidad y está en cartelera.

Si bien La Sirenita no era mi historia de Disney favorita, la recuerdo con mucho cariño. La versión live-action cumplío con mis espectativas, sin embargo estoy de acuerdo en que las imágenes, sobre todo debajo del mar me dejaron con una sensación de falta de color y brillo. Probablemente, el deseo de que la historia se viera lo más real posible le quita lo mágico a la cinta. Además considero que los efectos especiales bajo el agua, no están muy bien logrados, donde más se aprecia el artificio es en el movimiento, sobre todo, del cabello de los personajes, este se ve forzado, acartonado, tal vez la película «Avatar: the way of water» dejo el standar demasiado alto y uno no puede evitar compararlas.

Photo courtesy of Disney. © 2023 Disney Enterprises, Inc. All Rights Reserved.

Con respecto a los efectos especiales me pasó algo raro con el personaje de Flounder, que presiento fue resultado de ese afán de realidad y perdió lo simpático y carismático. Estamos viendo una historia en la que hay sirenas, animalitos que hablan, un Rey de los mares y una bruja que es un pulpo, creo que podriamos haber soportado que Flounder y Sebastian se vieran un poquito menos reales y más adorables.

La historia:

El personaje principal es Ariel (Halle Bailey), una sirena adolescente, hija menor del Rey Tritón (Javier Bardem). Ariel tiene una gran curiosidad por el mundo exterior y sobre todo por los humanos ya que es un tema prohibido dentro de su familia, la historia nos cuenta que su madre murió por culpa de los hombres.

Su hobby es coleccionar artículos que encuentra dentro de naves que han naufragado. Una noche, mientras observaba lo que estaba sucediendo en una enorme embarcación, esta naufraga por culpa de la tormenta y Ariel rescata a Eric (Jonah Hauer-King), es la primera vez que tiene la oportunidad de estar tan cerca de un humano y el enamoramiento fue instantaneo. Al enterarse de esta situación, su padre enfurecido, la castiga.
Desesperada por volver a ver a Eric hace un trato con su tía Úrsula (Melissa McCarthy), se le transformará en una chica humana a cambio de su voz, Ariel acepta el trato, pero olvida una cláusula de suma importancia: si al tercer día no consigue un beso de amor verdadero, la joven no podrá regresar al mar.

Uno de los puntos a favor de esta cinta es su enfoque en la actualización del vínculo entre los personajes. La película nos presenta una relación más moderna y dinámica entre Ariel y el Príncipe Eric. En lugar de ser una historia de amor tradicional como Disney nos tenía acostumbrados a la generación de los 80`, se exploran temas de igualdad, comprensión mutua y aceptación. Esta evolución del vínculo entre los personajes ofrece una perspectiva más realista y contemporánea, lo que la convierte en una película más relevante para la audiencia actual.

La elección de Halle Bailey para interpretar a Ariel despues de tanta controversia fue un acierto. Su voz dulce y poderosa, combinada con su carisma y presencia en pantalla, le da vida a la famosa sirena de una manera fresca y auténtica. Además, su actuación capta a la perfección la determinación y valentía de Ariel, transmitiendo un mensaje de empoderamiento a las nuevas generaciones.

OTROS PROBLEMAS DE HUMANIDAD – re-estrena el 3 de Junio en el Teatro Circular

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A partir del 3 de Junio se presenta, con 7 únicas funciones, los sábados y domingos de Junio, en la Sala 2 del Teatro Circular:  «OTROS PROBLEMAS DE HUMANIDAD» de SEBASTIÁN CALDERÓN. Esta es su 5ta. temporada, al momento cuenta con más de 50 funciones, luego de girar por Brasil y Argentina. 

Además, Sebastián Calderón publicará su libro en junio de 2023, con 3 de sus obras estrenadas (donde se encuentra Otros problemas de Humanidad) de la mano de la editorial FORMA (Ex editorial «Fardo»)

La obra fue traducida al inglés en Estados Unidos y al portugués en Brasil. 

Sinopsis : Tres amigos conviven juntos e intentan desarrollar sus capacidades artísticas y humanas mientras los días avanzan sin pausa.
Laura, Camila y José. La vida es lo que pasa entre que se sientan en la mesa y se sientan en la mesa de nuevo. Quieren ser felices, pero no les sale. Quieren ser personas, pero es difícil ser persona.

«Otros problemas de humanidad» se desarrolla en el living-cocina de una casa cualquiera en la ciudad.

Los tres personajes atraviesan los días mientras desempeñan acciones para obtener pequeños objetivos. Como lograr cocinar algo a la altura de sus expectativas, escribir un cuento exitoso o culminar su próximo cuadro. Entre medio sus problemas (ordinarios y no tanto) se atraviesan de forma arbitraria.
Tomando como punto de partida un espacio no convencional y luego siendo adaptada a múltiples espacios, la obra plantea al público una experienciainmersiva en la que el espectador ingresará realmente a la casa de Laura, Camila y José. Siendo interpelados y consultados de forma constante sobre las decisiones y dudas que los personajes tienen y que encuentran solución en la comunicación con el público.
Un misterio, sin embargo, se plantea casi al inicio: referencias a un cuarto integrante del grupo cuya ausencia habita la obra atravesándola a lo largo de las escenas y provocando la tensión constante entre los personajes.
El pop como elemento sustitutivo de casi todo, permite la pluralidad de acciones desde la escasez de recursos económicos, algo propio y quizás identitario de parte de esta nueva generación teatrera.

Diálogos que devienen en monólogos por ausencia de réplicas, escenas frustradas o dichas a la mitad, inicios incómodos, ingresos tardíos, espacios inutilizados, problemas de letra, textos dichos en simultáneo por error, objetos que sobran, sillas en lugares que no van, canciones improvisadas para tapar agujeros, discusiones de fondo, incoherencias involuntarias, exabruptos, escapes, regresos improvisados … Son algunos de los problemas que la obra transita y demanda a quienes actúan solucionar primero los errores que hacen ruido y no dejan contar lo que debería contarse. Pero ellos –como sus personajes y varios objetos de la casa- están rotos y cargando con esas roturas construyen entre todos una historia que gira , epónimamente, sobre otros problemas de humanidad».

Elenco: Camila Parard, José Pagano y Laura Martínez
Diseño: Florencia Wenzel y Matilde Santamaría
Adaptación de diseño: Sofía Beceiro
Dramaturgia y dirección: Sebastián Calderón
Producción: Sofía Antonaz

Público al que se dirige –

La cercanía entre la escena y el público es esencial para el desarrollo de una obra teatral y fomenta la interacción y el convivio teatral.
Los espacios descentralizados son ideales para propiciar la participación y la cercanía entre ambos. Además, la obra se beneficia de los accidentes o sucesos inesperados que puedan ocurrir durante la presentación, generando una «actualización» en el modo de actuar de los personajes. Se busca la identificación con lo uruguayo a través de temas interrelacionados con la vida cotidiana y un lenguaje natural e identificable.

El objetivo es involucrar a los vecinos en la experiencia teatral, creando un vínculo de cercanía e identificación con los personajes y la trama.

La obra podría ser atractiva para jóvenes estudiantes de secundaria y universitarios que buscan nuevas formas de entretenimiento y experiencias culturales en el territorio. Aunque también es apta para toda la familia, siendo una buena oportunidad para que se acerquen al teatro y descubran una nueva forma de expresión artística mediante la risa y la potencia metafórica y espectacular de la obra.

La obra podría interesar a personas que valoran la cultura y las artes, buscando experiencias teatrales distintas a las ofrecidas en salas convencionales. Asimismo, se considera la posibilidad de invitar a grupos comunitarios y organizaciones locales para generar vínculos y promover la participación activa de la comunidad en aspectos de la vida cotidiana.

Una familia de Superhéroes – llega a los cines de Uruguay el 16 de junio

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Una familia de Superhéroes es una película de animación dirigida por Rasmus A. Siversten, director escandinavo de los más prolíficos de Dinamarca, con películas proyectadas en festivales como Annecy, en la Berlinale, en Shanghai, Giffoni y más. Estudió animación en la Escuela Universitaria de Volda (1993-95) y es copropietario de Qvisten Animation desde 1996.

La película llega a los cines el 16 de junio de 2023.

SINOPSIS: 
Hedvig tiene 11 años y ha encogido el disfraz de superhéroe de su papá, por lo que ahora, éste, ya no puede ser el “Súper León”. Su vida da un vuelco cuando tiene la oportunidad de asumir el papel de superheroína de la ciudad sustituyendo a su padre. Solo hay un problema: es torpe, perezosa, no está muy en forma y le interesa más jugar con videojuegos que ser una superheroína. Pero cuando su padre elige a su primo Adrián para que sea el próximo superhéroe, Hedvig se da cuenta de que tiene que reaccionar. ¿Podrá encontrar sus superpoderes?

Trailer oficial

· La cinta ha sido seleccionada por el Festival de Cine de Berlín para competir en la sección Generación KPlus y se ha llevado el Premio del Público del festival de cine infantil TIFF Junior de Noruega, entre otros.

· El cineasta noruego especializado en cine de animación, Rasmus A. Sivertsen, pone sobre la mesa debates como el nivel de exigencia de los padres hacia sus hijos o la calidad de las actividades que les dedican en su tiempo libre.

Palabras del director: «Just Super (título en inglés) es una conmovedora, divertida y espectacular película de superhéroes para toda la familia. Es la historia de Hedvig, una niña de 11 años, alegre y despreocupada, que de repente se ve obligada a heredar el puesto de superheroína del pueblo. Ella no tiene ninguna habilidad para convertirse en superheroína, y durante el transcurso de la historia tiene que encontrar su propio camino para convertirse en superheroína… ¿o realmente necesita ser tan súper después de todo?
Just Super es un concepto original. Después de haber dirigido diez largometrajes de animación, todos ellos basados en una propiedad intelectual existente, para mí es una gran liberación crear algo desde cero, con temas que me interesan profundamente. Para mí ha sido importante contar una historia contemporánea. Una historia que trate y debata temas relevantes de hoy en día, como: ¿Cómo afrontan los niños las altas expectativas de sus padres y su entorno? ¿Está mal dejar que tus hijos estén todo el tiempo con sus teléfonos y pantallas de ordenador? ¿Todo el mundo tiene que ser súper, o está bien ¿ser tú mismo?»

La increíble historia de Lucía, su padre y un chancho volador.

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¿Dónde? –  «Teatro Stella D’Italia» La Gaviota (Mercedes 1805 esq. Tristán Narvaja)

¿Cuándo? – Fecha estreno: Sábado 29 de Abril 2023. Las funciones siguientes serán los  sábados y domingos. 30 de abril, 6, 7, 13, 14, 20 y 21 de Mayo. Total: 8 funciones

¿En qué horario? – A las 15 hs.

¿Cuánto dura? – 50 minutos.

¿De quién es la obra? – Compañía «Bestia Peluda Teatro«. Texto y dirección:  Damian Barrera. Director de la compañía y ganador de 4 Premios Florencio como Mejor Director de espectáculos para niños, (3 con trabajos de Bestia Peluda, “Señor M”, “Viaje al centro de la Tierra”, “El ilustrador” y uno con la Comedia Nacional, “El lugar de las luciérnagas”) vuelve a escribir y dirigir después de cuatro años.

¿Es apta para todo público?
Este trabajo está recomendado para niños y niñas a partir de los 6 años.

¿Qué tipo de espectáculos ofrece esta compañía? – Historias para toda la familia que disfrutan adultos y niños, animaciones interactivas en escena, títeres de gran porte que conviven con actrices y actores e historias de corte fantástico siempre ligadas a temáticas actuales que generan un intercambio para compartir después de la función.

El show, por su estética y los recursos en escena, invita a los espectadores a sumergirse en una aventura visual que transportará a la audiencia a un mundo imaginario repleto de personajes fascinantes que cobran vida en cada función.

¿De qué se trata esta obra?

Sinopsis: En un viejo altillo de la casa familiar, un padre y su hija deben ordenar los recuerdos del abuelo. Inesperadamente, entre cajas y objetos, aparece una pequeña foto que capta la atención de ambos y despierta antiguos recuerdos. Lo que no saben, es que el altillo encierra el secreto mejor guardado de su abuelo. La entrada a un mundo fantástico.

Al abrirse el portal aparece “Julián”, un curioso chancho alado parlanchín, que les pide con urgencia su ayuda. Es así que padre e hija entran a un mundo desconocido, poblado por seres inverosímiles como un caracol humano gigante, una enorme planta carnívora amigable y la “Guardiana de los sueños”, responsable de mantener, cuidar y guiar a los que duermen.

Los habitantes de este nuevo mundo están siendo perseguidos por un ser que acecha en la oscuridad. Padre e hija deberán averiguar dónde se esconde y la manera de enfrentarlo, intentando así cumplir esta misión, que los cambiará profundamente.

¿Dónde compro la entrada y qué precio tiene? – Entradas en venta en Tickantel y boletería de la sala. Precio: $ 400

Esta obra ha sido seleccionada por el Programa Fortalecimiento de las Artes 2022 de la Intendencia de Montevideo.

Amores Pendientes – Una película hecha a pulmón

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«Amores Pendientes» es una película uruguaya escrita y dirigida por Oscar Estévez. Su primera exhibición fue en el 25° Festival Internacional de Punta del Este y ahora se presentó en el 41° Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay. Si todavía no la viste tendrás una nueva oportunidad el sábado 15 a las 18:30 en Cinemateca.

Sinopsis: Carla y Román son amigos desde la adolescencia, se quieren y se valoran, pero, ¿realmente se conocen? Al reencontrarse después de un tiempo, hablarán de lo pendiente entre ambos: la atracción mutua y el amor que se tienen.

Es una comedia romántica que presenta la historia de sus personajes de forma coral. Plantea temas como si es posible la amistad entre el hombre y la mujer, qué sucede cuando el amor entre dos personas queda suspendido en el tiempo y qué se hace con todo eso que no se dice a tiempo. La historia es tierna y tiene momentos muy graciosos, sus personajes son queribles, lo que hace que la película se torne ágil y todo el tiempo estes empatizando con ellos.

Estévez tuvo la inspiración para la película mientras trabajaba en el guión y dirección de la obra de teatro «Cuestión de amor«. Expresa: “La particularidad de este guión es que fue escrito para todos lo que hicimos aquel proyecto teatral, incluso, hasta la persona que hacía la boletería en el teatro tiene un personaje en la película”. Estévez aclara que la película no es reflejo de la obra -no es la obra de teatro filmada-, es una historia distinta; y que el proyecto teatral ayudó a la creación de los personajes y dio un marco para las locaciones de rodaje. La película se filmó colaborativamente entre todos los que trabajaron en ella, fue hecha a pulmón y con mucho amor y todo eso se transmite en cada escena de la misma.

Bichero – Nueva serie de Nat Geo apta para audiencias con TEA

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Con motivo del estreno de «Bichero» Nicolás Kronfeld uno de sus productores nos dió una entrevista en la que nos cuenta todo lo relacionado a la producción de esta propuesta.

Nicolás Kronfeld es periodista con más de 10 años de experiencia. En los últimos años trabajó en el programa periodístico matutino No toquen nada, de Del Sol FM y ahí brindó especial cobertura a la temática de los Trastornos del Espectro Autista (TEA) en varias oportunidades. De este modo, conoció en primera persona las frustraciones que viven tanto las personas TEA como sus familiares.

HANAMI La Belleza de la Existencia

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HANAMI La belleza de la existencia de Danna Liberman bajo dirección de Jimena Marquez y Luz Viera  vuelve al teatro en la semana que va desde el 25 al 30 de abril a las 21 hs exceptuando el domingo que será a las 19 hs en Sala Hugo Balzo del Sodre.

Si me mirás bien, me falta un pétalo. Si me mirás bien, mi alegría, tan amarilla ella, florece en el dolor”

Hanami es un unipersonal biográfico y ficcional de Danna Liberman. Es un homenaje a su hijo Uriel y a todas y todos los que danzamos el dolor. Una invitación a caminar vulnerables, y tomar la vida así como es, integrando el dolor como parte de la belleza de la experiencia.

La pieza integra diferentes lenguajes artísticos que confluyen en una experiencia escénica conmovedora.

Danna Liberman fue nominada a Premio Florencio (actriz en unipersonal), Mención especial en el concurso literario Juan Carlos Onetti 2021 y Obra seleccionada por FIDAE 2022.

«Empecé a escribir para aliviarme, para leerme y repensarme, para acompañarme en el duelo por la pérdida de mi segundo hijo, para honrar lo que fue y lo que es.
Hanami nace de la necesidad de procesar el dolor, de pensar sobre el sentido de la vida, de querer elegir estar en la tierra.
De encontrar la belleza de la existencia.
Como un manantial muevo mis dedos en un texto que es honesto, que soy yo y todos. Decido servir con mi historia, compartirme para reconocer mi camino y homenajear a Uriel.
El siguiente paso, tomar el coraje de compartirlo, de ponerlo en escena, de interpretarlo. De darle voz y cuerpo a la palabra escrita. Para eso elijo un equipo que potencie, enriquezca y transforme el texto en teatro.

Llegan Jimena Márquez y Luz Viera mujeres talentosas y poderosas para dirigirme, Lucia Tayler y su vuelo poético para diseñar el mundo de la escena, Renata Sienra para levantar sensaciones y universos en visuales, Susana Liberman con su impronta y delicadeza en el diseño gráfico, Sara Sabah y Federico Righi con su música mágica, Paula Villalba aportando su mirada profunda y maravillosa en el vestuario, Nicole Berenstein con su profesionalismo y humanidad en producción.

En síntesis, el mejor equipo del mundo mundial para levantar un espectáculo luminoso: Hanami, la belleza de la existencia».

Danna Liberman

Entradas por TICKANTEL $ 600

Web, Abitab, Redpagos y boletería de la Sala

BIOGRAFíAS:

Danna Liberman. Actriz, directora y docente de artes escénicas.
«Mirando por la ventana de un ómnibus sentí libertad y decidí ser actriz. Me formé como maestra y psicopedagoga, y me enamoré del teatro. Amo mi trabajo y su gente, me seduce la pavada poética y los procesos creativos. Trabajo potenciando a lxs demás desde la docencia y dirección, hago teatro para salvarme porque el mundo me duele. Improviso con ansias de libertad, adrenalina, honestidad y sorpresa. Me gustan los encuentros, el caos, el cosmos y poder inventar otros mundos para habitarlos».
Se formó como Actriz, Maestra y Lic. en psicopedagogía. Participó cómo actriz en más de 50 espectáculos teatrales, cortometrajes y largometrajes nacionales y con elencos internacionales. Desde 2003 se dedica a la docencia en arte escénico, especializándose en improvisación teatral y clown, dictando clases en diversas instituciones dentro y fuera del país. Desde 2007 dirige el espacio teatral Sal, club de teatro. Facilita capacitaciones de improvisación aplicada a empresas de todo el mundo con Impros.
Estudió en la escuela de Teatro del cuerpo (Metodología de Jaques Lecoq) y actualmente investiga en las técnicas de clown e improvisación (realizó talleres maestros de Canadá, Brasil, Argentina, Colombia, Costa Rica, México, España, Perú, Israel, entre otros). Desde 2017 comienza su formación en meditación, yoga, coaching, mindfulness y diversas disciplinas de desarrollo personal.
Es miembro fundador de compañía teatral Impronta teatro, con la que organizó tres Festivales Internacionales de IMPRO en el Teatro Solís y Auditorio Nacional del Sodre.

Jimena Márquez.Dramaturga y directora. Profesora de Literatura egresada de I.P.A. Premio Nacional de Letras 2019 .
Docente de Arte escénico en la EMAD y como docente de dramaturgia en la Tecnicatura Universitaria de Dramaturgia y en la Escuela Nacional de Danza, SODRE. Docente del Taller de dramaturgia en la Tecnicatura de dramaturgia de Facultad de Humanidades.
En 2009 obtuvo el Florencio en el rubro Revelación por la dirección y la dramaturgia de su pieza “Cajas Chinas”. En agosto de 2020 estrenó su tercera dirección de una pieza de su autoría para la Comedia Nacional «Nociones básicas para la construcción de puentes». Obtiene la beca FEFCA, otorgada por el MEC en dramaturgia para la producción escrita de «El desmontaje» estrenada en agosto de 2021 en la sala Zavala Muniz, por la cual obtuvo el premio Florencio a mejor actriz de unipersonal. Actualmente coordina sus propios talleres de dramaturgia y actuación en Sala Emilia. Se desarrolla también como letrista de carnaval desde el año 2008, pasando por diferentes conjuntos y categorías, obteniendo dos veces el premio a Mejor letrista del Carnaval (2018 y 2019) y el premio a «figura máxima del carnaval» en 2022.

Luz Viera. Actriz. bailarina y docente.
Se formó en la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático, E.M.A.D. en la Escuela de Comedia musical, en INDANS Escuela en artes del Movimiento y en el Espacio de Desarrollo Armónico. Se forma con distintos profesores siendo María Inés Dantés su pieza clave de formación e inspiración. Docente de danza para niños y adultos en La Escuela de Acción Artística (Luis Trochón) y en El Taller-espacio de Arte para niñxs, adolescentes y adultxs.
Fundadora de Sala Emilia (Espacio de Impulso Creativo) junto a Jimena Márquez, donde brinda talleres en los que nuclea su carrera de actriz y bailarina. En el 2014 comienza a integrar grupos de carnaval como componente y coreógrafa, viaja a Córdoba y Tucumán a trabajar puesta en escena para murgas Argentinas. A lo largo de su trayectoria participa en variados espectáculos y realizó la dirección de la obra El Desmontaje que se estrenó en la sala Zavala Muniz.

Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay – Cinemateca

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Del 5 al 16 de abril 2023 se estará llevando a cabo la 41° edición del Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay.
Las películas se exhibirán en las tres salas de Cinemateca uruguaya (Bartolomé Mitre 1236), Sala B del Sodre (auditorio Nely Goitiño), el complejo Life Cultural Alfabeta (Barreiro y Berro) y la Sala Zitarrosa (Av. 18 de julio 1012 esq. Julio Herrera y Obes).

Además se exhibiran películas en la sala virtual de +cinemateca (entre el 13 y 26 de abril), y habrá exhibiciones itinerantes en Canelones, entre el 6 y el 16 de abril se proyectará una selección de películas en el TeatroAlSur de Atlántida, el Auditorio Batalla de las Piedras en Las Piedras, en el Espacio Cultural Los Cerrillos y en Ajupen en la localidad de San Ramón. En el canal TV Ciudad en el espacio «Cinemateca te acompaña» los domingos de abril se emitirá un film seleccionado del festival.

El festival está compuesto por 200 películas en total, 130 largometrajes y 70 cortos en los que están representados 50 países.

La apertura será en el Teatro Solís el día 5 de abril a las 20:30hs. El film que da inicio al festival será «Les enfants des autres» (Los hijos de otros) de la directora francesa Rebecca Zlotwski. La protagonista de esta historia es Rachel, una profesora de 40 años que se enamora de un hombre recién separado. Él tiene una hija de cuatro años, Rachel no tiene hijos y su tiempo para convertirse en madre se está agotando. Opera en el film, una suerte de juego entre la sensualidad, los pequeños toques de comedia y una reflexión inteligente y sensible sobre la maternidad, las mujeres y el tema de los cuidados. 

La noche de clausura será el sábado 15 de abril a las 19:30 en Sala Zitarrosa, luego de la entrega de premios se exhibirá el film «20.000 especies de abejas» , película vasca,dirigida por Estibaliz Urresola Solaguren. Este film recibió dos premios en la Berlinale, uno de ellos el Oso de Plata a la mejor actriz protagónica otorgado a Sofía Otero, además del premio a Mejor película española en el Festival de Málaga.
Narra la historia de una niña trans, en esos días en que su entorno empieza a notar algunos cambios en su comportamiento y que en medio de la confusión, alertan a su cariñosa tía Lourdes, que es apicultora, y la primera que comienza a comprender lo que está ocurriendo. Una película sensible y valiente que aborda un tema complejo que nos interpela como sociedad.

Por más información del festival pueden consultar en la pagina oficial de Cinemateca

El hijo – de Florian Zeller

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Hay una frase que viene a mi mente después de ver esta película y es «no hay un manual para ser padre/madre».

El 23 de marzo se estrena en cines «El hijo», dirigida por el dramaturgo Florian Zeller y basada en su obra de teatro. Esta película se presenta como la segunda pieza de una trilogía familiar que comenzó con «El padre», que ganó el Oscar en la categoría mejor guion adaptado y mejor actor para Anthony Hopkins, si no la vieron la recomiendo, pero hay que aclarar que una historia no tiene relación con la otra. La próxima pieza será «La madre».

Lógicamente la vara estaba demasiado alta para esta nueva entrega y a pesar de ser una buena película no logra superar el efecto que te produce ver «El padre». Sin embrago, es una película importante ya que deja planteados varios temas que vale la pena reflexionar después de verla.

En esta historia el protagonista es Peter (Hugh Jackman), que rehizo su vida junto a Emma (Vanessa Kirby) y tuvo un bebé. Pero todo se empieza a desmoronar cuando su ex esposa Kate (Laura Dern) le pide ayuda con el hijo adolescente de la pareja: Nicholas (Zen McGrath), que  está atravesando un momento difícil y se ha tornado distante, un tanto agresivo y no ha asistido a la escuela en más de un mes. Kate siente que ya no logra comunicarse con él y que es momento de que Peter tenga más relevancia en su vida y educación.

Tráiler oficial

A partir de acá hay SPOILERS

Cuando te convertís en padre / madre empezás a tomar conciencia de que todas y cada una de las decisiones que tomes a partir de ese momento afectarán de alguna manera a ese ser que le diste vida. En esta película al igual que en «La ballena» vemos como la decisión del padre de tomar distancia de la familia para rehacer su vida afecta directamente a los hijos de ese antiguo matrimonio. En el caso de Charlie (Brendan Fraser) esto tuvo una reacción en su hija, que con el abandono y cúmulo de ira se convierte en alguien problemático. En el caso de Peter (Hugh Jackman) la misma decisión, le causa una profunda depresión.

Fotograma de la película

Es una pelicula que se desarolla de forma lenta y te deja una sensación de angustia y frustración. No intenta explicar qué es lo que le pasa al hijo, ni siquiera él lo sabe exactamente; pero deja planteado el tema de la depresión, que en la mayoría de los casos no tiene una explicación clara o razones lógicas y ese es el motivo de su gravedad, ya que le puede tocar a cualquiera, y los que rodean a quien la padece no logran comprender esta situación.

Otra de las temáticas que se plantean es el suicidio, por lo que es una película ideal para ver con hijos adolescentes y utilizarla para poner la temática sobre la mesa y abrir la conversación.

Las actuaciones de todos los personajes están muy bien logradas, pero la película cae en los cliches típicos de lo que se puede esperar de una depresión, llanto, tristeza, autoflagelación, etc. y no muestra otras facetas más complejas de percibirla.

«TEATRO SOBRE RUEDAS » Teatro itinerante para niñas y niños en Centros educativos

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Teatro sobre ruedas es un proyecto que nace en el año 2014. Son obras teatrales que se presentan de forma itinerante en escuelas, colegios y centros educativos, los espectáculos  apuestan a la participación y la promoción de valores humanos, generando una experiencia artística, educativa y cultural para niños y niñas.

Su objetivo es difundir el arte y la cultura nacional, y facilitar el acceso a la cultura como derecho fundamental, es por eso que la función se realiza en el propio centro educativo e incluye un foro posterior de intercambio entre el público y los artistas.

Es importante destacar que con las obras se genera una propuesta pedagógica para trabajar en clase a partir del hecho artístico. Los artistas llevan banners, afiches, programas para cada estudiante y  carpetas de actividades para docentes. 

Las obras disponibles son:

👉»Las aventuras de Serafin»

Inspirada en la vida y obra de Serafín J. García, se ubica en Treinta y Tres, en el Uruguay de 1915. Serafín y su prima Valentina se embarcan en una aventura en busca de su don, guiados y acompañados por su abuela Blanquita. Para encontrar este tesoro, los protagonistas nos invitan a recorrer distintos caminos, vencer algunos miedos y conocer personajes entrañables. Se encontrarán en un barco marino, en un circo criollo, y hasta en lo más oscuro del bosque. Finalmente, llegarán a descubrir ese tesoro particular, que cada uno de ellos guarda en su corazón.

A lo largo de la obra, disfrutaremos juntos juegos, canciones, música en vivo, baile y mucha diversión!Es apropiada para niños y niñas en edad primaria (se puede sumar inicial desde nivel 3). 

Fue declarada de interés cultural por el MEC,  Nominada a los premios Florencio y seleccionada para festivales nacionales e internacionales de teatro para niños y adolescentes. Ha realizado más de 100 funciones de extensión cultural por diferentes barrios en escuelas, colegios, centros culturales, clubes y otras instituciones culturales educativas y sociales tanto en Montevideo como en el interior de nuestro país.

Elenco: Patricia Fry, Florencia Colucci, Agustin Urrutia y Bruno Tognola

Dirección: Pablo Dive

Dramaturgia: Dive + Fry

👉 «¿Qué me importa?» 

En el surreal mundo de los sueños todo puede pasar, pero… ¿es real? ¿está sucediendo? ¿es posible que cuatro cerebros se sincronicen para soñar exactamente lo mismo? Quienes lo saben todo y todas las respuestas tienen, salen de su comodidad a partir de un hecho inusual, una niña ardilla preguntona siembra la duda y de pronto… ¡todo parece explotar!

Apropiada para niños y niñas de primaria.

Esta obra cuenta con el apoyo del FCC del MEC y el Centro Gen Arte y Ciencia. Sus personajes generan empatía y nos acercan al mundo de la curiosidad y el pensamiento científico. Estrenada en la sala Delmira Agustini del Teatro Solís. 

Elenco: Patricia Fry, Florencia Colucci, Agustin Urrutia y Leonardo Martínez 

Dirección: André Hübener

Dramaturgia: Agustín Urrutia

PARA PODER LLEVAR ALGUNA DE ESTAS OBRAS A TU AULA PUEDES CONTACTAR Y PEDIR INFORMACIÓN AL MAIL: teatrosobreruedasuy@gmail.com

También puedes obtener información en  Instagram: teatro_sobre_ruedas_uy

O a través del Whatsap: 099 368 121

Ganadores de la 95° edición de los Premios Oscar 2023

Esta nueva edición de los Premios Oscar se caracterizó por los cambios empezando por la «red carpet» que este año fue color champagne, el motivo: simplemente se consideró que ese color iba mejor con la decoración. Además de ser una premiación sumamente aburrida y larga y a pesar de tener años de experiencia en problemas con chistes de mal gusto y ofensas hubieron varios momentos incomodos que no causaron mucha gracia.

La gran ganadora de la noche fue «Todo a la vez en todas partes» llevándose siete estatuillas incluyendo MEJOR PELÍCULA de las once a las que estaba nominada.

La siguió «Sin novedad en el frente» ganando cuatro premios y The Whale con dos premios incluido Mejor Actor.

El primer Oscar de la noche fue presentado por Emily Blunt y Dwayne Johnson en la categoría Mejor Animación y la ganadora fue ‘Pinocho de Guillermo del Toro’

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
‘Pinocho de Guillermo del Toro’GANADORA
‘Marcel the Shell with Shoes On’
‘El gato con botas: El último deseo’
‘El monstruo marino’
‘Red’

El segundo y tercer premio fue Actor y Actriz de reparto entregado por los ganadores del año anterior Troy Kotsur (CODA) y Ariana DeBose (WEST SIDE STORY), el ganador fue Ke Huy Quan por «Todo a la vez en todas partes» y Jamie Lee Curtis por la misma película.

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Ke Huy Quan por ‘Todo a la vez en todas partes’GANADOR
Brian Tyree Henry por ‘Causeway’
Judd Hirsh por ‘Los Fabelman’
Brendan Gleeson por ‘Almas en pena de Inisherin’
Barry Keoghan por ‘Almas en pena de Inisherin’

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Angela Bassett por ‘Black Panther: Wakanda Forever’
Jamie Lee Curtis por ‘Todo a la vez en todas partes’GANADORA
Kerry Condon por ‘Almas en pena de Inisherin’
Hong Chau por ‘The Whale (La ballena)’
Stephanie Hsu por ‘Todo a la vez en todas partes’

Para Mejor Documental la ganadora fue:Navalny

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
‘All that breathes’
‘All the beauty and the bloodshed’
‘Fire of love’
‘A house made of splinters’
‘Navalny’ – GANADORA

MEJOR CORTOMETRAJE DE ACCIÓN REAL – La ganadora fue ‘An Irish Goodbye’
‘An Irish Goodbye’GANADORA
‘Ivalu’
‘Le Pupille’
‘The Red Suitcase’
‘Night Ride’

MEJOR FOTOGRAFÍA resultó ganador James Frame para «Sin novedad en el frente»
‘Bardo’
‘Elvis’
‘El imperio de la luz’
‘Tár’ ‘Sin novedad en el frente’ – GANADORA

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA los ganadores fueron el equipo de maquilladores de THE WHALE Adrien Morot, Judy Chin y Annemarie Bradley
‘Sin novedad en el frente’
‘The Batman’
‘Black Panther: Wakanda Forever’
‘Elvis’
‘The Whale’ – GANADORA

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO la ganadora fue Ruth Carter por el vestuario de Wakanda Forever
‘Babylon’
‘Black Panther: Wakanda Forever’ – GANADORA
‘Todo a la vez en todas partes’
‘Elvis’
‘El viaje a París de la señora Harris’

Antonio Banderas y Salma Hayek presentaron Mejor Película Internacional y la ganadora fue «Sin novedad en el frente»

MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL
Sin novedad en el frente’GANADORA
‘Argentina, 1985’
‘Close’
‘EO’
‘The Quiet Girl’

El premio a Mejor Cortometraje Documental fue para el cortometraje documental de Netflix «The elephant whisperers»

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
‘The Elephant Whisperers’- GANADORA
‘Haulout’
‘How Do You Measure a Year?’
‘The Marsha Mitchell Effect’
‘Stranger at the Gate’

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO
‘The Boy, the Mole, the Fox, and the Horse’GANADORA
‘The Flying Sailor’
‘Ice Merchants’
‘My year of dicks’
‘An ostrich told me the world is fake and I believed it’

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
‘Sin novedad en el frente’GANADORA
‘Avatar: El sentido del agua’
‘Babylon’
‘Elvis’
‘Los Fabelman’

MEJOR BANDA SONORA
‘Sin novedad en el frente’ – GANADORA
‘Babylon’
‘Almas en pena de Inisherin’
‘Los Fabelman’
‘Todo a la vez en todas partes’

MEJORES EFECTOS ESPECIALES fue para Avatar
‘Sin novedad en el frente’
‘Avatar: El sentido del agua’GANADORA
‘The Batman’
‘Black Panther: Wakanda Forever’
‘Top Gun: Maverick’

MEJOR GUION ORIGINAL
‘Almas en pena de Inisherin’ (Martin McDonagh)
‘Todo a la vez en todas partes’ (Daniel Kwan, Daniel Scheinert)GANADORES
‘Los Fabelman’ (Tony Kushner, Steven Spielberg
‘TÁR’ (Todd Field)
‘El triángulo de la tristeza’ (Ruben Östlund)

MEJOR GUION ADAPTADO
‘Ellas hablan’ (Sarah Polley – basada en el libro de Miriam Toews)GANADORA
‘Sin novedad en el frente’ (Edward Berger, Lesley Paterson, Ian Stokell – basada en la novela de Erich Maria Remarque)
‘Living’ (Kazuo Ishiguro – basada en ‘Ikiru’ de Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni)
‘Glass Onion: El misterio de Glass Onion’ (Rian Johnson)
‘Top Gun Maverick’ (Peter Craig, Justin Marks, Ehren Kruger, Eric Warren Singer, Christopher McQuarrie – basada en los personajes creados por Jim Cash y Jack Epps Jr.)

MEJOR SONIDO
‘Sin novedad en el frente’
‘Avatar: El sentido del agua’
‘Elvis’
‘The Batman’
‘Top Gun Maverick’GANADORA

MEJOR CANCIÓN
‘Black Panther: Wakanda Forever’ – ‘Lift Me Up’ de Tems, Ludwig Göransson, Rihanna y Ryan Coogler
‘RRR’ – ‘Naatu Naatu’ de Kala Bhairava, M. M. Keeravani y Rahul SipligunjGANADORA
‘Tell It Like a Woman’ – ‘Applause’ de Diane Warren’Top Gun Maverick’ – ‘Hold my hand’ de Lady Gaga
‘Todo a la vez en todas partes’ – ‘This is a life’ de David Byrne, Mitski y Son Lux

MEJOR MONTAJE
‘TÁR’
‘Top Gun Maverick’
‘Elvis’
‘Almas en pena de Inisherin’
‘Todo a la vez en todas partes’GANADORA

MEJOR DIRECTOR
Martin McDonagh por ‘Almas en pena de Inisherin’
Daniel Kwan y Daniel Scheinert por ‘Todo a la vez en todas partes’GANADORES
Todd Field por ‘TÁR’
Steven Spielberg por ‘Los Fabelman’
Ruben Östlund por ‘El triángulo de la tristeza

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
Brendan Fraser por ‘The Whale’GANADOR
Austin Butler por ‘Elvis’
Colin Farrell por ‘Almas en pena de Inisherin’
Paul Mescal en ‘Aftersun’
Bill Nighy por ‘Living’

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Cate Blanchett por ‘TÁR’
Ana de Armas por ‘Blonde’
Andrea Riseborough por ‘To Leslie’
Michelle Yeoh por ‘Todo a la vez en todas partes’GANADORA
Michelle Williams por ‘Los Fabelman’

El premio más esperado de la noche se lo llevó ‘Todo a la vez en todas partes’

MEJOR PELÍCULA
‘Sin novedad en el frente’
‘Almas en pena de Inisherin’
‘Avatar: El camino del agua’
‘Elvis’
‘Todo a la vez en todas partes’GANADORA
‘Los Fabelman’
‘TÁR’
‘Top Gun Maverick’
‘El triángulo de la tristeza’
‘Ellas hablan’

La ballena – The Whale

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Llegó a los cines la película más esperada del año: «The Whale» (La ballena), de Darren Aronofky. Esta cinta generó mucha espectativa desde setiembre del 2022 cuando tuvo su estreno en el Festival Internacional de Cine de Venecia donde recibió una ovación de pie, además de un aplauso de más de seis minutos contados para Brendan Fraser.

¿De qué se trata?

Charlie es un hombre gay de mediana edad que sufre de obesidad mórbida debido a un transtorno de apetito desenfrenado causado por una severa depresión. Vive encerrado en un pequeño apartamento, prácticamente confinado al sillón donde transcurren sus días. Da clases de escritura de forma online en una universidad y bajo la excusa de que su computadora tiene la cámara rota mantiene su imagen como incógnita para sus alumnos. Está solo, salvo por su mejor amiga Liz quien además es enfermera y se encarga de controlar su bienestar (en este caso malestar). Su salud está al borde del colapso pero se niega a recibir asistencia médica, con suerte le queda una semana de vida por lo que decide aprovechar sus últimos momentos para acercarse a su hija y librarse de las culpas que lo atormentan desde hace varios años.

Trailer Oficial The Whale

¿Por qué tanto revuelo?

Primero que nada esta película supone el «renacimiento» de Brendan Fraser o como los fans se han dispuesto a llamar #The Brenaissance. Para los de la generación nacida entre los 80´- 90´ Fraser fue un hito del blockbuster dejándonos títulos como la saga de «La momia», «George de la Selva», «Al diablo con el diablo», «Corazón de tinta» entre otras. Pero poco a poco fue consiguiendo papeles menores y proyectos que supusieron un fracaso en la taquilla y de repente desapareció del radar público. Los motivos fueron varios, entre ellos de salud, problemas personales, la muerte de su madre, un prolongado divorcio que lo llevó practicamente a la ruina no solo financiera sino mental, todo esto conjugado con una especie de cancelación indirecta por parte de la industria luego de que realizara una denuncia de caracter sexual contra Philip Berk (ex-presidente de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood).

El guion es una adaptación homónima de la obra teatral escrita por Samuel D. Hunter basada en sus propias vivencias, en la adolescencia descubre que es homosexual lo que significó una experiencia traumática no sólo por su propia aceptación sino por la forma en que reaccionaron su familia y sus amigos. En esos momentos comenzaron sus crisis de ansiedad, la depresión que sentía al ser rechazado por los demás lo llevaron a sufrir transtornos alimentícios en los que los atracones eran la manera de sentirse complacido. Para él esta situación no duró mucho tiempo y logró encontrar la ayuda necesaria para salir de esa situación autodestructiva. Conoció a su futuro esposo que significó un apoyo permantente y su infierno tuvo un final feliz. Toda esta situación lo llevó a escribir «La ballena«, cuando comenzó a hacerlo, tenía en mente una única pregunta: “¿Qué pasaría si esta es la historia de alguien que no encontró la ayuda y salida que yo sí encontré?”.

Hunter participó en la cinta adaptando su obra al guion y comentó al respecto: “Adaptar mi obra a un guion ha sido una verdadera labor de amor para mí. Esta historia es profundamente personal y estoy muy agradecido de que tenga la oportunidad de llegar a un público más amplio. Soy fan de Darren desde que vi Requiem for a Dream cuando era estudiante de primer año en la universidad escribiendo mis primeras obras de teatro, y estoy muy agradecido de que haya aportado su singular talento y visión a esta película”.

La cinta ha obtenido varias nominaciones y premios a lo largo de su recorrido en festivales, resultando ganadora en:

  • Las Vegas Film Critics Society – Brendan Fraser ganador a Mejor actor
  • Mill Valley Film Festival – Premio a Favorito del público: cine de EE. UU
  • Montclair Film Festival – Premio Junior del Jurado
  • Asociación de Críticos de Cine de San Luis – Brendan Fraser ganador a Mejor actor
  • Critics’ Choice Awards – Brendan Fraser ganador a Mejor actor

Actualmente se encuentra esperando los resultados a sus nominaciones en los Premios Oscar

A partir de acá hay algunos SPOILERS

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Ver esta película puede resultar un poco duro ya que en todo momento el espectador se está sometiendo a presenciar el lento suicidio del personaje. Lo ves en el límite de su salud y tambien lo ves entregado, comiendo a reventar sin hacer nada para revertir la situación. En este punto nos podemos identificar con el personaje de su amiga Liz y su frustración que trata de mil formas de hacerlo reaccionar, de convencerlo para recibir verdadera asistencia médica, de revertir la situación. A la vez Liz es una de las personas que le proveen comida y no precisamente sana. Esa faceta de su relación me hizo acordar a las historias de parejas «feeder» que alguna vez vi en el canal Home and Health, obviamente su relación no es de caracter sexual ni nada por el estilo, pero queda más que explícito en la película que a pesar de que ella no está a favor de esta situación tampoco puede evitar darle de comer de forma excesiva, tal vez por lástima, tal vez por un fallido intento de hacerlo sentir un poco mejor.

La cinta se basa en una obra de teatro y así está presentada, se desarrolla una sola locación que es el pequeño y agobiante apartamento de Charlie y nos da apenas un vistazo de las demás habitaciones, el baño, el cuarto, el pequeño pasillo, la habitación de su ex a la cual no logra ingresar no sólo por su peso sino también por los recuerdos, la entrada y su comedor con cocina integrada donde pasa la mayor parte del tiempo. Los acontecimientos se llevan a cabo en la última semana de Charlie y en los intentos de acercarse a Ellie a su hija adolescente interpretada por Sadie Sink. Charlie las abandonó a ella y a su ex esposa Mary (Samantha Morton) hace más de 9 años para poder vivir su historia de amor con un alumno de la universidad en la que daba clases. Desde esa decición nada ha ido bien en la vida del protagonista y sus acciones lo sumen en la culpa y la vergüenza.

Como nos tiene acostumbrados Aronofky, otros temas se esconden en la trama, como por ejemplo la maldad de los seres humanos, ¿hay seres intrínsecamente malos? ¿o son así por las circunstancias que les ha tocado vivir? ¿tienen remedio?. También está el tema de la religión, la salvación, el pecado y el perdón. Y más de soslayo nos presenta el desgano y desinteres de la sociedad en la que vivimos, sobre todo de los adolescentes, no solo con el personaje de su hija que no se muestra interesada en sus estudios sino tambien de sus propios alumnos.

Es una buena película, con excelentes actuaciones ya que considero que cada uno de los actores puestos en escena cumplen su rol a la perfección pero que también trabaja utilizando la morbosidad y la manipulación. La banda sonora nos va introduciendo en ese estado de espectador indefenso que termina siendo manipulado hasta las lágrimas.

Imperio de Luz

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El próximo 9 de marzo se estrenará en salas de nuestro país (Uruguay) IMPERIO DE LUZ. Película escrita y dirigida por el realizador británico Sam Mendes. La historia está ambientada en una pequeña ciudad costera de Inglaterra durante los primeros años de la década de los ‘80, transcurre principalmente en un viejo cine local donde la gerenta, Hilary (Olivia Colman), entabla una amistad muy especial con Stephen (Micheal Ward), el nuevo empleado que llega con su energía y simpatía.

Trailer oficial Imperio de Luz

El cine actúa en esta historia como un personaje más, dotado de magia, capaz de curar las heridas y brindar protección, una forma de escape a la realidad que los demás personajes están viviendo.

Hilary, interpretada por la reconocida actriz Olivia Colman, encargada del local, es una mujer solitaria pero sumamente servicial, exigente y perfeccionista en su trabajo. Es una mujer seria, que lucha contra una enfermedad psiquiátrica que le ha traído varios problemas en el pasado.

Stephen, por su parte, es un joven abierto, gentil y sumamente optimista, que batalla día a día con el racismo de la sociedad en la que vive, en una época atravesada por la política de Margaret Thatcher y la violencia de los skinheads.

La relación de amor-amistad que entablan les sirve de evasión a las realidades que ambos enfrentan y le da a la película la ternura que le falta a la sociedad en la que viven, dejándonos un mensaje de optimismo.

Para darle vida en la pantalla a esta obra, Mendes convocó al director de fotografía Roger Deakins con quien ya habia trabajado anteriormente en Solo un sueño, 007: Operacion Skyfall y 1917, y esta fue una decisión acertada, no sólo porque la fotografia de la película es maravillosa sino porque además resultó nominado al premio Óscar a Mejor Fotografía.

Micheal Ward and Olivia Colman in EMPIRE OF LIGHT. Photo Courtesy of Searchlight Pictures. © 2022 20th Century Studios All Rights Reserved.

Ganadores del 25° Festival Internacional de Cine de Punta del Este

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Del 5 al 11 de febrero de 2023 se llevó a cabo la edición N° 25 del Festival Internacional de Cine de Punta del Este. La selección de películas participantes se dividió en dos categorías: Competencia Iberoamericana – Documental y Competencia Iberoamericana – Ficción

Durante el festival se pudieron visualizar de forma gratuita, no solo las películas en competencia sino que tambien una lista especial de films seleccionados. Además, directores, actores y productores brindaron conferencias de prensa para exponer sobre sus películas.

El Festival contó con tres equipos diferentes de jurados: uno para la Competencia Iberoamericana – Documental otro para la Competencia Iberoamericana – Ficción y un tercer equipo compuesto por miembros de la ACCU (Asociación de Criticos de Cine del Uruguay). Además el público también eligió su ficción y documental favoritos.

Los premios se repartieron de la siguiente forma:

Jurado Iberoamericano Competencia Ficción:

Premio Litman Mejor Película: «Mantícora» de Carlos Vermut
Premio Litman Mejor Director: «La Jauría» de Andrés Ramirez Pulido
Mención especial a mejor dirección: «El río de los deseos» de Sergio Machado
Premio Litman Mejor Actor: Felipe Duarte de «Nunca pasó nada»
Mención especial a Mejor actor: Diego Armando Lara Lagunes de «El reino de Dios«
Premio Litman Mejor Actriz: Inés Aires Pereira de «Nunca pasó nada»
Mención especial a Mejor Actriz: Sophie Charlotte de «El río de los deseos«
Premio Litman Voto del Público: «La uruguaya» de Ana Garcia Blaya

Jurado Iberoamericano Competencia Documental:


Premio Lobo Marino:
«Por construir un relato nihilista y desgarrador, donde la muerte es una presencia inevitable.
Por tomar riesgos en su lenguaje y puesta en escena, convirtiendo la obra en una
reflexión íntima y desesperada de una generación sensible que debe hacerse espacio y
sobrevivir a la violencia. Estamos ante una voz única, autoral, queer y que es capaz de
reunir elementos testimoniales de jóvenes que van desapareciendo y de un cruce con una
ficción de espectros que van poblando todos los espacios. Un documental que excede todos los recursos tradicionales, siendo una obra contemporánea híbrida que nos empuja a
observar de forma crítica la nefasta herencia de la violencia en Latinoamérica. El premio
lobo marino es para
ANHELL69 de Theo Montoya«

Mención especial: «Por traer al presente una figura estereotipada, olvidada y desconocida
para Latinoamérica, a través de un diálogo con las problemáticas contemporáneas. Porque hoy es necesario desplazar las tradicionales figuras históricas masculinas dominantes, por
la de mujeres que lucharon por la libertad y que la historia y todas las formas de
representación como el cine han caricaturizado. Y por su exhaustiva investigación, de
testimonios, documentos y archivos junto a una puesta en escena de ficción, la mención
especial es LA VERSIÓN DE ANITA de Luca Criscenti«

Lobo Marino Voto del Público: «AD10S» de Santiago Mosquera y Gabriel Carriso

Jurado de la Asociación de Críticos del Uruguay:

Mejor Película Documental:
«Por el abordaje complejo de la situación urgente que vive el pueblo de Arakbut, que nos
pone en contacto con su costado trágico sin omitir la esperanzadora resistencia de las
organizaciones comunitarias.
«WANDARI» de Daniel Lagares y Mariano Agudo«

Mejor Película Ficción:
«Por su precisa elaboración formal y la manera poética en la que sitúa el drama psicológico
dentro de un entramado social en el que se revelan profundas desigualdades étnicas, de
género y de clase. Además, pone en manifiesto el enorme potencial que tiene el cine
ecuatoriano de cara al futuro.
«LO INVISIBLE» de Javier Andrade»

Los Fabelman

Trailer oficial

Los Fabelman, es la nueva película semi biográfica y a la vez ficticia de Steven Spielberg. Es un retrato de sus recuerdos, de lo que fue crecer entre los 50 y 70, y de lo fundamental que resultó ser el cine durante su vida. Es un coming of age sobre los años previos a la mayoría de edad en el momento preciso de descubrimiento, entre la búsqueda de los sueños y las proyecciones al futuro.

La cinta acaba de recibir 7 nominaciones a los próximos Premios Oscar, entre ellos mejor dirección, mejor guion y mejor película.

La idea de plasmar sus recuerdos en celuloide comenzó a gestarse hace muchos años, pero fue luego de la muerte de sus padres y durante los años de pandemia que estas reflexiones fueron tomando forma. Un hecho fundamental para que sucediera fue su amistad con Tony Kushner (dramaturgo y guionista ganador del Pulitzer). Mientras trabajaron juntos en el rodaje de «Munich» este le preguntó: «¿Cuándo decidiste que querías ser director de cine?», este fue el puntapié inicial para mantener entrevistas y encuentros de escritura durante 16 años. Spielberg bromeando recuerda estas charlas como «sesiones de terapia» donde las anécdotas sobre su infancia y la historia de su familia eran relatadas, “Lo único que importaba era que pudiera abrirme a alguien, desempacar todas mis maletas delante de alguien y no sentirme nunca avergonzado o incomodo”.

“No quería que la historia se contara en un espejo de vanidad”, dice Spielberg. “Quería que la historia fuera un espejo comunitario para que la gente pudiera ver a sus propias familias dentro de la historia. Porque esta historia trata de la familia, de los padres, de los hermanos, de la intimidación, de las cosas buenas y malas que pasan cuando creces en una familia que permanece unida, hasta que deja de estarlo; y es una historia sobre el acto del perdón y lo importante que es dicho acto”.

Los personajes:

Sammy Fabelman (Gabriel LaBelle) quien representa a Spielberg en esta historia, ama el cine y se dedica a ello de forma amateur desde que vió su primera película. Mitzi (Michelle Williams) es su madre, quien comprende desde el inicio su pasión por el cine y lo motiva. Ella es una ex-concertista de piano que dejó todo para dedicarse a su familia. Paul Dano es quien da vida a Burt, padre de Sammy, él apoya la pasión de su hijo por el séptimo arte pero lo ve como un pasatiempo del que no podrá vivir en el futuro.
Bennie Loewy (Seth Rogen) es el mejor amigo de Burt y trabajan juntos, siempre está acompañando a la familia y es conciderado como un tío.

Tío Boris (Judd Hirsch) a pesar de que su personaje permanece en pantalla por pocos minutos, su desempeño le valió una nominación como mejor actor de reparto. Boris aparece en un momento crucial de la vida de Sammy y es el primero en advertirle que la vida del artista no es siempre color de rosas.

Completan la familia de Sammy: Reggie, Natalie y Lisa, que representan en la ficción a Ann, Sue y Nancy, sus hermanas menores, quienes también estuvieron involucradas en el proyecto.

Los Fabelman es sin duda un retrato de Spielberg, el artista, cuando era joven, y un intento de recordar a sus padres con gratitud por sus virtudes y perdonarlos por sus defectos.

Se estrena el jueves 26 de enero en cines de nuestro país (Uruguay).

Si lo hubiera sabido / 4 mitades – Dos recomendaciones para este fin de semana

Por Luciana Rodríguez

Desde tiempos inmemoriales el hombre se ha hecho una pregunta: ¿Qué hubiese pasado si…? (estoy segura de que alguna vez te lo has preguntado). El cine y la literatura también y es por eso que se han encargado de desarrollar todo tipo de historias en las que se explota esta idea.

El «efecto mariposa» (un pequeño cambio en un evento pasado puede generar una gran variación en el futuro), ha sido expuesto en películas divertidas como la saga de «Volver al futuro» o trágicas cómo «El efecto mariposa» precisamente.

Si sos una de esas personas que alguna vez se planteó esta incertidumbre seguramente disfrutes de estos estrenos de Netflix que te voy a recomendar:

Empecemos con una serie: «Si lo hubiera sabido». La protagonista de esta historia es Emma, una mujer de 30 y tantos, frustrada y con un matrimonio a punto de terminar. Una noche de eclipse, gracias a un deseo pedido a la llamada «luna de sangre» logra retroceder en el tiempo 10 años y cambiar su futuro de forma radical, lo que no tuvo en cuenta fue que al rechazar la propuesta de matrimonio con el que fue su marido perdió la posibilidad de que nazcan sus hijos.

En 8 capítulos Emma descubrirá una nueva vida y hará lo imposible para tratar de recuperarlos.

Lo interesante de esta serie es que a medida que avanzan los capítulos, la nueva Emma se aleja cada vez más de lo que había sido y la posibilidad de encontrarse con sus hijos se vuelve remota. Y uno como espectador se empieza a preguntar qué giro dará el guion para poder arreglar todo este embrollo y que no resulte un mamarracho.

«Si lo hubiera sabido» ha sido creada por Ece Yörenç, autora de Fatmagül, y para adaptar los guiones en español se ha contado con Irma Correa quien precisamente había sido la encargada de adaptar la famosa novela turca.

La segunda recomendación es «4 mitades«. Esta película italiana comienza planteando el concepto de las «almas gemelas» ¿existe en el mundo un único ser que nos completa, o cada una de las personas con las que nos relacionamos varía algo en nosotros y somos capaces de escribir nuestra historia de amor con cualquiera?

En este relato, una pareja de recién casados presenta a sus 4 amigos solteros Chiara (Ilenia Pastorelli), Matteo (Matteo Martari), Giulia (Matilde Gioli) y Dario (Giuseppe Maggio) con la intención de emparejarlos y nos muestra paralelamente la historia de las diferentes combinaciones, ¿Cómo se hubiesen desarrollado los acontecimientos según con quien se emparejara cada uno de ellos?

Lo interesante de estas dos recomendaciones es el planteamiento del concepto del destino y como cada una de nuestras decisiones (y las ajenas) ya sean cotidianas o importantes, nos pueden conducir a resultados totalmente diferentes.

Globos de Oro ediciòn Nº 80

Por Luciana Rodríguez

El pasado 10 de enero se llevo a cabo la ceremonia de los Golden Globes, premiación que reconoce lo mejor del cine y la televisión y que abre camino a las predicciones de nominadas para los próximos premios Oscar.

Mejor película – Drama

  • The Fabelmans (Universal Pictures) (GANADOR)
  • Avatar: The way of water (Walt Disney Studios Motion Pictures)
  • Elvis (Warner Bros)
  • TÁR (Focus Features)
  • Top gun: Maverick (Paramount Pictures)

Mejor Actriz – Drama

  • Cate Blanchett – TÁR (GANADORA)
  • Olivia Colman – Empire of light
  • Viola Davis – The woman king
  • Ana de Armas – Blonde
  • Michelle Williams – The Fabelmans

Mejor Actor – Drama

  • Austin Butler – Elvis (GANADOR)
  • Brendan Fraser – The Whale
  • Hugh Jackman – The Son
  • Bill Nighy – Living
  • Jeremy Pope – The inspection

Mejor película no inglesa

  • Argentina, 1985 (GANADOR)
  • All Quiet on the Western Front
  • Close
  • Decision to Leave
  • RRR

Mejor película – musical o comedia

  • The Banshees of Insherin (Searchlight Pictures) (GANADORA)
  • Babylon (Paramount Pictures)
  • Everything everywhere all at once (A24)
  • Glass onion: A Knives out mystery (Netflix)
  • Triangle of sadness (Neon)

Mejor interpretación para una actriz en una película – Musical o Comedia

  • Michelle Yeoh – Everything Everywhere All At Once (GANADORA)
  • Lesley Manville – Mrs. Harris Goes To Paris
  • Margot Robbie – Babylon
  • Anya Taylor-Joy – The Menu
  • Emma Thompson – Good Luck To You, Leo Grande

Mejor interpretación para un actor en una película – Musical o Comedia

  • Colin Farrell – The Banshees Of Inisherin (GANADOR)
  • Diego Calva – Babylon
  • Daniel Craig – Glass Onion: A Knives Out Mystery
  • Adam Driver – White Noise
  • Ralph Fiennes – The Menu

Mejor película animada

  • Guillermo Del Toro’s Pinocchio (Netflix) (GANADOR)
  • Inu-Oh (Gkids)
  • Marcel The Shell With Shoes On (A24)
  • Puss In Boots: The Last Wish (Universal Pictures)
  • Turning Red (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Mejor interpretación para una actriz de reparto en cualquier película

  • Angela Bassett- Black Panther: Wakanda Forever (GANADORA)
  • Kerry Condon- The Banshees Of Inisherin
  • Jamie Lee Curtis- Everything Everywhere All At Once
  • Dolly De Leon- Triangle Of Sadness
  • Carey Mulligan- She Said

Mejor interpretación de un actor de reparto en cualquier película

  • Ke Huy Quan- Everything Everywhere All At Once (GANADOR)
  • Brendan Gleeson- The Banshees Of Inisherin
  • Barry Keoghan- The Banshees Of Inisherin
  • Brad Pitt- Babylon
  • Eddie Redmayne- The Good Nurse

Mejor director de película

  • Steven Spielberg- The Fabelmans (GANADOR)
  • James Cameron- Avatar: The Way Of Water
  • Daniel Kwan, Daniel Scheinert- Everything Everywhere All At Once
  • Baz Luhrmann- Elvis
  • Martin Mcdonagh- The Banshees Of Inisherin

Mejor guion de película

  • Martin Mcdonagh- The Banshees Of Inisherin (GANADOR)
  • Todd Field – TÁR
  • Daniel Kwan, Daniel Scheinert- Everything Everywhere All At Once
  • Sarah Polley- Women Talking
  • Steven Spielberg, Tony Kushner – The Fabelmans

Mejor banda sonora original para película

  • Justin Hurwitz – Babylon (GANADOR)
  • Carter Burwell The Banshees Of Inisherin
  • Alexandre Desplat Guillermo Del Toro’s Pinocchio
  • Hildur Guðnadóttir Women Talking
  • John Williams The Fabelmans

Mejor canción original de una película

  • “Naatu Naatu” — Rrrr/ Music By: M.M. Keeravani/ Lyrics By: Kala Bhairava, Rahul Sipligunj (GANADOR)
  • “Carolina” — Where The Crawdads Sing/ Music By: Taylor Swift / Lyrics By: Taylor Swift
  • “Ciao Papa” — Guillermo Del Toro’s Pinocchio/ Music By: Alexandre Desplat/ Lyrics By: Roeban Katz, Guillermo Del Toro
  • “Hold My Hand” — Top Gun: Maverick/ Music By: Lady Gaga, Bloodpop, Benjamin Rice/ Lyrics By: Lady Gaga, Bloodpop
  • “Lift Me Up” — Black Panther: Wakanda Forever / Music By: Tems, Rihanna, Ryan Coogler, Ludwig Göransson / Lyrics By: Tems, Rihanna, Ryan Coogler, Ludwig Göransson

Mejor serie de televisión – Drama

  • House Of The Dragon – Hbo Max (GANADORA)
  • Better Call Saul – Amc+/Amc
  • The Crown – Netflix
  • Ozark – Netflix
  • Severance – Apple Tv+

Mejor actor en una serie limitada, antología o película para televisión

  • Evan Peters – Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story (GANADOR)
  • Taron Egerton – Black Bird
  • Colin Firth – The Staircase
  • Andrew Garfield – Under the Banner of Heaven
  • Sebastian Stan – Pam & Tommy

Mejor actor de reparto para una serie limitada o película para televisión

  • Paul Walter Hauser – Black Bird (GANADOR)
  • F. Murray Abraham – The White Lotus
  • Domhnall Gleeson – The Patient
  • Richard Jenkins – Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story
  • Seth Rogen – Pam & Tommy

Mejor actor de televisión – Serie musical o comedia

  • Jeremy Allen White – The Bear (GANADOR)
  • Donald Glover – Atlanta
  • Bill Hader – Barry
  • Steve Martin – Only Murders in the Building
  • Martin Short – Only Murders in the Building

Mejor serie musical o comedia

  • Abbott Elementary (GANADOR)
  • The Bear
  • Hacks
  • Only Murders in the Building
  • Wednesday

Mejor actriz en una serie limitada, antología o película para televisión

  • Amanda Seyfried – The Dropout (GANADORA)
  • Jessica Chastain – George & Tammy
  • Julia Garner – Inventing Anna
  • Lily James – Pam & Tommy
  • Julia Roberts – Gaslit

Mejor actriz de reparto en una serie limitado o película de televisión

  • Jennifer Coolidge – The White Lotus (GANADORA)
  • Claire Danes – Fleishman Is in Trouble
  • Daisy Edgar-Jones – Under the Banner of Heaven
  • Niecy Nash – Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story
  • Aubrey Plaza – The White Lotus

Mejor interpretación para una actriz en una serie de televisión – Drama

  • Zendaya – Euphoria (GANADORA)
  • Emma D’arcy – House Of The Dragon
  • Laura Linney – Ozark
  • Imelda Staunton – The Crown
  • Hilary Swank – Alaska Daily

Mejor interpretación para un actor en una serie de televisión – Drama

  • Kevin Costner – Yellowstone (GANADOR)
  • Jeff Bridges – The Old Man
  • Diego Luna – Andor
  • Bob Odenkirk – Better Call Saul
  • Adam Scott – Severance

Mejor interpretación para una actriz en una serie de televisión – Musical o Comedia

  • Quinta Brunson Abbott Elementary (GANADORA)
  • Kaley Cuoco The Flight Attendant
  • Selena Gomez Only Murders In The Building
  • Jenna Ortega Wednesday
  • Jean Smart Hacks

Mejor serie limitada de televisión, antología o película para televisión

  • The White Lotus – Hbo Max (GANADOR)
  • Black Bird – Apple Tv+
  • Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story – Netflix
  • The Dropout – Hulu
  • Pam & Tommy – Hulu

Mejor interpretación para una actriz de reparto en una serie comedia musical o drama de televisión

  • Julia Garner – Ozark (GANADORA)
  • Elizabeth Debicki – The Crown
  • Hannah Einbinder – Hacks
  • Janelle James – Abbott Elementary
  • Sheryl Lee Ralph – Abbott Elementary

Mejor interpretación para un actor de reparto en una serie comedia musical o drama de televisión

  • Tyler James Williams Abbott Elementary (GANADOR)
  • John Lithgow The Old Man
  • Jonathan Pryce The Crown
  • John Turturro Severance
  • Henry Winkler Barry

El mundo ya se acabó un montón de veces – Entrevista a su directora Alejandra Gregorio

Por Luciana Rodríguez

EL MUNDO YA SE ACABÓ UN MONTÓN DE VECES

Zavala Muniz. Teatro Solís

Estreno 1 de Noviembre

10 Funciones : 1, 2, 3, 7, 8, 9, 10, 15, 16 y 17 de Noviembre a las 21hs.

Texto y dirección:

Alejandra Gregorio

Actriz:

Cecilia Placeres

Músicxs:

Agustina Racchi

Gonzalo Rodríguez

Ficha técnica :

DISEÑO DE ILUMINACIÓN –      Ivana Domínguez
DISEÑO DE ESPACIO –               Ivana Domínguez y Mariana Pereira
DISEÑO DE VESTUARIO –          Mariana Pereira
SONIDISTA –                              Juan Andrés Lepore
ASISTENCIA DE DIRECCIÓN –   Marisa Riera
PRODUCCIÓN –                         Lucía Etcheverry

PRENSA & DIFUSIÓN –             Beatriz Benech

Sinopsis :

Recital teatral.
Monólogo que recorre con urgencia distintos años y sucesos, que se construye entre canciones y pesadillas, que deambula entre un grito y varias llamadas telefónicas, que invoca a una infancia y a un padre, o al recuerdo de ese padre, mientras el mundo se sigue terminando y la vida se sigue viviendo.

Entradas en venta en Tickantel y boletería de la sala

Precio entradas: $ 500

Entrevista a Alejandra Gregorio

Julio, Felices por Siempre

Por Luciana Rodríguez

«Pertenecemos a una generación criada por Disney y padres divorciados» le dice Julio a Claire en su primera cita haciendo alusión a su amor por el cine y como lo ha marcado esa idea del amor romántico y «fueron felices y comieron perdices» de las historias que consumió en su infancia.
La primera escena de «Julio felices por siempre» nos trae a la memoria el comienzo de «La Bella y la Bestia«, un narrador en off y los vitrales que nos introducen a la historia, pero esta no es una historia de princesas que necesitan ser rescatadas por un príncipe encantador, sino que es la historia de un millennial que no logra encontrar su final feliz.

Fotograma de la película

Julio (Chepe Irisity) es un personaje tierno, infantil e incrédulo, en definitiva, un romántico. Durante toda la película, dan ganas de abrazarlo y en otros momentos de cachetearlo. No se entera de nada, vive en su propia fantasía de felices para siempre y no logra ver las señales. Se olvida de que las princesas solo viven en los cuentos y que el «contigo pan y cebolla» nunca fue real.

Esta es una historia que nos interpela como sociedad. ¿Julio nos representa?  ¿Nos identifica su quietud?
Si no es a todos probablemente a gran parte de la población, decimos tener la «garra charrúa», pero en muchos casos la expresión que mejor nos queda es el de «es lo que hay» y nos conformamos. Julio es así, quieto, su primera novia ya se lo dice en el arranque de la película, no avanza en la facultad, no tiene trabajo y tampoco mucha ambición, está en una posición en la que las cosas pasan y él se queda observando, como le pasa cuando conoce a Claire, a pesar de quedar maravillado con ella, ni siquiera se percata de pedirle el contacto cuando ella regresa a su país.


Claire (Daryna Butryk), sin embargo, como antagonista de la historia es todo lo contrario, impulsiva, arriesgada y con sus objetivos claros. Le gusta vivir el momento y si no resulta sigue adelante. No se conforma y obviamente pretende más de la vida.

Julio y Claire

Esta es una película divertida, ideal para los que disfrutan de una comedia romántica y a pesar de que no es un género que se haya explotado en nuestro país Juan Manuel Solé (director) lo hace muy bien. Durante  92 minutos el espectador va siguiendo el relato de Julio y su historia de amor o desamor según como lo interprete el espectador.

Para quienes crecimos junto a las historias clásicas de Disney es un deleite poder ir descubriendo todas las referencias que hay en la cinta, pero no solo de Disney sino que del cine en general.
Durante los meses en que Julio y Claire mantienen su relación online es inevitable retrotraerse a la película de Spike Jonze «Her». Si bien en esta historia ambos son seres de Carne y hueso su relación está atravesada por la tecnología y ver como comparten momento aunque juntos en soledad y pegados a sus dispositivos tecnológicos mientras Julio pasea por las calles de Montevideo y Claire habla de sus rutinas, nos evoca claramente las imágenes de Theodore paseando con su dispositivo, compartiendo sus experiencias con Samantha.

Fotograma de la película


Salas de cine donde podes ir a ver la peli a partir del 20 de Octubre:
Movie
Life Cinemas
Grupocine
Cinemateca Uruguaya
Sala B del Auditorio Nelly Gotiño, Sodre
Cine Doré, Minas
Cine Mercedes Digital
Auditorio Casa de Cultura
Cine Chaplin, Cerro Largo

Ficha técnica:

Directora de fotografía y cámara: Analía Pollio

Productora ejecutiva: Josefina Recchia

Jefa de producción: Marcela Montaño

Asistente de Dirección: Ernesto Gillman

Directora de arte: Mariana Curti

Directora de sonido directo: Rocío López

Vestuario: Sofía Castiglioni

Director de post de sonido: Federico Moreira, La Mayor

Color: Elisa Barbosa, Artemisa.

También participan de la cinta: Cristina Morán, Roberto Suárez, Moncho Licio, Josefina Trías, Florencia Colucci, Juancho Saravi, Piero Dattole, David Roizner, Anthony Fletcher, Raca Barneche, Pato Pazos, Gustavo Alonso, Elsa Mastrangelo, Eduardo Migliónico, Ileana Lopez y Mariana Escobar.

«Bárbaro» – llega a los cines de América Latina

Por Luciana Rodríguez

Mañana (jueves 08/09) llega a los cines «Bárbaro»
La película se centra en Tess (Georgina Campbell), una joven que viaja a Detroit para una entrevista de trabajo y reserva alojamiento en la ciudad. Cuando llega tarde en la noche, descubre que la casa fue reservada a dos personas simultáneamente y que hay un extraño alojándose allí. En contra de lo que le aconseja su propio sentido común, decide pasar la noche, y pronto descubre que hay mucho más que temer que la presencia de un huésped inesperado.

Georgina Campbell as Tess in 20th Century Studios’ BARBARIAN, exclusively on Hulu. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2022 20th Century Studios. All Rights Reserved.


BÁRBARO pertenece a uno de los géneros que más fascina a las audiencias: el terror. Zach Cregger, quien escribió el guion y hace su debut como director con este film, confiesa que es fanático del miedo. “Tengo un amor profundo por el terror. Siempre lo tuve. Soy un gran fan del género, así que fue fácil para mí nutrirme de todas las películas de terror que había visto en mi vida”. El director espera, a su vez, que las audiencias lo disfruten tanto como lo hizo él a lo largo de su vida. “La idea es que sea una gran experiencia de medianoche en el cine, en la que uno grita, se agarra de la persona que tiene al lado y luego se ríe. Mis experiencias favoritas con películas de
terror fueron siempre en el cine”,
cuenta.

Georgina Campbell as Tess in 20th Century Studios’ BARBARIAN, exclusively on Hulu. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2022 20th Century Studios. All Rights Reserved.

El elenco del nuevo film está liderado por la actriz británica Georgina Campbell, conocida por sus papeles en series como Broadchurch, Krypton, Black Mirror y La sospecha. Cregger confiesa que movió cielo y tierra para conseguir a la actriz. “Georgina fue realmente un regalo del cielo. Es una actriz muy talentosa y tiene una empatía profunda tanto con los personajes con los que comparte pantalla, como con el público que logra ponerse en su piel. Es la actriz ideal para nuestra experiencia”, comenta el realizador.

Bill Skarsgård as Keith in 20th Century Studios’ BARBARIAN, exclusively on Hulu. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2022 20th Century Studios. All Rights Reserved.

Junto a ella participa el actor sueco Bill Skarsgård, reconocido por darle vida a Pennywise en las películas It e It: Capítulo dos. En BÁRBARO, Skarsgård interpreta a Keith, el hombre que está alojado en la vivienda que Tess reservó. Según Cregger, el actor no solo era el candidato perfecto para el papel por sus antecedentes dentro del género, sino por su impronta. Señala el director: “Es un tipo extremadamente apuesto que, al mismo tiempo,
tiene algo intangible que desconcierta. Estaba buscando a alguien que pudiera traer a la película una energía tipo Anthony Perkins, en el sentido de que sea un personaje que te cae bien, que es atractivo, pero que al mismo tiempo no puedes evitar sentir que está ocultando algo”.
Completa el elenco el actor Justin Long (Jeepers Creepers: el terror existe), quien interpreta a AJ, el dueño de la casa que se alquila.

La trama de la nueva película conecta de inmediato con las audiencias, en una era en que los hoteles, y los alojamientos tradicionales en general, han cedido su protagonismo a residencias particulares, reservadas por viajeros a través de plataformas de alquiler de propiedades para estadías cortas. Con una vivienda de este tipo como escenario, el film juega con los riesgos y las peores pesadillas que un huésped puede enfrentar.

Georgina Campbell as Tess in 20th Century Studios’ BARBARIAN, exclusively on Hulu. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2022 20th Century Studios. All Rights Reserved.

Cregger tuvo la idea para la historia de BÁRBARO tras leer uno de los libros de no ficción de Gavin de Becker, un especialista en seguridad que asesora a gobiernos, grandes corporaciones y figuras públicas. En el libro, el autor aconseja a las mujeres escuchar esa voz interna que les permite identificar en las interacciones con hombres esas “señales de alarma” que la sociedad las ha alentado a no escuchar. El libro le dio a Cregger la idea de escribir una escena para una mujer que estuviera cargada con todas las “señales de alarma” que se le pudieran ocurrir. Pensó en una casa de alquiler reservada a dos personas simultáneamente, en donde la mujer tiene que pasar una noche llena de pequeñas alertas. Luego expandió esa idea a un guion de una película de terror.

Detrás de cámara, acompaña a Cregger un equipo que se destacó por su ingenio y creatividad a la hora de dar vida a la historia. Juntos lograron crear los climas perfectos para apoyar la trama de BÁRBARO, teniendo en cuenta las limitaciones de presupuesto y el singular desafío de tener que crear un barrio de la ciudad estadounidense de Detroit en Bulgaria, donde se rodó el film.

Georgina Campbell as Tess in 20th Century Studios’ BARBARIAN, exclusively on Hulu. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2022 20th Century Studios. All Rights Reserved.
Trailer

SOMOS NUESTRAS MONTAÑAS – El documental uruguayo sobre el pueblo armenio

Por Luciana Rodrìguez

Afiche de la pelìcula

El martes 31 de mayo se realizó el Avant Première Mundial de la película “Somos nuestras montañas” dirigida por Federico Lemos. El Sodre se vistió de gala y recibió a una multitud que acompañó al director y todo el equipo de producción en este estreno.  

Durante el recorrido de la alfombra roja y como recepción de los invitados en el hall central del auditorio se pudo disfrutar de una exposición del artista Javier Abdala llamada “Armenios Notables”. 

Muestra Armenios Notables
Muestra Armenios Notables
Muestra Armenios Notables

Sinopsis: 

“El emergente conflicto contemporáneo de la guerra en Nagorno Karabaj, reaviva la lucha que libran millones de armenios en defensa de la verdad y expone situaciones de injusticias perpetradas que hasta el día de hoy no han sido resueltas por la humanidad. 

En trincheras reales y simbólicas, desde la consolidación de la diáspora armenia alrededor del mundo, se amplían e integran de forma pacífica en nuevos contextos y coloca en escena su cultura consolidada fuera de sus fronteras. Esta película se suma a la resistencia, a la voz viva del pueblo armenio y su cultura milenaria.” 

El relato sigue a cuatro armenios, tres de ellos pertenecientes a las comunidades de Uruguay, Argentina y Brasil y las decisiones que los lleva a retornar a sus raíces.  

Este proyecto nació en 2017 gracias a la idea de un amigo del director y fue tomando fuerza luego del primer viaje a Armenia del director y su equipo, se filmó durante 5 años, con una pandemia de por medio y el 31 de mayo se exhibiò por primera vez al público, entre amigos, invitados especiales, la comunidad armenia, autoridades nacionales y prensa. 

Federico Lemos
Trailer oficial de la película

Oscar 2022 Ganadoras

La 94°edición de los Premios Oscar comenzó con Serena y Venus Williams presentando la canción Be Alive, interpretada por Beyonce, nominada como mejor canción por la película King Richard.

Esta ceremonia fue presentada por Regina Hall, Amy Schumer y Wanda Sykes, comenzando sus discurso haciendo alusión al hecho de que es la primera vez que tres mujeres llevan adelante la conducción del show y que seguramente pagarles a ellas sea más economico que pagarle a un hombre. Luego de la apertura llena de reclamos al machismo y al racismo, el show estuvo plagado de bromas ácidas sobre lo malas o inentendibles que fueron algunas de las películas nominadas.

Presentadoras Oscar 2022

Por supuesto también hubo lugar para momentos desagradables como el interpretado por Regina Hall cuando llamó al escenario a Simu Liu, Thimothee Chalamet, Tyler Perry y Bradley Cooper entre otros para implementar un nuevo protocolo por Covid-19, terminando la escena con un bochornoso toqueteo a Jason Momoa y Josh Brolin cuando estos subieron a presentar el premio a Mejor Fotografía y realizando un chiste de mal gusto a Jacob Elordi, pidiendo realizar el test con «su pene». Este hecho no pasó desapercibido en las redes que enseguida acusaron de acoso a la actriz.

Regina Hall tocando a Josh Brolin

De todas formas el momento más incómodo de la noche lo interpretaron Chris Rock y Will Smith, cuando el primero realizó una broma de mal gusto sobre la calva de Jada Pinkett quien sufre de alopecia comparándola con la protagonista de la cinta G.I. Jane y el actor se mostró ofendido y dió un «puñetazo» a Chris Rock. Todo el público quedó en silencio sin entender si se trataba de una reacción pactada o real, aunque todo quedó claro cuando Will volvió a su asiento y le gritó al presentador «Keep my wife´s name out of your f****** mouth» (manten el nombre de mi mujer fuera de tu p*** boca).

Will Smith y Chris Rock

La primera estatuilla de la noche fue para la categoría Mejor Actriz de Reparto, resultando ganadora Ariana DeBose por West Side Story (Amor sin Barreras). Seguida por Mejor Sonido y Mejor Fotografía para Dune, que fue la gran ganadora de la noche ya que logró también llevarse el premio a Efectos Visuales, Mejor banda sonora, Mejor Montaje y Mejor Diseño de Producción.

En la categoría Mejor Corto documental el ganador fue The Queen of Basketball.

El momento de los homenajes fue para a los 60 años de James Bond y el 50 aniversario de El Padrino.

Encanto resultó ganadora de la estatuilla a Mejor Animación y Mejor Corto Animado fue para El Limpiaparabrisas.

La categoría a Mejor Actor de Reparto fue presentada por Youn Yuh-Jung, ganadora como mejor actriz de reparto el año anterior por la película Minari, resultando ganador Troy Kotsur por Coda.

Drive My Car ganó el galardón a Mejor Película Internacional y Cruella fue la ganadora a Mejor Diseño de Vestuario.

A pesar de que el tema nominado a Mejor Canción Original por la película animada Encanto fue Dos Oruguitas escrita por Lin-Manuel Miranda e interpretada por Sebastián Yatra, el tema We don´t talk about Bruno fue el más exitoso y reconocido de la cinta por eso también se realizó una interpretación de esta en la ceremonia. El tema logró permanecer durante cinco semanas seguidas en el puesto N° 1 de la lista Billboard Hot 100, convirtiendose en la segunda canción de Disney en llegar a la lista, la primera fue Un Mundo Ideal de Aladdin.

El premio a la escritura del guion se reparte en dos categorías, por un lado Guion Original por la que resultó ganador Kenneth Branagh por Belfast y por otro lado Guion Adaptado ganó Coda su segunda estatuilla.

Luego de interpretar el momento más bochornoso de la noche, Will Smith recibió el premio a Mejor Actor por su papel en King Richard película en la que da vida al padre de las tenistas Venus y Serena Williams.

Anthony Hopkings fue el encargado de presentar el premio a Mejor Actriz galardón otorgado a Jessica Chastain por su interpretación en The eyes of Tammy Faye.

Presentación Oscar Mejor Película

El final de la noche llegó de la mano de Lady Gaga y Liza Minnelli de 76 años a quien se la vió desmejorada luego de haber sobrevivido a una grave encefalitis viral, una operación de cadera y cáncer de mama. Ambas presentaron el Oscar a Mejor Película otorgando el mayor reconocimiento de la noche a la película Coda.

Elenco de Coda recibiendo el Oscar a Mejor Película

Lista completa de ganadores del Oscar:

Mejor actriz de reparto / Ariana DeBose / West Side Story

Mejor sonido / Dune

Mejor fotografía / Dune

Mejor cortometraje documental / The Queen of Basketball

Mejores efectos visuales / Dune

Mejor película de animación / Encanto

Mejor cortometraje animado / El Limpiaparabrisas

Mejor actor de reparto / Troy Kotsur

Mejor película internacional / Drive My Car

Mejor diseño de vestuario / Cruella

Mejor guion original / Kenneth Branagh – Belfast

Mejor guion adaptado / Coda

Mejor banda sonora / Dune

Mejor montaje / Dune

Mejor documental / Summer of Soul

Mejor canción original / No Time to Die – Billie Eilish

Mejor cortometraje / The Long Goodbye

Mejor maquillaje y peluquería / The eyes of Tammy Faye

Mejor diseño de producción / Dune

Mejor director / Jane Campion – El Poder del Perro

Mejor actor / Will Smith – King Richard

Mejor actriz / Jessica Chastain – The eyes of Tammy Faye

Mejor película / Coda







Lista de nominados Oscar 2022

La gala de los Premios Oscars que se celebrará el próximo 27 de marzo en el Teatro Dolby de Los Ángeles ya tiene a sus nominados.

MEJOR PELÍCULA

MEJOR DIRECCIÓN

  • Kenneth Branagh – Belfast
  • Ryûsuke Hamaguchi – Drive My Car
  • Paul Thomas Anderson – Licorice Pizza
  • Jane Campion – El Poder del Perro
  • Steven Spielberg – West Side Story

MEJOR ACTOR

  • Javier Bardem – Ser los Ricardo
  • Benedict Cumberbatch – El poder del perro
  • Andrew Garfield – Tick Tick Boom
  • Will Smith – El método Williams
  • Denzel Washington – Macbeth

MEJOR ACTRIZ

MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL

  • Drive My Car
  • Flee
  • Fue la Mano de Dios
  • Lunana
  • La Peor Persona del Mundo

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

  • Jessie Buckley – La hija oscura
  • Ariana DeBose – West Side Story
  • Judi Dench – Belfast
  • Kristen Dunst – El poder del perro
  • Aunjanue Ellis – El método Williams

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

  • Ciarán Hinds – Belfast
  • Troy Kotsur – Coda
  • Jesse Plemons – El Poder del Perro
  • J.K. Simmons – Ser los Ricardo
  • Kodi Smith-McPhee – El poder del Perro

MEJOR CORTO ANIMADO

  • El limpiaparabrisas
  • AffaisOfTheArt
  • Bestia
  • Boxballet
  • RobinRobin

MEJOR CORTO

  • The Dress
  • Alakachuu
  • The Long Goodbye
  • OnMyMind
  • PleaseHold

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

  • Encanto
  • Flee
  • Los Mitcher Contra Las Máquinas
  • Rayay El Último Dragón
  • Luca

MEJOR DOCUMENTAL

  • Ascensión
  • Attica
  • Flee
  • Summer os soul
  • Writting with fire

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

  • Audible
  • LeadMeHome
  • 3 Song For Benazir
  • The Queen Of Basketball
  • When We Where Bullies

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

  • Be Alive – El Método Williams
  • Dos Oruguitas – Encanto
  • No Time To Die – Sin Tiempo Para Morir
  • Down to Joy – Belfast
  • Somwhow You Do – 4 días

MEJOR GUION ADAPTADO

  • Coda
  • Drive My Car
  • Dune
  • La Hija Oscura
  • El Poder del Perro

MEJOR GUION ORIGINAL

  • ‘Belfast’, Kenneth Branagh
  • ‘No mires arriba’, Adam McKay y David Sirota
  • ‘El método Williams’, Zach Baylin
  • ‘Licorice Pizza’, Paul Thomas Anderson
  • ‘La peor persona del mundo’, Joachim Trier y Eskil Vogt

MEJOR FOTOGRAFÍA

  • Dune
  • El callejón de las almas perdidas
  • Macbeth
  • West Side Story
  • El poder del perro

MEJORES EFECTOS VISUALES

  • Dune
  • Free Guy
  • Sin tiempo para morir
  • Shang Chi
  • Spider-man No Way Home

MEJOR SONIDO

  • Belfast
  • Dune
  • Sin Tiempo para Morir
  • El poder del Perro
  • West Side Story

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL

  • No Mires Arriba
  • Dune
  • Encanto
  • Madres Paralelas
  • El poder del perro

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

  • Cruella
  • Cyrano
  • Dune
  • El callejón de las almas perdidas
  • El método Williams

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

  • El Rey de Zamunda
  • Cruella
  • Dune
  • Los Ojos de Tammy Faye
  • La Casa Gucci

MEJOR MONTAJE

  • No Mires Arriba
  • Dune
  • El Método Williams
  • TikTokBoom
  • El Poder del Perro

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

  • Dune
  • El Callejón de las Almas Perdidas
  • La tragedia de Macbeth
  • West Side Sroty
  • El poder del perro

Temporada Alta de Girona en Montevideo 2022 (Teatro)

Temporada Alta 2022

Hasta el 18 de febrero estás a tiempo de disfrutar de algunas de las obras que se exhiben en la octava edición del festival «Temporada Alta» en Montevideo.

Son 9 obras provenientes de Argentina, Chile, España, Perú, Portugal y Uruguay.
Todos los espectáculos se llevarán a cabo en Sala Verdi, con excepción de MIGUEL
BONNEVILE #6 2008-2018 que estará en el Centro Cultural Terminal Goes y
CRIATURAS DOMÉSTICAS en Casa Caprario (espacio lindero a Sala Verdi)

Programación

Entradas generales: $ 500
Descuentos: Socio Espectacular: $ 250
Comunidad La Diaria: 2 x 1
Montevideo Libre: gratis de acuerdo a cupo disponible.

Las obras:

ESTREITO / ESTRECHO:

Dos compañías, Teatro Experimental do Porto (Portugal) y Teatro La María (Chile), se unen en una obra que reflexiona sobre la figura de Fernando de Magalhães y su viaje al Estrecho, instalando diferentes enfoques escénicos que huyendo de una simple anécdota histórica y un orden cronológico: cuestionan, profanan y se sumergen en la aventura de un grupo de hombres enfrentando lo desconocido, la conquista y el cambio de paradigma, en un montaje que mezcla estilos, opiniones y visiones; un vehículo de transgresión, donde
los dos grupos creativos (portugués y chileno) transfigurarán sus preguntas, dudas y conflictos en escenas que, quizás, responden a un espectáculo de sedición. La misma sedición que ocurrió en esos barcos antiguos en medio del océano y luego en la sangrienta conquista de tierras, «descubrimientos».

MIGUEL BONNEVILE #6 2008-2018:

MB#6 es una experiencia de narración autobiográfica. Bonneville trabaja sobre su historia personal como momento de profundo encuentro existencial entre diversas identidades. Invita a algunas mujeres que forman parte de su vida para hablar sobre sí mismas, sobre sus experiencias relacionadas con el hecho de ser mujeres, adultas, artistas, en el formato de video-retratos. Las historias de cada una de ellas, sin embargo, son devueltas por el intérprete, en un doblaje en vivo, que reúne las diferentes historias bajo la misma voz y las
funde, haciéndolas parte de un único gran retrato que describe una nueva identidad. Las
autobiografías hechas por mujeres siempre fueron, a lo largo de la historia, vistas como
incompletas, discontinuas, incoherentes, fragmentadas o privadas.
Bonneville ve así también su trabajo, cualquier autobiografía será siempre incompleta, y
estará en continua transformación y regeneración. Por eso decidió revisar el espectáculo, 10 años después, entrevistar nuevamente a las mismas mujeres, y también otras que a lo
largo de este período influenciaron su recorrido, para seguir reflexionando sobre lo que es
ser mujer hoy, convertirse en mujer hoy, sobre todo cuando el/los feminismo/s y las cuestiones de género y de la sexualidad han adquirido cada vez más protagonismo en las esferas pública y política.

PECADOS CAPITALISTAS:

Una entrevista en vivo entre un periodista, un político*, una actriz y un músico en un escenario teatral. Lo que suceda en esa conversación será material dramático para los artistas, quienes (también presencialmente) usarán el acontecimiento para reaccionar desde lo real o la ficción.
Los siete pecados capitales que ha fijado la tradición eclesiástica como disparadores de
la reflexión. Cada pecado estará adjudicado a cada político/a.
El teatro es representación y los políticos representan a la ciudadanía, pero ambos son
parte de una ficción en algún momento, el teatro lo es por su esencia y los políticos
porque ficcionan un modelo de país.
El espectáculo político o artístico produce personajes mediáticos y la cobertura informativa busca captar la atención, ¿ del público o la ciudadanía?¿Cuál sería la diferencia? O,
¿dónde está la frontera? No es un espectáculo, por lo tanto el valor no está en el resultado, sino en el riesgo del diálogo, (¿un diálogo de iguales?) cosa imprescindible en estos tiempos.

Invitados:
5/02: 20 h Patricia Rodríguez
22 h Graciela Bianchi
6/02: 20 h Darviña Viera
22 h Pacha Sánchez
7/02: 20 h José Mujica
8/02: 20 h Lilian Abracinskas
22 h Oscar Andrade

LA PERSONA DEPRIMIDA:

«Disculpame si te estoy distrayendo de tu vida activa, vibrante, libre de angustia y ubicada a larga distancia…»
La persona deprimida es un vasto retrato sobre el estado anímico de una mujer.
Una persona que se limita a describir las circunstancias, tanto pasadas como presentes, que componen y conforman su angustia.
La imposibilidad de compartir o manifestar ese dolor. Dolor que nos acerca a lo humano.

CRIATURAS DOMÉSTICAS:

La obra resulta de un proceso de investigación desarrollado en el subsuelo de un hotel. Una experiencia teatral que busca el contacto íntimo y el diálogo directo con el espectador
por lo que se desarrolla exclusivamente para una audiencia con un número reducido de
espectadores.
Saborear el dolor. Una tragicomedia inspirada en “Las criadas” de Jean Genet que nos pasea por las zonas más oscuras de las relaciones humanas, abordando como eje las temáticas de la violencia, el amor romántico y la sumisión Una comedia grotesca con una sutil crítica a la sociedad elitista, pone en escena tres mujeres domésticas en su situación de servidumbre.
A través del humor estas mujeres nos narran como con pequeños accidentes domésticos
podrían concatenar acciones que devinieran en muertes ridículas, expresando así el deseo
de matar a sus amas que abusan de su poder frente a la necesidad que ellas viven.
Dividida en tres actos breves que dan ritmo a la pieza nos adentramos en los universos
domésticos de éstas criaturas.

EL SEÑOR ARMAND,ALIAS GARRINCHA:

“No hay que ser amante del fútbol para gozar este texto lleno de ternura y de humor, solo hay que amar a la humanidad. Y el señor Armand, como Garrincha, como un espejo,
nos habla de nuestros sueños, de nuestros éxitos, de nuestros fracasos, de nuestras
risas, de nuestros llantos, de nuestras existencias…”.


LA OBRA EN PALABRAS DE SU AUTOR Y
DIRECTOR
:
«De cómo el Sr. Armand, jugador oscuro del Júnior Olímpico de Marsella, salvó la vida del
mejor futbolista brasileño, Manoel Francisco dos Santos, apodado Garrincha, impidiéndole enfrentar en el Estadio Velódromo en junio de 1955, y de cómo al mismo tiempo salvó a
todo el equipo de Botafogo de la muerte. De cómo también provocó la muerte de treinta y
cuatro médicos automobilófilos en el terrible accidente de las Veinticuatro Horas de Le Mans el 11 de junio de 1955 a las 18.28″
Serge Villetti

“¿Cómo expresar y hacer palpable esta furiosa voluntad de jugar como un niño que nunca nos abandona, ni siquiera al borde de la muerte?”, escribía Serge Valletti en el año 2000, comenzando la escritura de la obra.
Los amantes del fútbol ponen a Garrincha por encima de todos los jugadores, hasta encima
del rey Pelé. Pero todo el mundo conoce a Pelé. Y poca gente recuerda a Garrincha. Y esto no es una cuestión de un futbolista, sino de un hombre. Garrincha, el niño que nunca quiso crecer. El hombre que soñaba como un niño, sólo el juego le gustaba, Garrincha el que “¡Tenía veintidós años y jugaba riéndose! Garrincha, el que hacía que el público se levantara de alegría”. Garrincha el que ha hecho soñar al señor Armand. El señor Armand que se confunde con Garrincha, contándose a sí mismo entrampado en sus alucinaciones de actor, revela sus demonios propios. Al contrario de Garrincha, el señor Armand nunca ha salido a la luz, como Garrincha tiene un destino trágico, hundiéndose en el alcohol, la nostalgia, y los sueños de niño, regresando a lado de los olvidados».
Gilbert Rouvière

LIVALONE:

Una sarcástica radiografía de la generación millennial, creada y protagonizada por dos de los performers de Fundación Agrupación Colectiva.
Armado con un portátil, un equipo de música y diversas proyecciones, el creador y performer Francesc Cuéllar encarna el prototipo de jóven de 25 años que se propone el gran hecho de vivir solo. Con lucidez y humor Cuéllar y Alejandro Curiel, dos de los nombres que despuntan en la nueva generación teatral española, presentan una conferencia escénica sobre los caminos para llegar a la autosuficiencia antes de los treinta años.
Una disección de las adversidades que debe afrontar toda una generación de jóvenes millennials que viven indefinidamente en precariedad. Un repaso minucioso y sarcástico de los usos y costumbres, derechos y necesidades de la sociedad contemporánea.

POCAHONTAS:

«Todos sabemos que los cuentos que nos contaban de pequeños no corresponden con la realidad. Que eran eso, cuentos. Esas pequeñas e inofensivas historias formaron parte de nuestra feliz primera etapa como ser humano.
Todos dicen que lo que ocurre en los primeros años de vida de un ser humano marca y da
forma a ese pequeño ser que un día será adulto. Que eso que ocurre, es su base, donde
se apoyaran todos sus rasgos. Así pues, esas pequeñas historias que inundaban nuestros
oídos en una edad tan prematura, se puede decir que hicieron de nosotros lo que somos
ahora. Aprendimos a cómo ser humanos al son de los cuentos infantiles.
Pero, muchas de esas historias dulces y llenas de colores no eran invenciones, se basaban
en hechos reales, y, como en la historia de la humanidad, llegaron a nosotros sufriendo enormes y terribles manipulaciones, recortes y cambios. Si esos cambios se hicieron por
nuestro bien y para salvaguardar nuestra sensibilidad de niño no fueron una mala idea.
Pero, y si la historia que llegó a nosotros, llegó tapando una realidad, una realidad que necesita ser contada? La historia, tal y como pasó. ¿Y si ese hubiera sido un mejor aprendizaje para todos?
Muchos dicen que la historia solo es contada por los vencedores y alguien, una mujer,
añadió que no solo es así sino que nos falta el 50% de ella. Hay un vacío enorme en el
tiempo, un agujero inmenso en cada libro de historia de secundaria y, dentro de ese vacío,
hay todo lo que de verdad ocurrió, a parte de lo que nos han contado. Porqué, no solo no
sabemos ni la mitad, sino que la mitad que nos ha llegado, nos ha llegado solo desde un
único punto de vista: el masculino. El 50% restante, esa mitad desconocida quedará para
siempre jamás perdida en el tiempo o residirá en la imaginación de cada uno. ¿O quizás no? Así pues, la estructura de nuestra sociedad tal y como la conocemos ahora, está basada en solo la mitad de la realidad, en solo una media verdad. ¿Y una media verdad no es lo mismo que una media mentira?»
Bárbara Mestanza

SE RESPIRA EN EL JARDÍN COMO EN UN BOSQUE:

Se respira en el jardín como en un bosque y se está en el teatro como en el mundo. Pero
ni el jardín es la Naturaleza ni el teatro es el mundo. Alguien prepara los jardines para disfrutar de un pedazo organizado de naturaleza, en su origen salvaje y llena de peligros.
En el teatro alguien ordena las palabras y las imágenes en un discurso que dibuja una
lógica que parece una respuesta. Pero así como cuando abandono el jardín y entro en el bosque, cuando salgo del teatro y vuelvo al mundo, toda la ilusión se esfuma y el mundo
que aparece de nuevo ante mis ojos se vuelve indomable, peligroso y siempre incomprensible.
Se respira en el jardín como en un bosque es una pieza de teatro que esencialmente podría
definirse como ejercicio escénico para una sola persona, donde quien asiste a la obra
ocupa el rol de intérprete y público consecutivamente. En esta pieza se proponen las dos
acciones básicas del acto teatral: alguien mira en silencio mientras alguien lleva a cabo
una coreografía de acciones en un escenario. Y a partir de esta convención teatral primitiva
que ha perdurado durante miles de años hasta nuestros días, se propone un juego escénico a través de una narración sostenida por simples acciones que confrontan al participante con la convención representada.
En esta experiencia afloran algunas cuestiones alrededor de como se comprende la realidad, quien es capaz de construirla y por qué nos encanta observar en silencio, al igual
que hacemos cuando vamos al teatro, el artificio del mundo que hemos creado.

Temporada Alta

Madres Paralelas – el nuevo film de Pedro Almodóvar

Por Luciana Rodríguez

Poster de la película

Sinopsis: «Dos mujeres coinciden en una habitación de hospital donde van a dar a luz. Ambas están solteras y se quedaron embarazadas por accidente. Janis (Penélope Cruz), de mediana edad, no se arrepiente y está exultante. La otra, Ana (Milena Smit), una adolescente, está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean por los pasillos del hospital. Las pocas palabras que intercambien en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que por casualidad se desarrolla y se complica, afectando a sus vidas de forma decisiva«.

El 18 de febrero se estrenará en Netflix la nueva película de Pedro Almodóvar «Madres Paralelas».

Penélope Cruz y Milena Smit – Madres Paralelas

Intentando no caer en spoilers que rompan con los giros sorpresivos que este film tiene preparado a sus espectadores, se puede decir que Madres Paralelas comienza siendo una historia más sobre ser madre y lo que ello conlleva para transformarse en algo totalmente diferente, imprevisible. En la cinta se desarrollan varios subtemas relacionados no sólo a la maternidad y a lo femenino sino tambien a la política.

Fotograma de la película – Madres Paralelas

El último trabajo del director manchego ha estado presente en las diferentes entregas de premios de esta temporada. Penélope Cruz ganó la Copa Volpi en el Festival de Venecia por su papel de JanisLa película también consiguió dos nominaciones en los Globos de Oro, la de Mejor Película de Lengua no Inglesa y la de Mejor Banda Sonora, pero no logró llevarse ningún premio. Cuenta con ocho candidaturas incluyendo Mejor Película Dramática, Mejor Dirección y Mejor Actriz Protagónica para Cruz, en los Premios Feroz a desarrollarse el próximo 29 de enero. Y en los Goya que se llevarán a cabo el 12 de febrero logró varias nominaciones incluyendo Mejor Actríz de Reparto. En cuanto a la 94ª edición de los Premios de la Academia de Cine Hollywood (Oscar) , lamentablemente, perdió la posibilidad de ser la representante de España.

EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS:

5 DATOS ESENCIALES PARA CONOCER ANTES DEL ESTRENO

El 27 de enero llega a las salas de cine disponibles del país una de las historias más fascinantes de los últimos tiempos: EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS

Dirigido por el reconocido cineasta mexicano Guillermo del Toro, el film explora el singular mundo de las ferias ambulantes de los años cuarenta, a través de un relato centrado en Stanton Carlisle (Bradley Cooper), un hombre carismático pero desafortunado que se gana el cariño de una vidente (Toni Collette) y su esposo, ex mentalista (David Strathairn). Usando los conocimientos que adquiere junto a ellos, y con el apoyo incondicional de una virtuosa artista de la feria (Rooney Mara), Carlisle alcanza gran éxito engañando a la élite adinerada de la sociedad neoyorquina del momento, para luego ir tras el objetivo más grande de todos: estafar a un peligroso magnate (Richard Jenkins) con la ayuda de una misteriosa psiquiatra (Cate Blanchett).

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Fotograma de la película


EL PROYECTO LLEVÓ A DEL TORO A INCURSIONAR EN NUEVO TERRENO ARTÍSTICO

Me interesaba muchísimo hacer una historia sobre el destino y la humanidad. Stanton Carlisle es un hombre al que se le da todo para cambiar su vida. Tiene gente que cree en él, que lo quiere y confía en él. Sin embargo, su ambición y su propia arrogancia son tan fuertes que lo apartan de todo eso”, dice del Toro respecto del abordaje de la temática de la película.

EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS se aleja, sin embargo, de los elementos fantásticos por los que es reconocido el cineasta, convirtiéndose en su película más terrenal hasta el momento. “Guillermo trae todas sus habilidades narrativas y maestría en el diseño a este territorio nuevo”, explica el productor J. Miles Dale. Del Toro, en tanto, agrega que, con este film, conscientemente quería llevar su estilo cinematográfico en una dirección nueva. “Esta es la primera de mis películas que, si bien tiene una atmósfera mágica, no es afectada o estilizada. Está ambientada en una realidad reconocible e inmediata”, señala.

La película, además, llevó a del Toro a incursionar en el film noir, alejándose sin embargo de los elementos típicos del género. Si bien buscaba crear un trasfondo de oscura traición, también quería evitar los motivos demasiado vistos del cine negro. En especial, quería alejarse del aspecto no saturado, y optó por el uso de mucho color, si bien, simbólicamente, se valió de colores oscuros e intensos. Uno de los pocos guiños a la estética del cine negro de la vieja escuela es el estilo pulido, lluvioso, que se dotó a algunas escenas.

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Fotograma de la película

LA PELÍCULA ESTÁ BASADA EN UNA NOVELA DE 1946

EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS está basada en la novela de 1946 “Nightmare Alley”, del escritor estadounidense William Lindsay Gresham. Como fan de la novela, del Toro no dudó en trabajar en su adaptación para la pantalla, abordando a través de la película las líneas difusas entre la ilusión y la realidad, la desesperación y el control, el éxito y la tragedia.

El cineasta, incluso, exploró más allá de las páginas e investigó la vida del autor, para descubrir que el perfil de Stanton Carlisle era en gran parte reflejo de la del propio Gresham. Cautivado de niño por los parques de atracciones de Coney Island, Gresham conservó toda su vida esa fascinación. Mientras servía en la guerra civil española, entabló amistad con otro soldado que le contó toda clase de historias extrañas y escabrosas de su paso por las ferias de atracciones ambulantes, incluido el número del “monstruo” (el geek act). Tras pasar un tiempo trabajando en la edición de revistas de crímenes, Gresham hizo su debut como novelista con “Nightmare Alley”.

TRANSCURRE EN UNA FERIA ÍNTEGRAMENTE CONSTRUIDA PARA EL FILM

Para contar la historia del fascinante mundo de las ferias ambulantes de mediados del siglo XX, el equipo creativo diseñó un set real, íntegramente construido para el film en un gran predio ferial vacío de la ciudad de Toronto, Canadá.

Bajo el liderazgo de la diseñadora de producción Tamara Deverell, el equipo dio vida a un submundo de atracciones mecánicas clásicas que incluye una auténtica rueda de la fortuna, un carrusel, una casa de la risa con la temática del cielo y el infierno, así como un animado despliegue de escenarios para los distintos números y carpas con anuncios de las principales atracciones de la feria.

Para lograr que todo se viera completamente auténtico, el equipo investigó exhaustivamente el mundo de las ferias de esa época, uniendo fuerzas con compañías expertas como Armbruster Manufacturing, el fabricante de tiendas circenses más antiguo de los Estados Unidos.

En total, se crearon cuatro versiones diferentes de la feria principal, así como también una última feria aún más oscura y sucia para la abrumadora escena final de la película.

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Fotograma de la película

EL DREAM TEAM DE DEL TORO ESTÁ PRESENTE DETRÁS DE CÁMARA

La nueva película lleva el sello de los colaboradores de larga data de del Toro, quienes unen fuerzas con el director para dar vida a su visión. Además de Tamara Deverell, forman parte del proyecto el director de fotografía Dan Laustsen, el diseñador de vestuario Luis Sequeira y el editor Cameron McLauchlin. Lausten, de origen danés, se destaca por su trabajo en la película de 2017 de del Toro LA FORMA DEL AGUApor la que obtuvo una nominación al premio Óscar. Al igual que el canadiense Luis Sequeira, quién colaboró extensamente con el director y obtuvo un premio Óscar al Mejor Diseño de vestuario por dicha película y McLauchlin, por su parte, que también integró el equipo de edición de LA FORMA DEL AGUA.

Fotograma de la película

 LA HISTORIA EXPLORA TEMAS UNIVERSALES Y ATEMPORALES

La nueva película se centra en el intrigante mundo de las ferias ambulantes, pero es la historia de Stanton Carlisle la que ocupa el verdadero centro de la escena. Dentro de EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS, bullen capas de vicio, corrupción, lujuria, traición y absurdo cósmico que se desarrollan mientras Stanton aprende a sacar provecho de la necesidad humana de creer en algo fuera de sí mismo y del mundo.

La historia, además, se presenta como una fábula moral sobre el destino que viene a saldar cuentas, al tiempo que del Toro ve en el relato una historia aleccionadora sobre el lado oscuro del capitalismo norteamericano. En este sentido, concluye: “Cuando el público está involucrado en la historia de ascenso de una persona, su mayor temor es la caída y esa caída puede tener una carga emocional muy poderosa”.

Fotograma de la película

EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS estrena el 27 de enero en salas de cine disponibles.

 https://youtu.be/_pDW-wOKHZU
Tráiler oficial

20TH CENTURY STUDIOS

Material cortesía de RBS distribuidora.

Festival de Cine Frances online

Por Luciana Rodríguez

Poster Oficial del Festival

Del 14 de enero al 14 de febrero del 2022, no sólo los cinéfilos sino todas las personas podremos disfrutar de la 12.ª edición del Festival de Cine Francés, esta vez en línea y de forma gratuita.

En esta edición concursan diez largometrajes y diez cortometrajes, entre los cuales hay un largometraje y un cortometraje de origen belga. El programa cuenta también con un largometraje y un cortometraje suizos fuera de concurso, un largometraje y un cortometraje canadienses, una sección público joven, una sección de cine en realidad virtual y cine de patrimonio. Lo curioso de esta edición es que se invita a todos los internautas que lo deseen a dar puntaje a las películas y que publiquen sus comentarios en la página Web del festival.

¿Dónde ver las peliculas?

En línea: En la plataforma myFrenchFilmFestival.com disponbile en el mundo entero.

El festival también se puede ver en otras 70 plataformas asociadas al festival, a través de distintas aplicaciones según el territorio, como Apple TV, Google Play, Amazon Prime Video o incluso MUBI.

En salas de cine:
Durante el festival, habrá proyecciones en salas, los interesados deben consultar en la Alianza Francesa o Instituto Francés de su localidad, y siempre debe tener en cuenta las restricciones de su zona sobre la emergencia sanitaria.

Teasser trailer del festival

¿Cómo se elegirán las peliculas premiadas?

Al final del festival se hará entrega de cinco premios:

  • El Gran Premio del Jurado Internacional recompensará un largometraje a concurso
     
  • Los Premios del Público
    Los internautas del mundo entero podrán votar por sus largometrajes y cortometrajes favoritos en la plataforma del festival.
     
  • Los Premios de la Prensa Internacional
    Este Jurado recompensará un largometraje y un cortometraje a concurso y está compuesto por periodistas de grandes diarios extranjeros. El Jurado Internacional y el Jurado de la prensa internacional se reunirán durante el festival para elegir las películas ganadoras.

¿Gratis?

Cada año, el festival es gratuito en ciertos territorios. Este año se beneficiarán de la gratuidad: América Latina, Rusia/CEI, el sudeste de Asia, Polonia, Rumanía, África, Sureste Asiático y Corea del Sur.

En el resto de territorios:

  • Visionado de un largometraje: 1,99€
  • Paquete festival completo: 7,99€ acceso completo a todas las películas
Trailer del Festival

«Hoy se arregla el mundo» – Se completa la trilogía de padres e hijos

Por Luciana Rodríguez

Afiche oficial Hoy se arregla el mundo

El direcctor Ariel Winograd y el guionista Mariano Vera regresan al cine en este 2022 con «Hoy se arregla el mundo» una comedia dramática sobre la relación padre/hijo y lo que verdaderamente significa la paternidad.

Con esta película se completa la trilogía sobre paternidad que comenzó en el 2015 con «Sin Hijos», seguida en el 2017 con «Mamá se fue de viaje».

SINOPSIS:

David Samarás, alias “el Griego” (Leonardo Sbaraglia) es un hombre soltero, independiente e indiferente de 45 años, productor general del popular talk show “Hoy se arregla el mundo”, donde pretendida gente común que resuelve conflictos.
El Griego nunca ha podido entablar un vínculo duradero. El lazo más perdurable en su vida ha sido su hijo de 9 años, Benito (Benjamín Otero), fruto de una relación ocasional, aunque su lazo se da más por obligación legal que por el afecto.
La historia da un giro cuando en medio de una fuerte discusión con Silvina (Natalia Oreiro), mamá de Benito, comienza a sospechar que Benito no es su hijo.

Silvina muere y El Griego comprueba sus sospechas, noticia que lo libera de la responsabilidad de la paternidad y decide contarle la verdad al chico: «no soy tu padre».
Ante la noticia Benito le pide que haga una última cosa por él: -» Ayudame a encontrar a mi verdadero papá«. El Griego acepta. La búsqueda del progenitor los llevará a una encrucijada mucho más grande de la que salieron a enfrentar.

Trailer «Hoy se arregla el mundo»

Fecha de estreno: 13 de enero 2022.

Esta comedia con un tinte de drama es ideal para ver en una tarde de verano. Si bien desde el inicio del film uno puede descubrir cual va a ser su final tiene momentos divertidos y otros lacrimógenos. El puntaje a favor se lo lleva Benjamín Otero con su interpretación ya que es adorable y sobre todo creíble.

Entrevista a Nacho Benedetti – «Lejos de los focos»

Por Luciana Rodríguez

Entrevista a Nacho Benedetti, director del documental «Lejos de los focos«. Una película sobre la realización del nuevo álbum de «No Te Va Gustar» titulado «LUZ«.

El álbum que cuenta con doce canciones fue grabado en Jose Ignacio (Uruguay) durante octubre de 2020 en un entorno campestre, lleno de naturaleza y paz. Esto influyó en el proceso de grabación y en el sonido final de estos nuevos temas.

La producción estuvo a cargo de Héctor Castillo (David Bowie, Gustavo Cerati, Lou Reed, Los Fabulosos Cadillacs, Bjork). Tambien se contó con la presencia de artistas invitados como: Nicki Nicole en la canción “Venganza”, Ricardo Mollo en “Austro” quien aportó vocales y guitarra eléctrica al tema y Anita Álvarez de Toledo en los coros de Mejor Callar, Mi Ausencia, Venganza y Josefina. Desde su estreno, LUZ ha sido recibido con grandes críticas y comentarios tanto por los fans como por la prensa, nominado a dos premios Latin Grammy 2021.

La película está dirigida por Ignacio Benedetti e Ignacio Jaunsolo, con la producción ejecutiva de Ignacio Jaunsolo y Nicolás Fervenza, y la dirección de fotografía de Juan Manuel Apolo e Ignacio Elola. Además, cuenta con el trabajo periodístico de Belén Fourment durante todo el proceso.

Entrevista

Muerto con Gloria – Entrevista a Marcela Matta

Por Luciana Rodríguez

Entrevista completa

Muerto con Gloria: Es una historia de fantasía, sensualidad, erotismo, un toque de misterio, y una buena dosis de comedia (absurda). Ambientada en un Montevideo atemporal, nos presenta a Gloria (Stefania Trotorella), una mujer de treinta años que sufre de insomnio, tiene dificultades para relacionarse y nunca ha experimentado un orgasmo. Cuando se muda a un nuevo hogar descubre que no está sola, una presencia sobrenatural la hará conocer el placer.

Marcela Matta

Marcela Matta: Es Escritora, Productora y Directora de Cine.
Egresada de la carrera de Realización Cinematográfica en la ECUEscuela de Cine del
Uruguay
generación 2001.
En 2016 estrenó su primer largometraje de ficción Los Modernos, escrito y dirigido junto a
Mauro Sarser, film que ha recibido diferentes galardones a nivel internacional y ha participado en más de 25 festivales al rededor del mundo.

Se desempeñó en Tevé Ciudad, el canal público de la IM como Productora, desde el año 2002 al 2015.
Es miembro de la Comisión Directiva Honoraria de Cinemateca Uruguaya desde 2006.
Publicó Muñeca (Editorial Yaugurú 2015) su primer libro de poesía que agotó dos ediciones en Uruguay, y editó el fanzine de collage y poesía aleatoria Tigre Giratorio junto al colectivo Pega Duro (2013).

Mauro Sarser

Mauro Sarser: Es realizador audiovisual, montajista y músico. Desde su egreso en 2004 de la Escuela de Cine del Uruguay (ECU) ha tenido una incesante actividad en el medio audiovisual. Entre sus trabajos más destacados se encuentran el largometraje de ficción Los Modernos (dirección y montaje junto a Marcela Matta), el documental 3 Millones (guion y montaje junto a Jaime Roos); los video clips Derritiéndome de Don Godie, Encendida de Julieta Rada y El juego del amor de Estela Magnone (en los que realizó guion, dirección y montaje).

Los DVD’s musicales Hermano te estoy hablando y Otra vez Rocanrol de Jaime Roos (ambos en dirección y montaje); el ciclo 2014 del programa televisivo Boliches (montaje); los documentales Detrás del escenario de El Lago de los Cisnes (guion, dirección y montaje), Cómo se hizo el viaje hacia el mar (guion, dirección y montaje junto a Marcela Matta), Palabras Nuevas (guion y montaje); y el largometraje de ficción Flacas Vacas (montaje), entre otros.

Como guionista de ficción es autor de Los Modernos, El referente y Muerto con Gloria.

Fuentes:

icau.mec.gub.uy

ecu.edu.uy

Muerto con Gloria – De Uruguay al mundo.

Por Luciana Rodríguez

Se acaba de estrenar el tráiler oficial de Muerto con Gloria la comedia uruguaya que está triunfando en el mundo.

Este nuevo largometraje de Mauro Sarser y Marcela Matta (Los Modernos 2016) promete convertirse en otro gran éxito para la dupla uruguaya. Su nueva película ha despertado el interés de grandes compañías internacionales que adquirieron sus derechos. Entre ellas figuran Lionsgate para su emisión en Estados Unidos, Movistar + para la proyección digital en España y AV-Jet que compró los derechos para Taiwán. FilmSharks, su agente de ventas internacional, también está en trámites para que remakes de la película sean realizados en Estados Unidos, España y México.

No es de extrañar que esta producción cause tanto revuelo, probablemente uno de los puntos fuertes sea la naturalidad con que Stefania Trotorella interpreta a Gloria. Su actuación logra sumergirnos en un tórrido e insólito mundo en el que el objeto de sus más intensos deseos es un ente paranormal.

Pero Gloria no es el único factor positivo, los diálogos, los personajes secundarios (entre ellos destacan Nenan Pelenur, Federico Guerra, Noelia Campo y el mismo Mauro Sarser) fueron tan cuidadosamente construidos que no solo nos harán soltar unas cuantas carcajadas, sino también reflexionar sobre la complejidad de las relaciones, la idealización de la pareja y el apego emocional.

Gran parte de la trama transcurre en la entrañable librería Puro Verso y dentro de una casona antigua, cuyas paredes son testigo de las noches de lujuria que enloquecen a la protagonista mientras alcanza los orgasmos que aún no había experimentado a sus 30 años.

El guionista y director Mauro Sarser, quien codirigió la película con Marcela Matta, confesó que la idea surgió de la anécdota de una amiga que supuestamente vivió durante varios meses con una presencia que no podía ver pero que podía sentir. Sin embargo, Sarser optó por transformar esa posible historia de miedo en un vínculo sexual y amoroso que resulta por demás irreverente y divertido.

MUERTO CON GLORIA tendrá su estreno mundial en el 25º Fantasy Film Festival de Canadá, a celebrarse entre el 5 y el 25 de agosto y a finales de octubre tendremos el placer de disfrutarla en Uruguay.

«Ficción» el nuevo documental de Guzmán García

Por Luciana Rodríguez

El mes de junio trajo como novedad el nuevo documental de Guzmán García llamado Ficción.

Está disponible para su visualización a través de la plataforma de streaming +Cinemateca. Los socios la pueden ver de forma gratuita y los no socios deberán abonar una entrada de $115.

Sinopsis: Ficción es un documental acerca de la gente que quiere hacer cine de ficción en Uruguay.

A través de entrevistas a cineastas nacionales se nos presenta la gran diversidad de historias, realidades y sensibilidades que hay detrás de los guiones que están escribiendo y las fantasías que han nacido en sus mentes y corazones. De esta manera, retratamos cómo viven el cine y entendemos qué significado tiene, para cada uno de ellos, la película que intentan volver realidad.

Su director: Guzmán García es director, guionista, montajista y docente.

Su ópera prima, Todavía el amor, fue seleccionada en festivales como IDFA, HotDocs, Docs Barcelona, Guadalajara y La Habana. Su segunda película, Mirando al cielo, ganó el premio del público en Gramado.

Ficción es su tercera obra. Tuvo su pre-estreno en el Festival Detour 2020 como función de apertura y su estreno internacional en BAFICI 2021.

En entrevista exclusiva nos contó que su primer motivación para realizar este documental fueron los guiones que él escribió de adolescente y que nunca llegaron a la pantalla grande.

«En Montevideo se escriben más de 30 guiones de largometraje cada año. Solo tres o cuatro llegan a filmarse.»  ¿Dónde quedan las historias todavía no filmadas?

Protagonistas:

La película retrata a una docena de guionistas de Montevideo, tanto reconocidos por haber realizado alguna película previamente, como Walter Tounier, Manuel Facal o Agustín Banchero; como personas que todavía no filmaron sus historias, como Luciano Coccia, Adriana Nartallo o Marina Cultelli. 

«Vacío» la nueva película de Paúl Venegas que se abre camino hacia el Oscar

Por Luciana Rodríguez

Afiche de la película

Aún sin estreno confirmado para el Uruguay «Vacío» va generando expectativas gracias a su desempeño en Festivales Internacionales.

Esta co-producción Ecuador (Paul Venegas) – Colombia (Giuliano Cavalli) – Uruguay (Esteban Schroeder) nos habla sobre la migración ilegal de chinos en Ecuador.

La historia tiene como protagonistas a Lei y a Wong que llegan clandestinamente a Ecuador gracias a un mafioso llamado Chang quien utiliza su poder para mantenerlos bajo su órbita. Lei sueña con iniciar su vida en Nueva York, Wong desea poder traer a su hijo desde China. Los protagonistas deberán luchar para conseguir su libertad y lograr alcanzar sus sueños.

La película comenzaba a cosechar victorias desde su guion creado por el mismo Paúl Venegas junto a Carlos Terán Vargas ya que resultó ganador como mejor proyecto en el Festival Internacional de Cine de Pekín y así logró los fondos necesarios para comenzar su realización.

Luego ganó como mejor largometraje en el Quinto Festival Internacional de Cine de Guayaquil. Además fue seleccionada para ser exhibida en el Festival Internacional de Cine de Busan.

La última novedad que tenemos es que fue seleccionada para representar a Ecuador en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, institución que se encarga de realizar los Premios Oscar. Por lo que podría llegar a estar presente en la categoría de “mejor película de habla no inglesa» de la edición 93ª de los Premios Oscar.

Tráiler Oficial de la película

En el siguiente link les comparto la entrevista realizada a Paúl Venegas director de la película:

Entrevista realizada a Paúl Venegas – director de la película

Un cine diferente – Cine Universitario

Por Luciana Rodríguez

Imagen de la nueva fachada de Cine Universitario del Uruguay

Si te pasa que el cine comercial ya no te llama la atención, tal vez la propuesta que Cine Universitario del Uruguay ofrece te saque de la rutina de las historias repetidas.

En la entrevista realizada al Lic. Santiago López DelaCruz, directivo del centro, nos cuenta de qué se trata y qué nos propone el Cine Universitario.

Creado en 1949 como una institución sin fines de lucro, y declarado Patrimonio de la Cultura por el Ministerio de Educación y Cultura (MEC) exhibe obras cinematográficas en funciones no comerciales que contribuyen al desarrollo de la técnica y la cultura de este arte, así como al fomento de diversos espacios de reflexión sobre el cine, el audiovisual y la cultura en general.

Según sus estatutos, sus objetivos son:

A) Contribuir a la formación de un público que entienda de la cinematografía que se desarrolla fuera de los circuitos comerciales.

B) Desarrollar actividades de difusión con países en donde la cinematografía esté en franco desarrollo, propiciando un acercamiento al cine de la región.

C) Explorar y reconocer la importancia del cine local.

Además de la exhibición continua de películas, Cine Universitario coordina y organiza diversos eventos de difusión cultural, tales como cine-foros, talleres, cursos y actividades diversas, con el fin de establecerse junto a sus socios y allegados como un punto referente dentro de la cultura nacional.

A su vez, el Archivo y la Biblioteca del cine cuenta aproximadamente con 3000 títulos de libros especializados en historia, teoría, técnica del cine y fotografía, compilación de artículos periodísticos, revistas, y colecciones de filmstills, pressbooks, vinilos con bandas sonoras de películas, folletos, programaciones y afiches.

¿Qué tipos de películas se exhiben?

Cortometrajes, mediometrajes y largometrajes de origen uruguayo que no cuentan con espacios de exhibición en otras salas del país. Pueden ser producciones cinematográficas profesionales, amateurs y/o de carácter estudiantil.

Además exhibe películas de todas las épocas de cualquier tipo de procedencia. Y se realizan ciclos mensuales que prestan especial interés a:

Obras cinematográficas renombradas que marcaron la Historia del Cine desde un punto de vista estético, narrativo y/o ideológico.

Películas desconocidas tanto para el gran público como para la tradición cinéfila, que se exhiben como rarezas cinematográficas.

Recorrido por la obra de realizadores, guionistas o intérpretes específicos de gran relevancia en la Historia del Cine, a través de una filmografía completa de exhibición.

Filmes que atienden a las coyunturas sociales y culturales que vivimos en la actualidad. En este sentido, tradicionalmente en el mes de marzo se realiza un ciclo del Mes de la Mujer o en setiembre un ciclo con motivo del Mes de la Diversidad.

¿Qué horarios se manejan actualmente?

Debido al contexto sanitario en relación al Covid-19, sumado a un estricto cumplimiento del protocolo aprobado por el Ministerio de Salud Pública y el Ministerio de Educación y Cultura, Cine Universitario funciona de martes a domingos con dos funciones diarias. El horario de funcionamiento actual es de 15 a 21:30 horas.

Se tomará la temperatura al ingreso de todos los asistentes. Se procede a mantener la distancia física de 2 mts., tanto en el hall del cine como dentro de la sala de exhibición. Es obligatorio el uso de tapabocas dentro del local. Se cuenta con dispensadores de alcohol en gel en varios puntos del lugar.

¿Cuánto vale la entrada y dónde se compra?

El bono colaboración por función tiene un costo de $100 de martes a jueves y de $120 viernes a domingos.

La cuota mensual para hacerse socio del cine es de $280 por persona y de $460 para dos personas. Con el abono de la cuota, se tiene acceso a todas las funciones de todos los ciclos. Los bonos colaboración y las afiliaciones se realizan de forma presencial por boletería, siguiendo el protocolo sanitario.

A su vez, el cine tiene convenios con diversas instituciones:

Convenio con Universidad de la República: Acceso a todas las funciones de todos los ciclos abonando: Estudiantes: $110 por mes. Docentes y funcionarios: $140 por mes. Egresados: $170 por mes

Socio Espectacular: Entrada libre de martes a viernes. Sábados y domingos: $30.

Montevideo Libre: Acceso libre a todas las funciones de todos los ciclos.

¿Cuál es su ubicación?

Canelones 1280, esq. Aquiles Lanza.

Para estar al tanto de todas las novedades, ciclos especiales, funciones y horarios pueden visitar y seguir Cine Universitario en las diferentes plataformas y redes:

Página web: https://cineuniversitariodeluruguay.org.uy/

Facebook: https://www.facebook.com/cineuniversitario

Instagram: https://www.instagram.com/cineuniversitariodeluruguay/

Vuelve el cine comercial a Uruguay ¿Cuáles son todos los estrenos?

Por Luciana Rodríguez

Después de casi cinco meses de inactividad provocada por la pandemia de Covid -19, en la que se vio afectado el cine del mundo entero, el MEC dio el visto bueno para reabrir las salas de espectáculos al público, cumpliendo con un estricto protocolo de seguridad en el que se asegure el distanciamiento físico y la higiene del lugar en esta llamada «nueva normalidad».

Si bien el mundo cinematográfico no se había pausado del todo, gracias a la apertura de autocines y a la cantidad de contenido que apostó por plataformas de streaming, lo que sí se habia visto realmente afectado era la disponibilidad de estrenos de grandes producciones. El problema central radica en que la industria funciona en conjunto con dos grandes agentes: por un lado los exhibidores (las salas) y por otro los distribuidores (dueños del contenido) y estos últimos tenían pensado pausar sus actividades hasta que la situación sanitaria se normalizara en el mundo entero. Situación ideal pero bastante lejana.

Sin embargo a comienzos del mes de agosto se realizó en nuestro país la reapertura de Cinemateca, de la sala de Cine Universitario y de la sala cinematográfica Nely Goitiño del Sodre, con estrenos de cine independiente.

A pesar de esto, el público seguía expectante de los estrenos del cine comercial, y para todos ellos es que traemos una buena noticia. Exhibidores y distribuidores llegaron al acuerdo de trabajar con cada país de manera particular y gracias a esto a partir del jueves 3 de setiembre reabren todas las salas de cine de Montevideo y del interior del país.

Por dicha apertura, vamos a detallar los estrenos:

«AL MORIR LA MATINÉE»: Co-producción de Uruguay y Argentina, dirigida por Maxi Contenti, con guión de Manuel Facal. Ubicada entre los géneros de: Terror, Slasher, Suspenso y Gore. En palabras de su director «Al Morir la Matinée ante todo se trata de una experiencia sensorial, una especie de “tren fantasma” audiovisual, que busca hechizar al espectador…inspirado en el cine de terror “Giallo” y Slasher, fue pensada como una obra plástica y sugestiva, hiperrealista en la puesta de escena y tiempos narrativos…

Póster de la película Al morir la Matinée

Sinopsis: Llueve torrencialmente en Montevideo un domingo de 1993. Un hombre particularmente sospechoso ingresa a la última función de una película de terror en un cine céntrico. La sala poco concurrida debido a la tormenta que arrecia fuera, comienza a teñirse lentamente de sangre. Ana, la hija del proyeccionista, quien ha tomado el lugar de su padre, sólo por esa noche, está a cargo de la función. En la oscuridad del cine, los espectadores caen uno a uno en manos del asesino. Desde la sala de proyección Ana comienza a notar que algo extraño sucede. Una adolescente y un niño que se escurrió en la sala se encontrarán con Ana mientras intentan escapar. Juntos deberán enfrentar a este sádico y despiadado asesino, para salvar sus vidas y evitar una masacre en la matinée.

Trailer «Al morir la Matinée

«LOS NUEVOS MUTANTES»: Twentieth Century Studios y Marvel Entertainment presentan este filme de terror y suspenso dirigido por Josh Boone y escrito por Boone y Knate Lee. Tanto Boone como Lee eran fanáticos de los cómics de los X-Men y se sintieron particularmente atraídos por la historia de Los Nuevos Mutantes, que se lanzó como la novela gráfica de Marvel número 4, en 1982. Escrita por Chris Claremont e ilustrada por Bob McLeod, la serie presentaba a un grupo completamente nuevo de personajes que tenían muy poco en común con los estudiantes de la «Escuela para Jóvenes Talentos» de Charles Xavier.

Poster – Los nuevos mutantes

Sinopsis: Rahne Sinclair (Williams), Illyana Rasputin (Taylor-Joy), Sam Guthrie (Heaton) y Roberto De Costa (Zaga) son cuatro jóvenes mutantes encerrados en un hospital aislado de control psiquiátrico. La Dra. Cecilia Rey (Braga), que cree que los adolescentes son una amenaza para sí mismos y para la sociedad en su conjunto, los vigila de cerca y se esfuerza por enseñarles a controlar sus capacidades mutantes. Cuando la recién llegada Danielle “Dani” Moonstar (Hunt) se suma a los demás pacientes del centro médico, comienzan a producirse situaciones extrañas.
Estos, empiezan a sufrir innumerables alucinaciones y flashbacks, y sus capacidades mutantes –así como su amistad– se ponen a prueba mientras luchan por salir con vida.

Trailer: Los nuevos Mutantes

«SHALOM TAIWAN»: Este drama llega desde Argentina de la mano del director Walter Tejblum con guión de Sergio Dubcovsky, Santiago Korovsky y el mismo Walter Tejblum

Poster: Shalom Taiwan

Sinopsis:  Los problemas financieros de una comunidad judía que lidera en un barrio de la ciudad de Buenos Aires son una pesadilla para el Rabino Aarón. Su excesiva generosidad para ayudar arriesgándolo todo amenaza la obra que está llevando a cabo. Ni el optimismo ni la laboriosidad del Rabino, ni su viaje a Nueva York por donaciones, alcanzan para pagar una deuda que contrajo y además debe procurar no arruinar su comprometida armonía familiar. Acorralado y cubierto de agobio, Aarón intenta un último recurso: emprender un viaje al lejano Oriente para conseguir donaciones. La llegada a Taiwán es reveladora en todo sentido, lejos de las tradiciones conocidas, el Rabino Aarón debe enfrentar múltiples desafíos para lograr su objetivo.

Trailer: Shalom Taiwan

«AMENAZA EN LO PROFUNDO»: Este drama de misterio del director William Eubank tiene como protagonistas a Kristen Stewart,  T. J. Miller y Vincent Cassel.

Poster: Amenaza en lo profundo

Situados a once kilómetros debajo de la superficie del mar, la tripulación de la operación minera Kepler pasó treinta días confinada en una plataforma submarina construida especialmente para resistir la presión del fresado, esto ya suponía cierta dificultad, pero cuando sobreviene un terremoto devastador, se desata un verdadero infierno.

Sinopsis: Una tripulación de seis integrantes queda atrapada en una instalación submarina que se está inundando a gran velocidad como consecuencia de un sismo devastador. Su única oportunidad para sobrevivir es caminar a través del suelo marino hasta una lejana plataforma petrolífera abandonada. Además de los retos físicos que implica el viaje, descubren rápidamente que están siendo cazados por depredadores marinos míticos y monstruosos, dispuestos a matarlos.

«BLOODSHOT»: Sony Pictures nos presenta esta adaptación del cómic de la editorial estadounidense Valiant Cómics.

Vin Diesel es quien da vida a Ray Garrison, un soldado recientemente asesinado en combate y devuelto a la vida como el superhéroe Bloodshot de la corporación RST. Esta noticia al parecer no fue del agrado de los fans ya que consideran que su imagen no concuerda con la del personaje original.

Imagen de Bloodshot de Valiant Cómics
Poster: Bloodshot

Sinopsis: La historia gira en torno al personaje de Angelo Mortalli, un delincuente de poca monta cuya carrera empieza a ascender de forma vertiginosa cuando comienza a trabajar como asesino a sueldo para el gobierno. Suponiendo una clara amenaza para los negocios de la calle, muere a manos de su propia gente. Sin embargo, su cuerpo cae en manos del FBI, que le inyecta nano-tecnología capaz de permitirle volver a la vida. Su cuerpo responde de una extraña manera: dotado de súper-fuerza y la habilidad de curación, lo que le permitirá ser prácticamente invencible, pero sin un solo recuerdo de su vida anterior. Una lucha a muerte contra todo enemigo que se plante en su camino mientras trata de viajar por su memoria para rescatar los pocos recuerdos que le ofrezcan una pista sobre quién era, un descubrimiento que quizás no quiera hacer.

Trailer: Bloodshot

También se podrá disfrutar de un estreno dedicado a la familia, especialmente a los más chiquitos:

«SCOOBY»: Película de animación dirigida por Tony Cervone es una comedia familiar que se remonta a los orígenes de la historia y nos cuenta como se conocieron Shaggy y el carismático perro Gran Danés parlante, y la posterior unión de la pandilla que formará la agencia Mystery Inc

Poster: Scooby

Está basada en la popular serie animada de televisión producida por William Hanna y Joseph Barbera, cuyos personajes crearon Joe Ruby y Ken Spears.

Sinopsis: Con cientos de casos resueltos y aventuras compartidas, Scooby y la pandilla se enfrentan al misterio más grande y desafiante de todos los tiempos: un complot para liberar al perro fantasma Cerberus en el mundo. Mientras compiten para detener esta escasez de perros global, la pandilla descubre que Scooby tiene un legado secreto y un destino épico más grande de lo que cualquiera podría haber imaginado.

Trailer: Scooby

«Wonder»: Un hermoso retrato sobre el Síndrome de Treacher Collins que arrasa en Netflix desde su estreno

Por Luciana Rodríguez

«El conocimiento y la empatía es el mejor remedio contra el bullying«, este es un mantra que me repito continuamente y que quiero inculcar a mis hijos. Por esta razón hoy vuelvo a ver «Wonder» junto a mi niño de seis años y mientras la miramos intento responder a sus dudas.

Trailer subtitulado en español

-Mamá ¿que enfermedad tiene «Auggie«? es la primera pregunta que surge al ver esta película.

August Pullman «Auggie» nació con el Síndrome de Treacher Collins, una enfermedad genética que se caracteriza por malformaciones del cráneo y del rostro. Afecta específicamente a la forma en que se desarrollan los huesos de la cara antes de que nazca el bebé.

Zack de 2 años en su visita a Jono Lancaster – Ambos tienen el Síndrome foto: Noelle Bobrige

Enseguida le surge otra duda que considero válida para un niño de seis años, pero que tal vez es una pregunta que otros tienen frente a enfermedades que no conocen: – ¿Eso es contagioso? Con una sonrisa y los ojos un poco mojados por la historia le respondo que no, que es una enfermedad que a veces surge en la panza de la mamá y que los niños que la padecen ya nacen así. Con esta respuesta terminamos de ver la historia de Auggie y logró no solo conocer algo al respecto de esta enfermedad sino también aprender sobre la empatía.

Este síndrome surge por una mutación en un gen del cromosoma 5, puede aparecer de forma espontánea o por la transmisión hereditaria del gen defectuoso, su presencia impide la correcta formación de los huesos del cráneo, los pómulos y la mandíbula, no afecta la inteligencia y ni la esperanza de vida de quienes la poseen. Pero como se muestra en el filme, para que esto sea posible el tratamiento para estos niños empieza desde el nacimiento. Los recién nacidos que padecen este síndrome suelen tener dificultades para respirar ya que sus vías respiratorias son estrechas, lo que se soluciona con tratamientos quirúrgicos y en algunos casos traqueotomía.

Fotograma del filme – Auggie siendo presentado a sus nuevos compañeros

«Wonder» (Extraordinario en Latino-américa) está basada en «La lección de Auggust», primer libro la serie «Wonder» que se compone de cuatro títulos. Su autora R.J. Palacios comenta que la idea para estas novelas infantiles surgió después de un incidente en el que su hijo pequeño comenzó a llorar cuando vio a una niña con severas malformaciones faciales. En ese momento Palacios retiró a su hijo del lugar para no entristecer a la niña y a su familia y empeorar la situación pero luego de escuchar la canción «Wonder» de Natalie Anne Merchant (en la que habla de un niño que nació con una enfermedad congénita) decidió que este tipo de situaciones pueden ilustrar un valioso conocimiento sobre las diferencias. Así surgió la idea para el nombre de la serie de libros y además utilizó el estribillo de la canción para el prólogo del primer libro:

«Oooh, creo, el destino, el destino sonrió
Y el destino se rió cuando llegó a mi cuna
Sepa que este niño será capaz
Reí mientras mi cuerpo ella levantaba
Sepa que este niño será dotado
Con amor, con paciencia y con fe.
Ella hará su camino, ella hará su camino»

Libros de la colección Wonder
Video clip de la cancion Wonder de Natalie Merchant

El libro fue llevado al cine de la mano del director Stephen Chbosky y se estrenó a fines del 2017. Actualmente es uno de los estrenos destacados de Netflix, siendo número uno en el ranking de vistas en Uruguay.

La historia es sencilla y conmovedora, nos presenta a August Pullman, interpretado por Jacob Tremblay («The Room», «Dr Sueño») un niño de diez años al que su familia llama Auggie, fanático de Star Wars, amante de la ciencia y que un día quiere llegar a ser astronauta. Lo único que lo diferencia con cualquier otro niño de su edad es que padece el Síndrome de Treacher Collins, por lo que desde su nacimiento se ha tenido que someter a más de veintisiete cirugías y ha crecido sabiendo lo que es ser observado de forma extraña, curiosa y siempre incómoda tanto por otros niños como por adultos.

Jacob Tremblay en la sesión de maquillaje para su personaje

Su vida da un giro cuando su familia decide que es momento de que empiece a asistir a la escuela secundaria (hasta ahora había sido educado en casa), esto hace que tenga que enfrentar los desafíos del mundo exterior sólo por primera vez. Situación nueva para toda la familia, sobre todo para su madre Isabel (Julia Roberts) que desde que él nació puso su vida en pausa para atenderlo. Abandonó su sueño de ser ilustradora de libros infantiles y la tesis que debía presentar para obtener su título.

Pero la película no se centra solamente en Auggie, a pesar que gira alrededor de él, la historia está dividida en pequeños capítulos donde conocemos las perspectivas de los diferentes miembros de la familia, como por ejemplo su hermana mayor «Vía» (Izabela Vidovic) y cómo la llegada de su hermanito cambió su mundo.

Fotograma de la película – Primer día de clases – Auggie acompañado de sus padres y hermana

Considero que «Wonder» es una película que todos deberían mirar y no pasar por alto los mensajes que esta tiene, el principal es que la belleza de cada ser está en su interior y que si no sos buena persona de nada sirve ser «bello». Pero además, a lo largo del film encontraremos preceptos como el que enuncia Summer en la primera clase de Auggie «si tienes que elegir entre tener razón y ser amable, elige ser amable».

The Walking Dead – episodio final temporada 10

Por Luciana Rodríguez

Se acaba de publicar la información que todos los fans de la serie estaban esperando: el episodio final de la décima temporada será publicado el día 4 de octubre.

La información se dio a conocer en el evento «ComicConAtHome» (convención de fans de cómics de San Diego) que gracias a la pandemia se está celebrando de forma virtual y también a través de las redes sociales de la serie.

En abril de este año se publicó el capítulo 15 de la décima temporada, quedando inconcluso el final de la misma.

Pero lo que todos los fans de la serie nos hemos estado preguntando es ¿qué pasó con Rick Grimes? personaje principal desde el comienzo de la historia interpretado por Andrew Lincoln que desapareció sorpresivamente en el episodio 5 de la novena temporada y hasta el momento nadie ha tenido noticias de él.

Lo cierto es que el desenlace de este personaje será revelado en una trilogía de películas del universo de «The Walking Dead».

El productor David Alpert anunció que la pausa que han tenido que hacer debido al coronavirus ha servido para que este proyecto sea mejor de lo que tenían pensado porque los ha hecho detenerse en los detalles y anuncia que va a ser algo «emocionante, único y realmente diferente».

Los dejo con las imágenes del adelanto del episodio final de la décima temporada.

No matarás – Y los nuevos proyectos de Mario Casas

Por Luciana Rodríguez

Filmax acaba de estrenar el tráiler de la nueva película del director David Victori «No matarás». Un thriller que nos muestra como todo puede cambiar en una sola noche.

Dani interpretado por Mario Casas, es un estudiante de medicina que ha dedicado varios años de su vida a cuidar de su padre, enfermo de cáncer. Luego de que este muere, decide retomar su vida y emprender un largo viaje, pero justo antes de eso, conoce a Mila (Milena Smit), una joven muy misteriosa con un carácter inestable, que convertirá su última noche en la ciudad en una auténtica pesadilla. 

Los acontecimientos de ese encuentro llevarán a Dani a plantearse cosas que jamás habría imaginado y que harán que su vida no vuelva a ser la misma. 

Su estreno está previsto para fines de octubre en los cines de España, esperemos que pronto llegue también a Uruguay

Y lo cierto es que a Mario Casas no lo detiene ni siquiera el Covid-19 porque desde su debut en la serie juvenil SMS en el 2006 no ha parado de darnos material.

Su último estreno fue «Hogar» de Álex y David Pastor, que protagoniza junto a Javier Gutiérrez y la podemos disfrutar en Netflix, al igual que «Contratiempo«, «El fotógrafo de Mauthausen», «El Bar», «Bajo la piel del lobo», «Palmeras en la nieve» y otras.

Para lo que queda del 2020 además de «No matarás» le queda por estrenar «El practicante» una película del género thriller donde interpreta a un técnico en emergencias sanitarias que trabaja a bordo de una ambulancia, y luego de un grave accidente que lo obliga a permanecer en una silla de ruedas se obsesiona pensando que su pareja lo engaña. Esto lo lleva a vivir un auténtico infierno.

Y, por último, «El inocente» una serie del género drama basada en la novela del mismo nombre escrita por Harlan Coben donde se narra la historia de Mateo, un joven que al intentar mediar en una pelea acaba matando a alguien de manera accidental. Después de cumplir una condena de nueve años intenta seguir con su vida hasta que su pareja recibe una llamada que vuelve a poner la vida de Mateo en peligro.

Les comparto el Tráiler oficial de «No matarás» y me cuentan qué les parece.