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A partir del 29 de febrero llega a las salas de Uruguay «The Iron Claw» (La Garra de Hierro). Esta Producción de A24 cuenta la verdadera historia de la familia Von Erich quienes hicieron historia en el competitivo mundo de la lucha libre profesional a principios de la década de 1980. A través de la tragedia y el triunfo y siempre bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, los hermanos Von Erich buscan la inmortalidad en el escenario más grande del deporte.
Trailer Oficial
Un poco de historia: La lucha libre profesional (wrestling) es un deporte-espectáculo que involucra combates coreografiados entre luchadores, también conocidos como luchadores profesionales, en un ring. En la lucha libre profesional, los luchadores interpretan personajes con personalidades distintivas, conocidos como «gimmicks», y participan en enfrentamientos que combinan elementos de la actuación teatral, el deporte y el entretenimiento. Los luchadores suelen emplear una amplia gama de movimientos de lucha, desde golpes y llaves hasta técnicas de lanzamiento y movimientos aéreos, para someter a sus oponentes y ganar la lucha.
Una de las influencias más importantes en la lucha libre moderna proviene de la Antigua Grecia, donde se practicaba la lucha como parte de los Juegos Olímpicos antiguos. Los griegos desarrollaron un estilo de lucha conocido como «palestra«, que incluía técnicas de combate cuerpo a cuerpo y se considera una de las formas más tempranas de lucha libre. En el siglo XIX, especialmente en Europa y Estados Unidos, surgieron diferentes formas de lucha y entretenimiento que eventualmente se fusionaron para dar origen a la lucha libre tal como se conoce hoy en día.
Harris Dickinson – Zac Efron – Stanley Simons – Jeremy Allen White
Los hermanos Von Erich fueron una familia legendaria en el mundo de la lucha libre profesional, conocida por su impacto en el deporte y por las tragedias que marcaron su historia. La familia Von Erich estuvo compuesta principalmente por los hermanos: Jack Jr., David, Kevin, Kerry, Mike y Chris Adkisson, conocidos en el mundo de la lucha libre como Fritz Von Erich y sus hijos.
El patriarca de la familia, Fritz Von Erich (cuyo nombre real era Jack Adkisson), fue un luchador profesional estadounidense que alcanzó la fama en la década de 1950 y 1960. Fritz fundó su propia promoción de lucha libre en Texas, conocida como World Class Championship Wrestling (WCCW), que se convirtió en una de las más importantes en la escena de la lucha libre estadounidense.
Los hijos de Fritz, especialmente David, Kevin y Kerry, siguieron los pasos de su padre y se convirtieron en estrellas destacadas en la lucha libre profesional. Los hermanos Von Erich eran conocidos por su estilo atlético, carismático y emocionante, y se convirtieron en íconos del deporte durante la década de 1980.
Hermanos Von Erich
Sean Durkin escritor y director de la película «La Garra de Hierro» cuenta que era fanático de la lucha libre desde pequeño pero, viviendo en inglaterra le era muy difícil poder ver las luchas por lo que se mantenía informado a través de revistas especializadas en este deporte, allí fue dónde se entero que Kerry Von Erich había fallecido y esta noticia junto a la historia de la familia de luchadores no sólo lo impactó sino que plantó una idea que llevaría a cabo mucho tiempo después, llevar la historia de la familia Von Erich a la pantalla.
«The Iron Claw no trata sobre el dolor y la tristeza, sino sobre la ausencia de dolor y lo que puede suceder cuando las personas se niegan a mirar su dolor. Su historia familiar es una pequeña pieza de la historia estadounidense, pero desentierra la roca madre de la masculinidad extremadamente equivocada y una mentalidad generacional que ha dañado nuestra cultura de formas que apenas estamos empezando a comprender.»
Ya se encuentra en cines la película «Anatomía de una caída» (Anatomie d’une chute), dirigida por Justine Triet.
Esta cinta que ha sido reconocida desde su estreno: obteniendo la Palma de Oro (máximo galardón otorgado por el Festival de Cine de Cannes), Globo de Oro como Mejor Película de habla de Inglesa y Mejor Guion, y está nominada a cinco Premios Oscar (Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actriz, Mejor Guion Original y Mejor Montaje), nos sumerge en un intrigante laberinto de realidades y percepciones, donde la construcción de la verdad se convierte en el eje central de la trama.
El guion fue escrito por la directora junto a su esposo Arthur Harari. La historia se desenvuelve en torno a una familia fracturada después de un trágico accidente que dejó al hijo de la pareja, Daniel, interpretado magistralmente por Milo Machado Graner con una pérdida parcial de visión. La muerte misteriosa del esposo, Samuel (Samuel Theis), desencadena una serie de eventos que llevan a Sandra encarnada de manera convincente por Sandra Hüller, a ser arrestada y juzgada por asesinato. Mientras el proceso legal avanza, se revelan las complejidades de las relaciones familiares, marcadas por la depresión, la culpa, la competencia entre la pareja y el duelo.
Justine Triet opta por sumergir al espectador en un ambiente austero y desolado, reflejando la soledad interna de los personajes. Este paisaje alejado y frío se convierte en un personaje más de la historia, contribuyendo a la atmósfera sombría que envuelve a los protagonistas.
Lo notable de «Anatomía de una caída» radica en su capacidad para mantener el interés del espectador sin recurrir a efectos especiales ostentosos. La fuerza de la película reside en sus diálogos afilados y en la habilidad de sus actores para transmitir la complejidad emocional de sus personajes. A medida que la trama avanza, el público se ve inmerso en la incertidumbre de qué es verdad y qué no, acompañando a los protagonistas en su búsqueda de respuestas.
Un dato curioso pero no menor sobre lo notable de las actuaciones en esta película es que incluso Snoop (perro guia de Daniel), interpretado por «Messi» obtubo el premio «Palm Dog» (premio alternativo anual presentado por los críticos internacionales de cine durante el Festival de Cine de Cannes, a la mejor actuación de un canino).
Acaba de llegar a Netflix la película sueca «Gracias, lo siento«. La película está categorizada como comedia dramática aunque tiene poco de comedia y bastante de drama. La historia comienza cuando Sara, a semanas de dar a luz a su segundo hijo es abandonada sorpresivamente por Daniel, su esposo, pero lejos de ser un drama de parejas o la historia de un divorcio la trama da un giro porque esa misma noche Daniel muere durmiendo, debido a una falla cardíaca.
Esta situación deja a Sara en medio de un torbellino emocional, por un lado con la responsabilidad de cuidar sola a su hijo Elliot de 5 años, esperando al nuevo bebé, intentando sobrellevar el dolor del duelo y la realidad que suponía que Daniel la pensaba abandonar. A eso se le suma la presencia de sus suegros que a pesar de tener buenas intenciones, se entrometen.
Con este panorama planteado aparece Linda su hermana mayor de quien Sara estaba distanciada y con su llegada la historia toma su curso y se desarrolla. Nos encontramos con un drama sencillo que habla sobre el perdón, sobre las relaciones de familia, sobre las diferentes maneras de enfrentar las situaciones que nos toca en la vida.
El 22 de Diciembre de 1972, hace exactamente 51 años, Fernando Parrado y Roberto Canessa se encontraron con la salvación y la esperanza al lograr hallar al arriero chileno Sergio Catalán. En ese momento, habían transcurrido 72 días desde que el avión de la Fuerza Aérea Uruguaya se estrelló en la cordillera. De los 45 pasajeros que partieron el viernes 13 de octubre desde Montevideo, únicamente 16 lograron sobrevivir. Como Uruguaya crecí con el relato de este suceso tan increible como impactante, tan presente en nuestro imaginario y en nuestra historia.
¿Por qué es importante revivir los hechos y que esta historia se vuelva a contar?
Primero que nada, la historia es un testimonio de la capacidad humana para enfrentar desafíos extremos y superar situaciones adversas. La lucha por la supervivencia en condiciones tan difíciles sirve como una lección inspiradora y motivadora.
La historia plantea preguntas éticas y morales cruciales sobre las decisiones que las personas deben tomar en situaciones límite. Examina cómo la moralidad se pone a prueba cuando la vida está en juego, proporcionando reflexiones valiosas sobre la naturaleza humana.
Al revivir esta historia, se rinde homenaje a los héroes que emergieron en medio de la tragedia y nos enseña cómo la solidaridad y el compañerismo son fundamentales en las circunstancias más difíciles.
El 4 de enero se estrenará en Netflix , pero hoy tenemos la oportunidad de ver esta historia en pantalla grande y afirmo que es la mejor forma de vivir esta experiencia. La sociedad de la nieve dirigida y escrita por J. A. Bayona, está basada en el libro homónimo de Pablo Vierci. Se destaca por su impactante cinematografía, efectos visuales y sonoros que sumergen al espectador en la experiencia de acompañar a los personajes en esta travesía.
La película se mantiene fiel a los hechos reales, capturando con precisión los eventos históricos y ofreciendo una representación auténtica de la tragedia. Los sobrevivientes han comentado que es la adaptación con la que realmente se han visto reflejados. Los actores hicieron un trabajo magnífico demostrando un compromiso excepcional con sus personajes, entregando interpretaciones conmovedoras y auténticas.
Y uno de los puntos más destacables a mi criterio es el respeto y sensibilidad con la que se abordan todas las situaciones vividas por quienes estuvieron en la montaña, evitando sensacionalismos y tratando con empatía las complejidades de la historia.
El documental «El Retrato de mi Padre«, dirigido por Juan Ignacio Fernández Hoppe, es una obra valiente y conmovedora que explora la complejidad de la identidad, de la vida y sobre todo de la muerte del padre del director, marcada por la tragedia y el enigma, y la búsqueda incansable de comprenderlo treinta años después.
La historia desarrolla el tema de la enfermedad psiquiátrica, el abuso de medicamentos y la ausencia de respuestas concretas sobre la muerte de Juan José.
Tráiler El retrato de mi padre
Juan Ignacio Fernández Hoppe no solo dirige este documental, sino también participa en la dirección de fotografía y contribuye al guion y montaje, lo que evidencia su compromiso y pasión por este proyecto.
«Para hacer esta película tuve que prestarle la cámara a ese niño de 8 años que no creyó del todo que su padre había muerto, porque la muerte es cosa de adultos. Solo ese niño podía creer que retratar a su padre era una especie de juego de encastre de piezas. Si me esfuerzo lo suficiente, si logro filmar sus pertenencias de tal o cual modo, si filmo la playa donde lo encontraron ahogado, o si escuchamos su música, o qué tal si consigo que mi madre confiese lo inconfesable. En definitiva, si reúno todas las piezas necesarias, lo voy a lograr: podré traerlo de vuelta a la vida. Pero no funciona de esa manera. Porque los objetos son mudos, los expedientes nunca dicen toda la verdad y los testimonios siempre son insuficientes. Fue preciso perder la fe, sentir que esta autopsia cinematográfica había fracasado, para de esa manera acercarme un poco a la frustración que puede haber llegado a sentir mi padre al ver que sus sueños se hacían añicos. Fue entonces que ocurrió el milagro. De eso se trata esta película».
La investigación a cargo de Carlos Schulkin se presenta como un elemento clave en la película, ofreciendo una base sólida para la reconstrucción del retrato del padre y la comprensión de su vida multifacética como músico inclasificable y musicoterapeuta de adolescentes discapacitados.
«El Retrato de mi Padre» ha sido aclamado en diversos festivales de renombre, incluyendo el IDFA y BAFICI, destacando su relevancia y calidad a nivel internacional. La película, apoyada por instituciones como INCAU-ACAU y la Intendencia de Montevideo, ha logrado capturar la atención de la audiencia y la crítica, consolidando su posición como un documental imprescindible en el panorama cinematográfico actual.
«El retrato de mi padre» está en exhibicion en Cinemateca, Sala B Cine Sodre, Life Cinema desde el 05/10/23. Por funciones especiales y horarios pueden consultar el siguiente link: EL RETRATO DE MI PADRE
Lo que en sus primeros capítulos parecía ser la historia de un hombre recién divorciado, sufriendo una crísis de los 40, luchando para volver a insertarse en el mundo de las citas y el sexo virtual terminó mutando, muy favorablemente, en otra cosa. Trata sobre la amistad, el matrimonio, la familia, el divorcio, las frustraciones, el cambio y también la permanencia. Se tocan temas como la satisfacción y la carencia de esta, la salud mental, en definitiva es una serie sobre la vida y como todo coliciona cuando se entra en la mediana edad. También es una historia que demuestra que cada persona conoce y tiene una versión de los hechos donde todos tenemos un mundo interno, probablemente desconocido para quienes nos acompañan.
Tenemos un relato narrado por una voz femenina, que es nada menos que Libby (Lizzy Caplan), la mejor amiga de Toby (Jesse Eisenberg). Él se acaba de separar y se muda a un pequeño apartamento para volver a empezar. Una mañana despierta y su ex mujer había dejado a sus hijos durante la noche sin decirle nada, no responde sus mensajes, no contesta las llamadas, el tiempo pasa y todo indica que no va a aparecer. En medio de la asaña para descubrir dónde está Rachel (Claire Danes) deberá entender cómo y por qué su vida, que parecía perfecta, se desmorona. Es una serie que engancha, intriga, te hace reír pero mas que nada llorar.
La nueva vida de Toby (título original: Fleishman Is in Trouble) es una miniserie dramatica de ocho capítulos, dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris, basada en la novela homónima de Taffy Brodesser-Akner. Se puede ver en Star+, y la recomiendo.
Love and Death es una serie limitada (7 episodios) original de HBO Max, protagonizada por Elizabeth Olsen y Jesse Plemons.
Sinopsis: Este desconcertante drama, escrito por David E. Kelley y dirigido por Lesli Linka Glatter, cuenta la historia real de Candy y Pat Montgomery y Betty y Allan Gore, dos parejas religiosas que disfrutan de su vida en un pequeño pueblo de Texas, hasta que un romance extramarital desencadena un final no premeditado.
El elenco se compone por: Elizabeth Olsen, Jesse Plemons, Lily Rabe, Patrick Fugit, Krysten Ritter, Tom Pelphrey, Keir Gilchrist y Elizabeth Marvel.
La miniserie está inspirada en el libro «Evidence of Love: A True Story of Passion and Death in the Suburbs» y una colección de artículos de Texas Monthly («Love & Death in Silicon Prairie», Parte I y II) y la misma presenta de manera meticulosa y precisa uno de los delitos más controvertidos ocurridos en el estado de Texas.
Si sos fan de los TRUE CRIME y te gustan las sorpresas lee hasta acá, mirá la serie que la super recomiendo y luego volvé para seguir leyendo.
A partir de acá van a haber datos del caso real que serán un spoiler para la serie.
En el año 1980, el nombre Candy Montgomery ocupó la primera plana de todos los medios tras ser acusada de matar a Betty Gore, esposa de su amante. El asesinato tuvo lugar en Wylie, Texas, el 13 de junio de 1980. Durante el ataque, Gore recibió cuarenta y un hachazos.
Candy Montgomery era una devota y complaciente ama de casa, popular entre sus amigos en la parroquia a la que asistía y con sus vecinos. A pesar de esto siempre manifestaba aburrirse en su matrimonio, por lo que decide tener una aventura extramarital con Allan Gore, compañero de su parroquia y amigo de la familia. Tras varios acercamientos, Allan accede a tener un affaire con Candy, pero despues de un tiempo esta relación empieza a tener consecuencias en sus vidas y acaba desembocando en un final trágico.
Candy Montgomery – foto del día del juicio
Un jurado compuesto por nueve mujeres y tres hombres finalmente resolvió el 29 de octubre de 1980 declarar a la acusada no culpable: Candy fue absuelta de los cargos de asesinato ante la mirada incrédula del público.
Según el portal Texas Monthly, Candy y su esposo abandonaron Texas tras el juicio en 1980: la pareja se instaló en Georgia para intentar seguir con su vida, pero terminó divorciándose cuatro años más tarde.
Por su parte, Entertainment Weekly, añade que la mujer volvió a usar su apellido de soltera, por lo que ahora se presenta como Candace Wheeler, y trabaja como consejera de salud mental junto a su hija Jenny.
Hay una frase que viene a mi mente después de ver esta película y es «no hay un manual para ser padre/madre».
El 23 de marzo se estrena en cines «El hijo», dirigida por el dramaturgo Florian Zeller y basada en su obra de teatro. Esta película se presenta como la segunda pieza de una trilogía familiar que comenzó con «El padre», que ganó el Oscar en la categoría mejor guion adaptado y mejor actor para Anthony Hopkins, si no la vieron la recomiendo, pero hay que aclarar que una historia no tiene relación con la otra. La próxima pieza será «La madre».
Lógicamente la vara estaba demasiado alta para esta nueva entrega y a pesar de ser una buena película no logra superar el efecto que te produce ver «El padre». Sin embrago, es una película importante ya que deja planteados varios temas que vale la pena reflexionar después de verla.
En esta historia el protagonista es Peter (Hugh Jackman), que rehizo su vida junto a Emma (Vanessa Kirby) y tuvo un bebé. Pero todo se empieza a desmoronar cuando su ex esposa Kate (Laura Dern) le pide ayuda con el hijo adolescente de la pareja: Nicholas (Zen McGrath), que está atravesando un momento difícil y se ha tornado distante, un tanto agresivo y no ha asistido a la escuela en más de un mes. Kate siente que ya no logra comunicarse con él y que es momento de que Peter tenga más relevancia en su vida y educación.
Tráiler oficial
A partir de acá hay SPOILERS
Cuando te convertís en padre / madre empezás a tomar conciencia de que todas y cada una de las decisiones que tomes a partir de ese momento afectarán de alguna manera a ese ser que le diste vida. En esta película al igual que en «La ballena» vemos como la decisión del padre de tomar distancia de la familia para rehacer su vida afecta directamente a los hijos de ese antiguo matrimonio. En el caso de Charlie (Brendan Fraser) esto tuvo una reacción en su hija, que con el abandono y cúmulo de ira se convierte en alguien problemático. En el caso de Peter (Hugh Jackman) la misma decisión, le causa una profunda depresión.
Fotograma de la película
Es una pelicula que se desarolla de forma lenta y te deja una sensación de angustia y frustración. No intenta explicar qué es lo que le pasa al hijo, ni siquiera él lo sabe exactamente; pero deja planteado el tema de la depresión, que en la mayoría de los casos no tiene una explicación clara o razones lógicas y ese es el motivo de su gravedad, ya que le puede tocar a cualquiera, y los que rodean a quien la padece no logran comprender esta situación.
Otra de las temáticas que se plantean es el suicidio, por lo que es una película ideal para ver con hijos adolescentes y utilizarla para poner la temática sobre la mesa y abrir la conversación.
Las actuaciones de todos los personajes están muy bien logradas, pero la película cae en los cliches típicos de lo que se puede esperar de una depresión, llanto, tristeza, autoflagelación, etc. y no muestra otras facetas más complejas de percibirla.
Hoy (19 de enero) se estrena en cines «Babylon», escrita y dirigida por Damien Chazelle (La la land, Whiplash).
Poster/Arte de la película
Esta película es el resultado de una idea que surgió 15 años atrás y una exhaustiva investigación para lograr la excelente ambientación de lo que fueron los comienzos de Hollywood. La historia es un homenaje al cine, sus comienzos, el ascenso y caída de sus personajes principales, sus excesos, excentricidades y ambiciones.
El relato comienza en los años 20, con la industria cinematográfica en pleno auge, sin sonido, sin color, con poca experiencia pero con ganas de experimentar en todo y sigue el recorrido por los años subsiguientes acompañando a sus personajes principales por los cambios técnicos y tecnológicos y lo que ellos implicaron. “Deseaba analizar bajo el microscopio los primeros días de una forma de arte y una industria cuando ambas daban apenas sus primeros pasos”, explica Chazelle; “y en un nivel más profundo, me gustaba la idea de ver cómo cambia una sociedad. Hollywood vivió cambios vertiginosos y en ocasiones cataclísmicos en la década de 1920, donde algunas personas sobrevivieron, pero muchas otras no. En términos actuales se llamaría una ruptura. Observas lo que vivieron estos individuos y percibes el costo humano que acompañó la ambición que atrajo a tanta gente a Los Ángeles en aquella época. En esta transición hay un aspecto más sombrío que yo había apreciado antes. Esto excede la llegada del sonido sincronizado para incluir nuevos códigos morales que culminaron finalmente en el Código de Producción de los años 30 y en la reorganización de una comunidad más libre, no reglamentada, dentro de la industria corporativa global que conocemos hoy en día. Y al mismo tiempo está la transformación de Los Ángeles de ser un poblado desértico básicamente rural al iniciar los años 20, para convertirse en una de las principales megalópolis del mundo al terminar la década. Gran cantidad de glamorosos edificios y estudios de cine surgieron de las cenizas, pero la catástrofe humana fue considerable”.
Sus protagonistas: Al tratarse de una historia coral, durante la cinta vamos conociendo diferentes figuras del mundo del espectáculo entre ellos directores, técnicos, actores, críticos, músicos, productores,etc, sin embargo hay seis personajes que se podrían considerar principales y son los hilos conductores del relato. Ellos son: Nellie LaRoy, una chica decidida a triunfar en Hollywood cueste lo que cueste, interpretada por Margot Robbie. A pesar de que el personaje de Laroy se inspiró en diversas estrellas del cine mudo, como por ejemplo Jeanne Eagels, Alma Rubens, Lia LaPutti, Thelma Todd y Mary Nolan, la historia real de Clara Bow es la preponderante y la que llevó a Robbie a entender y compenetrarse en profundidad en la vida de Nellie.
Manny Torres desea destacar en Hollywood y está en la búsqueda de un lugar dentro del mundo del cine, siempre listo para aprovechar las oportunidades que se le presentan. Es interpretado por Diego Calva, actor mexicano conocido por su personaje en la serie de televisión «Narcos».“Manny se transforma en nuestros ojos y nuestros oídos”, dice Chazelle. “Tenemos un mundo que excede todos los parámetros y queríamos mostrar cómo podría experimentar eso un forastero. Un extraño que se asomó a ese ambiente y tocó muchas puertas deseando formar parte de ese universo que observa desde sus márgenes. Él es nuestro punto de acceso y, a la larga, nuestro guía a través de la historia”.
Al igual que los demás personajes de esta película la inspiración para crear a Manny provino de varias figuras reales. Una de ellas fue René Cardona, un inmigrante cubano en el Hollywood de los años 20 que ascendió hasta ser el ejecutivo de un estudio de cine más joven en la ciudad y más adelante fue parte esencial en la Época de Oro del cine mexicano. Enrique Vallejo, un inmigrante mexicano que empezó como camarógrafo para Chaplin antes de convertirse en director y supervisor de producción, así como los hermanos Rodríguez, que participaron en el inicio del sonido sincronizado a finales de la década de 1920 en Hollywood.
Brad Pitt da vida a Jack Conrad, una estrella del cine mudo en la cúspide de su carrera. “Brad es uno de los pocos artistas actuales que te transmite la sensación de cómo podría haber sido una estrella de cine de la vieja escuela”, declara Chazelle. “Tiene esta especie de aura intemporal de un actor de esa época que expresa aparentemente sin esfuerzo. Esto es lo que ocurre con Brad, sobre todo en este punto de su carrera. No percibes el trabajo… es invisible e inherente. Es algo mágico que tiene él”. Jack evoca el aspecto de John Gilbert, Douglas Fairbanks y Rodolfo Valentino, los principales actores en la época del cine mudo.
Sidney Palmer (Jovan Adepo), es un trompetista de Jazz siempre presente musicalizando las excéntricas fiestas que se llevaban a cabo en Los Angeles. Con la llegada del sonido logra incorporarse al mundo del cine en roles protagónicos.
La inspiración para el personaje de Palmer fueron Duke Ellington, Louis Armstrong, Ethel Waters, Bessie Smith. Ellos trabajaban como actores en escena e interpretaban su música. También había músicos ubicados en Los Ángeles, como Curtis Mosby, Les Hite, Sonny Clay y otros que aparecen en películas con sus bandas. En palabras del director: “Yo deseaba que Sidney experimentara este salto de ser un músico trabajador en los márgenes de la industria cinematográfica hasta convertirse en estrella de Hollywood y, aunque tiene dudas al principio, a la larga se integra y lo acompañamos en ese camino”.
Lady Fay Zhu (Li Jun Li). En las fiestas es presentada como la “Esmeralda de Oriente y el Ornamento de Occidente”, mientras hace presentaciones que alimentan el fetichismo oriental que se vivía en esa época, sin embargo Zhu tiene varias funciones dentro de la industria, una de ellas es la de realizar los carteles (intertítulos) en las películas mudas, función que queda obsoleta con la llegada del sonido. Zhu está inspirada en Anna May Wong
Elinor St. John (Jean Smart) es la columnista de chismes del mundo del espectáculo y también la encargada de anunciar las últimas novedades tanto del cine como de sus protagonistas. Ella puede impulsar o destrozar la carrera de los famosos. Chazelle se inspiró en Elinor Glyn, Adela Rogers St. Johns y en Louella Parsons, aunque su musa fue el personaje de Addison DeWitt en «All About Eve».
Trailer oficial Babylon
Babylon es una película de 3 hs 9 minutos, sin embargo no se siente larga ni pesada gracias a la historia en sí y a la edición que estuvo a cargo de Tom Cross quien ya había editado anteriormente para Chazelle. La historia de cada personaje, el ritmo, el caos, la velocidad, la música, el drama y la comedia están perfectamente conjugados y hace que al ver Babylon sientas lo vertiginoso de esa época.
La película se centra en un festejo de Navidad de principios de los años 90, cuando la Princesa Diana descubre que el Principe Carlos la está engañando y decide terminar con la relación y todo lo que ello implica por ser parte de la Familia Real. La historia se desarrolla durante tres días en los que se nos muestra el sufrimiento y descenso psicológico por el que estaba atravesando Diana. Su forma de revelarse contra la autoridad que imponía La Corona, desde dictar que ropa se debía usar hasta lo que había que comer.
Kristen Stewart es la encargada de dar vida a Diana, y su actuación no sólo ha sido elogiada sino que también premiada, resultando ganadora como Mejor Actriz en los Festival Internacional de Cine de Palm Springs, Premios Sunset Circle, Asociación de Críticos de Cine del Área de Washington D.C., Women Film Critics Circle, Asociación de Críticos de Cine de Chicago, Asociación de Críticos de Cine de San Luis, Asociación de Críticos de Cine de Dallas-Fort Worth, hasta el momento.
Kristen Stewart – Spencer
Para esta narración que en definitiva es una fábula, como se anuncia en el comienzo de la película, Larraín y Knight podían haber elegido cualquier momento de la escandalosa vida de la pareja, sin embargo decidieron centrarse sólo en Diana. No hay grandes conflictos, ni enfrentamientos, La Familia Real queda relegada a un segundo plano en el que apenas se los ve y en el que el diálogo con ellos es escaso. Todo pasa a traves de Diana y la servidumbre, que funcionan como espias y mensajeros, pero también de apoyo y amistad. Con este recurso han logrado transmitir a la perfección la sensación de agobio, persecución, martirio y soledad que debía sentir La Princesa antes de tomar la desición de abandonar todo lo que había logrado durante sus once años de matrimonio.
El direcctor Ariel Winograd y el guionista Mariano Vera regresan al cine en este 2022 con «Hoy se arregla el mundo» una comedia dramática sobre la relación padre/hijo y lo que verdaderamente significa la paternidad.
Con esta película se completa la trilogía sobre paternidad que comenzó en el 2015 con «Sin Hijos», seguida en el 2017 con «Mamá se fue de viaje».
SINOPSIS:
David Samarás, alias “el Griego” (Leonardo Sbaraglia) es un hombre soltero, independiente e indiferente de 45 años, productor general del popular talk show “Hoy se arregla el mundo”, donde pretendida gente común que resuelve conflictos. El Griego nunca ha podido entablar un vínculo duradero. El lazo más perdurable en su vida ha sido su hijo de 9 años, Benito (Benjamín Otero), fruto de una relación ocasional, aunque su lazo se da más por obligación legal que por el afecto. La historia da un giro cuando en medio de una fuerte discusión con Silvina (Natalia Oreiro), mamá de Benito, comienza a sospechar que Benito no es su hijo.
Silvina muere y El Griego comprueba sus sospechas, noticia que lo libera de la responsabilidad de la paternidad y decide contarle la verdad al chico: «no soy tu padre». Ante la noticia Benito le pide que haga una última cosa por él: -» Ayudame a encontrar a mi verdadero papá«. El Griego acepta. La búsqueda del progenitor los llevará a una encrucijada mucho más grande de la que salieron a enfrentar.
Trailer «Hoy se arregla el mundo»
Fecha de estreno: 13 de enero 2022.
Esta comedia con un tinte de drama es ideal para ver en una tarde de verano. Si bien desde el inicio del film uno puede descubrir cual va a ser su final tiene momentos divertidos y otros lacrimógenos. El puntaje a favor se lo lleva Benjamín Otero con su interpretación ya que es adorable y sobre todo creíble.
La vida es un conjunto de días concatenados, uno tras otro. Estamos inmersos en una rutina, planes, sueños, metas. Se podría decir que generalmente podemos predecir casi con exactitud que va a pasar mañana. Pero existen momentos claves, a veces en un simple segundo, nuestra rutina cambia y hace que toda la vida como la conocemos tome un nuevo rumbo.
¿Cuántas veces reconocemos ese preciso instante en el que nuestra vida cambió para siempre?
Life Itself (Como la vida misma) es un retrato de estos momentos. Dan Fogelman (guion y dirección) nos presenta una historia coral, donde el amor, la vida y sobre todo la muerte se van interconectando con sus personajes a través de varias generaciones. Está protagonizada por Oscar Isaac, Olivia Wilde, Mandy Patinkin, Olivia Cooke, Laia Costa, Annette Bening y Antonio Banderas. Su estreno fue en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 8 de septiembre de 2018 y recientemente fue agregada a la lista de estrenos en Netflix.
Fotograma de la película.
La película está dividida en capítulos y el relato comienza con la historia de Will (Oscar Isaac), un guionista frustrado, que sufre de depresión severa luego de que su esposa Abby (Olivia Wilde) , con quien esperaba a su primer hijo, ya no está a su lado. A medida que la historia avanza vamos cambiando de narrador, pero siempre sobre las bases de la conexión que existe entre los personajes.
A pesar de que Como la vida mismaha recibido reseñas negativas por parte de la crítica y puntuación mixta por parte de la audiencia, yo la recomiendo. Se la ha culpado de poseer diálogos forzados y de tener personajes acartonados que son movidos como títeres por situaciones poco probables. Tal vez, quienes percibieron eso de este guion no han tenido que lidiar con «esos momentos» en los que la vida cambia drásticamente en un segundo. Tal vez no han sido capaces de percibir qué tan conectados estamos unos con otros, aunque no nos conozcamos. Probablemente todavía no se dieron cuenta de que una sopa de murciélago bebida por una persona al otro lado del mundo puede cambiar el curso de la historia para todos.
Luego de haber sido múltipremiada en toda la temporada de premios 2019 / 2020, logró el Óscar no sólo a mejor película extranjera sino también como mejor película, mejor director y mejor guion original. Arrasó en el Festival de Cannes (mejor director – mejor guion – premio del jurado- mejor actriz – mejor actor – gran premio) – destacó en los premios del sindicato de actores en mejor reparto. Ganó como mejor película de habla no inglesa, mejor guion y mejor director en los Globos de Oro, ahora llega a Netflix y promete ser el mejor estreno de setiembre.
No es para menos, en una era donde el cine parece no tener nada nuevo que presentarnos, más que tecnología y remakes, aparece un film como PARÁSITOS, desde Corea del Sur de la mano del director Bong Joon-ho. Una historia de familia, que mezcla drama, critica social, humor negro, una pizca de terror y suspenso, con giros tan inesperados que sorprenderían al mismísimo Alfred Hitchcock.
Sinopsis: Ki-taek (Kang-ho Song) es el patriarca de una familia humilde que con trabajos precarios a duras penas sobrevive. Cohabitan en un subsuelo de un barrio pobre de Seúl y hasta roban wifi de sus vecinos. Su situación comienza a cambiar el día que su hijo es recomendado por un amigo para dar clases particulares de inglés en casa de los Park, una familia adinerada. Utilizando su simpatía e ingenio, el joven logrará ganarse la confianza de la señora de la casa, y poco a poco conseguirá introducir a su familia en distintos trabajos del servicio doméstico. Esto desencadenará un sin fin de situaciones escabrosas de las que les será difícil escapar.
Esta película, además de ser entretenimiento, tiene como base una cruda representación de la realidad y choque social. Es cruel y a la vez entretenida. Hace que pases de un momento de risa al asombro y luego a la tristeza total.
Aún sin estreno confirmado para el Uruguay «Vacío» va generando expectativas gracias a su desempeño en Festivales Internacionales.
Esta co-producción Ecuador (Paul Venegas) – Colombia (Giuliano Cavalli) – Uruguay (Esteban Schroeder) nos habla sobre la migración ilegal de chinos en Ecuador.
La historia tiene como protagonistas a Lei ya Wong que llegan clandestinamente a Ecuador gracias a un mafioso llamado Chang quien utiliza su poder para mantenerlos bajo su órbita. Lei sueña con iniciar su vida en Nueva York, Wong desea poder traer a su hijo desde China. Los protagonistas deberán luchar para conseguir su libertad y lograr alcanzar sus sueños.
La película comenzaba a cosechar victorias desde su guion creado por el mismo Paúl Venegas junto a Carlos Terán Vargas ya que resultó ganador como mejor proyecto en el Festival Internacional de Cine de Pekín y así logró los fondos necesarios para comenzar su realización.
Luego ganó como mejor largometraje en el Quinto Festival Internacional de Cine de Guayaquil. Además fue seleccionada para ser exhibida en el Festival Internacional de Cine de Busan.
La última novedad que tenemos es que fue seleccionada para representar a Ecuador en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, institución que se encarga de realizar los Premios Oscar. Por lo que podría llegar a estar presente en la categoría de “mejor película de habla no inglesa» de la edición 93ª de los Premios Oscar.
Después de casi cinco meses de inactividad provocada por la pandemia de Covid -19, en la que se vio afectado el cine del mundo entero, el MEC dio el visto bueno para reabrir las salas de espectáculos al público, cumpliendo con un estricto protocolo de seguridad en el que se asegure el distanciamiento físico y la higiene del lugar en esta llamada «nueva normalidad».
Si bien el mundo cinematográfico no se había pausado del todo, gracias a la apertura de autocines y a la cantidad de contenido que apostó por plataformas de streaming, lo que sí se habia visto realmente afectado era la disponibilidad de estrenos de grandes producciones. El problema central radica en que la industria funciona en conjunto con dos grandes agentes: por un lado los exhibidores (las salas) y por otro los distribuidores (dueños del contenido) y estos últimos tenían pensado pausar sus actividades hasta que la situación sanitaria se normalizara en el mundo entero. Situación ideal pero bastante lejana.
Sin embargo a comienzos del mes de agosto se realizó en nuestro país la reapertura de Cinemateca, de la sala de Cine Universitario y de la sala cinematográfica Nely Goitiño del Sodre, con estrenos de cine independiente.
A pesar de esto, el público seguía expectante de los estrenos del cine comercial, y para todos ellos es que traemos una buena noticia. Exhibidores y distribuidores llegaron al acuerdo de trabajar con cada país de manera particular y gracias a esto a partir del jueves 3 de setiembre reabren todas las salas de cine de Montevideo y del interior del país.
Por dicha apertura, vamos a detallar los estrenos:
«AL MORIR LA MATINÉE»: Co-producción de Uruguay y Argentina, dirigida por Maxi Contenti, con guión de Manuel Facal. Ubicada entre los géneros de: Terror, Slasher, Suspenso y Gore. En palabras de su director «Al Morir la Matinée ante todo se trata de una experiencia sensorial, una especie de “tren fantasma” audiovisual, que busca hechizar al espectador…inspirado en el cine de terror “Giallo” y Slasher, fue pensada como una obra plástica y sugestiva, hiperrealista en la puesta de escena y tiempos narrativos…”
Póster de la película Al morir la Matinée
Sinopsis: Llueve torrencialmente en Montevideo un domingo de 1993. Un hombre particularmente sospechoso ingresa a la última función de una película de terror en un cine céntrico. La sala poco concurrida debido a la tormenta que arrecia fuera, comienza a teñirse lentamente de sangre. Ana, la hija del proyeccionista, quien ha tomado el lugar de su padre, sólo por esa noche, está a cargo de la función. En la oscuridad del cine, los espectadores caen uno a uno en manos del asesino. Desde la sala de proyección Ana comienza a notar que algo extraño sucede. Una adolescente y un niño que se escurrió en la sala se encontrarán con Ana mientras intentan escapar. Juntos deberán enfrentar a este sádico y despiadado asesino, para salvar sus vidas y evitar una masacre en la matinée.
Trailer «Al morir la Matinée
«LOS NUEVOS MUTANTES»: Twentieth Century Studios y Marvel Entertainment presentan este filme de terror y suspenso dirigido por Josh Boone y escrito por Boone y Knate Lee. Tanto Boone como Lee eran fanáticos de los cómics de los X-Men y se sintieron particularmente atraídos por la historia de Los Nuevos Mutantes, que se lanzó como la novela gráfica de Marvel número 4, en 1982. Escrita por Chris Claremont e ilustrada por Bob McLeod, la serie presentaba a un grupo completamente nuevo de personajes que tenían muy poco en común con los estudiantes de la «Escuela para Jóvenes Talentos» de Charles Xavier.
Poster – Los nuevos mutantes
Sinopsis: Rahne Sinclair (Williams), Illyana Rasputin (Taylor-Joy), Sam Guthrie (Heaton) y Roberto De Costa (Zaga) son cuatro jóvenes mutantes encerrados en un hospital aislado de control psiquiátrico. La Dra. Cecilia Rey (Braga), que cree que los adolescentes son una amenaza para sí mismos y para la sociedad en su conjunto, los vigila de cerca y se esfuerza por enseñarles a controlar sus capacidades mutantes. Cuando la recién llegada Danielle “Dani” Moonstar (Hunt) se suma a los demás pacientes del centro médico, comienzan a producirse situaciones extrañas. Estos, empiezan a sufrir innumerables alucinaciones y flashbacks, y sus capacidades mutantes –así como su amistad– se ponen a prueba mientras luchan por salir con vida.
Trailer: Los nuevos Mutantes
«SHALOM TAIWAN»: Este drama llega desde Argentina de la mano del director Walter Tejblum con guión de Sergio Dubcovsky, Santiago Korovsky y el mismo Walter Tejblum
Poster: Shalom Taiwan
Sinopsis: Los problemas financieros de una comunidad judía que lidera en un barrio de la ciudad de Buenos Aires son una pesadilla para el Rabino Aarón. Su excesiva generosidad para ayudar arriesgándolo todo amenaza la obra que está llevando a cabo. Ni el optimismo ni la laboriosidad del Rabino, ni su viaje a Nueva York por donaciones, alcanzan para pagar una deuda que contrajo y además debe procurar no arruinar su comprometida armonía familiar. Acorralado y cubierto de agobio, Aarón intenta un último recurso: emprender un viaje al lejano Oriente para conseguir donaciones. La llegada a Taiwán es reveladora en todo sentido, lejos de las tradiciones conocidas, el Rabino Aarón debe enfrentar múltiples desafíos para lograr su objetivo.
Trailer: Shalom Taiwan
«AMENAZA EN LO PROFUNDO»: Este drama de misterio del director William Eubank tiene como protagonistas a Kristen Stewart, T. J. Miller y Vincent Cassel.
Poster: Amenaza en lo profundo
Situados a once kilómetros debajo de la superficie del mar, la tripulación de la operación minera Kepler pasó treinta días confinada en una plataforma submarina construida especialmente para resistir la presión del fresado, esto ya suponía cierta dificultad, pero cuando sobreviene un terremoto devastador, se desata un verdadero infierno.
Sinopsis: Una tripulación de seis integrantes queda atrapada en una instalación submarina que se está inundando a gran velocidad como consecuencia de un sismo devastador. Su única oportunidad para sobrevivir es caminar a través del suelo marino hasta una lejana plataforma petrolífera abandonada. Además de los retos físicos que implica el viaje, descubren rápidamente que están siendo cazados por depredadores marinos míticos y monstruosos, dispuestos a matarlos.
«BLOODSHOT»:Sony Pictures nos presenta esta adaptación del cómic de la editorial estadounidense Valiant Cómics.
Vin Diesel es quien da vida a Ray Garrison, un soldado recientemente asesinado en combate y devuelto a la vida como el superhéroe Bloodshot de la corporación RST. Esta noticia al parecer no fue del agrado de los fans ya que consideran que su imagen no concuerda con la del personaje original.
Imagen de Bloodshot de Valiant Cómics
Poster: Bloodshot
Sinopsis: La historia gira en torno al personaje de Angelo Mortalli, un delincuente de poca monta cuya carrera empieza a ascender de forma vertiginosa cuando comienza a trabajar como asesino a sueldo para el gobierno. Suponiendo una clara amenaza para los negocios de la calle, muere a manos de su propia gente. Sin embargo, su cuerpo cae en manos del FBI, que le inyecta nano-tecnología capaz de permitirle volver a la vida. Su cuerpo responde de una extraña manera: dotado de súper-fuerza y la habilidad de curación, lo que le permitirá ser prácticamente invencible, pero sin un solo recuerdo de su vida anterior. Una lucha a muerte contra todo enemigo que se plante en su camino mientras trata de viajar por su memoria para rescatar los pocos recuerdos que le ofrezcan una pista sobre quién era, un descubrimiento que quizás no quiera hacer.
Trailer: Bloodshot
También se podrá disfrutar de un estreno dedicado a la familia, especialmente a los más chiquitos:
«SCOOBY»: Película de animación dirigida por Tony Cervone es una comedia familiar que se remonta a los orígenes de la historia y nos cuenta como se conocieron Shaggy y el carismático perro Gran Danés parlante, y la posterior unión de la pandilla que formará la agencia Mystery Inc
Poster: Scooby
Está basada en la popular serie animada de televisión producida por William Hanna y Joseph Barbera, cuyos personajes crearon Joe Ruby y Ken Spears.
Sinopsis: Con cientos de casos resueltos y aventuras compartidas, Scooby y la pandilla se enfrentan al misterio más grande y desafiante de todos los tiempos: un complot para liberar al perro fantasma Cerberus en el mundo. Mientras compiten para detener esta escasez de perros global, la pandilla descubre que Scooby tiene un legado secreto y un destino épico más grande de lo que cualquiera podría haber imaginado.
«El conocimiento y la empatía es el mejor remedio contra el bullying«, este es un mantra que me repito continuamente y que quiero inculcar a mis hijos. Por esta razón hoy vuelvo a ver «Wonder» junto a mi niño de seis años y mientras la miramos intento responder a sus dudas.
Trailer subtitulado en español
-Mamá ¿que enfermedad tiene «Auggie«? es la primera pregunta que surge al ver esta película.
– August Pullman «Auggie» nació con el Síndrome de Treacher Collins, una enfermedad genética que se caracteriza por malformaciones del cráneo y del rostro. Afecta específicamente a la forma en que se desarrollan los huesos de la cara antes de que nazca el bebé.
Zack de 2 años en su visita a Jono Lancaster – Ambos tienen el Síndrome foto: Noelle Bobrige
Enseguida le surge otra duda que considero válida para un niño de seis años, pero que tal vez es una pregunta que otros tienen frente a enfermedades que no conocen: – ¿Eso es contagioso? Con una sonrisa y los ojos un poco mojados por la historia le respondo que no, que es una enfermedad que a veces surge en la panza de la mamá y que los niños que la padecen ya nacen así. Con esta respuesta terminamos de ver la historia de Auggie y logró no solo conocer algo al respecto de esta enfermedad sino también aprender sobre la empatía.
Este síndrome surge por una mutación en un gen del cromosoma 5, puede aparecer de forma espontánea o por la transmisión hereditaria del gen defectuoso, su presencia impide la correcta formación de los huesos del cráneo, los pómulos y la mandíbula, no afecta la inteligencia y ni la esperanza de vida de quienes la poseen. Pero como se muestra en el filme, para que esto sea posible el tratamiento para estos niños empieza desde el nacimiento. Los recién nacidos que padecen este síndrome suelen tener dificultades para respirar ya que sus vías respiratorias son estrechas, lo que se soluciona con tratamientos quirúrgicos y en algunos casos traqueotomía.
Fotograma del filme – Auggie siendo presentado a sus nuevos compañeros
«Wonder»(Extraordinario en Latino-américa) está basada en «La lección de Auggust», primer libro la serie «Wonder» que se compone de cuatro títulos. Su autora R.J. Palacios comenta que la idea para estas novelas infantiles surgió después de un incidente en el que su hijo pequeño comenzó a llorar cuando vio a una niña con severas malformaciones faciales. En ese momento Palacios retiró a su hijo del lugar para no entristecer a la niña y a su familia y empeorar la situación pero luego de escuchar la canción «Wonder» de Natalie Anne Merchant (en la que habla de un niño que nació con una enfermedad congénita) decidió que este tipo de situaciones pueden ilustrar un valioso conocimiento sobre las diferencias. Así surgió la idea para el nombre de la serie de libros y además utilizó el estribillo de la canción para el prólogo del primer libro:
«Oooh, creo, el destino, el destino sonrió Y el destino se rió cuando llegó a mi cuna Sepa que este niño será capaz Reí mientras mi cuerpo ella levantaba Sepa que este niño será dotado Con amor, con paciencia y con fe. Ella hará su camino, ella hará su camino»
Libros de la colección Wonder
Video clip de la cancion Wonder de Natalie Merchant
El libro fue llevado al cine de la mano del director Stephen Chbosky y se estrenó a fines del 2017. Actualmente es uno de los estrenos destacados de Netflix, siendo número uno en el ranking de vistas en Uruguay.
La historia es sencilla y conmovedora, nos presenta a August Pullman, interpretado por Jacob Tremblay («The Room», «Dr Sueño») un niño de diez años al que su familia llama Auggie, fanático de Star Wars, amante de la ciencia y que un día quiere llegar a ser astronauta. Lo único que lo diferencia con cualquier otro niño de su edad es que padece el Síndrome de Treacher Collins, por lo que desde su nacimiento se ha tenido que someter a más de veintisiete cirugías y ha crecido sabiendo lo que es ser observado de forma extraña, curiosa y siempre incómoda tanto por otros niños como por adultos.
Jacob Tremblay en la sesión de maquillaje para su personaje
Su vida da un giro cuando su familia decide que es momento de que empiece a asistir a la escuela secundaria (hasta ahora había sido educado en casa), esto hace que tenga que enfrentar los desafíos del mundo exterior sólo por primera vez. Situación nueva para toda la familia, sobre todo para su madre Isabel (Julia Roberts) que desde que él nació puso su vida en pausa para atenderlo. Abandonó su sueño de ser ilustradora de libros infantiles y la tesis que debía presentar para obtener su título.
Pero la película no se centra solamente en Auggie, a pesar que gira alrededor de él, la historia está dividida en pequeños capítulos donde conocemos las perspectivas de los diferentes miembros de la familia, como por ejemplo su hermana mayor «Vía» (Izabela Vidovic) y cómo la llegada de su hermanito cambió su mundo.
Fotograma de la película – Primer día de clases – Auggie acompañado de sus padres y hermana
Considero que «Wonder» es una película que todos deberían mirar y no pasar por alto los mensajes que esta tiene, el principal es que la belleza de cada ser está en su interior y que si no sos buena persona de nada sirve ser «bello». Pero además, a lo largo del film encontraremos preceptos como el que enuncia Summer en la primera clase de Auggie «si tienes que elegir entre tener razón y ser amable, elige ser amable».
Filmax acaba de estrenar el tráiler de la nueva película del director David Victori «No matarás». Un thriller que nos muestra como todo puede cambiar en una sola noche.
Dani interpretado por Mario Casas, es un estudiante de medicina que ha dedicado varios años de su vida a cuidar de su padre, enfermo de cáncer. Luego de que este muere, decide retomar su vida y emprender un largo viaje, pero justo antes de eso, conoce a Mila (Milena Smit), una joven muy misteriosa con un carácter inestable, que convertirá su última noche en la ciudad en una auténtica pesadilla.
Los acontecimientos de ese encuentro llevarán a Dani a plantearse cosas que jamás habría imaginado y que harán que su vida no vuelva a ser la misma.
Su estreno está previsto para fines de octubre en los cines de España, esperemos que pronto llegue también a Uruguay
Y lo cierto es que a Mario Casas no lo detiene ni siquiera el Covid-19 porque desde su debut en la serie juvenil SMS en el 2006 no ha parado de darnos material.
Su último estreno fue «Hogar» de Álex y David Pastor, que protagoniza junto a Javier Gutiérrez y la podemos disfrutar en Netflix, al igual que «Contratiempo«, «El fotógrafo de Mauthausen», «El Bar», «Bajo la piel del lobo», «Palmeras en la nieve» y otras.
Para lo que queda del 2020 además de «No matarás» le queda por estrenar «El practicante» una película del género thriller donde interpreta a un técnico en emergencias sanitarias que trabaja a bordo de una ambulancia, y luego de un grave accidente que lo obliga a permanecer en una silla de ruedas se obsesiona pensando que su pareja lo engaña. Esto lo lleva a vivir un auténtico infierno.
Y, por último, «El inocente» una serie del género drama basada en la novela del mismo nombre escrita por Harlan Coben donde se narra la historia de Mateo, un joven que al intentar mediar en una pelea acaba matando a alguien de manera accidental. Después de cumplir una condena de nueve años intenta seguir con su vida hasta que su pareja recibe una llamada que vuelve a poner la vida de Mateo en peligro.
Les comparto el Tráiler oficial de «No matarás» y me cuentan qué les parece.
Cuando lees el título «Historia de fantasmas» lo menos que pensás es que va a ser una película para terminar llorando. Lo cierto es que no me gusta para nada el cine de terror pero a pesar de su nombre me dio intriga por sus protagonistas: Casey Affleck y Rooney Mara.
Esta no es una película convencional, desde el comienzo uno percibe algo diferente, planos estáticos, el formato 4.3 de bordes redondeados, y el color sepia dan la sensación de estar mirando una fotografía vieja.
Tiene escenas extremadamente largas y abrumadoras, diálogos reducidos al mínimo y silencios eternos, pero lejos de tornarse aburrida nos da la sensación de ser nosotros mismos como ese fantasma, un testigo que está observando como la vida continúa y se repite constantemente.
¿Quién podría imaginar que una sábana con agujeros en lugar de ojos pudiera transmitir tantos sentimientos?
Ciertamente el director de esta cinta David Lowery sí lo pensó y no falló. La historia es sencilla y original a pesar de que ya se haya escrito sobre la vida después de la muerte una y mil veces.
«C» (Casey Affleck) muere en un accidente de tránsito dejando a su pareja «M» (Rooney Mara) sola. Sorpresivamente vemos como se levanta de la camilla en la morgue, quedando cubierto por la sábana que ahora tiene «ojos». Lentamente se dirige a la que fue su casa y observa a la persona amada. Con elipsis de tiempo mágicamente logradas vamos presenciando junto al fantasma como la vida continúa.
Lo original en la cinta es que cualquiera pensaría que la historia se dedicaría a mostrar como el alma, que no puede separarse del ser amado lo sigue y cuida a donde vaya, sin embargo cuando M reanuda su vida y se va de la casa que compartieron, C queda ahí, varado, navegando en el tiempo sin tiempo, observando, escuchando, perdido.
La clave está en que no es una película de amores perdidos, de duelos no resueltos, sino que es una película que habla de los espacios que ocupamos, de la historia de los lugares, del eterno bucle del tiempo y de la búsqueda constante de permanecer.
Perdida entre la lista de películas para adolescentes de Netflix me encontré con este título. Confieso como guilty pleasure que a veces se me da por mirar este tipo de películas: pubertos que están buscando el camino, que se enfrentan por primera vez a ciertas dificultades de la vida, acoso escolar, el famoso “Prom” y todas esas cosas.
Crecimos mirando y anhelando la vida estadounidense, quienes rondan mi edad recordarán “Ten Things I Hate About You”, “Jamás besada”, “High School Musical” y muchas otras, donde la menos popular era aceptada y todos eran felices para siempre.
Para mi sorpresa este no fue el caso y me encontré con algo un poquito más profundo y escabroso.
“Salvando a Zoe” es un thriller/drama basado en la novela homónima de Alyson Noël. Y retrata la existencia de Echo, una chica de 15 años que lucha por seguir adelante con su vida y comenzar el secundario un año después de que su hermana mayor Zoe fuera brutalmente asesinada.
Zoe era la típica chica perfecta, popular, buenas notas, novia del deportista y todos los clichés que nos podamos imaginar, Echo como la menor y tímida hermanita siempre se sintió poca cosa y aún luego de su muerte sigue viviendo a su sombra. Un día encuentra el diario íntimo de su hermana y comienza a leerlo. Esto le abre todo un nuevo panorama, no solo se da cuenta de que no la conocía para nada sino que comienza a tener pistas sobre qué fue lo que realmente le sucedió.
Si bien la historia tiene algunas inconsistencias con respecto a la personalidad del personaje principal y su forma de actuar y reaccionar en determinados momentos me gustó el paralelismo entre pasado y presente a través de la lectura del diario.
También es bueno el trato que se da de ciertos temas que no voy a nombrar para no caer en spoilers. Realmente me pareció una buena película para ver junto a sus hijos adolescentes (si es que los tienen) ya que puede ser la herramienta de apertura a ciertos temas difíciles de tratar.
Luego de haber sido múltipremiada en toda la temporada de premios 2019 / 2020, logró el Óscar no sólo a mejor película extranjera sino también como mejor película, mejor director y mejor guion original. Arrasó en el Festival de Cannes (mejor director – mejor guion – premio del jurado- mejor actriz – mejor actor – gran premio) – destacó en los premios del sindicato de actores en mejor reparto. Ganó como mejor película de habla no inglesa, mejor guion y mejor director en los Globos de Oro, ahora llega a Netflix y promete ser el mejor estreno de setiembre.
No es para menos, en una era donde el cine parece no tener nada nuevo que presentarnos, más que tecnología y remakes, aparece un film como PARÁSITOS, desde Corea del Sur de la mano del director Bong Joon-ho. Una historia de familia, que mezcla drama, critica social, humor negro, una pizca de terror y suspenso, con giros tan inesperados que sorprenderían al mismísimo Alfred Hitchcock.
Sinopsis: Ki-taek (Kang-ho Song) es el patriarca de una familia humilde que con trabajos precarios a duras penas sobrevive. Cohabitan en un subsuelo de un barrio pobre de Seúl y hasta roban wifi de sus vecinos. Su situación comienza a cambiar el día que su hijo es recomendado por un amigo para dar clases particulares de inglés en casa de los Park, una familia adinerada. Utilizando su simpatía e ingenio, el joven logrará ganarse la confianza de la señora de la casa, y poco a poco conseguirá introducir a su familia en distintos trabajos del servicio doméstico. Esto desencadenará un sin fin de situaciones escabrosas de las que les será difícil escapar.
Esta película, además de ser entretenimiento, tiene como base una cruda representación de la realidad y choque social. Es cruel y a la vez entretenida. Hace que pases de un momento de risa al asombro y luego a la tristeza total.
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