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La obra se presenta con 5 funciones en la Sala Zavala Muniz – Teatro Solís los días 15, 16, 17 y 18 de Mayo a las 20:30 hs y 19 de Mayo a las 19:30 hs.
Sinopsis: «Todo el hielo del mundo se quiebra en mil pedazos, el hielo se astilla y nos corta y nos lastima y nos abre por completo, se transforma en un arma mortal, nos parte la piel, nos hiela la sangre y después al final sólo son lascas de hielo roto como cristales y lo que sobrevive lo que no se rompe entonces se derrite y se derrite y se derrite.»
“Todo lo vivo habla, encuentra sus maneras de decir las cosas.”
Todo lo que explota permanece haciendo ruido es la segunda pieza del colectivo transdisciplinar Accidente Geográfico, que toma como punto de investigación los paisajes que se derriten y al hielo como materia sonora, de forma experimental, performática y ficcional. Dando voz a un relato exagerado y vertiginoso de dos personas que sin conocerse se ven envueltas en una historia accidental, breve y fugaz, mientras alrededor de ellas todo va cambiando de forma, en una geografía glaciar que las amenaza todo el tiempo y va colándose de a poco en el transcurso de la obra.
Una crónica torpe y desesperada sobre el amor y la ausencia, sobre la fragilidad de todas las cosas, de todos los momentos y de todos los lugares. Narrada constantemente a dos puntos de vista, y que comienza a verse suspendida por un ruido permanente que pareciera salir de la tierra y devenir en un lamento, como si el territorio pudiera hablar y quejarse de algo.
El hielo muta, cambia, se transforma, de forma indefinida todo el tiempo, y la obra se congela y se rompe y sigue, pero hay cosas, otras cosas, que son irreversibles.
“… veo como el paisaje se resiste, intenta no romperse, intenta no desaparecer.”
Ficha técnica:
Texto y dirección: Alejandra Gregorio
Interpretación y performance: Cecilia Placeres – Marisa Riera Creación e interpretación sonora: Agustina Racchi – Gonzalo Rodriguez
Diseño de espacio: Ivana Domínguez – Mariana Pereira Diseño de luces: Ivana Domínguez Diseño sonoro: Carolina Roballo Diseño gráfico: Josefina Ochs – Lucía Cioli Diseño de vestuario: Mariana Pereira Fotografía: Reinaldo Altamirano Prensa: Beatriz Benech Producción: Lucía Etcheverry Co-producción: Teatro Solís – ENCIENDE
Entradas en venta por Tickantel y boletería del teatro Solis. Precio de las entradas $ 500
Una pieza teatral escrita y creada en honor a la memoria de Sabina Spielrein (1885-1942), Pionera del psicoanálisis, rescatando palabras de su diario, su correspondencia y su teoría.
SER HUMANA es una obra escrita por Angie Oña y dirigida por Freddy González, en honor a la memoria de Sabina Spielrein (1885-1942) rescatando palabras de su diario, su correspondencia y su teoría.
3 ÚNICAS FUNCIONES: Viernes 3, Sábado 4 y Domingo 5 DE MAYO a las 21 hs.
TEATRO VICTORIA (Río Negro 1479)
La obra recibió diferentes premios:
Premio Florencio 2018. Actriz en unipersonal.
Premio Escuela de Espectadores 2018. Categoría Unipersonal.
Premio Escuela de Espectadores 2018. Actriz en unipersonal.
Premio Mujer del Año 2018-2019. Categoría Actriz de Teatro
Oriana Larrea
Sobre Sabina Spielrein: Ella atravesó la locura y habitó profundos delirios. Comenzó a estudiar psicología mientras estaba internada, y se apasionó de tal forma que comprendió incluso el funcionamiento de su enfermedad, colaborando activamente con su sanación. Ingresó a la Universidad de Zúrich y se especializó en psicología y psiquiatría. Luego desarrolló aportes teóricos fundamentales para ambas áreas. Paciente, alumna, amiga, amante, colaboradora y colega de Jung. En sus diarios, sus cartas y su teoría, ella desarrolla ideas que mucho más tarde tomarán presencia en las obras tanto de Jung como de Freud. Sin embargo su historia estuvo oculta durante muchos años.
Su contribución al estudio de la mente fue una de las más importantes del siglo XX. Nacida en Rusia, en 1885, en el seno de una familia judía, empezó a presentar síntomas de trastorno desde muy temprana edad. A los 16 años, debido a una gran crisis, fue trasladada por su familia a Suiza e internanda en el hospotal psiquiátrico Burghölzli. Allí fue la primera paciente psicoanalizada por Jung, quien más tarde fue su maestro, amante y colega. Su gran senisbilidad y su aguda inteligencia le permitieron su recuperación absoluta. La internación duró 10 meses. Inmediatamete después inició sus estudios en la Facultad de Medicina de Zurich. Es la primera mujer en presentar una tesis de contenido psicológico y psiquiátrico (“Acerca del contenido psicológico de un caso de esquizofrenia“). Es la segunda mujer en formar parte de las reuniones de Freud. Como pensadora, e investigadora constante, elabora conceptos pioneros y fundamentales que mucho más tarde serán retomados en las obras de Freud y de Jung. Muere asesinada por los nazis en 1942. Y recién en 1977 su figura vuelve a cobrar valor. En el subsuelo de un edificio que antes había sido sede de una institución psicológica encontraron una valija repleta de notas suyas, documentos, diarios íntimos y correspondencia intercambiada entre ella, Freud y Jung. Material absolutamente revelador que comienza, poco a poco, a subsanar un olvido imperdonable. La obra SER HUMANA se desenvuelve haciendo foco en tres grandes aportes teóricos de Sabina: “La destrucción como causa del devenir“ (antesala de la teoría de “Pulsión de muerte“ de Freud), “Acerca del contenido psicológico de un caso de esquizofrenia“ y “Contribución al conocimiento del alma infantil”.
EQUIPO TÉCNICO
Dirección: Freddy González
Dramaturgia y Actuación: Angie Oña
Iluminación: Fernando Scorsela
Intervención Musical y Diseño Sonoro: Pablo Bonilla
Escenografía y Vestuario: Doce Monos
Fotografía: Oriana Larrea
Diseño Gráfico: Gabriel Acosta Álvarez
Asistente de Dirección: Elisa Queirolo
Asesoramiento de Investigación: Psic. Renata Udler
Sinopsis: Una ayudante de producción sobrecargada de trabajo y mal pagada debe conducir por la ciudad de Bucarest para filmar testimonios para un vídeo de seguridad laboral encargado por una multinacional.
Dirigida por Radu Jude (Rumania) ofrece una mirada penetrante y audaz sobre el complejo entramado de la producción de imágenes y la superficialidad inherente a esta práctica. A través de los ojos de Ángela (Ilinca Manolache) somos testigos de las complicaciones del mundo laboral contemporáneo, mientras ella se embarca en un viaje caótico por las calles de Bucarest para lograr cumplir con las demandas de su jefe.
Radu Jude relata esta historia combinando elementos de comedia negra, road movie y película de montaje. Entrelazando a la narrativa imágenes de la película Angela merge mai departe, de 1981, donde la protagonista, una taxista también llamada Ángela recorre las bulliciosas avenidas del país. A través de su ingenioso relato, Jude nos sumerge en dos épocas distintas pero interconectadas, explorando las similitudes y contrastes entre el mundo laboral contemporáneo y el pasado. El paralelismo entre Angela taxista y como contraparte Ángela ayudante de producción proporciona una nueva capa de complejidad a la película, invitando al espectador a reflexionar sobre la evolución y la precariedad del trabajo, los cambios en sociedad a lo largo del tiempo.
Ángela – Angela merge mai departeÁngela – No esperes demasiado del fin del mundo
A medida que se desarrolla, «No esperes demasiado del fin del mundo» nos sumerge junto a su protagonista en un estado de agotamiento introspectivo, desafiándonos a pensarnos dentro de esta realidad cruda y a menudo desalentadora de la vida moderna en la que estamos inmersos.
Jude logra además de incomodar, divertir al espectador, especialmente cuando nos introduce al alter ego de la protagonista: un hombre llamado «Bobita» que ella ha creado mediante un filtro en redes sociales. A través de este personaje, se hacen presente el sexismo y el racismo presentes en la sociedad. La presencia de Bobita en la pantalla añade una capa de ironía y provocación, desafiando al espectador a reflexionar sobre las injusticias arraigadas en la cultura contemporánea.
La película destaca como una obra maestra del cine contemporáneo. Tuvo su estreno en la competición principal del Festival Internacional de Cine de Locarnode 2023, donde recibió elogios de la crítica y el Premio Especial del Jurado. Realizó proyecciones en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2023 y en el Festival Internacional de Cine de Nueva York de 2023. Fue seleccionada como la candidata rumana a la mejor película internacional en los Premios Óscar 2024 aunque no llegó a las nominaciones. Recientemente se presentó en el 42º Festival Internacional Cinematográfico del Uruguay donde obtuvo el premio a Mejor Película tanto en la Competencia Internacional de Largometraje como en la del Jurado de la Crítica del Uruguay.
El film estrenará oficialmente el jueves 4 de abril en Cinemateca (Uruguay)
Sinopsis: La película «Un pájaro azul» narra la historia de Javier (Alfonso Tort) y Valeria (Julieta Zylberberg), una pareja que ha luchado sin éxito durante años por tener un hijo. Sus vidas dan un giro inesperado cuando Camila, una compañera de trabajo de Javier, revela estar embarazada y afirma que él es el padre. Este acontecimiento desencadena un conflicto moral y emocional en Javier, quien se ve obligado a enfrentar sus valores, su sentido de responsabilidad y su vida de pareja. Con el paso de los días, este conflicto dinamita su existencia, poniendo en tela de juicio su identidad y sus relaciones.
Trailer: Un pájaro azul
Un pájaro azul es una coproducción Argentina/Uruguay. Su guion fue escrito por Ariel Rotter junto a Federico Pinto y fue Ariel Rotter el director de la misma.
Con un planteamiento sencillo pero lleno de emotividad se nos relata lo desgastante del proceso de busqueda de la maternidad/paternidad cuando ésta no llega.
La atmósfera cargada de azul, nos evoca una sensación de tristeza en los personajes, en el caso de Valeria no sólo por la infidelidad de Javier, sino también por lo irónico de la situación (su pareja consigue el tan ansiado hijo con otra mujer).
El relato pone de relieve el proceso interno de un hombre que parece no haber alcanzado la madurez suficiente para enfrentar las consecuencias de sus acciones. Un hombre que no reacciona, que «no sabe» ni qué decir, ni cómo actuar cuando se lo increpa. Un hombre que lucha con el duelo no resuelto y con la transición de dejar de ser hijo para convertirse en padre.
El sentimiento que trasmite el personaje de Javier interpretado por Alfonso Tort recuerda al hombre del poema «Pájaro Azul» de Charles Bukowski. Ese hombre que tiene un ave encerrada en su pecho y no la deja salir, que tiene una angustia que esconde a los otros y tiene que aprender a cuidar tanto de los demás como de él mismo.
En palabras del director «Hay dos núcleos motivacionales centrales sobre los que se construye este relato. El primero gira en torno a la búsqueda que durante ocho años atravesamos con mi pareja hasta poder convertirnos en padres. El segundo, vinculado a la muerte de mi padre y específicamente, a la imposibilidad de procesar ese dolor y cómo a pesar del tiempo, éste puja por emerger del pasado«.
Un Pájaro azul tuvo su preestreno en el 42º Festival Internacional Cinematográfico del Uruguay y se estrenará oficialmente en salas a partir del 4 de abril.
Salas confirmadas en Uruguay:
Montevideo: Cinemateca, Sala B, Centro Cultural Florencio Sánchez, Casa de la Pólvora Life Cultural Alfabeta
Otros departamentos: Casa de la Cultura de Paysandú, Centro Cultural Politeama de Canelones, Teatro Bastión de Colonia, MACA Maldonado, ICE San José, Pequeño Teatro Durazno, Centro Cultural Shangrilá.
Les comparto el tema músical de la película: «Estaciones» por Rosario Bléfari
Tema musical de la película
Pájaro azul, por Charles Bukowski
hay un pájaro azul en mi corazón que quiere salir pero soy duro con él, le digo quédate ahí dentro, no voy a permitir que nadie te vea. hay un pájaro azul en mi corazón que quiere salir pero yo le echo whisky encima y me trago el humo de los cigarrillos, y las putas y los camareros y los dependientes de ultramarinos nunca se dan cuenta de que está ahí dentro. hay un pájaro azul en mi corazón que quiere salir pero soy duro con él, le digo quédate ahí abajo, ¿es que quieres montarme un lío? ¿es que quieres mis obras? ¿es que quieres que se hundan las ventas de mis libros en Europa? hay un pájaro azul en mi corazón que quiere salir pero soy demasiado listo, sólo le dejo salir a veces por la noche cuando todo el mundo duerme. le digo ya sé que estás ahí, no te pongas triste. luego lo vuelvo a introducir, y él canta un poquito ahí dentro, no le he dejado morir del todo y dormimos juntos así con nuestro pacto secreto y es tan tierno como para hacer llorar a un hombre, pero yo no lloro, ¿lloras tú?
A partir del Sábado 6 de abril el teatro «El Tinglado» recibe a toda la familia para ver la obra «ELEMENTAL«.
Sinopsis:Elemental es un espectáculo de títeres y objetos diseñado especialmente para niños y niñas a partir de 2 años. Desde su narrativa visual y musical, busca conectar con las infancias proponiendo una dinámica lúdica con diferentes planos de interés. La obra plantea un recorrido cíclico por los cuatro elementos de la naturaleza: Aire, Tierra, Fuego y Agua, invitando a los pequeños espectadores a explorar la belleza y la importancia de cada elemento a través de pequeñas historias entrelazadas. La música en vivo acompaña cada escena, creando una atmósfera cautivadora y envolvente. Es un espectáculo que le propone a la primera infancia sumergirse en un mundo de juego, donde las cosas pequeñas son importantes, donde los objetos cotidianos pueden ser más que simples objetos, donde la fascinación y la sorpresa aparecen en las cosas sencillas y elementales.
Estreno: sábado 6 de abril 2024 a las 15:00. Funciones:Sábados y Domingos de Abril y Mayo a las 15 hs.
Las entradas están a la venta en Redtickets y boletería de la sala. Costo: $ 400
Una vez más se celebró la entrega de Premios Oscar, desde el Dolby Theatre de Hollywood. La gala se vivió sin muchas sorpresas y se podría decir también con poca emoción.
La diferencia es que desde Uruguay estabamos espectantes a ver que sucedía con «LA SOCIEDAD DE LA NIEVE«, film que nos representó en toda la temporada de premios y que estaba nominado en dos categorías, «Mejor Maquillaje y Peinado» y «Mejor Película Internacional». Si bien no pudo hacerse del premio frente a Pobres Criaturas y Zona de Interés, el haber sido nominados y compartido la lafombra roja ya es un premio.
Acá les dejo la lista de nominadas con las ganadoras en NEGRITA
Mejor Película
American Fiction
Anatomy of a Fall
Barbie
The Holdovers
Killers of the Flower Moon
Maestro
Oppenheimer
Past Lives
Poor Things
The Zone of Interest
Mejor Director
Justine Triet – Anatomy of a Fall
Martin Scorsese – Killers of the Flower Moon
Christopher Nolan – Oppenheimer
Yorgos Lanthimos – Poor Things
Jonathan Glazer – The Zone of Interest
Mejor Actor
Bradley Cooper – Maestro
Colman Domingo – Rustin
Paul Giamatti – The Holdovers
Cillian Murphy – Oppenheimer
Jeffrey Wright – American Fiction
Mejor Actriz
Annette Bening – NYAD
Lily Gladstone – Killers of the Flower Moon
Sandra Hüller – Anatomy of a Fall
Carey Mulligan – Maestro
Emma Stone – Poor Things
Mejor Actor de Reparto
Sterling K. Brown – American Fiction
Robert DeNiro – Killers of the Flower Moon
Robert Downey Jr. – Oppenheimer
Ryan Gosling – Barbie
Mark Ruffalo – Poor Things
Mejor Actriz de Reparto
Emily Blunt – Oppenheimer
Danielle Brooks – The Color Purple
America Ferrera – Barbie
Jodie Foster – NYAD
Da’Vine Joy Randolph – The Holdovers
Mejor Guión Original
Anatomy of a Fall
The Holdovers
Maestro
May December
Past Lives
Mejor Guión Adaptado
American Fiction
Barbie
Oppenheimer
Poor Things
The Zone of Interest
Mejor Edición
Anatomy of a Fall
The Holdovers
Killers of the Flower Moon
Oppenheimer
Poor Things
Mejor Fotografía
El Conde
Killers of the Flower Moon
Maestro
Oppenheimer
Poor Things
Mejor Diseño de Producción
Barbie
Killers of the Flower Moon
Napoleon
Oppenheimer
Poor Things
Mejor Vestuario
Barbie
Killers of the Flower Moon
Napoleon
Oppenheimer
Poor Things
Mejor Maquillaje y Peinado
Golda
Maestro
Oppenheimer
Poor Things
Society of the Snow
Mejor Película Internacional
Io Capitano (Italia)
Perfect Days (Japón)
Society of the Snow (España)
The Teachers’ Lounge (Alemania)
The Zone of Interest (Inglaterra)
Mejor Película Animada
The Boy and the Heron
Elemental
Nimona
Robot Dreams
Spider-Man: Across the Spider-Verse
Mejor Score Original
American Fiction
Indiana Jones and the Dial of Destiny
Killers of the Flower Moon
Oppenheimer
Poor Things
Mejor Canción Original
“It Never Went Away” – American Symphony
“I’m Just Ken” – Barbie
“What Was I Made For?” – Barbie
“The Fire Inside” – Flamin’ Hot
“Wahzhazhe (A Song For My People)” – Killers of the Flower Moon
Mejor Documental
Bobi Wine: The People’s President
The Eternal Memory
Four Daughters
To Kill a Tiger
20 Days in Mariupol
Mejor Cortometraje Documental
The ABCs of Book Banning
The Barber of Little Rock
Island in Between
The Last Repair Shop
Nǎi Nai & Wài Pó
Mejor Cortometraje Ficción
The After
Invincible
Knight of Fortune
Red, White and Blue
The Wonderful Story of Henry Sugar
Mejor Cortometraje Animado
Letter to a Pig
Ninety-Five Senses
Our Uniform
Pachyderme
War Is Over! Inspired by the Music of John & Yoko
Mejores Efectos Visuales
The Creator
Godzilla Minus One
Guardians of the Galaxy Vol. 3
Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One
Napoleon
Mejor Sonido
The Creator
Maestro
Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One
Oppenheimer
The Zone of Interest
Recuento: Oppenheimer fue la gran ganadora de la noche llevándose siete estatuillas, seguida por Poor Things que obtuvo cuatro. Lo que sí quedó claro es que en la batalla mediática denominada «Barbenheimer» la ganadora oficial es Oppenheimer ya que Barbie sólo consiguió llevarse la estatuilla de Mejor Canción por el tema «What was I made for?» interpretado por Billie Eilish.
A partir del 20 hasta el 31 de marzo de 2024 se realizará el Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay, organizado por Cinemateca Uruguaya.
La apertura del festival será el 20 de marzo en la sala Fabini del Auditorio Adela Reta del Sodre, a las 19.30 hs. será con el último film del director argentino Martín Rejtman. Y la noche de clausura, será el sábado 30 de marzo a las 19.30hs en la Sala Zitarrosa con el film La versión persa (The Persian Version) de la directora estadounidense de origen iraní Maryam Keshavarz.
Las películas se exhibirán en las tres salas de Cinemateca (Bartolomé Mitre 1236). En la Sala B del Auditorio Nelly Goitiño, el Complejo Cultural Alfabeta, el Complejo Life 21 y la Sala Zitarrosa. Además, habrá exhibiciones en el departamento de Canelones donde se presentarán ocho películas de las distintas secciones de esta edición. Las salas disponibles para las proyecciones serán: el Centro Cultural Salinas, Auditorio Batalla de Las Piedras, Los Cerrillos, Atlántida, San Ramón y Centro Cultural de La Costa (Ciudad de la Costa) con entrada libre.
Otra manera de acercarse a las películas seleccionadas en esta edición es a través de la Plataforma +Cinemateca (streaming). La sala virtual extiende la duración del festival, ya que tendrá las películas disponibles entre el 27 de marzo y el 15 de abril. De esta forma el Festival estará llegando a todos los rincones del país.
Spot 42º Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay
La programación está compuesta por cerca de 200 películas en las que están representados 60 países. Se estructura en ocho secciones competitivas, una sección panorámica internacional, una sección temática que reflexiona sobre el fenómeno cinematográfico (Ojo con el cine), una sección que acerca el cine y la música (Ensayo de Orquesta), un amplio Foco en el cine del país invitado, España: “Abrir los ojos: una mirada al cine español de hoy”, que se completa además con una muestra de algunos films producidos en el marco de la ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid). Así como una importante selección de films realizados en 2023 por los grandes maestros del cine contemporáneo en Trayectorias y varias exhibiciones especiales.
El festival también cuenta con actividades paralelas a las exhibiciones. Taller de curaduría fílmica a cargo de Ana Gontad Fontán. El taller, programado para el viernes 22 de marzo de 14 a 16 horas, explorará los desafíos y problemas inherentes a la construcción de una programación cinematográfica relevante, así como la importancia de equilibrar la relevancia temática con otros aspectos fundamentales del arte cinematográfico. Cine salvaje en el prado más íntimo de tu pueblo, a cargo de Álvaro Gago, director de cine español. La actividad tendrá lugar el 26 y 27 de marzo en el CCE, entre las 14 y las 17 horas. El taller presentará una introducción a técnicas relacionadas con la ideación, la escritura de guión, el casting, el lenguaje formal y la dirección de actores. La actividad busca crear un espacio donde compartir y pensar el cine en grupo. Esta actividad es organizada en conjunto con el Centro Cultural de España en Montevideo. Los cupos para los talleres son limitados y las inscripciones se reciben a través de un formulario disponible en la web de Cinemateca.
Una de las novedades que Cinemateca tiene preparada es que a partir del 21 de marzo estará habilitado el estacionamiento en el subsuelo de la Cinemateca para que los especadores puedan dejar sus autos y bicicletas. El parking será gratuito durante el Festival a partir de las 16 hs. luego comenzará a operar tarifado entre las 7am y la medianoche, a partir del mes de abril.
Este evento cuenta con el apoyo del Ministerio de Educación y Cultura, la ACAU, la Intendencia de Montevideo y la Intendencia de Canelones, así como también de las embajadas de Austria, Brasil, Canadá, Chile, Ecuador, España, Finlandia, Francia, Italia, Portugal, Suiza y Noruega; además del Instituto Italiano de Cultura, el Institut Français, el Instituto Camões, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, entre otros organismos e instituciones.
Todos los jueves de abril a las 21hs. el Teatro Alianza abre sus puertas para disfrutar de la obra «Cadaver Extravagante» del director Andrés Pastorini.
Esta es una obra de improvisación teatral inspirada en un juego utilizado por diversos artistas surrealistas denominado «Cadáver exquisito«. En esta adaptación teatral de una hora de duración, actrices y actores traerán a escena historias ocurridas en un antiguo pueblo donde comenzaron a suceder una serie de acontecimientos, que son inspirados por la audiencia y que comenzaron a ocurrir a partir de la llegada de un sujeto un tanto «Extravagante«.
La obra tiene la peculiaridad de que el director, se encuentra en escena; proponiendo historias, ajustando otras, y poniendo a los actores y actrices en circunstancias inimaginables.
Entradas por Redtickets y boletería del Teatro Alianza.
Elenco: Maxi Constenla, Mercedes García, Lucía Dotta, Johann Hagobian, Matute Correa, Andrea M. Hernández, Edinson Mouriño
Apartir del Sábado 9 de Marzo hasta el domingo 7 de Abril tenés oportunidad de ver «Hijas e Hijos» este Re estreno tendrá un total de 10 funciones.
Horarios: sábados 21 hs y domingos 19:30 hs. en el Teatro Victoria (Río Negro 1479)
Sinopsis – Una pareja de físicos nucleares jubilados vive en una pequeña cabaña cerca del mar. Sus vidas se han visto afectadas por un reciente desastre. De forma inesperada, llega una ex-colega, a quien no veían desde hace 38 años. Un pedido urgente e inusual vendrá a alertar la precaria y ordenada existencia de esta pareja. Un pedido que les cambiará la vida a ellos y a otros como ellos.
Amílcar PersichettiAmílcar Persichetti
Ficha técnica:
Elenco:
Bettina Mondino – José Luis Morales – Margarita Musto
Diseño de Vestuario: Soledad Capurro
Diseño de Escenografía: Gustavo Petkoff
Diseño de Iluminación: Martín Blanchet
Música Original: Fernando Condon
Diseño gráfico: Alejandro Persichetti
Fotografía: Amílcar Persichetti
Agente de prensa: Beatriz Benech
Difusión en Redes: María Victoria Parada
Producción ejecutiva: Miriam Pelegrinetti
Entradas a la venta por Redticket y boletería del Teatro Victoria
Entradas grales $ 500
Beneficios con La Diaria y Socio espectacular.
Jubilados (solo venta en sala)
Reservas de entradas a producción de la obra comunicándose con el celular 098 171 880.
Teatro sobre Ruedas, fundado en 2014, es un proyecto itinerante que promueve la participación y el teatro foro, ofreciendo una experiencia artística, educativa y cultural para niños y niñas. En su décimo aniversario, invitan a todos a conocer su trabajo.
Este domingo 10 de marzo, a las 17 hs, en el CENTRO CULTURAL ARTESANO, presentarán la obra «¿Qué me importa?» de Agustín Urrutia, como parte del programa de fortalecimiento de las artes, con entrada gratuita. La función está dirigida a familias, docentes, niños, niñas y adolescentes, ofreciendo un espectáculo infantil para toda la familia.
A lo largo del año, se organizarán más actividades abiertas para que referentes educativos y culturales puedan conocer su trabajo de forma gratuita. Este colectivo nació con el propósito de compartir un proyecto artístico de calidad con niños y niñas, difundiendo la cultura nacional y transmitiendo valores humanos.
El teatro itinerante se elige como medio para garantizar el acceso a la cultura como un derecho fundamental. La práctica del teatro foro se considera crucial para fomentar la participación infantil y construir infancias críticas y saludables.
A partir del 29 de febrero llega a las salas de Uruguay «The Iron Claw» (La Garra de Hierro). Esta Producción de A24 cuenta la verdadera historia de la familia Von Erich quienes hicieron historia en el competitivo mundo de la lucha libre profesional a principios de la década de 1980. A través de la tragedia y el triunfo y siempre bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, los hermanos Von Erich buscan la inmortalidad en el escenario más grande del deporte.
Trailer Oficial
Un poco de historia: La lucha libre profesional (wrestling) es un deporte-espectáculo que involucra combates coreografiados entre luchadores, también conocidos como luchadores profesionales, en un ring. En la lucha libre profesional, los luchadores interpretan personajes con personalidades distintivas, conocidos como «gimmicks», y participan en enfrentamientos que combinan elementos de la actuación teatral, el deporte y el entretenimiento. Los luchadores suelen emplear una amplia gama de movimientos de lucha, desde golpes y llaves hasta técnicas de lanzamiento y movimientos aéreos, para someter a sus oponentes y ganar la lucha.
Una de las influencias más importantes en la lucha libre moderna proviene de la Antigua Grecia, donde se practicaba la lucha como parte de los Juegos Olímpicos antiguos. Los griegos desarrollaron un estilo de lucha conocido como «palestra«, que incluía técnicas de combate cuerpo a cuerpo y se considera una de las formas más tempranas de lucha libre. En el siglo XIX, especialmente en Europa y Estados Unidos, surgieron diferentes formas de lucha y entretenimiento que eventualmente se fusionaron para dar origen a la lucha libre tal como se conoce hoy en día.
Harris Dickinson – Zac Efron – Stanley Simons – Jeremy Allen White
Los hermanos Von Erich fueron una familia legendaria en el mundo de la lucha libre profesional, conocida por su impacto en el deporte y por las tragedias que marcaron su historia. La familia Von Erich estuvo compuesta principalmente por los hermanos: Jack Jr., David, Kevin, Kerry, Mike y Chris Adkisson, conocidos en el mundo de la lucha libre como Fritz Von Erich y sus hijos.
El patriarca de la familia, Fritz Von Erich (cuyo nombre real era Jack Adkisson), fue un luchador profesional estadounidense que alcanzó la fama en la década de 1950 y 1960. Fritz fundó su propia promoción de lucha libre en Texas, conocida como World Class Championship Wrestling (WCCW), que se convirtió en una de las más importantes en la escena de la lucha libre estadounidense.
Los hijos de Fritz, especialmente David, Kevin y Kerry, siguieron los pasos de su padre y se convirtieron en estrellas destacadas en la lucha libre profesional. Los hermanos Von Erich eran conocidos por su estilo atlético, carismático y emocionante, y se convirtieron en íconos del deporte durante la década de 1980.
Hermanos Von Erich
Sean Durkin escritor y director de la película «La Garra de Hierro» cuenta que era fanático de la lucha libre desde pequeño pero, viviendo en inglaterra le era muy difícil poder ver las luchas por lo que se mantenía informado a través de revistas especializadas en este deporte, allí fue dónde se entero que Kerry Von Erich había fallecido y esta noticia junto a la historia de la familia de luchadores no sólo lo impactó sino que plantó una idea que llevaría a cabo mucho tiempo después, llevar la historia de la familia Von Erich a la pantalla.
«The Iron Claw no trata sobre el dolor y la tristeza, sino sobre la ausencia de dolor y lo que puede suceder cuando las personas se niegan a mirar su dolor. Su historia familiar es una pequeña pieza de la historia estadounidense, pero desentierra la roca madre de la masculinidad extremadamente equivocada y una mentalidad generacional que ha dañado nuestra cultura de formas que apenas estamos empezando a comprender.»
La Sala de Profesores es la película alemana nominada como «Mejor Película Internacional» Oscar 2024. Llega a las salas de nuestro país (Uruguay) el próximo 29 de febrero.
Poster oficial
Carla Nowak, interpretada por Leonie Benesch, es una maestra joven e idealista que comienza su carrera en una escuela secundaria alemana. La relación con sus alumnos es cercana, pero esta tranquilidad se ve amenazada cuando una serie de robos desencadena una fuerte investigación por parte del personal de la escuela.
Esta situación lleva a acusaciones y desconfianza entre profesores, alumnos y padres. Carla se enfrenta a las estructuras y políticas del sistema educativo a medida que intenta mediar con estas dinámicas.
«The Teachers’ Lounge», (La sala de profesores) dirigida por İlker Çatak, ofrece un complejo análisis de la institución educativa como reflejo de la sociedad. Leonie Benesch nos brinda una actuación atrapante en su papel de maestra comprometida, presa del conflicto. La película explora temas profundos como la verdad, la justicia, el racismo, el respeto, la cultura de la cancelación y los derechos de los niños, ilustrando cómo las personas se ven atrapadas entre posturas inflexibles.
Durante el Festival Internacional de Cine de Toronto, el director alemán Ilker Çatak comentó que fue bastante fácil llevar a cabo esta película independiente de bajo presupuesto. Él y su antiguo compañero de escuela Johannes Duncker idearon la historia juntos. Çatak explicó: «Queríamos hacer una película sobre una joven profesora que se mete en problemas. La educación es un tema con el que todos tienen una relación, ya sea que hayan estado en la escuela o tengan hijos en la escuela; es algo universal«.
Inspirados por un incidente real de sus días de escuela, los escritores decidieron ambientar toda la película dentro de la escuela. A medida que la protagonista se ve envuelta en controversias después de intentar, con buenas intenciones, identificar al ladrón, el público nunca está seguro de cómo va a reaccionar ni de cómo manejará cada situación. Esta incertidumbre genera ansiedad y tensión, elementos que los cineastas querían mantener presentes para darle un impulso al filme y hacerlo también un thriller.
A pesar de que inicialmente los distribuidores y agentes de ventas mundiales no mostraron interés en la película, todo cambió cuando tuvo su primera proyección en el mercado en Berlín en 2023, donde nueve distribuidores compraron la película el primer día y se vendió por completo al final del evento. Después de ganar cinco premios en los Premios del Cine Alemán y recibir elogios en festivales como Telluride, la película fue seleccionada como la candidata oficial de Alemania para los premios Oscar.
Del 13 al 17 de marzo – 20:30hs y domingo 19:30hsen la Sala Zavala Muníz – Mi casa llena de peces.
Sinopsis: Una mujer, un oso y un hombre sin cabeza. Los intentos de un encuentro, temido y a su vez deseado. ¿Podemos tomar un café?
Fragmentos de memorias transformados en sueños. Una obra de teatro narrada en una lógica clownesca que celebra un mundo absurdo y onírico.
«Mi casa llena de peces» es un espectáculo donde los acontecimientos son guiados por liebres que corren en el mar y sardinas que nadan en los valle, basado en recuerdos biográficos – y en la ausencia de ellos – de la autora (Agustina Pezzani) . Piezas de un puzzle que componen una poética de imágenes surrealistas. Una búsqueda de contacto frente a la imposibilidad de relación de dos naturalezas tan cercanas como distantes. Una fábula adulta. Una historia que es tan personal como colectiva.
él dijo:
«mi ausencia es fuerte y cálida.
te sostendrá.
te enseñará a echar de menos.
a estar sin.
y a cómo sobrevivir de todos modos».
– cómo me crió mi padre
(Nayyirah Waheed)
Credits_Konstantin Demeter
Entradas en venta en Tickantel y boleteria de la sala.
Este espectáculo fue creado en Suiza en 2022, con Enzo Loui y Soma Mamadou, como primer elenco. En su versión en Portugal se presentó con Elisa Rossin y Verónica San Vicente.
Tal vez, si alguien te dice que vas a ver una película en la que sus escenas mayoritariamente transcurren observando a un hombre limpiando baños públicos, la primera reacción sea de rechazo, pensádolo bien suena aburrido. A lo mejor creerías que vas a encontrar escenas desagradables de baños en pésimas condiciones, una vida de peripecias con un trabajo desagradable, un tipo amargado o algo por el estilo. Nada más lejos de la realidad es lo que nos muestra Wim Wenders en su última película titulada «Perfect Days«.
Sinopsis: Hirayama está contento con su vida como limpiador de baños en Tokio. Fuera de su rutina estructurada le encanta escuchar música en cassettes, leer y tomar fotografías de árboles. A través de encuentros inesperados, reflexiona sobre cómo encontrar la belleza en el mundo.
Trailer oficial
La idea de esta película surgió cuando a Wim Wenders le proponen hacer una serie de cortos de aproximadamente 20 minutos para mostrar algunos proyectos sociales públicos de Tokio. La idea original involucraba baños públicos y total libertad de guion para el director. Wenders, sin embargo, propuso un largometraje, con un sólo protagonista, una historia que fuera creíble, interesante y que valiera la pena ver. La propuesta fue aceptada. Wenders contactó a Koji Yakusho (actor admirado por el director) para el papel protagónico y a Takuma Takasaki con quien co-escribió el guion.
Algo que hay que entender antes de analizar la película es que en Japón los baños públicos tienen un significado y una connotación totalmente alejada de lo que es un baño público para la cultura occidental. Para ellos un baño es un «pequeño santuario de paz y dignidad». Si uno observa con detenimiento, en la película, estos baños que Hirayama limpia con tanto cuidado, son arquitectonicamente perfectos, tecnológicos, bellos, una obra de arte en si mismos. Japón se caracteriza por tener un fuerte sentido del bien común y del respeto por la ciudad.
Perfect Days describe de forma casi poética la belleza de lo cotidiano, a través de la rutina de Hirayama, un hombre solitario, callado y respetuoso, que vive una vida modesta y aparentemente feliz en Tokio. Sus días trancurren de la misma manera, despertar con el ruido que hace el barrendero, vestirse, regar las plantas, tomar un café de la máquina expendedora, poner un cassette en la furgoneta e ir a trabajar. Un ritmo de vida regular, pausado, tranquilo, que día a día tiene sus pequeñas diferencias, diversos encuentros, un compañero de trabajo jóven, parlanchín, que no está a gusto con la tarea que desempeña, su sobrina, su hermana, la dueña del restaurante en el que cena los fines de semana, etc. En estas diferencias cotidianas, en las interacciones, es donde se empieza a conocer la historia de fondo de este personaje que intenta vivir en el «aquí y ahora», pero a lo mejor no es tan feliz y dichoso como se muestra.
Días Perfectos no es una película que te brinda toda la información de la historia de forma digerida, ágil y clara. El guion se toma su tiempo y deja muchos espacios vacios, sin embargo no es aburrida, es una historia tranquila, cotidiana e interesante, su protagonista, perfectamente encarnado por Koji Yakusho inspira cariño, es un personaje con el que inmediatamente uno conecta y quiere seguir viendo, conociendo.
Al verla me dió la sensación de estar armando un puzzle, una especie de acertijo en el que las piezas están ocultas y la imaginación del espectador va completando aquello que no se dice, que no se cuenta. Un factor fundamental para conocer o descifrar lo que está sucediendo con Hirayama son las canciones que escucha, la selección de temas musicales, al igual que los contados diálogos que mantiene no están librados al azar, sino que están ahí para decirnos algo.
En el idioma japonés se utiliza la palabra «komorebi» para describir a los rayos del sol que se filtran entre las hojas de los árboles, esta palabra retrata un fenomeno de la naturaleza sencillo pero de gran belleza, Hirayama tiene como hobbie (casi obsesivo) mirar la copa de los árboles y sus reflejos, sacarles fotos, revelarlas, clasificarlas, estas acciones también nos cuenta sobre este personaje y su sentido de la belleza en las pequeñas cosas.
Screenshot
La película compite en la categoría Mejor Película Internacional para la 96º edición de los Premios Oscar. Koji Yakusho ganó como Mejor Actor en la 76º ceremonia del Festival de Cannes. y fue nominada como mejor película en los Premios César, Critics Choise Award y los premios de la Academia Japonesa.
Wim Wenders dedica esta película al maestro Jasujiro Ozu (director de cine japonés) y comenta que de su obra el elemento que más le ha marcado es la idea de que «cada persona es única, cada momento sucede sólo una vez y las historias cotidianas son las únicas historias eternas».
Como yapa les comparto el cuento corto de Patricia Highsmith: «La tortuga». Una pequeña pieza del puzzle que los hará comprender algo más de la historia. 😉
Sinopsis: Los Bárbaros es una obra de humor grotesco y descarnado. Una historia sobre lo que estamos dispuestos a hacer cuando el mundo que queremos no nos quiere a nosotros. Porque lo que nuestras sociedades más derraman últimamente es el rechazo.
Marusya espera en medio de una Terminal de Transporte Público a las 3:15 am. La Terminal está en la periferia de la ciudad. En 1993 Marusya migró junto a su hijo a Berlín, en busca de la felicidad capitalista. Casi 30 años después, nada fue lo que esperaba y ella limpia una cocina como si pudiese limpiar la historia.
Marusya no soporta el olor. Marusya les tiene asco. Marusya piensa que son unos bárbaros.
«Los Bárbaros» recibió 6 nominaciones a los premios Florencio 2022: Mejor Espectáculo y Dirección, Mejor Actriz Principal, Actriz de Reparto, Escenografía e Iluminación.
Es un proyecto de coproducción con el Goethe Institut y fue seleccionado para el programa de residencia de la Sala Lazaroff. Es, además un proyecto de traducción que comenzó con la lengua, del alemán al español, de la mano de Leticia Hornos Weisz y Jana Blümel. Ahora la traducción continúa hacia la escena con la actuación de Carolina Rebollosa y la dirección de Florencia Caballero Bianchi.
Son 4 únicas funciones, MARZO: MIÉRCOLES 6, JUEVES 7, SÁBADO 9 – 20:30 hs y DOMINGO 10 – 19:00 hs
Sinopsis: ¿Arriesgaríamos una verdadera amistad para transformarla en una relación sentimental?
Claudia y Valentín, estos entrañables personajes creados por Laurent Ruquier se enfrentan con la sinceridad de dos mejores amigos a este dilema.
Claudia, una mujer de 50 años, independiente y satisfecha consigo misma, decide confesarle su amor a su mejor amigo Valentín, de quien cree saberlo todo.
Valentín, algunos años menor que ella, inteligente, culto, guapo y divertido, está decidido a no perder a la única mujer con la que se siente verdaderamente relajado y libre, por convertirla en su amante. Una mujer y un varón, con algo de vida navegada, enfrentan sus inseguridades y sus miedos como lo haría cualquiera de nosotros.
¿Cuál será el resultado? Disfrutemos con ellos esta aventura de aprender a quererse.
¡No te pierdas esta comedia romántica que te hará reír y reflexionar!
«Prefiero que sigamos siendo amigos» llega al Teatro La Candela con nueve únicas funciones.
Detalles:
Sala: Teatro de la Candela (ELLAURI 308 esq. García Cortinas)
Fechas: Sábados 2, 9, 16, 23 y 30 de marzo, así como 6, 13, 20 y 27 de abril.
Horario: 21:00hs
Género: Comedia
Entradas: $500
Asegura tu lugar reservando con anticipación a través de WhatsApp 098 588 787.
El renombrado dramaturgo y novelista noruego, Arne Lygre, nacido en 1968, ha emergido en los últimos años como uno de los escritores más fascinantes debido a la originalidad de sus textos minimalistas y misteriosos. Con nueve obras de teatro, dos novelas y una antología de cuentos en su haber, Lygre ha demostrado ser uno de los mayores exponentes de las letras noruegas contemporáneas, destacando por la fuerza sugestiva y penetrante de sus piezas concisas y precisas.
«Desparezco«, en Montevideo, marca su estreno mundial en español y ofrece a la comunidad teatral de habla hispana la oportunidad de sumergirse en la obra de este prestigioso autor.
La obra, desde la riqueza de su estructura y su naturaleza peculiar, revela un teatro que explora juegos de identidad y variaciones elaboradas, incluso en el uso del lenguaje, desafiando los límites del Espacio/Tiempo.
El dramaturgo coloca a los personajes en una situación extrema, trágica, y luego, con habilidad sorprendente, explora desde el juego y a veces desde el humor, todos los mundos posibles, creando una experiencia teatral que es tanto matemática como musical en su escritura, escondiendo un sentido lúdico y humorístico que sorprende a primera vista. Su peculiar humor, dotado de un sexto sentido, establece una distancia natural entre los temas tratados y las crudas situaciones a las que enfrenta a los personajes, desafiando al espectador a cuestionarse sus propias expectativas e intimidades.
Sinopsis: Dos familias se ven obligadas a migrar dejándolo todo atrás. Durante ese periplo el autor somete a los personajes a asumir otras conductas, roles que no les son propios, pero que tampoco les son ajenos…
«Desparezco» destaca por su peculiar construcción, donde la palabra se convierte en acción y la acción reside en la palabra, proporcionando a los actores el único recurso para navegar este universo tan propio como ajeno.
La obra, dirigida por Daniel Spinno Lara y protagonizada por Pelusa Vidal, Carla Moscatelli, Gal Groisman, Isabel Legarra y Sergio Pereira, se presenta en el Teatro Victoria, con funciones los viernes y sábados de febrero a las 21 hs. y los domingos a las 19:30 hs., hasta el 3 de marzo.
Funciones: FEBRERO: Viernes y Sábados 21 hs. / Domingos 19:30 hs. hasta el 3 de Marzo LUGAR: Teatro Victoria (Río Negro 1477) Entrada gral. $ 550 2 x 1 La Diaria Socio espectacular 2 x $ 600 Jubilados y estudiantes $ 300 SUA $ 200 Localidades a la venta por Redticket y Boletería del Teatro
¡Estreno Imperdible! El jueves 15 de febrero, el Teatro Circular abre sus puertas para presentar un espectáculo impactante que no dejará indiferente a nadie. Con funciones los jueves y viernes a las 21hs, esta obra promete ser un viaje emocional que te mantendrá al borde de tu asiento.
El elenco está conformado por Emilia Asteggiante, Mariana Escobar y Carlos Rompani, bajo la dirección de Bruno Contenti Bello y la dramaturgia de Emilia Asteggiante. La producción, a cargo de Lucía Etcheverry, y la prensa coordinada por Beatriz Benech, garantizan un espectáculo de alta calidad que no te podés perder.
Esta obra, financiada por el Fondo de Fortalecimiento de las Artes de la Intendencia de Montevideo, aborda temas delicados con una profundidad y sensibilidad excepcionales. La historia gira en torno al reencuentro entre un actor consagrado y una actriz principiante, separados por una brecha de 20 años, quienes deben enfrentar un oscuro pasado de acoso laboral. A bordo de un auto blanco, los fragmentos de su historia se revelan ante el público, desentrañando los complejos mecanismos y las devastadoras consecuencias del abuso.
Las entradas, disponibles por $500, pueden adquirirse a través de Tickantel o directamente en la boletería del teatro. Además, aquellos que posean beneficios con SUA y Socio Espectacular disfrutarán de ventajas exclusivas.
Son 6 únicas funciones: 20, 21, 22, 23, 24 de Febrero a las 20:30 hs y 25 de Febrero a las 19:30 hsen Sala Zavala Muniz Teatro Solís.
Autoría y Dirección: Domingo Milesi.
Foto: Mauricio Rodríguez
Elenco: Martha Vidal, Ma. Elena Pérez y Carlos Sorriba.
Diseño de sonido: Gustavo Fernández.
Diseño de vestuario y caracterización: Mavi Amigo.
Diseño escenográfico: Martín Siri.
Diseño lumínico: Jimena Romero.
Asistencia de dirección y traspunte: Maria Jose Morales y Patricia Canén.
Diseño gráfico: Julia Tiscornia.
Fotografía: Mauricio Rodríguez.
Prensa: Lic. Beatriz Benech.
Producción: Lucía Etcheverry.
Sinopsis: Azucena busca el amor y el sentido de la vida, luego de la pérdida de su madre y el retiro laboral. Transita el duelo, junto a su amiga Graciela, rastreando nuevas señales y motivaciones, en sus visitas diarias a un viejo cine de barrio, que se resiste a morir. Allí conocen a Aníbal, y este es el disparador de un juego entre la realidad y la ficción; donde también aparecen elementos sobrenaturales, a través de prácticas esotéricas que podrían establecer una nueva interpretación del presente y una línea de comunicación con el más allá.
La obra cuenta con tecnología sonora binaural, por lo que será escuchada con auriculares.
Sonido binaural: Es una forma de grabar y reproducir el sonido que emula el modo en el que los seres humanos escuchamos. Imita las señales auditivas naturales creadas por el cerebro y el oído, producto de la interacción acústica entre nuestros cuerpos y el entorno que nos rodea; escuchado mediante auriculares, crea un mapa de sonido tridimensional que nos sumerge en los eventos propios del paisaje sonoro y nos ubica en el lugar exacto de donde provienen los sonidos, generando una nueva experiencia inmersiva. Los casos de su uso en el mundo, son de gran impacto, como una potente herramienta de accesibilidad e inclusión para personas con baja visión o ciegas.
La obra obtuvo 10 Nominaciones en los Premios Florencio 2022 y ganó Mejor espectáculo y dirección de comedia y elenco de comedia.
Entradas en venta a través de Tickantel y en boletería de la sala Zavala Muniz.
La 96.ª ceremonia de los Premios Óscar, premiará a las mejores películas estrenadas en 2023. Tendrá lugar en el Dolby Theatre de Hollywood, Los Ángeles, California, el 10 de marzo de 2024. Será presentada nuevamente por Jimmy Kimmel, será la cuarta vez que cumple con esta tarea y recientemente se dió a conocer un pequeño corto de presentación que lleva a Jimmy (un poco perdido) desde Barbieland hacia los Oscars.
Presentación Camino al Oscar
Los nominados a la 96.ª edición de los Premios Óscar fueron anunciados el martes 23 de enero de 2024, por Zazie Beetz y Jack Quaid.
Aquí la lista completa de NOMINADAS:
Mejor Película
American Fiction
Anatomy of a Fall
Barbie
The Holdovers
Killers of the Flower Moon
Maestro
Oppenheimer
Past Lives
Poor Things
The Zone of Interest
Mejor Director
Justine Triet – Anatomy of a Fall
Martin Scorsese – Killers of the Flower Moon
Christopher Nolan – Oppenheimer
Yorgos Lanthimos – Poor Things
Jonathan Glazer – The Zone of Interest
Mejor Actor
Bradley Cooper – Maestro
Colman Domingo – Rustin
Paul Giamatti – The Holdovers
Cillian Murphy – Oppenheimer
Jeffrey Wright – American Fiction
Mejor Actriz
Annette Bening – NYAD
Lily Gladstone – Killers of the Flower Moon
Sandra Hüller – Anatomy of a Fall
Carey Mulligan – Maestro
Emma Stone – Poor Things
Mejor Actor de Reparto
Sterling K. Brown – American Fiction
Robert DeNiro – Killers of the Flower Moon
Robert Downey Jr. – Oppenheimer
Ryan Gosling – Barbie
Mark Ruffalo – Poor Things
Mejor Actriz de Reparto
Emily Blunt – Oppenheimer
Danielle Brooks – The Color Purple
America Ferrera – Barbie
Jodie Foster – NYAD
Da’Vine Joy Randolph – The Holdovers
Mejor Guión Original
Anatomy of a Fall
The Holdovers
Maestro
May December
Past Lives
Mejor Guión Adaptado
American Fiction
Barbie
Oppenheimer
Poor Things
The Zone of Interest
Mejor Edición
Anatomy of a Fall
The Holdovers
Killers of the Flower Moon
Oppenheimer
Poor Things
Mejor Fotografía
El Conde
Killers of the Flower Moon
Maestro
Oppenheimer
Poor Things
Mejor Diseño de Producción
Barbie
Killers of the Flower Moon
Napoleon
Oppenheimer
Poor Things
Mejor Vestuario
Barbie
Killers of the Flower Moon
Napoleon
Oppenheimer
Poor Things
Mejor Maquillaje y Peinado
Golda
Maestro
Oppenheimer
Poor Things
Society of the Snow
Mejor Película Internacional
Io Capitano (Italia)
Perfect Days (Japón)
Society of the Snow (España)
The Teachers’ Lounge (Alemania)
The Zone of Interest (Inglaterra)
Mejor Película Animada
The Boy and the Heron
Elemental
Nimona
Robot Dreams
Spider-Man: Across the Spider-Verse
Mejor Score Original
American Fiction
Indiana Jones and the Dial of Destiny
Killers of the Flower Moon
Oppenheimer
Poor Things
Mejor Canción Original
“It Never Went Away” – American Symphony
“I’m Just Ken” – Barbie
“What Was I Made For?” – Barbie
“The Fire Inside” – Flamin’ Hot
“Wahzhazhe (A Song For My People)” – Killers of the Flower Moon
Mejor Documental
Bobi Wine: The People’s President
The Eternal Memory
Four Daughters
To Kill a Tiger
20 Days in Mariupol
Mejor Cortometraje Documental
The ABCs of Book Banning
The Barber of Little Rock
Island in Between
The Last Repair Shop
Nǎi Nai & Wài Pó
Mejor Cortometraje Ficción
The After
Invincible
Knight of Fortune
Red, White and Blue
The Wonderful Story of Henry Sugar
Mejor Cortometraje Animado
Letter to a Pig
Ninety-Five Senses
Our Uniform
Pachyderme
War Is Over! Inspired by the Music of John & Yoko
Mejores Efectos Visuales
The Creator
Godzilla Minus One
Guardians of the Galaxy Vol. 3
Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One
Napoleon
Mejor Sonido
The Creator
Maestro
Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One
Oppenheimer
The Zone of Interest
Entre las nominaciones se destaca ‘Oppenheimer’, con 13 candidaturas, seguida de cerca por ‘Pobres Criaturas‘, con 11, y ‘Los Asesinos de la Luna‘, con 10.
‘Barbie‘, con 8 nominaciones, va seguida por ‘Maestro‘, con 7, y ‘Anatomía de una Caída‘, ‘Los que se quedan‘, ‘Zona de interés‘ y ‘American Fiction‘, con 5 candidaturas cada una.
‘La Sociedad de la Nieve‘ consiguió 2 nominaciones (película internacional y maquillaje y peluquería).
Ya se encuentra en cines la película «Anatomía de una caída» (Anatomie d’une chute), dirigida por Justine Triet.
Esta cinta que ha sido reconocida desde su estreno: obteniendo la Palma de Oro (máximo galardón otorgado por el Festival de Cine de Cannes), Globo de Oro como Mejor Película de habla de Inglesa y Mejor Guion, y está nominada a cinco Premios Oscar (Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actriz, Mejor Guion Original y Mejor Montaje), nos sumerge en un intrigante laberinto de realidades y percepciones, donde la construcción de la verdad se convierte en el eje central de la trama.
El guion fue escrito por la directora junto a su esposo Arthur Harari. La historia se desenvuelve en torno a una familia fracturada después de un trágico accidente que dejó al hijo de la pareja, Daniel, interpretado magistralmente por Milo Machado Graner con una pérdida parcial de visión. La muerte misteriosa del esposo, Samuel (Samuel Theis), desencadena una serie de eventos que llevan a Sandra encarnada de manera convincente por Sandra Hüller, a ser arrestada y juzgada por asesinato. Mientras el proceso legal avanza, se revelan las complejidades de las relaciones familiares, marcadas por la depresión, la culpa, la competencia entre la pareja y el duelo.
Justine Triet opta por sumergir al espectador en un ambiente austero y desolado, reflejando la soledad interna de los personajes. Este paisaje alejado y frío se convierte en un personaje más de la historia, contribuyendo a la atmósfera sombría que envuelve a los protagonistas.
Lo notable de «Anatomía de una caída» radica en su capacidad para mantener el interés del espectador sin recurrir a efectos especiales ostentosos. La fuerza de la película reside en sus diálogos afilados y en la habilidad de sus actores para transmitir la complejidad emocional de sus personajes. A medida que la trama avanza, el público se ve inmerso en la incertidumbre de qué es verdad y qué no, acompañando a los protagonistas en su búsqueda de respuestas.
Un dato curioso pero no menor sobre lo notable de las actuaciones en esta película es que incluso Snoop (perro guia de Daniel), interpretado por «Messi» obtubo el premio «Palm Dog» (premio alternativo anual presentado por los críticos internacionales de cine durante el Festival de Cine de Cannes, a la mejor actuación de un canino).
Este año «Temporada Alta» esta cumpliendo 10 años y se estará llevando a cabo desde el 30 de enero al 3 de marzo. Las obras que vienen desde Argentina, Chile, Colombia Españay Uruguay se presentarán en el Centro Cultural Artesano, la Plaza del Centro Cultural Terminal Goes, la Sala Jorge Lazaroff y la Sala Verdi.
Programación:
Martes 30 enero ROJO (Colombia) 20:30 h, Sala Verdi Miércoles 31 de enero ROJO (Colombia) 20:30 h, Sala Verdi Jueves1 febrero ROJO (Colombia) 20:30 h, Sala Verdi EL BROTE (Argentina) 20:30 h, Sala Lazaroff Viernes 2 febrero TOTÓ, un payaso viajero (España) 17 h, Plaza Centro Cultural Goes EL BROTE (Argentina) 20:30 h, Centro Cultural Artesano Sábado 3 febrero TOTÓ, un payaso viajero (España) 17 h, Centro Cultural Artesano LA VIOLACIÓN DE UNA ACTRÍZ (Chile) 20:30 h, Sala Verdi Domingo 4 febrero TOTÓ, un payaso viajero (España) Doble función: 16 y 18 hs Sala Lazaroff LA VIOLACIÓN DE UNA ACTRÍZ (Chile) 19 h, Sala Verdi Martes 6 febrero DEMASIADO JUNTAS (Uruguay) 20.30 h, Sala Verdi Miércoles 7 febrero DEMASIADO JUNTAS (Uruguay) 20.30 h, Sala Verdi Viernes 9 febrero MARÍA ISABEL (Chile) 20:30 h, Sala Verdi Sábado 10 febrero VIVIR VENDE (Argentina) 20.30 h, Sala Lazaroff MARÍA ISABEL (Chile) 20:30 h, Sala Verdi Domingo 11 febrero VIVIR VENDE (Argentina) 19 h, Sala Lazaroff LAS PENAS DEL JOVEN WERTHER (España) 19 h, Sala Verdi Lunes 12 febrero LAS PENAS DEL JOVEN WERTHER (España) 20:30 h, Sala Verdi Martes 13 febrero A FUEGO (España) 20:30 h, Sala Verdi Miércoles 14 febrero A FUEGO (España) 20:30 h, Sala Verdi Viernes 16 febrero EN MITAD DE TANTO FUEGO (España) 20:30 h, Sala Verdi Sábado 17 febrero CONTINENTE MARÍA (España) 20:30 h, Sala Lazaroff EN MITAD DE TANTO FUEGO (España) 20:30 h, Sala Verdi Domingo 18 febrero CONTINENTE MARÍA (España) 19 h, Sala Lazaroff
Jueves 22 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Viernes 23 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Sábado 24 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Domingo 25 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 19 h, Sala Verdi Martes 27 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Miércoles 28 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Jueves 29 febrero MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Viernes1 marzo MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Sábado2 marzo MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 20:30 h, Sala Verdi Domingo3 marzo MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO (Uruguay) 19 h, Sala Verdi
Las obras:
A FUEGO: Compañía LA BELLA OTERO Catalunya, España Monólogo tragicómico autoficcional en verso:
Fotografía:David Ruano
Eróstrato, un pastor de la Antigua Grecia, incendió el templo de Artemisa de Éfeso, considerado una de las siete maravillas del mundo antiguo. Después de ser detenido, interrogado y torturado, acabó confesando la verdadera razón que lo había llevado a cometer aquel acto: «pasar a la posteridad». En este monólogo íntegramente en verso, lleno de sátira, juegos de palabras y metateatralidad, veremos cómo la fascinación del protagonista por la figura de Eróstrato se convierte progresivamente en una obsesión, hasta hacerlo cometer un crimen a la altura de su ídolo infame. Saltando de un personaje a otro, el autor-intérprete se ríe de su propia megalomanía, invitándonos a reflexionar sobre el narcisismo imperante de nuestra época y el deseo intrínseco al ser humano de dejar huella; ya sea a través de una expresión artística, un oficio, una revolución o un acto criminal.
CONTINENTE MARÍA: Galicia, España Teatro documento
Fotografía: Aigi Boga
Un canto a la vida y al teatro a través del diálogo con la extraordinaria figura de María Casares. Mediante las múltiples posibilidades que nos ofrece el teatro, evocamos a María no solo como la inolvidable actriz que fue, sino también como el ser humano que se entregó con absoluta intensidad a la vida y a la escena para vencer el miedo y sobreponerse al exilio, descubriendo en las tablas su verdadera patria. La Casares se nos presenta como un mapa a recorrer, pero no como turistas, sino como viajeras curiosas, gozando de los detalles que nos proporciona su paisaje, lleno de vitalidad y ganas de vivir en presente absoluto todo lo que la realidad y la poesía nos puede ofrecer. Un mapa de un Continente inabarcable en el que queremos permanecer porque estamos seguras de que vivir en él nos hará mejores, como individuos y como sociedad. Conversamos con el legado de María tratando de recoger la retranca, el humor, y la musicalidad que se desprende de sus entrevistas y escritos, que se descubren ante nosotros como un faro que arroja luz y claridad a un presente que precisa referentes de libertad y compromiso.
DEMASIADO JUNTAS: Montevideo, Uruguay Comedia
Fotografía: Matías Fabricio
La pieza reúne a las famosas hermanas siamesas Yvonne y Mabel para narrar su verdadera historia. Nacidas en un viejo circo criollo, estas dos bellas niñas unidas en un solo cuerpo atravesarán distintas etapas de su crecimiento personal y artístico a lo largo del siglo XX. Así descubrirán el secreto más cruel que el destino les tiene guardado. Las mentiras, el éxito y el declive de su olvidada carrera brillarán una vez más sobre el escenario. ¿Quién podría perdérselas?
EL BROTE: Buenos Aires, Argentina Comedia dramática
Fotografía: Luis Ezcurra
A un actor se le comienzan a desdibujar los límites entre la ficción y la realidad y ahora hasta desconfía de quien escribe los acontecimientos de su propia vida. ¿Qué clase de personaje somos en esta historia?
EN MITAD DE TANTO FUEGO: Catalunya, España Drama
Fotografía: David Ruano
Un alegato contra la guerra y un canto a la libertad, al amor y el deseo. La pieza aborda la belleza, el misterio y la oscuridad de un poema épico que profundiza en la condición humana. Combina voces del pasado y el presente, enlazando diversas épocas a partir del personaje de Patroclo, compañero de armas y amante de Aquiles, presente en La Ilíada y otros textos clásicos. La obra es entonces, tanto una canción de guerra como un oratorio por las víctimas, un poema oscuro acerca de la violencia del campo de batalla, pero también de la violencia del deseo. Porque La Ilíada comienza con las deserciones de estos dos hombres que se aman y deciden abandonar el campo de batalla diez años después del inicio de la guerra. Por eso sostienen los artistas “seguimos hablando de la guerra de Troya porque todavía sigue ardiendo”.
LA VIOLACIÓN DE UNA ACTRIZ: Santiago, Chile Drama
Fotografía: Braulio Martinez
En medio de la peste, una actriz debe interpretar nuevamente una obra que ha interpretado durante años, aunque esta vez, es a través de una pantalla. Antes de entrar a escena, la actriz recuerda repentinamente un episodio de su vida y se niega a actuar: de pronto, toda su vida se ha resignificado. A partir de esta historia reflexionaremos acerca de la violencia sexual ejercida sobre la mujer a lo largo de la historia, la negación, la mentira y los obstáculos con los que se encuentran las víctimas al aceptar sus propios episodios de abuso.
LAS PENAS DEL JOVEN WERTHER: TEATRO TANTARANTANA Catalunya, España Un gran meme sobre el negocio de la tristeza a partir de la obra de Goethe
Fotografía: Roser Blanch
Ghosting, benching, sadfishing, palabras que maquillan una dolorosa realidad: pasan de ti. Así debía sentirse Werther, el personaje de Goethe, en su intento de conquistar a Lotte. El autor alemán se abrió un canal en este blockbuster empezando un negocio con su propio dolor. ¿En un mundo donde se nos impone “ser diferentes y auténticos” constantemente, estamos comercializando nuestras lágrimas?
Las penas del joven Werther es un espectáculo de estímulos y contrastes a partir de la obra de Goethe, alrededor de la mercantilización de la tristeza, el fascismo emocional y la identidad como espectáculo. ¿Desde cuándo el dolor se ha convertido en una fuente de negocio? Mel Salvatierra es actriz y al fin ha conseguido su deseo: hacer un monólogo a partir del Werther de Goethe. Aun así, el proceso de esta obra será todo un dolor de cabeza. A partir de una sola actriz, un montaje frenético y mucho de humor negro, se sirve un espectáculo en forma de neovarietés, relleno de referentes millennials como la cultura Emo, los memes tristes o Lana del Rey.
MARÍA ISABEL: Centro Cultural GAM Santiago, Chile Propuesta interdisciplinar
Diseño: Manuel Morgado
Una puesta en escena que explora la historia y figura de María Isabel Matamala, médica especialista en Salud Pública y ex miembro del Movimiento de Izquierda Revolucionario (MIR), detenida y llevada a Villa Grimaldi y posteriormente a Tres Álamos. Esta producción GAM dirigida por Ana Luz Ormazábal, llega bajo la línea de 50 años del Golpe. La figura de María Isabel Matamala es el personaje central de la puesta en escena que cuenta y rememora una investigación que nunca vio la luz. Esta doctora chilena escribió junto a otras militantes, un manifiesto feminista que hablaba de la realidad discriminatoria de las mujeres dentro de un partido revolucionario mientras fueron prisioneras en Tres Álamos. Repleto de datos, fechas, relatos, reflexiones y preguntas, el documento fue sacado del centro de detención y enviado clandestinamente a la CIMADE, pero al llegar a Francia y ser entregado al MIR desaparece. ¿Cómo era ser feminista dentro del MIR? ¿Qué cambios de época vemos y qué queda por hacer? ¿Qué pasó con esos textos? Son algunas de las preguntas que guían el proyecto.
“La historia de María Isabel representa la de muchas mujeres, mujeres que ya no están, que desaparecieron, fueron torturadas, asesinadas, y otras que sobrevivieron. Ella de manera muy generosa, nos entregó su testimonio, a partir del cual tratamos de encarnar otras voces; la historia del país, la de María Isabel, su vecina, personajes anónimos y de muchas otras identidades”, comenta la directora, Ana Luz Ormazábal.
MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO: Montevideo, Uruguay Versión escénica de la novela homónima de Alicia Migdal
Una podría ser otra, su doble -¿su multiplicación?- y las que no aparecen. Un torrente de mujeres se cristaliza: historias como instantáneas cotidianas que pudieron haber sido. Un discurso cinematográfico artesanal en el que alguien une un fragmento de film con otro y la vida cambia para siempre. Es por acumulación que la totalidad de la existencia se constituye como un sinsentido.
Momentos mínimos, gestos, objetos que parecen objetos que no son. Algo se traslada en un viaje que termina en las mismas esquinas, miradas, insistencias. Montevideo es una protagonista utópica y las calles una ficción ideal. Pero el teatro es un teatro y es adentro y es oscuro: apagadísimo encierro. Allá a lo lejos un destello. “Viajar a algún país y morir justo en el lugar en el que alguien ha puesto una bomba. Viajar para estar cerca de las bombas” La metáfora de la explosión ha quedado obsoleta; la versión escénica de Muchachas de verano en días de marzo es una invitación a la paciencia, a la escucha de lo imperceptible, a no esperar suceso ni momento específico ni hecho, a no forzar la vida ante tanta muerte.
ROJO: LA CONGREGACIÓN Botogá, Colombia Tragedia contemporánea
Fotografía: Saúl Redondo, Camilo Montiel
Se trata de una apuesta teatral de gran formato en la que dialogan disciplinas artísticas como la danza contemporánea, la música y las artes plásticas; parte de la necesidad creativa y poética de formular una reflexión crítica sobre la violencia y el terror en la historia de nuestro país, desde la tragedia contemporánea como género y lenguaje.
Rojo es la historia de un pueblo que desaparece del mapa. Es la cartografía del engaño y el odio que se siembra en “El Refugio” tras el velo del progreso y la civilización. Rojo es un zapato para caminar como la gente de bien, es un registrador que bautiza a su antojo “lugareños” en un tiempo sin nombre, es un señor con helicóptero que limpia la selva para hacer carreteras, es una promesa, es el deseo de tener más así seamos menos, es una pista donde aterrizan avionetas cargadas de dinero blanco, es el culto a la muerte, es brujería, es una pantera que muerde amaneceres y entierra antiguos amigos, es un barrio, es una frontera invisible, es la conducta del silencio, es la primera comunión con la guerra, es una foto de infancia bañada de sangre, es la patasola que visita una casa de espectros, es la genealogía del mal. Es la historia cifrada del narcotráfico y el terrorismo en Colombia.
TOTÓ, UN PAYASO VIAJERO: Las Palmas de Gran Canaria, España Clown
Fotografía: Dario Rocha
En este espectáculo multidisciplinar Totó nos cuenta, con una visión muy contemporánea del clown, sus últimos viajes por el mundo. Lo hace mediante sus números de malabares, lo que él entiende por magia, sus alocadas aventuras, historietas y hazañas…pero sobre todo, lo hace con mucho humor, porque eso es lo que nunca falta en su maleta después de cada viaje. Pero ¡cuidado! Totó puede estar por la mañana en Australia, almorzar en el Congo y llegar por la noche a Brasil y ¡claro que tanto soñar cansa mucho! así que su locura y delirios clown tendrán al público navegando permanentemente en el placer de ver un payaso, cercano, enérgico, travieso y soñador.
Un espectáculo para disfrutar con toda la familia y que con el paso del tiempo se ha convertido en un espectáculo fresco y participativo donde la diversión está garantizada para todos los públicos. Un formato ínter-generacional con el Totó ha recorrido muchos kilómetros tanto en Canarias, España, Europa, Asia y África.
VIVIR VENDE: Compañía SELECCIÓN NATURAL – Buenos Aires, Argentina Danza-performance
Vivir Vende FIBA - Fotografía: Ignacio Sánchez
VIVIR VENDE habla de vivir y de vender/se. La vida está en venta. VIVIR VENDE es una obra, una performance y un ensayo hecho por una compañía después de 10 años de trabajo conjunto.
Habla de nosotros, bailarines, artistas del tercer mundo, a la intemperie en medio de la super crisis de sentido de todo. Reafirmando nuestro presente, nuestra obra es estar. Permanecer. Ante el mercado salvaje, capitalizar nuestro erotismo. Usar nuestros cuerpos y seducción como capital. Entramos por decisión al juego y de algún modo logramos emanciparnos. Nos reímos de todo. De la moda, de la precariedad, de ser pobres, de ser lindos. Como los cartoneros salimos a buscar basura en las calles, para nuestro desfile de moda. Abrazamos el mundo asi como viene. Nos infiltramos. Desde el lugar que ocupamos, abrimos el campo. Nos ves por dentro, nos ves por fuera, nos ves ensayando, nos ves exigidos, nos ves gozar, nos ves el culo.
SEDES:
Centro Cultural Artesano Bv Aparicio Saravia 4697 (Peñarol) Centro Cultural Terminal Goes Gral Flores y Domingo Aramburú Sala Jorge Lazaroff Intercambiador Belloni, 1er piso 8 de Octubre 4849 esq José Belloni Sala Verdi Soriano 914
COMPRA DE LOCALIDADES:
Espectáculos en Sala Verdi hasta el 23 de febrero Entradas generales: $ 100 Comunidad La Diaria y FUCVAM:2 x 1 Credencial Verde: titular gratis, acompañante 50 % Montevideo Libre: gratis (de acuerdo al cupo) a partir del 24 de febrero Funciones de MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO Entradas generales: $ 500 Comunidad La Diaria y FUCVAM: 2 x 1 Credencial Verde: titular gratis, acompañante 50 % Montevideo Libre: gratis (de acuerdo al cupo) Jubilados: $ 300 / Jóvenes hasta 21 años: $ 200 Localidades en venta en Abitab, Redpagos, Tienda Inglesa, tiendas de ANTEL, página de Tickantel y boletería de Sala Verdi, abierta de martes a sábados de 15.30 a 21.30 y domingos de 15:30 a 19:30hs.
Espectáculos en Centro Cultural Artesano: Entrada libre, por orden de llegada. Espectáculos en Plaza del Centro Cultural Terminal Goes: Entrada libre. Espectáculos en Sala Jorge Lazaroff:Entrada gratuita. Reserva previa por: sala.lazaroff@imm.gub.uy tel 1950 9075 wsp 099612009
Sinopsis:Un hombre es encarnado por un demonio en la ruralidad de un pueblo perdido, lejos de las grandes ciudades. Dos hermanos encuentran a este hombre a punto de dar a luz al mal y advierten a los vecinos del pueblo sobre el horror que está por estallar. Deciden deshacerse del hombre encarnado, pero lo único que logran es acelerar el proceso. El demonio ha nacido y empieza a dejar su inconfundible rastro de maldad. Deberán huir antes de que la locura y la destrucción los arrastre consigo.
El jueves 11 de enero llega a las salas «Cuando acecha la maldad» película del director argentino Demián Rugna. Desde su presentación a sala llena en el Festival de Mar del Plata hasta su impresionante 97% de aprobación en Rotten Tomatoes, la película ha logrado un merecido reconocimiento. Además, al obtener el premio a la Mejor Película en el Festival de Sitges (primer festival de cine fantástico del mundo), se convirtió en un hito para el cine latinoamericano, ya que fue la primera de la región en recibir este galardón en 56 años de historia del festival.
La trama se desenvuelve en un remoto y olvidado pueblito de Argentina, donde un maleficio oscuro acecha, generando una atmósfera llena de suspense y terror desde el principio.
Dos hermanos, perfectamente interpretados por Ezequiel Rodríguez y Demián Salomón, se encuentran con un hombre poseído. Su intento desesperado de alertar a la comunidad y salvarse del mal que se aproxima desencadena una serie de eventos inquietantes, acelerando un desenlace inevitable.
Como una persona que se considera poco fan del cine de terror debo afirmar que la cinematografía de Rugna se destaca en cada cuadro, capturando la atención del espectador, haciéndonos presa de la desesperación que embarga al pueblo. La dirección de arte y la elección de locaciones contribuyen significativamente a la creación de un ambiente inquietante y auténtico.
Las actuaciones son convincentes y la dirección construye una narrativa intrigante. Rugna no sólo cuenta una historia aterradora, sino que también eleva la cinematografía latinoamericana al panorama internacional, demostrando que el talento de la región puede competir y destacarse en la escena mundial.
La ansiada temporada de premios se inauguró con la gala de los 81° Golden Globes 2024, el pasado domingo 7 de enero. Esta ceremonia, reconocida mundialmente como una de las más destacadas en la industria del entretenimiento, honró lo más destacado de la televisión y el cine. La brillante ceremonia, dirigida por Jo Koy, tuvo lugar en el prestigioso Hotel Beverly Hilton en Los Ángeles, convirtiéndose en el epicentro de la elegancia y la emoción.
La alfombra roja se iluminó con la presencia de renombradas celebridades como America Ferrera, Dua Lipa, Elle Fanning, Bradley Cooper, Leonardo DiCaprio entre otras personalidades de la industria del entretenimiento. Estas estrellas, con su deslumbrante presencia, añadieron un toque adicional de glamour a la noche, anticipando una velada llena de emociones y reconocimientos.
Aquí les dejo la lista completa de ganadores: Los ganadores estan en negrita
El primer premio y segundo premio fue presentado por Jared Leto y Angela Bassett, los ganadorer fueros DA’VINE JOY RANDOLPH por THE HOLDOVERS y ROBERT DOWNEY JR. por OPPENHEIMER
MEJOR ACTRIZ EN UN PAPEL DE SECUNDARIO – PELÍCULA
EMILY BLUNT (OPPENHEIMER)
DANIELLE BROOKS (THE COLOR PURPLE)
JODIE FOSTER (NYAD)
JULIANNE MOORE (MAY DECEMBER)
ROSAMUND PIKE (SALTBURN)
DA’VINE JOY RANDOLPH (THE HOLDOVERS)
MEJOR ACTOR EN UN PAPEL SECUNDARIO – PELÍCULA
WILLEM DAFOE (POOR THINGS)
ROBERT DE NIRO (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
ROBERT DOWNEY JR. (OPPENHEIMER)
RYAN GOSLING (BARBIE)
CHARLES MELTON (MAY DECEMBER)
MARK RUFFALO (POOR THINGS)
MEJOR ACTRIZ EN SERIE LIMITADA, SERIE DE ANTOLOGÍA O PELÍCULA REALIZADA PARA TELEVISIÓN
RILEY KEOUGH (DAISY JONES & THE SIX)
BRIE LARSON (LESSONS IN CHEMISTRY)
ELIZABETH OLSEN (LOVE & DEATH)
JUNO TEMPLE (FARGO)
RACHEL WEISZ (DEAD RINGERS)
ALI WONG (BEEF)
MEJOR ACTOR EN SERIE LIMITADA, SERIE DE ANTOLOGÍA O PELÍCULA REALIZADA PARA TELEVISIÓN
MATT BOMER (FELLOW TRAVELERS)
SAM CLAFLIN (DAISY JONES & THE SIX)
JON HAMM (FARGO)
WOODY HARRELSON (WHITE HOUSE PLUMBERS)
DAVID OYELOWO (LAWMEN: BASS REEVES)
STEVEN YEUN (BEEF)
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA EN TELEVISIÓN
ELIZABETH DEBICKI (THE CROWN)
ABBY ELLIOTT (THE BEAR)
CHRISTINA RICCI (YELLOWJACKETS)
J. SMITH-CAMERON (SUCCESSION)
MERYL STREEP (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
HANNAH WADDINGHAM (TED LASSO)
MEJOR ACTOR SECUNDARIO EN TELEVISIÓN
BILLY CRUDUP (THE MORNING SHOW)
MATTHEW MACFADYEN (SUCCESSION)
JAMES MARSDEN (JURY DUTY)
EBON MOSS–BACHRACH (THE BEAR)
ALAN RUCK (SUCCESSION)
ALEXANDER SKARSGÅRD (SUCCESSION)
HBO Succession S3 06.30.21 Italy S3 Ep 9 – BB22, B22pt – ext wedding venue, Tom on phone to shive, Greg & Tom talk end game Kriti Fitts – Publicist kristi.fitts@warnermedia.com Succession S2 | Sourdough Productions, LLC Silvercup Studios East – Annex 53-16 35th St., 4th FloorLong Island City, NY 11101 Office: 718-906-3332
MEJOR GUIÓN
GRETA GERWIG, NOAH BAUMBACH (BARBIE)
TONY MCNAMARA (POOR THINGS)
CHRISTOPHER NOLAN (OPPENHEIMER)
ERIC ROTH, MARTIN SCORSESE (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
CELINE SONG (PAST LIVES)
JUSTINE TRIET, ARTHUR HARARI (ANATOMY OF A FALL)
MEJOR ACTOR EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – MUSICAL O COMEDIA
BILL HADER (BARRY)
STEVE MARTIN (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
JASON SEGEL (SHRINKING)
MARTIN SHORT (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
JASON SUDEIKIS (TED LASSO)
JEREMY ALLEN WHITE (THE BEAR)
MEJOR ACTUACIÓN EN STAND-UP COMEDY EN TELEVISIÓN
RICKY GERVAIS (RICKY GERVAIS: ARMAGEDDON)
TREVOR NOAH (TREVOR NOAH: WHERE WAS I)
CHRIS ROCK (CHRIS ROCK: SELECTIVE OUTRAGE)
AMY SCHUMER (AMY SCHUMER: EMERGENCY CONTACT)
SARAH SILVERMAN (SARAH SILVERMAN: SOMEONE YOU LOVE)
WANDA SYKES (WANDA SYKES: I’M AN ENTERTAINER)
MEJOR PELÍCULA – IDIOMA NO INGLÉS
ANATOMY OF A FALL (NEON) – FRANCE
FALLEN LEAVES (MUBI) – FINLAND
IO CAPITANO (Pathe Distribution) – ITALY
PAST LIVES (A24) – USA
THE ZONE OF INTEREST (A24) – UNITED KINGDOM / USA
SOCIEDAD DE LA NIEVE (Netflix)- ESPAÑA
MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – MUSICAL O COMEDIA
RACHEL BROSNAHAN (THE MARVELOUS MRS. MAISEL)
QUINTA BRUNSON (ABBOTT ELEMENTARY)
AYO EDEBIRI (THE BEAR)
ELLE FANNING (THE GREAT)
SELENA GOMEZ (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
NATASHA LYONNE (POKER FACE)
MEJOR ACTOR EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – DRAMA
BRIAN COX (SUCCESSION)
KIERAN CULKIN (SUCCESSION)
GARY OLDMAN (SLOW HORSES)
PEDRO PASCAL (THE LAST OF US)
JEREMY STRONG (SUCCESSION)
DOMINIC WEST (THE CROWN)
MEJOR PELÍCULA – ANIMADA
THE BOY AND THE HERON (GKIDS)
ELEMENTAL (Walt Disney Studios Motion Pictures)
SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER-VERSE (Sony Pictures Releasing)
THE SUPER MARIO BROS. MOVIE (Universal Pictures)
SUZUME (Crunchyroll / Sony Pictures Entertainment)
WISH (Walt Disney Studios Motion Pictures)
MEJOR DIRECCIÓN – PELÍCULA
BRADLEY COOPER (MAESTRO)
GRETA GERWIG(BARBIE)
YORGOS LANTHIMOS (POOR THINGS)
CHRISTOPHER NOLAN (OPPENHEIMER)
MARTIN SCORSESE (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
CELINE SONG (PAST LIVES)
MEJOR ACTRIZ EN UNA PELÍCULA – MUSICAL O COMEDIA
FANTASIA BARRINO (THE COLOR PURPLE)
JENNIFER LAWRENCE (NO HARD FEELINGS)
NATALIE PORTMAN (MAY DECEMBER)
ALMA PÖYSTI (FALLEN LEAVES)
MARGOT ROBBIE (BARBIE)
EMMA STONE (POOR THINGS)
MEJOR ACTOR EN UNA PELÍCULA – DRAMA
BRADLEY COOPER (MAESTRO)
LEONARDO DiCAPRIO (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
COLMAN DOMINGO (RUSTIN)
BARRY KEOGHAN (SALTBURN)
CILLIAN MURPHY (OPPENHEIMER)
ANDREW SCOTT (ALL OF US STRANGERS)
MEJOR BANDA SONORA – PELÍCULA
JERSKIN FENDRIX (POOR THINGS)
LUDWIG GÖRANSSON (OPPENHEIMER)
JOE HISAISHI (THE BOY AND THE HERON)
MICA LEVI (THE ZONE OF INTEREST)
DANIEL PEMBERTON (SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER-VERSE)
ROBBIE ROBERTSON (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL – PELÍCULA
“ADDICTED TO ROMANCE” — SHE CAME TO ME Music & Lyrics by: Bruce Springsteen
“DANCE THE NIGHT” — BARBIE Music & Lyrics by: Mark Ronson, Andrew Wyatt, Dua Lipa, Caroline Ailin
“I’M JUST KEN” — BARBIE Music & Lyrics by: Mark Ronson, Andrew Wyatt
“PEACHES” — THE SUPER MARIO BROS. MOVIE Music & Lyrics by: Jack Black, Aaron Horvath, Michael Jelenic, Eric Osmond, John Spiker
“ROAD TO FREEDOM” — RUSTIN Music & Lyrics by: Lenny Kravitz
“WHAT WAS I MADE FOR?” — BARBIE Music & Lyrics by: Billie Eilish O’Connell, Finneas O’Connell
EFECTOS VISUALES Y LOGRO DE TAQUILLA
BARBIE
GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL. 3 (Películas en movimiento de Walt Disney Studios)
JOHN WICK: CAPÍTULO 4 (Lionsgate)
MISSION: IMPOSSIBLE – DEAD RECKONING PART 1 (Paramount Pictures)
OPPENHEIMER (Universal Pictures)
SPIDER-MAN: A TRAVÉS DEL SPIDER-VERSE (Lanzamiento de Sony Pictures)
THE SUPER MARIO BROS. MOVIE (Universal Pictures)
TAYLOR SWIFT: THE ERAS TOUR (Distribución en cines AMC)
MEJOR SERIE LIMITADA, SERIE DE ANTOLOGÍA O PELÍCULA REALIZADA PARA TELEVISIÓN
ALL THE LIGHT WE CANNOT SEE (NETFLIX)
BEEF (NETFLIX)
DAISY JONES & THE SIX (PRIME VIDEO)
FARGO (FX)
FELLOW TRAVELERS (SHOWTIME)
LESSONS IN CHEMISTRY (APPLE TV+)
MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN – MUSICAL O COMEDIA
ABBOTT ELEMENTARY (ABC)
BARRY (HBO | MAX)
THE BEAR (FX)
JURY DUTY (AMAZON FREEVEE)
ONLY MURDERS IN THE BUILDING (HULU)
TED LASSO (APPLE TV+)
MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – DRAMA
HELEN MIRREN (1923)
BELLA RAMSEY (THE LAST OF US)
KERI RUSSELL (THE DIPLOMAT)
SARAH SNOOK (SUCCESSION)
IMELDA STAUNTON (THE CROWN)
EMMA STONE (THE CURSE)
MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN – DRAMA
1923 (PARAMOUNT+)
THE CROWN (NETFLIX)
THE DIPLOMAT (NETFLIX)
THE LAST OF US(HBO | MAX)
THE MORNING SHOW (APPLE TV+)
SUCCESSION (HBO | MAX)
MEJOR ACTOR EN UNA PELÍCULA – MUSICAL O COMEDIA
NICOLAS CAGE (DREAM SCENARIO)
TIMOTHÉE CHALAMET (WONKA)
MATT DAMON (AIR)
PAUL GIAMATTI (THE HOLDOVERS)
JOAQUIN PHOENIX (BEAU IS AFRAID)
JEFFREY WRIGHT (AMERICAN FICTION)
MEJOR PELÍCULA – MUSICAL O COMEDIA
AIR (Amazon MGM Studios)
AMERICAN FICTION (Orion Pictures / Amazon MGM Studios)
Acaba de llegar a Netflix la película sueca «Gracias, lo siento«. La película está categorizada como comedia dramática aunque tiene poco de comedia y bastante de drama. La historia comienza cuando Sara, a semanas de dar a luz a su segundo hijo es abandonada sorpresivamente por Daniel, su esposo, pero lejos de ser un drama de parejas o la historia de un divorcio la trama da un giro porque esa misma noche Daniel muere durmiendo, debido a una falla cardíaca.
Esta situación deja a Sara en medio de un torbellino emocional, por un lado con la responsabilidad de cuidar sola a su hijo Elliot de 5 años, esperando al nuevo bebé, intentando sobrellevar el dolor del duelo y la realidad que suponía que Daniel la pensaba abandonar. A eso se le suma la presencia de sus suegros que a pesar de tener buenas intenciones, se entrometen.
Con este panorama planteado aparece Linda su hermana mayor de quien Sara estaba distanciada y con su llegada la historia toma su curso y se desarrolla. Nos encontramos con un drama sencillo que habla sobre el perdón, sobre las relaciones de familia, sobre las diferentes maneras de enfrentar las situaciones que nos toca en la vida.
Stefanie Neukirch debuta con su primer trabajo como directora al frente de la obra teatral «Barrabás, Historia de un perro», una tragedia que promete conmover y reflexionar sobre las complejidades de las relaciones familiares. La pieza, con una duración de 75 minutos, se presenta en la Sala Zavala Muníz del Teatro Solís de Montevideo durante el mes de febrero de 2024.
Sinopsis: Un niño de dos años es atacado por su perro en una situación doméstica. La madre es testigo del ataque, el padre no. Padre y madre se culparán por turnos en el intento fallido de encontrar una explicación a lo inconmensurable.
Entradas: Tickantel y boletería del Teatro Solís – Costo: $ 550
Total: 10 Funciones
Fechas: Desde jueves 1 al domingo 4 y del martes 6 al domingo 11 – Febrero 2024
Horarios: Días de semana y sabados 20:30hs, domingos 19:30hs
Elenco: Estefanía Acosta (Muriel) y Lucio Hernández (Tomás)
BIOGRAFÍAS:
Stefanie Neukirch, Bonn 1983: Egresa de la American Academy of Dramatic Arts de Nueva York y completa sus estudios en el T. Schreiber Studio de la misma ciudad. Trabaja en teatro “off Broadway” junto al creador Richard Foreman.
Es actriz del elenco estable de la Comedia Nacional, donde interpreta repertorio clásico y contemporáneo del teatro universal tanto en Montevideo como en la escena internacional.
Ha traducido una decena de obras como Tom Pain de Will Eno y Madre Coraje y sus Hijos de Bertolt Brecht al castellano.
Como dramaturga, ha estrenado las obras Toda mi vida me gustaron las matemáticas, Valor Facial y No ver no oír no hablar (Premio Florencio a mejor texto de autor nacional). Barrabás, Historia de un Perroconstituye su primer trabajo de dirección.
Estefanía Acosta (1980): Actriz y licenciada en psicología. Egresa en 1998 de la Escuela del Actor y en 2004 de la Escuela de Arte Escénico Mario Galup del Teatro El Galpón. Ha integrado el elenco estable de dicha institución desde entonces.
Ha trabajado con destacados directores del medio, haciendo su debut en 2003 con Coco Rivero en la obra Cruzadas y su primer protagónico en 2004 con Vacas gordas bajo la dirección de Chino Campodónico.
Trabajó con directores extranjeros entre los que se destacan Aderbal Freire (Incendios), Natalia Menéndez (El pequeño poni), Fernando Rubio (Todo lo que está a mi lado) y Marcelo Díaz (Casa de muñecas)
En el medio audiovisual participó en Adicciones (serie canal 12), Temporario (serie canal 10) Joao o maestro (largometraje Brasil), Una bala para el Che (Uruguay), entre otras.
Lucio Hernández (1966): Egresado de la Escuela de Teatro Circular de Montevideo en 1993. Trabajó con los principales directores del medio a partir de 1994, debutando en Ángeles en América bajo la dirección de Antonio «Taco» Larreta.
En 2005, se integra a la Comedia Nacional, elenco estable de la ciudad de Montevideo. Se retira del mismo a finales de 2021 para continuar su carrera en el teatro independiente, después de participar en decenas de espectáculos y protagonizar Otelo y Arturo Uí entre otros.
Como director estrenó: Variaciones Meyerhold de Eduardo Pavlovsky, Tom Pain de Will Eno (Recibiendo el premio Teatro del Mundo de la Universidad de Buenos Aires), Labio de Liebre de Fabio Rubiano, Jumpy de April de Angelis y, recientemente, Consentimiento de Nina Raine.
En el exterior: participó de workshops junto al Studium Teatralne de Varsovia, el Panti Pusaka Budhaya de Bali y la School of Martial Arts, en Trivandrum, India. Participación en cine y series: Los enemigos del dolor, La muerte de un perro, La teoría de los vidrios rotos.
El 22 de Diciembre de 1972, hace exactamente 51 años, Fernando Parrado y Roberto Canessa se encontraron con la salvación y la esperanza al lograr hallar al arriero chileno Sergio Catalán. En ese momento, habían transcurrido 72 días desde que el avión de la Fuerza Aérea Uruguaya se estrelló en la cordillera. De los 45 pasajeros que partieron el viernes 13 de octubre desde Montevideo, únicamente 16 lograron sobrevivir. Como Uruguaya crecí con el relato de este suceso tan increible como impactante, tan presente en nuestro imaginario y en nuestra historia.
¿Por qué es importante revivir los hechos y que esta historia se vuelva a contar?
Primero que nada, la historia es un testimonio de la capacidad humana para enfrentar desafíos extremos y superar situaciones adversas. La lucha por la supervivencia en condiciones tan difíciles sirve como una lección inspiradora y motivadora.
La historia plantea preguntas éticas y morales cruciales sobre las decisiones que las personas deben tomar en situaciones límite. Examina cómo la moralidad se pone a prueba cuando la vida está en juego, proporcionando reflexiones valiosas sobre la naturaleza humana.
Al revivir esta historia, se rinde homenaje a los héroes que emergieron en medio de la tragedia y nos enseña cómo la solidaridad y el compañerismo son fundamentales en las circunstancias más difíciles.
El 4 de enero se estrenará en Netflix , pero hoy tenemos la oportunidad de ver esta historia en pantalla grande y afirmo que es la mejor forma de vivir esta experiencia. La sociedad de la nieve dirigida y escrita por J. A. Bayona, está basada en el libro homónimo de Pablo Vierci. Se destaca por su impactante cinematografía, efectos visuales y sonoros que sumergen al espectador en la experiencia de acompañar a los personajes en esta travesía.
La película se mantiene fiel a los hechos reales, capturando con precisión los eventos históricos y ofreciendo una representación auténtica de la tragedia. Los sobrevivientes han comentado que es la adaptación con la que realmente se han visto reflejados. Los actores hicieron un trabajo magnífico demostrando un compromiso excepcional con sus personajes, entregando interpretaciones conmovedoras y auténticas.
Y uno de los puntos más destacables a mi criterio es el respeto y sensibilidad con la que se abordan todas las situaciones vividas por quienes estuvieron en la montaña, evitando sensacionalismos y tratando con empatía las complejidades de la historia.
El pasado miércoles 13 de diciembre la sala Delmira Agustini del Teatro Solís se vistió de gala para recibir a los nominados de la ceremonia de los premios de la Asociación de Críticos de Cine del Uruguay.
Este es un reconocimiento que se da de parte de los Críticos de Cine a las mejores producciónes del año tanto nacionales como internacionales.
La ceremonia estuvo marcada por un espíritu de fiesta y el gran ganador de la noche fue Juan Ignacio Fernández Hoppe que se llevó cinco reconocimientos, incluyendo Mejor Documental Nacional, Mejor Dirección y Mejor Película Nacional por su película «El retrato de mi padre».
Fotos: Luciana Rodríguez
También se entregaron homenajes a la trayectoria para Aldo Garay y a Inés Olmedo. Y hubo un momento especial para recordar la vida y obra de Rosalba Oxanbarat fallecida este año.
Fotos: Luciana Rodríguez
Lista completa de películas ganadoras
Mejor película nacional: EL RETRATO DE MI PADRE
Mejor dirección: Juan Ignacio Fernández Hoppe – EL RETRATO DE MI PADRE
Mejor documental nacional: EL RETRATO DE MI PADRE
Mejor ópera prima: MILONGA
Mejor dirección de fotografía: Juan Ignacio Fernández Hoppe – EL RETRATO DE MI PADRE
Mejor dirección de fotografía – premio SCU (Sociedad de Cinematografía del Uruguay) Guy Chanel – EURÍDICE, ALLÁ LEJOS
Mejor guión: Juan Ignacio Fernández Hoppe, Guillermo Madeiro, Guillermo Rocamora – EL RETRATO DE MI PADRE
Mejor dirección de arte: Gonzalo Delgado – TEMAS PROPIOS
Mejor dirección de sonido: Santiago Carámbula, Santiago Bednarik – HOT CLUB DE MONTEVIDEO
Mejor música original: Martín Rivero, Nicolás Demczylo – TEMAS PROPIOS
Mejor montaje – premio EOU (Editores Organizados Uruguay) Juan Ignacio Fernández Hoppe, Guillermo Madeiro, Guillermo Rocamora – EL RETRATO DE MI PADRE
Mejor actor: Franco Rizzaro – TEMAS PROPIOS
Mejor actriz: Paulina García – MILONGA
Mejor actor de reparto: Santiago Musetti – AMORES PENDIENTES
Mejor actriz de reparto: Valeria Lois – TEMAS PROPIOS
Premio MUSITELLI al mejor cortometraje: ANTES DE MADRID
Premio revelación: Vicente Pieri – TEMAS PROPIOS
Mejor película internacional: LOS ASESINOS DE LA LUNA
El próximo 7 de enero se estará llevando a cabo la 81º edición de los «Golden Globes» (Globos de Oro). La ceremonia de premiación se transmitirá en vivo por CBS y por Paramount+.
Las nominaciones fueron anunciadas por Cedric “The Entertainer» y Wilmer Valderrama.
A continuación se muestra la lista completa de nominados a la 81ª edición anual de los Golden Globe Awards:
MEJOR PELÍCULA – DRAMA
ANATOMY OF A FALL (NEON)
KILLERS OF THE FLOWER MOON (Apple Original Films)
MAESTRO (Netflix)
OPPENHEIMER (Universal Pictures)
PAST LIVES (A24)
THE ZONE OF INTEREST (A24)
MEJOR PELÍCULA – MUSICAL O COMEDIA
AIR (Amazon MGM Studios)
AMERICAN FICTION (Orion Pictures / Amazon MGM Studios)
BARBIE (Warner Bros. Pictures)
THE HOLDOVERS (Focus Features)
MAY DECEMBER (Netflix)
POOR THINGS (Searchlight Pictures)
MEJOR PELÍCULA – ANIMADA
THE BOY AND THE HERON (GKIDS)
ELEMENTAL (Walt Disney Studios Motion Pictures)
SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER-VERSE (Sony Pictures Releasing)
THE SUPER MARIO BROS. MOVIE (Universal Pictures)
SUZUME (Crunchyroll / Sony Pictures Entertainment)
WISH (Walt Disney Studios Motion Pictures)
EFECTOS VISUALES Y LOGRO DE TAQUILLA
BARBIE (Fotos de Warner Bros.)
GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL. 3 (Películas en movimiento de Walt Disney Studios)
JOHN WICK: CAPÍTULO 4 (Lionsgate)
MISSION: IMPOSSIBLE – DEAD RECKONING PART 1 (Paramount Pictures)
OPPENHEIMER (Universal Pictures)
SPIDER-MAN: A TRAVÉS DEL SPIDER-VERSE (Lanzamiento de Sony Pictures)
THE SUPER MARIO BROS. MOVIE (Universal Pictures)
TAYLOR SWIFT: THE ERAS TOUR (Distribución en cines AMC)
MEJOR PELÍCULA – IDIOMA NO INGLÉS
ANATOMY OF A FALL (NEON) – FRANCE
FALLEN LEAVES (MUBI) – FINLAND
IO CAPITANO (Pathe Distribution) – ITALY
PAST LIVES (A24) – USA
THE ZONE OF INTEREST (A24) – UNITED KINGDOM / USA
SOCIEDAD DE LA NIEVE (Netflix)- ESPAÑA
MEJOR ACTRIZ EN UNA PELÍCULA – DRAMA
ANNETTE BENING (NYAD)
LILY GLADSTONE (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
SANDRA HÜLLER (ANATOMY OF A FALL)
GRETA LEE (PAST LIVES)
CAREY MULLIGAN (MAESTRO)
CAILEE SPAENY (PRISCILLA)
MEJOR ACTOR EN UNA PELÍCULA – DRAMA
BRADLEY COOPER (MAESTRO)
LEONARDO DiCAPRIO (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
COLMAN DOMINGO (RUSTIN)
BARRY KEOGHAN (SALTBURN)
CILLIAN MURPHY (OPPENHEIMER)
ANDREW SCOTT (ALL OF US STRANGERS)
MEJOR ACTRIZ EN UNA PELÍCULA – MUSICAL O COMEDIA
FANTASIA BARRINO (THE COLOR PURPLE)
JENNIFER LAWRENCE (NO HARD FEELINGS)
NATALIE PORTMAN (MAY DECEMBER)
ALMA PÖYSTI (FALLEN LEAVES)
MARGOT ROBBIE (BARBIE)
EMMA STONE (POOR THINGS)
MEJOR ACTOR EN UNA PELÍCULA – MUSICAL O COMEDIA
NICOLAS CAGE (DREAM SCENARIO)
TIMOTHÉE CHALAMET (WONKA)
MATT DAMON (AIR)
PAUL GIAMATTI (THE HOLDOVERS)
JOAQUIN PHOENIX (BEAU IS AFRAID)
JEFFREY WRIGHT (AMERICAN FICTION)
MEJOR ACTRIZ EN UN PAPEL DE SECUNDARIO – PELÍCULA
EMILY BLUNT (OPPENHEIMER)
DANIELLE BROOKS (THE COLOR PURPLE)
JODIE FOSTER (NYAD)
JULIANNE MOORE (MAY DECEMBER)
ROSAMUND PIKE (SALTBURN)
DA’VINE JOY RANDOLPH (THE HOLDOVERS)
MEJOR ACTOR EN UN PAPEL SECUNDARIO – PELÍCULA
WILLEM DAFOE (POOR THINGS)
ROBERT DE NIRO (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
ROBERT DOWNEY JR. (OPPENHEIMER)
RYAN GOSLING (BARBIE)
CHARLES MELTON (MAY DECEMBER)
MARK RUFFALO (POOR THINGS)
MEJOR DIRECCIÓN – PELÍCULA
BRADLEY COOPER (MAESTRO)
GRETA GERWIG(BARBIE)
YORGOS LANTHIMOS (POOR THINGS)
CHRISTOPHER NOLAN (OPPENHEIMER)
MARTIN SCORSESE (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
CELINE SONG (PAST LIVES)
MEJOR GUIÓN
GRETA GERWIG, NOAH BAUMBACH (BARBIE)
TONY MCNAMARA (POOR THINGS)
CHRISTOPHER NOLAN (OPPENHEIMER)
ERIC ROTH, MARTIN SCORSESE (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
CELINE SONG (PAST LIVES)
JUSTINE TRIET, ARTHUR HARARI (ANATOMY OF A FALL)
MEJOR BANDA SONORA – PELÍCULA
JERSKIN FENDRIX (POOR THINGS)
LUDWIG GÖRANSSON (OPPENHEIMER)
JOE HISAISHI (THE BOY AND THE HERON)
MICA LEVI (THE ZONE OF INTEREST)
DANIEL PEMBERTON (SPIDER-MAN: ACROSS THE SPIDER-VERSE)
ROBBIE ROBERTSON (KILLERS OF THE FLOWER MOON)
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL – PELÍCULA
“ADDICTED TO ROMANCE” — SHE CAME TO ME Music & Lyrics by: Bruce Springsteen
“DANCE THE NIGHT” — BARBIE Music & Lyrics by: Mark Ronson, Andrew Wyatt, Dua Lipa, Caroline Ailin
“I’M JUST KEN” — BARBIE Music & Lyrics by: Mark Ronson, Andrew Wyatt
“PEACHES” — THE SUPER MARIO BROS. MOVIE Music & Lyrics by: Jack Black, Aaron Horvath, Michael Jelenic, Eric Osmond, John Spiker
“ROAD TO FREEDOM” — RUSTIN Music & Lyrics by: Lenny Kravitz
“WHAT WAS I MADE FOR?” — BARBIE Music & Lyrics by: Billie Eilish O’Connell, Finneas O’Connell
MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN – DRAMA
1923 (PARAMOUNT+)
THE CROWN (NETFLIX)
THE DIPLOMAT (NETFLIX)
THE LAST OF US(HBO | MAX)
THE MORNING SHOW (APPLE TV+)
SUCCESSION (HBO | MAX)
MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN – MUSICAL O COMEDIA
ABBOTT ELEMENTARY (ABC)
BARRY (HBO | MAX)
THE BEAR (FX)
JURY DUTY (AMAZON FREEVEE)
ONLY MURDERS IN THE BUILDING (HULU)
TED LASSO (APPLE TV+)
MEJOR SERIE LIMITADA, SERIE DE ANTOLOGÍA O PELÍCULA REALIZADA PARA TELEVISIÓN
ALL THE LIGHT WE CANNOT SEE (NETFLIX)
BEEF (NETFLIX)
DAISY JONES & THE SIX (PRIME VIDEO)
FARGO (FX)
FELLOW TRAVELERS (SHOWTIME)
LESSONS IN CHEMISTRY (APPLE TV+)
MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – DRAMA
HELEN MIRREN (1923)
BELLA RAMSEY (THE LAST OF US)
KERI RUSSELL (THE DIPLOMAT)
SARAH SNOOK (SUCCESSION)
IMELDA STAUNTON (THE CROWN)
EMMA STONE (THE CURSE)
MEJOR ACTOR EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – DRAMA
BRIAN COX (SUCCESSION)
KIERAN CULKIN (SUCCESSION)
GARY OLDMAN (SLOW HORSES)
PEDRO PASCAL (THE LAST OF US)
JEREMY STRONG (SUCCESSION)
DOMINIC WEST (THE CROWN)
MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – MUSICAL O COMEDIA
RACHEL BROSNAHAN (THE MARVELOUS MRS. MAISEL)
QUINTA BRUNSON (ABBOTT ELEMENTARY)
AYO EDEBIRI (THE BEAR)
ELLE FANNING (THE GREAT)
SELENA GOMEZ (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
NATASHA LYONNE (POKER FACE)
MEJOR ACTOR EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN – MUSICAL O COMEDIA
BILL HADER (BARRY)
STEVE MARTIN (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
JASON SEGEL (SHRINKING)
MARTIN SHORT (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
JASON SUDEIKIS (TED LASSO)
JEREMY ALLEN WHITE (THE BEAR)
MEJOR ACTRIZ EN SERIE LIMITADA, SERIE DE ANTOLOGÍA O PELÍCULA REALIZADA PARA TELEVISIÓN
RILEY KEOUGH (DAISY JONES & THE SIX)
BRIE LARSON (LESSONS IN CHEMISTRY)
ELIZABETH OLSEN (LOVE & DEATH)
JUNO TEMPLE (FARGO)
RACHEL WEISZ (DEAD RINGERS)
ALI WONG (BEEF)
MEJOR ACTOR EN SERIE LIMITADA, SERIE DE ANTOLOGÍA O PELÍCULA REALIZADA PARA TELEVISIÓN
MATT BOMER (FELLOW TRAVELERS)
SAM CLAFLIN (DAISY JONES & THE SIX)
JON HAMM (FARGO)
WOODY HARRELSON (WHITE HOUSE PLUMBERS)
DAVID OYELOWO (LAWMEN: BASS REEVES)
STEVEN YEUN (BEEF)
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA EN TELEVISIÓN
ELIZABETH DEBICKI (THE CROWN)
ABBY ELLIOTT (THE BEAR)
CHRISTINA RICCI (YELLOWJACKETS)
J. SMITH-CAMERON (SUCCESSION)
MERYL STREEP (ONLY MURDERS IN THE BUILDING)
HANNAH WADDINGHAM (TED LASSO)
MEJOR ACTOR SECUNDARIO EN TELEVISIÓN
BILLY CRUDUP (THE MORNING SHOW)
MATTHEW MACFADYEN (SUCCESSION)
JAMES MARSDEN (JURY DUTY)
EBON MOSS–BACHRACH (THE BEAR)
ALAN RUCK (SUCCESSION)
ALEXANDER SKARSGÅRD (SUCCESSION)
MEJOR ACTUACIÓN EN STAND-UP COMEDY EN TELEVISIÓN
RICKY GERVAIS (RICKY GERVAIS: ARMAGEDDON)
TREVOR NOAH (TREVOR NOAH: WHERE WAS I)
CHRIS ROCK (CHRIS ROCK: SELECTIVE OUTRAGE)
AMY SCHUMER (AMY SCHUMER: EMERGENCY CONTACT)
SARAH SILVERMAN (SARAH SILVERMAN: SOMEONE YOU LOVE)
En un gesto que fusiona la pasión por el deporte y la solidaridad, el próximo sábado 16 de diciembre, la Plaza Armenia será el epicentro de una carrera solidaria única. El evento tiene como protagonista a Pablo Elmassián, reconocido infectólogo, atleta y director de FIDEC Armenia, quien emprenderá una hazaña extraordinaria: recorrer 600 kilómetros en 14 días para unir Argentina y Uruguay.
La odisea de Pablo comienza hoy domingo 3 de diciembre y se extenderá hasta el 16 de diciembre, día en que está previsto su arribo a la Plaza Armenia en Montevideo, Uruguay. Durante este periodo, Elmassián correrá una maratón diaria, abarcando distintas localidades emblemáticas en su travesía desde Buenos Aires hasta Montevideo.
El infectólogo, nacido en Uruguay y actualmente residente en Argentina, ha diseñado un recorrido que atraviesa diversas ciudades y paisajes, destacando el compromiso de ambos países con Armenia. Esta ultramaratón no solo es un desafío atlético impresionante, sino también un homenaje vivo a la solidaridad y hermandad entre Argentina y Uruguay.
A continuación, detallamos el itinerario de la maratón, que contará con paradas estratégicas y eventos locales para concientizar sobre la importancia del cuidado de la salud:
Domingo 3: Escobar
Lunes 4: Zárate
Martes 5: Ruta 12 km 103
Miércoles 6: Ruta 14 km 170
Jueves 7: Gualeguachú
Viernes 8: Puente San Martín Fray Bentos
Sábado 9: Paraje El Bizcocho, Grito de Ascensión
Domingo 10: José E Rodó
Lunes 11: Cardona
Martes 12: Rosario
Miércoles 13: Ruta 1 km 95
Jueves 14: Puntas de Valdes
Viernes 15: Ciudad del Plata
Sábado 16: Llegada a Montevideo y evento en la Plaza Armenia
En primera persona, Pablo Elmassian relata con emoción cuál es la causa y motivación de esta carrera solidaria.
Esta carrera solidaria no solo representa un desafío físico para Elmassián, sino también un llamado a la unidad y al cuidado de la salud. La Plaza Armenia se convertirá en el punto culminante de esta travesía única, donde la comunidad podrá unirse para celebrar la dedicación de Pablo Elmassián y contribuir al noble propósito de mejorar la salud en Armenia.
Con más de 90 artistas en escena, el Teatro El Galpón se prepara para recibir un espectáculo único que celebra la cultura y la historia armenia. «Somos Nuestras Montañas«, una obra dirigida por Verónica Pérez Manukián y producida por el Colectivo del Centro Nacional Armenio, promete llevar al público en un viaje sensorial a través de la música, la danza y la emotividad de una cultura milenaria.
Esta producción se llevará a cabo el lunes 20 de noviembre a las 21:00 horas en el Teatro El Galpón y contará con la participación de más de 90 artistas en escena. El conjunto de Danzas Armenias Gaiané, el Coro Grung y el Conjunto Orquestal, dirigido por el Maestro Alvaro Hagopián, se unen para ofrecer una experiencia cultural y artística inigualable.
«Somos Nuestras Montañas» se desarrolla en torno a tres ejes temáticos que honran la cultura armenia y su legado. En primer lugar, se rinde homenaje al compositor Aram Jachadurián a través de la interpretación de obras del ballet Gayané, incluyendo «Primavera» y «Danza de las Muchachas», junto con la pieza musical «ELEGÍA» de Arno Babajanyan en ocasión de la muerte de Jachadurián. Este homenaje artístico destaca la importancia de la música en la cultura armenia.
En segundo lugar, el repertorio clásico se presenta a través de la destreza y alegría de la cultura popular, con la participación de un grupo infantil que ejecuta una suite propia. Esta sección busca acercar al espectador a la riqueza del ballet folklórico y clásico armenio.
El tercer eje temático aborda la situación de Artsaj en el enclave de Nagorno Karabagh, donde los armenios han sido desplazados de sus tierras milenarias. En un año marcado por estos desplazamientos, el conjunto de Danzas Armenias Gaiané hace un llamado a la convivencia pacífica, al respeto y a la no olvidar la historia y el sufrimiento del pueblo armenio.
En el escenario, más de 50 bailarines y una orquesta compuesta por 11 instrumentos, acompañados por un coro de más de 30 integrantes, crean una experiencia visual y auditiva impresionante. El vestuario, rico en detalles étnicos y trajes típicos, transporta al público a tierras milenarias mientras se interpretan episodios históricos y se celebran las raíces culturales armenias.
La puesta en escena también destaca la importancia de mantener viva la cultura armenia en el mundo, especialmente en momentos difíciles como el desplazamiento de los armenios de sus tierras en Artsaj. A través de la danza y la música, se hace un llamado a la convivencia pacífica, el respeto y la memoria.
Este espectáculo es apto para todo tipo de público y ofrece una experiencia que combina música, color, emoción y sentimiento. Los bailarines demuestran tanto sutileza como fuerza en sus coreografías, brindando un espectáculo completo y único que nos lleva a tierras milenarias y nos hace reflexionar sobre los valores más profundos de la convivencia humana.
El Conjunto de Danzas Folklóricas Armenias «Gayané» ha desempeñado un papel fundamental en la preservación y difusión de la cultura armenia en Uruguay durante 68 años. Este grupo artístico ha actuado tanto a nivel nacional como internacional, llevando la riqueza de la cultura armenia a diversos rincones del mundo.
El Centro Nacional Armenio del Uruguay, fundado en 1935, ha sido un pilar en la promoción y preservación de la cultura armenia a lo largo de los años. A través de actividades culturales, deportivas y educativas, la institución ha contribuido al enriquecimiento de la comunidad armenia en Uruguay y la difusión de la cultura armenia en la sociedad uruguaya.
Las entradas para «Somos Nuestras Montañas» están disponibles a un precio que varía entre $500 y $750 según la ubicación en el Teatro El Galpón. Se pueden adquirir a través de Tickantel en Abitab y Redpagos, así como en la boletería del teatro.
¿Eres un amante de la literatura de Henrik Ibsen? ¿Te has preguntado alguna vez qué le habría sucedido a Nora Helmer, la icónica protagonista de ‘Una casa de muñecas‘, si su historia hubiera continuado? Ahora tienes la oportunidad de descubrirlo. El próximo 10 de noviembre, se estrena ‘Ibsen ha muerto (o lo que le hubiera pasado a Nora)’ en un espacio no convencional, en la zona del Parque Rodó, bajo la dirección general y adaptación de Fernando Rodríguez Compare.
La influencia del legendario dramaturgo Henrik Ibsen sigue resonando con fuerza, desafiando las barreras del tiempo y la historia. A pesar de haber fallecido hace 117 años, Ibsen continúa siendo una figura peligrosa en el mundo del teatro, especialmente cuando se trata de cuestionar la moral burguesa. Este noviembre, prepárate para sumergirte en el fascinante mundo de Ibsen a través de ‘Ibsen ha muerto (o lo que le hubiera pasado a Nora)’, una obra teatral que pone el foco en sus personajes femeninos apasionados y reprimidos, bondadosos y malvados, sumisos y rebeldes, sacrificados y pacientes.
Sinopsis de la Obra: La adaptación, dirigida por Fernando Rodríguez Compare, se inspira en las obras ‘Una casa de muñecas’ y ‘Espectros‘ de Henrik Ibsen. ¿Alguna vez te preguntaste qué habría ocurrido con Nora Helmer después de cerrar la puerta al final de ‘Una casa de muñecas’? ¿Y con Lena Alving, la protagonista de ‘Espectros’? ‘Ibsen ha muerto’ plantea estas preguntas de manera intrigante, llevando a la audiencia en un viaje emocional y reflexivo. La obra explora el destino de Elena, una Nora que no pudo dar el portazo e irse, y se cuestiona si Ibsen puede seguir «espantando burgueses» en el siglo XXI.
Fechas y Horarios:
Viernes y Sábados de noviembre a las 21:00 hs.
Domingos de noviembre a las 20:30 hs.
Para reservar tus entradas y conocer dónde se podrá en escena debes escribir al correo electrónico reservasibsen@gmail.com
El Teatro Victoria (Río Negro 1479) se prepara para recibir una obra teatral que promete cautivar a todos aquellos que buscan una experiencia emocional y reflexiva. «Hijos e Hijas» hará su estreno el sábado 18 de Noviembre y ofrecerá un total de 7 funciones para el disfrute del público.
Fechas y Horarios:
Sábados: 18 de Noviembre y 25 de Noviembre, 2 y 9 de Diciembre a las 21 horas.
Domingos: 19 de Noviembre, 3 y 10 de Diciembre a las 19 horas.
Sinopsis –
Una pareja de físicos nucleares jubilados vive en una pequeña cabaña cerca del mar. Sus vidas se han visto afectadas por un reciente desastre. De forma inesperada, llega una ex-colega, a quien no veían desde hace 38 años. Un pedido urgente e inusual vendrá a alterar la precaria y ordenada existencia de esta pareja. Un pedido que les cambiará la vida a ellos y a otros como ellos.
Este espectáculo es producido por el Programa Fortalecimiento de las Artes de la Intendencia de Montevideo.
Fotos: Amílcar Persichetti
Entradas a la venta por Abitab y boletería del Teatro Victoria
Entradas generales $ 500
Beneficios con La Diaria y Socio espectacular.
Jubilados (solo venta en sala)
Reservas de entradas a producción de la obra comunicándose con el celular 098 171 880.
Ficha técnica
Elenco: Bettina Mondino – José Luis Morales – Margarita Musto
El 1er Congreso de Arte Digital de Uruguay se celebrará el sábado 11 de noviembre de 10 a 20 hs en el Salón Azul de la Intendencia de Montevideo. Es un evento importante para el arte uruguayo, organizado por uyArtistas, una plataforma web que promueve artistas profesionales del país desde 2017, fundada por Ricardo Botana, Lic. Luis Lopez Jubin con apoyo de Federico Butler.
El objetivo del Congreso es acercar los conceptos básicos del arte digital al público en general, sin necesidad de ser expertos en arte o medios digitales, pero con curiosidad artística. Esta iniciativa busca reunir a artistas nacionales e internacionales, marcando un hito en las artes plásticas y visuales de Uruguay.
El arte digital ha transformado la forma en que experimentamos y apreciamos la expresión artística. En el Congreso se explorarán sus diversas dimensiones y su impacto en la sociedad. Participarán 11 destacados exponentes del ámbito del arte digital, compartiendo su experiencia y visión.
El Congreso ofrece una oportunidad única para explorar y discutir esta forma de expresión artística en constante evolución. Durante el evento, se invita al público a visitar la exposición abierta en el hall del Salón Azul de la Intendencia de Montevideo, donde se presentará la primera exposición de artistas del colectivo de la plataforma uyArtistas.
El evento arrancará con un espectacular show de vj (música y efectos visuales) a cargo del artista Lucas Butler. La entrada es gratuita mediante preinscripción en la página web uyArtistas.uy, y también se podrá acceder a la muestra abierta sin necesidad de inscripción, durante toda la jornada del Congreso.
Para obtener más información sobre el congreso, incluyendo el programa completo y cómo inscribirse, le invitamos a visitar el sitio web: uyArtistas.uy
El documental «El Retrato de mi Padre«, dirigido por Juan Ignacio Fernández Hoppe, es una obra valiente y conmovedora que explora la complejidad de la identidad, de la vida y sobre todo de la muerte del padre del director, marcada por la tragedia y el enigma, y la búsqueda incansable de comprenderlo treinta años después.
La historia desarrolla el tema de la enfermedad psiquiátrica, el abuso de medicamentos y la ausencia de respuestas concretas sobre la muerte de Juan José.
Tráiler El retrato de mi padre
Juan Ignacio Fernández Hoppe no solo dirige este documental, sino también participa en la dirección de fotografía y contribuye al guion y montaje, lo que evidencia su compromiso y pasión por este proyecto.
«Para hacer esta película tuve que prestarle la cámara a ese niño de 8 años que no creyó del todo que su padre había muerto, porque la muerte es cosa de adultos. Solo ese niño podía creer que retratar a su padre era una especie de juego de encastre de piezas. Si me esfuerzo lo suficiente, si logro filmar sus pertenencias de tal o cual modo, si filmo la playa donde lo encontraron ahogado, o si escuchamos su música, o qué tal si consigo que mi madre confiese lo inconfesable. En definitiva, si reúno todas las piezas necesarias, lo voy a lograr: podré traerlo de vuelta a la vida. Pero no funciona de esa manera. Porque los objetos son mudos, los expedientes nunca dicen toda la verdad y los testimonios siempre son insuficientes. Fue preciso perder la fe, sentir que esta autopsia cinematográfica había fracasado, para de esa manera acercarme un poco a la frustración que puede haber llegado a sentir mi padre al ver que sus sueños se hacían añicos. Fue entonces que ocurrió el milagro. De eso se trata esta película».
La investigación a cargo de Carlos Schulkin se presenta como un elemento clave en la película, ofreciendo una base sólida para la reconstrucción del retrato del padre y la comprensión de su vida multifacética como músico inclasificable y musicoterapeuta de adolescentes discapacitados.
«El Retrato de mi Padre» ha sido aclamado en diversos festivales de renombre, incluyendo el IDFA y BAFICI, destacando su relevancia y calidad a nivel internacional. La película, apoyada por instituciones como INCAU-ACAU y la Intendencia de Montevideo, ha logrado capturar la atención de la audiencia y la crítica, consolidando su posición como un documental imprescindible en el panorama cinematográfico actual.
«El retrato de mi padre» está en exhibicion en Cinemateca, Sala B Cine Sodre, Life Cinema desde el 05/10/23. Por funciones especiales y horarios pueden consultar el siguiente link: EL RETRATO DE MI PADRE
«No me rompan», dirigida por Azul Lombardía y producida en Argentina, es una comedia de enredos con la que nos podemos sentir identificadas.
Angela Trigal (Carla Peterson) y Vera Lombardi (Julieta Díaz) son dos mujeres totalmente diferentes, Angela es actriz, famosa, independiente y en buena posición económica. Vera es madre, ama de casa y emprendedora. A pesar de vivir en realidades diferentes ambas tienen un punto en común, son mujeres a punto de explotar por las presiones diarias. Se conocen en un grupo de autoayuda para el manejo de la ira y se ven obligadas a trabajar juntas para controlarse una a la otra. Esta situación las lleva a unirse en un plan que cambiará sus vidas.
Su estreno en Uruguay es el 28 de setiembre de 2023. La película nos invita a un viaje hilarante y reflexivo a través de la vida de dos mujeres de mundos aparentemente dispares, desafiando estereotipos y reflejando los problemas de una sociedad que aún tiene el foco puesto en los cánones de belleza de antaño.
El guion de Jazmin Rodriguez Duca, Sebastián Meschengieser y Alberto Rojas Apel es ingenioso, la forma en que aborda los desafíos y las luchas de las mujeres en la sociedad de las redes sociales y exposición continua es divertida. La narración ofrece momentos de risa genuina, sin embargo en el desenlace cae en clichés y en situaciones tan irreales que hacen sentir que fue demasiado.
Las actuaciones de Carla Peterson, Julieta Díaz, logran mantener un ritmo ameno y entretenido que acompaña a la perfección la propuesta de una comedia ligera.
«No me rompan» es una opción atractiva para mujeres maduras que buscan una comedia sin pretensiones, diseñada para brindar risas y entretenimiento sin implicar una inmersión profunda en la trama. Es un escape agradable y sin complicaciones para aquellos que desean disfrutar de un momento relajado en el cine.
El martes 3 y miércoles 4 de octubre a las 20:30hs se exhibirá «NO HAY PIEZAS DE REPUESTO EN EL CAIRO» en el Auditorio Nacional del Sodre, sala Hugo Balzo.
Sinopsis:
«Denisse cuestiona su presente a través de los fantasmas del pasado. Se le atraviesan sus pensamientos más íntimos, la liberación y hasta el arrepentimiento. En la recreación, sin embargo, se pregunta qué sucede cuando las piezas ya no existen.¿Es acaso el reemplazo una opción? Una suerte de bitácora autoficcional que habilita la mentira y la verdad a través de la reconstrucción de determinados hechos en la vida y familia del personaje protagonista.» Espectáculo con música en vivo.
En el año 2022 la obra obtuvo una mención en los premios nacionales de literatura en la categoría dramaturgia inédita.
Género: Autoficción, Unipersonal.
Entradas a la venta en TickAntel y boletería del teatro. Costo $ 600
Elenco:
Escribe y protagoniza : Melanie Catan Dirige: Luz Viera Músico en escena: Martín Pisano Vestuario: Nicolás Cabanelas Luces: Lucía Godoy Visuales: Renata Sienra Asistente de dirección: Julieta Barmaymón Producción: Belle Pozzi Gestión de prensa: Beatriz Benech
«Cómo complacer a una mujer» es una película que merece elogios por su valentía al abordar temas de sexualidad femenina en la madurez de una manera fresca y divertida. La película ha sido reconocida en el Festival Internacional de Cine de Mujeres de Toronto, donde ganó el premio al Mejor Guión, y también en los West Australian Screen Culture Awards, donde se llevó el galardón a la Mejor Película. Estos premios son un testimonio del talento y la habilidad del equipo detrás de la película para abordar un tema tan importante de manera inteligente y entretenida.
La película nos presenta a Gina, un personaje con el que muchas mujeres pueden identificarse. Gina está atravesando una serie de desafíos en su vida, acaba de perder su trabajo e intenta salvar un matrimonio en el que la pasión murió hace años. Su vida da un giro cuando se le ocurre convertir a un equipo de hombres de una empresa de mudanzas que está en la ruina en un nuevo negocio, serán limpiadores de casas que eventualmente también ofrecen favores sexuales a sus clientas. Esta idea puede parecer controvertida, pero la película logra explorar este concepto de una manera que va más allá de la simple comedia.
Ryan Johnson as ANTHONY, Josh Thomson as BEN, Alex England as TOM & Erik Thomson as STEVE, How To Please A Woman – Photograph by David Dare Parker
Lo que hace que «Cómo complacer a una mujer» sea notable es su capacidad para profundizar en el tema de la sexualidad femenina, sin caer en estereotipos ni tabúes. Aborda la libido, el placer y el deseo de manera abierta y honesta, lo que puede ayudar a romper barreras y prejuicios que a menudo rodean estos temas.
Si bien «Cómo complacer a una mujer» muestra de manera original el deseo femeninos de que llegue un hombre y a limpiar la casa, porque realmente estamos cansadas de realizar esta tarea, también deja ver los problemas de comunicación que existen entre los sexos. No pedir lo que se desea y no preguntarle al otro lo que quiere es uno de los principales dilemas. La forma en la que se plantea la disconformidad sexual en las mujeres también me hace pensar en películas como: «Buena suerte, Leo Grande» que trata sobre una viuda que contrata a un trabajador sexual con el objetivo de experimentar un orgasmo. La película se centra en la búsqueda de la intimidad y la conexión emocional a través de la sexualidad. O «Lo que ellas quieren» donde el personaje principal escucha los pensamientos de las mujeres que lo rodean, esta película utiliza un enfoque más humorístico y ligero para explorar la brecha de género en la comprensión mutua.
El 31 de agosto llega a las salas de cine «Sonido de Libertad«. Este thriller dramático se adentra valientemente en el perturbador submundo del tráfico de menores. La película dirigida por Alejandro Monteverde busca arrojar luz sobre una realidad que afecta las vidas de innumerables niños. Sin embargo, esta producción no está exenta de controversia y cuestionamientos que rodean tanto su contenido como los hechos reales en los que se basa.
La trama, inspirada en hechos verídicos, sigue la historia de Timothy Ballard, un agente federal interpretado por Jim Caviezel, quien, después de rescatar a un niño víctima del tráfico de personas, descubre que la hermana de este aún sigue cautiva. La película narra su peligrosa misión por liberarla, adentrándose en las profundidades de la selva colombiana y arriesgando su propia vida en el proceso.
La dirección de Alejandro Monteverde transmite la urgencia y la tensión de la problemática, sin embargo, en ocaciones cae en sentimentalismos innecesarios. El reparto liderado por Jim Caviezel, Eduardo Verástegui, Bill Camp y Mira Sorvino, aporta actuaciones convincentes y comprometidas con la trama.
«Sound of freedom» aborda un tema social preocupante, del cual no todo el mundo tiene conocimiento. Se expone el tráfico de menores y la lucha de aquellos que se enfrentan a esta oscura realidad. Esta temática en particular ya ha sido mostrada cinematográficamente aunque en muy pocas ocaciones y con una estrategia de difusión bastante menor. Algunos ejemplos son: «The Jammed» (2007) escrita y dirigida por Duncan McLachlan, es una historia basada en hechos reales sobre la trata y el submundo del comercio sexual de Melbourne. «Trade» (2007) esta cinta alemana de Marco Kreuzpaintner relata el secuestro de una niña mexicana de 13 años y la desesperación de su hermano para salvarla. «Trade of Innocents» (2012) es un proyecto de Christopher M. Bessette en el que se trata el tema de la venta y explotación de niños, tambien protagonizada por Mira Sorvino. etc.
En el caso de «Sound of freedom«, se da a conocer el trabajo de Timothy Ballard, activista que fundó la organización sin fines de lucro «Operation Underground Railroad« (O.U.R.) para combatir la trata de personas. Pero a pesar de ser una película que busca poner sobre la mesa temas tabú como la pedofília, el tráfico de menores y la esclavitud sexual, se ha visto envuelta en discusiones y debates sobre su autenticidad y enfoque. La organización O.U.R. ha enfrentado críticas y cuestionamientos en torno a la veracidad de sus operaciones y la efectividad de sus métodos. Además, la cinta ha sido acusada de manipulación en su estrategia de publicidad, lo que ha generado escepticismo sobre si la historia presentada está siendo explotada con fines de lucro y promoción.
La controversia también rodea a ciertos miembros del equipo y elenco de la película. La vinculación de Eduardo Verástegui con la Iglesia Católica y su relación con figuras controvertidas han levantado críticas y sospechas sobre sus verdaderas intenciones.
Más allá de la polémica y los asuntos políticos y religiosos que se encuentran en el trasfondo de la producción, se expone un tema delicado del que pocos hablan y del cual es muy necesario y urgente hablar e intentar solucionar.
El Jueves 28 de Setiembre a las 20:30hs la Sala Nelly Goitiño del Sodre se viste de gala para el lanzamiento de «María Tango«, cuarto disco de María de los Ángeles. En la velada se compartirán composiciones musicales propias acompañadas de clásicos de hoy y de siempre.
Acompañan a María de los Ángeles el director musical Emiliano Greco, el bandoneonista Vicente Nicolas Perrone, el violinista Matias Cracium, en el contrabajo Juan Chilindron y en guitarra a Eduardo Mauris. Como artista invitado se presentará Javier Toledo y además se podrá disfrutar del espectáculo de los bailarines Iahara Stolarsky & Federico.
Entradas en venta en Tickantel y boletería de la sala .
El 6 de setiembre tendrá su debut «La Sapo«, en el Teatro Alianza. Esta co-producción uruguaya – argentina dirigida por Ignacio Tamagno (AR) estará disponible hasta el 12 de setiembre, las funciones son a las 20:30hs, excepto 10 de setiembre que será 19hs.
La obra está protagonizada por Emilia Díaz y Sofía Rivero (UY).
Sinopsis: «En un patio lleno de oscuridad, una nieta y su abuela muerta desentierran el oscuro y violento pasado familiar que las mantiene unidas.La puesta en escena busca conmover al público mediante una atmósfera nocturna cargada de tensiones y violencia, pero que al mismo tiempo destila un nuevo amor intergeneracional, rompiendo los vínculos de crueldad y desamor que han plagado la historia familiar».
Entradas a la venta por tickantel y boletería de la sala. General: $600 | BBVA desc 20% | Promoción 2 x $1000.
La obra fue seleccionada por el Programa Iberescena y se presentará en el Festival de Artes Escénicas de Rosario y el Festival del Mercosur en Argentina.
En un cruce entre la pasión por la música y los desafíos de la convivencia familiar, «Temas Propios» dirigida por Guillermo Rocamora se erige como un retrato sincero y humano que explora las dinámicas intergeneracionales en el seno de una familia en crisis. Esta coproducción Uruguayo-Argentina llega a las pantallas el 24 de agosto.
La trama se centra en la vida de cuatro personajes que encarnan distintas etapas y perspectivas de la vida: Manuel, César, Virginia y Agustín. Estos individuos, cada uno lidiando con sus propias vicisitudes, se entrelazan en un lienzo emocional que oscila entre el conflicto y la esperanza.
La fuerza de esta película radica en la naturalidad con la que los actores dan vida a sus personajes. La habilidad de Guillermo Rocamora para dirigir y extraer actuaciones genuinas es palpable en cada escena. Las emociones fluyen sin artificios, lo que permite al público conectarse de manera directa con los sentimientos y dilemas de los protagonistas.
En términos técnicos, «Temas Propios» demuestra una maestría en la técnica de cámara, la elección de ambientes y colores. La cámara se convierte en una ventana a las complejidades internas de los personajes, capturando gestos y miradas que hablan por sí mismos. Los ambientes cuidadosamente seleccionados refuerzan la atmósfera de la historia, sumergiendo al espectador en los espacios íntimos de cada personaje.
La banda sonora, un elemento crucial en una película que gira en torno a la música, cumple su papel con maestría. La música no solo es un acompañamiento, sino que también se convierte en un lenguaje que comunica los sentimientos y estados de ánimo de los personajes. Desde las notas más melancólicas hasta los acordes llenos de energía, la banda sonora teje una narrativa auditiva que complementa perfectamente la visual.
Video Oficial del tema «No soy yo»
El contraste entre los personajes materno y paterno en «Temas Propios» explora las diferentes perspectivas y enfoques que los padres tienen hacia sus hijos y sus propias aspiraciones. Virginia y César representan dos visiones opuestas sobre el papel que la música y los sueños deben desempeñar en la vida de sus hijos.
Virginia, encarnada por una actuación segura y emotiva, personifica la preocupación materna en su forma más cruda. Su personaje, en el umbral de los 50, enfrenta las responsabilidades diarias como madre y proveedora, mientras intenta lidiar con los desafíos de la separación y el trabajo. Su postura con respecto al deseo de su hijo de unirse a una banda de rock refleja su anhelo de seguridad y estabilidad para él. Desde su perspectiva, la música puede parecer un riesgo, una mera distracción que podría apartar a su hijo del camino hacia un futuro seguro. Su deseo de protegerlo a veces la hace parecer demasiado restrictiva, pero su origen proviene del amor y la preocupación genuinos.
César, interpretado con destreza y carisma, personifica una actitud más liberada y audaz hacia la vida. A pesar de su edad de 45 años, su personalidad inmadura y su espíritu joven lo acercan más a un adolescente que a un adulto. La separación parece haberle proporcionado una oportunidad para reconectarse con su propia juventud y los sueños que quedaron atrás. La relación con sus hijos es un medio para cumplir sus propias aspiraciones. La música es su forma de liberación y sus hijos una vía para alcanzar lo que no pudo lograr en su juventud.
El conflicto entre Virginia y César es una lente a través de la cual se exploran temas universales de sacrificio y ambición. La dicotomía entre la seguridad y la búsqueda de sueños resuena en la audiencia, ya que todos en algún momento nos hemos enfrentado a la difícil decisión entre lo pragmático y lo pasional.
Trailer oficial
«Temas Propios» fue postulada como candidata por Uruguay a «Mejor Largometraje Internacional» para la próxima 96ª edición de los Premios Oscar.
Sinopsis: «Cuando un grupo de amigos descubre cómo conjurar espíritus usando una mano embalsamada, quedan enganchados a la nueva emoción, hasta que uno de ellos va demasiado lejos y desata aterradoras fuerzas sobrenaturales».
Trailer oficial
Para empezar a hablar de esta pelicula tengo que repetir que no me gusta el cine de terror. Soy una persona que se sugestiona fácilmente y no disfruto de las escenas de violencia, tampoco de los jump scares y sufro cuando el terror viene de la mano de seres sobrenaturales, espíritus malignos, etc. Sin embargo, por alguna razón siempre que aparece una película de este estilo termino viéndola. En este caso, después de negarme a asistir a dos funciones, las críticas que empezaron a recorrer las redes sociales y los medios de comunicación despertaron mi curiosidad. Se dijo que había llegado la película «más terrorífica del año», que estaba «muy bien ejecutada», que «su guión era muy atractivo», etc, etc. por lo que cuando se presentó una tercera oportunidad, había que comprobar si la película era tan buena.
Lo cierto es que no, sinceramente, no me pareció tan buena, sin embargo estoy convencida de que el problema es que yo no soy el público objetivo para esta película en particular.
«Talk to Me» es una cinta que claramente está dirigida a un público adolescente que se está acercando al cine de terror. Si bien no logra escapar de las trampas y clichés del género, su enfoque en la estética y la atmósfera son adecuadas, el elenco es creíble y sus actuaciónes son correctas. Tiene escenas de violencia gráfica que están bien ejecutadas y hacen que por momentos (al menos yo) bajes la vista y dejes de ver la pantalla.
«Háblame» (título en español) es la ópera prima de los hermanos Danny y Michael Philippou, quienes escribieron el guion y dirigieron la cinta. Ellos se hicieron famosos gracias a su canal de youtube RACKARACKA donde realizan parodias.
¿De que trata la película?
La protagonista es Mía, una adolescente en duelo por la pérdida de su madre. Un día convence a su mejor amiga para asistir a una fiesta en la que realizan espiritismo con una mano embalsamada. La adrenalina y sensaciones por esta nueva experiencia la hacen seguir asistiendo a este tipo de reuniones hasta que todo se sale de control y estos espíritus traspasan al mundo de los vivos. Mía junto a sus amigos deberán encontrar la forma de volver las cosas a la normalidad.
El Sábado 26 y Domingo 27 de Agosto a las 21 hs. En la Sala Hugo Balzo del Sodre tendrás la oportunidad de ver la obra «Extractos» – Texto y dirección Leonardo Martínez.
Sinopsis: Extractos propone una experiencia estética sencilla y profunda. Está apoyada en el vínculo entrañable de sus dos personajes “Ada” y “El genio” a quienes vemos atravesar diferentes sucesos de sus vidas: charlas de bares, peripecias laborales, juramentos, canciones a toda hora, recaídas en vicios, pérdidas de familiares, desencuentros amorosos, deseos bajo las estrellas, serenata al vecino y más. Estos sucesos cotidianos y repetidos están presentados estructuralmente en la pieza, en dosis breves e intensas.
Ella y él, han juntado sus vidas para sobrevivir económica y afectivamente. Son moza-niñera y bailarín-actor de publicidades, pero por sobretodo son amiga y amigo: “tu amistad es lo único sano” dice ella, “tu amistad es mi único éxito” dice él.
Es una obra sobre la convivencia y la amistad. “Esto así expresado, puede parecer solemne. La obra no lo es. Esto es mérito de dos actores cuyos físicos se complementan notablemente, y que consiguen elaborar cuadros plásticos particularmente hermosos ensayando danzas o vuelos, que es lo que tienen en común, además de tomar helados” (María Esther Burgueño, “Cómo pactar con lo bello.” revista Relaciones, págs 29 y 30; mayo de 2023).
Entradas a la venta en Tickantel, Redes de Cobranza y boletería de la sala. Localidades generales $ 550 – 2 x 1 La Diaria – Socio Espectacular con beneficio.
Biografías:
LEONARDO MARTINEZ
Dramaturgo, Director teatral y Actor. Ha realizado la dramaturgia de más de 20 obras teatrales y dirigido más de 30 espectáculos, estrenados en diversas ciudades de Uruguay y Argentina. Ha participado con sus espectáculos en Festivales Internacionales en Argentina, Chile y Bolivia. Así como en sucesivas ediciones del FIDAE y de la BIENAL DE TEATROS DEL INTERIOR. Ha recibido premios y nominaciones de ATI, ACTU, y de la Regional Norte de Teatros Independientes de la Provincia de Buenos Aires, por sus Creaciones como Director y como Dramaturgo. Recibió el premio a la ACTIVIDAD TEATRAL, entregado por la revista Renacimiento y el Gobierno Dptal. de Río Negro (Uruguay). Actualmente es dramaturgo y director artístico en La Liga de Artes escénicas del Litoral que nuclea colectivos teatrales y creadores escénicos de Paysandú, Fray Bentos, Carmelo y Montevideo. En el marco de este proyecto escribe y dirige en varios espectáculos de los colectivos Decartón (Carmelo), Imaginateatro (Paysandú) y El Almacén (Villa Dolores, Montevideo) En 2019-2020 escribe y dirige el espectáculo “La inminencia de la fragilidad”, primera producción de la Liga de Artes Escénicas del Litoral.
RENATA DENEVI
Luego de estudiar durante dos años en el taller de actuación ante cámara dictado por Beatriz Flores Silva, ingresa en la EMAD ( Egresa en el año 2017). Paralelamente realiza trabajos como asistente de dirección en obras como: «Largo viaje de un día hacia la noche» de Eugene O’Neill, dirigida por Jorge Denevi, » Clase» de Guillermo Calderón dirigida por Coco Rivero. Se desempeña también en el área audiovisual como actríz en cortometrajes: » El próximo verano» y «Victoria» de Agustín Fernández. Realiza spots audiovisuales para obras de danza: » Enigmas como ofrendas para el pozo» de Julieta Malaneschii y «Expandido» de Cecilia Lussimehier. Escribe y dirige en el año 2017 » Madre». Actúa en : «La Nave» dirigida por Natalia Castello «Potestad» de E. Pavlovsky dirigida por Walter Silva ‘Panorama desde el puente’ de A. Miller dirigida por Jorge Denevi, “El desalojo» dirigida y escrita por Luis Pazos, «Pájaro estúpido» como actriz invitada de la comedia Nacional dirigida por Jorge Denevi “La violación de Artemisia Gentileschii» escrita y diriga por Jorge Denevi.
LUIS PAZOS
Actor, músico y bailarín, formado en la EMAD (Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático) y en la EDA (Escuela del Actor), con estudios complementarios en actuación, danza, música, literatura, recreación y pedagogía teatral, recibidos durante talleres, cursos y seminarios a cargo de maestrxs nacionales e internacionales. Actualmente forma parte de las compañías teatrales: El Almacén, en Montevideo, y Le Théâtre de l’Hydre, en Francia; y trabaja como actor en cine, teatro, televisión y publicidad, desde 2011. Como actor, trabajó en los proyectos: TEATRO – Extractos, dirección de Leonardo Martinez Russo. – Ismael, de Leonardo Martinez Russo y dirección de André Hubener. (Cía. El Almacén) – Galgos, de Leonardo Martinez Russo y dirección de André Hubener. (Cía. El Almacén, Liga de Artes Escénicas y Sala Verdi) – Macabre Carnaval, con la compañía Le Théâtre de l’Hydre, en el Festival CNAREP Sur le Pont (La Rochelle, Francia) y Festival des Francophonies (Limoges, Francia); con la troupe du Théâtre de l’Hydre. – Idea y Mario, Obra homenaje a Idea Vilariño y Mario Benedetti. Producida por Sala Verdi, dirigida por Gustavo Zidan. – Unipersonal Dados Tirados, de Anthony Fletcher, en Festival de Temporada Alta, Uruguay. (Nominado para el premio Florencio como “mejor actor en unipersonal”) en el mercado de artes Mapas, de Tenerife, España. – Participa del grupo de artistas en el Laboratorio Etre et Jouer WS2-Montevideo, dirigido por Laurent Berger. – La chancha, dirección de André Hübener, Cía. El Almacén. – Los Crueles, dirección de Viviana Stagnaro y Camila Vives. – Tiempo de fiesta, de Harold Pinter, dirección de Ana Pañela, (actor invitado en la Comedia Nacional). – Representantes, una obra sobre Horacio Buscaglia, dirección de Ignacio Duré. – Salsipuedes: El Exterminio de los Charrúas, de Alberto Restuccia, dirección de Paula Bonilla. – Work in Progress de La Fura dels Baus, dirección de Jürgen Müller y Judy Lomas, FIDAE (Festival Internacional de Artes Escénicas)
Lo que en sus primeros capítulos parecía ser la historia de un hombre recién divorciado, sufriendo una crísis de los 40, luchando para volver a insertarse en el mundo de las citas y el sexo virtual terminó mutando, muy favorablemente, en otra cosa. Trata sobre la amistad, el matrimonio, la familia, el divorcio, las frustraciones, el cambio y también la permanencia. Se tocan temas como la satisfacción y la carencia de esta, la salud mental, en definitiva es una serie sobre la vida y como todo coliciona cuando se entra en la mediana edad. También es una historia que demuestra que cada persona conoce y tiene una versión de los hechos donde todos tenemos un mundo interno, probablemente desconocido para quienes nos acompañan.
Tenemos un relato narrado por una voz femenina, que es nada menos que Libby (Lizzy Caplan), la mejor amiga de Toby (Jesse Eisenberg). Él se acaba de separar y se muda a un pequeño apartamento para volver a empezar. Una mañana despierta y su ex mujer había dejado a sus hijos durante la noche sin decirle nada, no responde sus mensajes, no contesta las llamadas, el tiempo pasa y todo indica que no va a aparecer. En medio de la asaña para descubrir dónde está Rachel (Claire Danes) deberá entender cómo y por qué su vida, que parecía perfecta, se desmorona. Es una serie que engancha, intriga, te hace reír pero mas que nada llorar.
La nueva vida de Toby (título original: Fleishman Is in Trouble) es una miniserie dramatica de ocho capítulos, dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris, basada en la novela homónima de Taffy Brodesser-Akner. Se puede ver en Star+, y la recomiendo.
Desde el 17 al20 de Agosto, se estará realizando el VI Encuentro Internacional de Saxofones, a las 20 hs, en la Sala Verdi (Soriano 914). El espectáculo cuenta con grandes exponentes musicales de Argentina, Austria, Brasil, Costa Rica, México y Uruguay.
En el marco del 85° aniversario de AUDEM (Asociación Uruguaya de Músicos), junto con la Escuela de Música, se producirá este evento que no solo brindará una serie de conciertos, sino que también habrá talleres y clases magistrales dictados por algunos de los profesores participantes, dirigidos a todo público interesado.
Estará presente la profesora Ilse Riedler, gentileza de la Escuela J.S. Bach de Viena que en el marco de este encuentro estará impartiendo clases desde el 14 al 26 de agosto, en saxofón, clarinete y flauta traversa en las siguientes áreas: jazz, rock, pop y música de teatro, tanto en clases individuales como formación de ensambles.
También estarán presentes María Noel Luzardo (Uruguay- Argentina), Carlos Gontijo (Brasil) a Sofía Zumbado (Costa Rica), a Livio Almeida (Brasil), a Dúo Nacht & Carpossi (Argentina), Dúo “Brizki” (Argentina) y ensamble femenino de saxofones MUSAX (México), y desde Uruguay Patricia López con su proyecto “Jazz Latinoamericano”.
Entradas en venta en Tickantel, redes de cobranza y boleteria de la sala.
COSTO DE ENTRADAS $ 450
Abono por todas las fechas $ 1.200
Abono por 3 fechas $ 1.050
DETALLE DEL PROGRAMA:
Jueves 17 de agosto – 20 hs. Dúo Nacht & Carpossi (Argentina)/ Ilse Riedler – en cuarteto jazz (Austria)
Viernes 18 de agosto – 20 hs. Carlos Gontijo (Brasil) / MUSAX – Ensamble de saxofones (México )
Sábado 19 de agosto – 20 hs. Sofía Zumbado (Costa Rica)/ Livio Almeida (Brasil)/ María Noel Luzardo (Argentina).
Domingo 20 de agosto – 20 hs. Patricia López & jorge Rodríguez Stark – Jazz Latinoamericano (Uruguay)/ Dúo de saxofones “ Brizki” (Argentina)
Talleres (AUDEM – Maldonado 983 )
Lunes 14 a Sábado 26 de agosto – a partir de las 14 hs. Ilse Riedler
Jueves 17 de agosto – 14 hs. lse Riedler
Viernes 18 de agosto – Ilse Riedler – 14 hs. / Luis Nacht & Patricio Carpossi – 16 a 18 hs.
Sábado 19 de agosto – Sofía Zumbado – 14 a 16 hs. / Carlos Gontijo & Livio Almeida – 16 a 18 hs.
Lunes 14 de agosto – 14 hs. Taller abierto con entrada libre, el resto de los talleres con costo.
Durante abril vuelve la obra «Frecuencia Fantasma«, con 4 únicas funciones en Teatro Solís (Sala Zavala Muniz).
4 únicas funciones: jueves 18 · viernes 19 ·sábado 20 a las 20:30hs. y domingo 21 de abril19hs.
Sinopsis:
«Una neurocientífica llega a la ciudad de Montevideo con el objetivo de estudiar el efecto que ciertas frecuencias sonoras producen en el estado anímico de las personas. El desarrollo de una metodología singular la lleva a franquear las fronteras de la ciencia. La búsqueda de la Dra. Christina Heimbürger se vuelve así rizomática, problematizando la melancolía, los límites de lo cognoscible y las convenciones arbitrarias que a fuerza de repetición dejamos de ver«
La dramaturgia es el resultado de un proceso de investigación escénica tomando como punto de partida el texto Frecuencia fantasma: notas de campo de Florencia Dansilio y el trabajo interdisciplinar del colectivo Hiedra.
Colectivo Hiedra:
Hiedra es un colectivo de investigación y de creación escénica fundado en 2021 por Alejandra Artigalás, Florencia Dansilio, Karen Halty, Camila Sanson, Jimena Ríos y Lilén Halty. Los proyectos realizados por Hiedra hasta la fecha reúnen a un conjunto de creadoras escénicas especializadas en diferentes rubros (dirección, dramaturgia, actuación, diseño teatral, danza contemporánea, música) en torno a la investigación y creación teatral colectiva. La primera línea de trabajo exploró la relación entre diferentes disciplinas artísticas y el vínculo con espacios no teatrales. En 2021 presentan “Museo – Primer movimiento”, una puesta en escena del texto de Piel de Lava en el Centro de Exposiciones Subte de Montevideo. Ese mismo año, realizan “El alma – Segundo movimiento”, una creación escénica a partir de Fausto de J. W. Goethe en el marco del programa de residencias “Sala de Pruebas” de Proyecto Casa Mario. En 2023 presentan su tercer movimiento, “Sociología In Situ: un recorrido por el premio”, una intervención performática del Premio Nacional de Artes Visuales en el marco del ciclo “After EAC” del Espacio de Arte Contemporáneo. Una segunda línea de trabajo se abre en 2023 profundizando en los vínculos entre arte y ciencia, en donde se enmarca la creación Frecuencia Fantasma.
El equipo
Concepción y puesta en escena FLORENCIA DANSILIO
En escena CAMILA SANSON, KAREN HALTY y SEBASTIÁN CALDERÓN
Del escritor y director CHRISTOPHER NOLAN, Oppenheimer es un thriller histórico, que sumerge al público en la paradoja moral de un hombre que debe arriesgarse a destruir el mundo para salvarlo.
Al enterarme del nuevo estreno de Christopher Nolan y sobre todo de la duración de la misma (187 minutos) sentí miedo, realmente me senté frente a la pantalla con una especie de pesimismo esperando tal vez aburrirme o sentirme abrumada con determinada información científica a la que mi conocimiento no accede, sin embargo salí de la sala de cine convencida de que Christopher Nolan, es un gran cineasta. Con esta película demuestró su destreza como director y guionista, llevándonos en un viaje emocional y visualmente impresionante a través de uno de los eventos más significativos del siglo XX.
Uno de sus aciertos más grandes es el casting que acompaña este proyecto. Todos han sabido encarnar de manera excepcional a los personajes históricos, proporcionando profundidad y autenticidad a sus interpretaciones.
Los efectos visuales son sencillamente deslumbrantes y juegan un papel fundamental en la construcción de la atmósfera de la película. Nolan sabe cómo aprovechar al máximo los recursos visuales para transportarnos a la época de la Segunda Guerra Mundial y hacernos sentir parte de la historia. Las secuencias de acción son vertiginosas y espectaculares, mientras que los momentos más íntimos son capturados con elegancia y sensibilidad.
Nolan ha entregado nuevamente una película que no solo entretiene, sino que también despierta nuestra curiosidad por la historia y el potencial humano. Una experiencia imperdible para los amantes del cine y para aquellos interesados en la ciencia y la historia detrás del Proyecto Manhattan.
OPPENHEIMER, escrita y dirigido por Christopher Nolan
La película está basada en el libro ganador del Pulitzer titulado «American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer« escrito por KAI BIRD y por el fallecido MARTIN J. SHERWIN. Narra la vida y el legado de J. Robert Oppenheimer, padre de la bomba atómica y se adentra en la mente del brillante científico detrás del descubrimiento que transformó al mundo. Es un retrato crítico de Oppenheimer que no sólo lleva a la pantalla los acontecimientos, sino que también explorara su psicología y cuestiona las consecuencias de sus acciones.
“Lo que yo quería era llevar al público a la mente y la experiencia de una persona que fue el centro absoluto del cambio más grande de la historia”, explica Nolan. “Nos guste o no, J. Robert Oppenheimer es la persona más importante que haya existido. Él hizo el mundo en el cual vivimos, para bien o para mal. Y su historia hay que verla para creerla”.
Cillian Murphy as J. Robert Oppenheimer in OPPENHEIMER, written and directed by Christopher Nolan
El origen del deseo de Nolan de hacer Oppenheimer radica en el miedo que inquietaba a los científicos del Proyecto Manhattan cuando buscaban los secretos de la fisión para fabricar una bomba de fusión; un temor que Oppenheimer denominó “la terrible posibilidad”. “En el período previo a la prueba Trinity, Oppenheimer y su equipo se enfrentaban a la pequeña posibilidad de que, cuando apretaran ese botón y activaran la primera bomba, incendiaran la atmósfera y destruyeran todo el planeta”, expresa Nolan. “No había ninguna base matemática o teórica que les permitiera descartar por completo esa posibilidad, por pequeña que fuera. Y aun así, de todos modos apretaron ese botón».
Oppenheimer es la cuarta colaboración de Christopher Nolan y Hoyte van Hoytema (director de fotografía) quien también fue el director de fotografía de Interstellar, Tenet y Dunkirk, siendo nominado al Óscar por esta última. Se decidió que las escenas contadas desde la perspectiva de Oppenheimer fueran en color y transmitieran las sencillez, naturalidad y texturas del mundo real y las escenas centradas en Strauss sean en blanco y negro, con numerosos primeros planos, intimistas y llenos de detalles y miradas impactantes que transportan al espectador directamente a la psique del personaje. Una decisión estética acertada de gran belleza visual.
A pesar de los rumores que circulaban en Internet, Christopher Nolan no detonó una bomba atómica real en Nuevo México para Oppenheimer con el único objeto de filmar el fuego nuclear y la nube en forma de hongo de la icónica prueba Trinity. En su lugar, Nolan y el director de fotografía Hoyte van Hoytema trabajaron con los supervisores de efectos especiales SCOTT FISHER y ANDREW JACKSON para producir la versión cinematográfica de la explosión atómica. La única restricción que puso Nolan fue que no podía haber imágenes generadas por computadora.
¿Quién es quien?
Está protagonizada por CILLIAN MURPHY(Peaky Blinders) como J. Robert Oppenheimer.
El resto del elenco se compone por EMILY BLUNT interpreta a su esposa, la bióloga y botanista Kitty Oppenheimer, ella era su absoluta confidente y su principal aliada a la hora de tomar grandes decisiones.
MATT DAMON interpreta a Leslie Groves, distinguido oficial del Cuerpo de Ingenieros del Ejército de los Estados Unidos que acababa de supervisar la construcción del Pentágono cuando se le asignó la misión de dirigir el Proyecto Manhattan.
ROBERT DOWNEY, JR. es Lewis Strauss, comisionado fundador de la Comisión de Energía Atómica en 1947, desempeñando un papel clave en la configuración de la política nuclear estadounidense de la posguerra. Administrador del Instituto de Estudios Avanzados de la Universidad de Princeton.
FLORENCE PUGH interpreta a Jean Tatlock, psiquiatra que estudió en Stanford y tuvo un intenso y tortuoso romance con J. Robert Oppenheimer.
JOSH HARTNETT es el pionero científico nuclear estadounidense Ernest Lawrence.
CASEY AFFLECK es Boris Pash, jefe de contrainteligencia del Ejército en el Presidio de San Francisco.
RAMI MALEK hace el papel del físico experimental David Hill.
KENNETH BRANAGH interpreta a Niels Bohr, el físico galardonado con el premio Nobel. Venerado por Oppenheimer y otros científicos de su generación por su estudio de la estructura atómica y la famosa “Interpretación de Copenhague” de la mecánica cuántica.
BENNY SAFDIE como el físico teórico Edward Teller; conocido como “el padre de la bomba de hidrógeno”. Investigando bajo las órdenes de Oppenheimer en la búsqueda de descifrar los secretos de la fisión, a Teller le costaba trabajar en equipo y a menudo se mantenía al margen de sus colegas para perseguir sus propios objetivos. Discrepaba con su jefe en cuanto al enfoque del proyecto —él creía que debían dedicarse al objetivo más difícil de construir bombas de hidrógeno más potentes. Incluso cuando instó a su colega a desarrollar las armas termonucleares más fuertes posibles, fue Teller el primero en especular sobre “la terrible posibilidad” que atemorizaba a Oppenheimer: de incendiar la atmósfera terrestre.
También actúan DYLAN ARNOLD como Frank Oppenheimer, hermano menor de Robert, GUSTAF SKARSGÅRD como Hans Bethe, miembro del Proyecto Manhattan. DAVID KRUMHOLTZ personifica al ganador del premio Nobel de física Isidor Rabi. MATTHEW MODINE como Vannevar Bush, jefe de la Oficina de Investigación Científica y Desarrollo de los Estados Unidos; DAVID DASTMALCHIAN como William Borden, un ferviente defensor de la superioridad nuclear de los Estados Unidos y el actor TOM CONTI interpreta a Albert Einstein.
Robert OppenheimerCillian Murphy
Parte de la información de esta nota es extraída de notas de producción de la película – UNIVERSAL PICTURES – SYNCOPY
El Martes 5 de Setiembre a las 21 horas se realizará en el Antel Arena un gran espectáculo en vivo. Se celebra el 90 aniversario del nacimiento de Julio Sosa «Kanela» con un show de Candombe sin precedentes, tambores del BarrioSur, Cordón y Palermo,más integrantes de su emblemática «Kanela y su Barakutanga» junto a componentes de su «Tronar de Tambores», rendirán homenaje a uno de los mayores exponentes del Candombe, en este espectáculo único e irrepetible, donde la tradición y la tecnología nos harán volver a vivir su encanto y figura con un cierre que será recordado para siempre por quienes nos acompañen.
Créditos de fotos Cote Romero
El foco de esta celebración será una proyección especial de la película «Kanela, Leyenda del Carnaval«, un documental que retrata desde la intimidad, la más extensa trayectoria dentro de nuestra mayor fiesta popular, nos muestra su manera de vivir, la forma de liderar su comparsa «Tronar de Tambores», al mismo tiempo que su propia historia nos lleva al pasado, a los carnavales de antes y a sus orígenes, sin dejar de lado su objetivo de ganar una vez más el «Desfile de Llamadas».
Es importante destacar que el diseño y producción del espectáculo se realizó en estrecha relación con la familia de Kanela.
Créditos de fotos Cote Romero
Posteriormente se llevará a cabo una ceremonia para homenajearlo en sus 90 años de nacimiento, donde participarán más de 70 artistas en escena.
Y citando una frase de Kanela : «El Carnaval es cultura, es pasión, es una gran fiesta popular. Siempre estaré al frente de mis tambores«.
Costo de las entradas durante la preventa $ 500 y $ 1.750
KANELA EL LEGADO es un Proyecto Transmedia sin precedentes en Uruguay pasando por la historia de vida y trayectoria de Kanela desde sus orígenes, en su ciudad natal Nico Pérez (Florida) pasando por su llegada a Montevideo con tan solo 17 años y sin documentación para cumplir su sueño, su juventud, sus sacrificios, su amor por los tambores, las plumas, los grandes vestidos, la danza reunidos en una gran noche mágica.
Además, durante todo un año, se estarán conmemorando los 90 años de Kanela y es así como se desarrollarán 9 plataformas diferentes donde cada una de ellas nos permitirá ir descubriendo diversos aspectos de su vida.
Ellas son:
El documental llamado «KANELA, LEYENDA DEL CARNAVAL»
El libro «Kanela el legado»
El “Archivo Kanela”
La Exposición en el Museo del Carnaval
Mural a gran escala
Escuela de Candombre Julio Sosa «Kanela»
Muestra fotográfica
Lista de reproducción en Spotify y Youtube y por último:
Una experiencia de realidad aumentada.
Cada una de estas 9 plataformas permitirá conocer más sobre Kanela, y todas juntas darán a conocer su LEGADO.
Se vivirá la esencia del Candombe, 65 años de trabajo intenso, el sentimiento del Carnaval, la felicidad que transmiten las cuerdas de tambores y la danza, la adrenalina del Carnaval.
Love and Death es una serie limitada (7 episodios) original de HBO Max, protagonizada por Elizabeth Olsen y Jesse Plemons.
Sinopsis: Este desconcertante drama, escrito por David E. Kelley y dirigido por Lesli Linka Glatter, cuenta la historia real de Candy y Pat Montgomery y Betty y Allan Gore, dos parejas religiosas que disfrutan de su vida en un pequeño pueblo de Texas, hasta que un romance extramarital desencadena un final no premeditado.
El elenco se compone por: Elizabeth Olsen, Jesse Plemons, Lily Rabe, Patrick Fugit, Krysten Ritter, Tom Pelphrey, Keir Gilchrist y Elizabeth Marvel.
La miniserie está inspirada en el libro «Evidence of Love: A True Story of Passion and Death in the Suburbs» y una colección de artículos de Texas Monthly («Love & Death in Silicon Prairie», Parte I y II) y la misma presenta de manera meticulosa y precisa uno de los delitos más controvertidos ocurridos en el estado de Texas.
Si sos fan de los TRUE CRIME y te gustan las sorpresas lee hasta acá, mirá la serie que la super recomiendo y luego volvé para seguir leyendo.
A partir de acá van a haber datos del caso real que serán un spoiler para la serie.
En el año 1980, el nombre Candy Montgomery ocupó la primera plana de todos los medios tras ser acusada de matar a Betty Gore, esposa de su amante. El asesinato tuvo lugar en Wylie, Texas, el 13 de junio de 1980. Durante el ataque, Gore recibió cuarenta y un hachazos.
Candy Montgomery era una devota y complaciente ama de casa, popular entre sus amigos en la parroquia a la que asistía y con sus vecinos. A pesar de esto siempre manifestaba aburrirse en su matrimonio, por lo que decide tener una aventura extramarital con Allan Gore, compañero de su parroquia y amigo de la familia. Tras varios acercamientos, Allan accede a tener un affaire con Candy, pero despues de un tiempo esta relación empieza a tener consecuencias en sus vidas y acaba desembocando en un final trágico.
Candy Montgomery – foto del día del juicio
Un jurado compuesto por nueve mujeres y tres hombres finalmente resolvió el 29 de octubre de 1980 declarar a la acusada no culpable: Candy fue absuelta de los cargos de asesinato ante la mirada incrédula del público.
Según el portal Texas Monthly, Candy y su esposo abandonaron Texas tras el juicio en 1980: la pareja se instaló en Georgia para intentar seguir con su vida, pero terminó divorciándose cuatro años más tarde.
Por su parte, Entertainment Weekly, añade que la mujer volvió a usar su apellido de soltera, por lo que ahora se presenta como Candace Wheeler, y trabaja como consejera de salud mental junto a su hija Jenny.
Luego de 4 temporadas vuelve Devenir Felisberto de Domenico Caperchione y Agustín Urrutia, en esta ocasión al Teatro Solís (Sala Delmira Agustini) con 5 únicas funciones del 2 al 6 de agosto, de Martes a Sábado 20hs y el Domingo a las 19hs. El VIERNES 4 DE AGOSTO, SE REALIZARÁ UNA FUNCIÓN INCLUSIVA CON INTÉRPRETE DE LENGUA DE SEÑAS.
La obra es un magistral monólogo en donde el destacado actor Agustín Urrutia – junto a Santiago Caetano excelente pianista – desarrolla más de 10 personajes del mundo de Felisberto Hernández.
La obra fue premiada con el Florencio a Mejor Actor en Unipersonal a Agustín Urrutia en la edición 2021-2022.
Sinopsis: Un actor y un pianista fusionan sus respectivas artes para dar vida a Felisberto Hernández y a los personajes que deambulan en Por los tiempos de Clemente Colling. A partir del viejo, ciego y andrajoso profesor de piano, el autor pasea por sus recuerdos de infancia y su formación como músico. Un texto emblemático de nuestra literatura que Felisberto concibe cuando decide dedicarse por entero a la escritura y dejar atrás un sinuoso pasado de pianista itinerante.
Entradas a la venta: Tickantel y Boletería del Teatro Localidades generales $ 550 2 x 1 La Diaria Socio espectacular con beneficio
Un ex convicto decide luchar por la custodia de su hija.
El jueves 6 de julio se estrena en cines «El Visitante», película dirigida por Martín Boulocq y protagonizada por ConEnrique Araoz, César Troncoso, Mirella Pascual, Svet Mena.
Esta co-producción Bolivia – Uruguay estará disponible en Cinemateca Uruguaya, Sala B del Sodre y Sala Lazaroff.
Sinopsis
Después de salir de la prisión, Humberto se gana la vida modestamente cantando en velorios. Su mayor deseo es reconstruir su relación con su hija y brindarle una vida digna, pero los abuelos de la niña, pastores evangélicos influyentes, no están dispuestos a ceder la custodia de su única nieta. Acorralado financiera e ideológicamente, Humberto se ve obligado a enfrentarse a sus propios demonios mientras lucha simultáneamente contra una poderosa institución eclesiástica a la que alguna vez perteneció. Ambientada en la ciudad de Cochabamba, El Visitante es una sombría meditación sobre las clases sociales, las relaciones familiares y el creciente poder del evangelismo en América Latina, reflexionando sobre los persistentes legados del colonialismo en la región y las nuevas formas de dependencia ideológica que guían a nuestras sociedades.
Festivales y Fallos
«El Visitante» ya ha sido premiada en diversos festivales alrededor del mundo:
*Mejor Realización Técnica y Tratamiento de Temáticas Sociales en la Competencia Latinoamericana – Premio SICA APMA (Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina) «Tato Miller», Mar del Plata, Argentina, 2022.
«Por su calidad técnica y actoral y por hacer una representación metafórica de las realidades sociales de Bolivia, pero también de toda América Latina, de las luchas sociales históricas, entre las clases burguesa con herencia colonial y la clase trabajadora, y cómo las estructuras de poder capitalizan el sufrimiento de los más débiles de la sociedad. Pone además en evidencia el crecimiento de la iglesia evangélica como nueva forma de dependencia y opresión financiera e ideológica de los más vulnerables. Filmada elegantemente explora el vínculo padre-hija con calidez y humanidad». Fallo del jurado compuesto por Adriana Vior, María Sol Muñoz, Mariano Cukar.
*Mejor Película Internacional- Festival de Cine de Antalya, Turquía, 2022. “Entregamos el premio más importante para nosotros a “El Visitante”, por su acercamiento a temas sensibles como el patriarcado y la religión, y porque el filme nos invita a contemplar y reflexionar sobre las paradojas del amor dentro de una familia y una sociedad fracturadas”.
*Selección Oficial en Competencia Oficial – Festival de Cine de Moscú – MIFF- Rusia, 2022.
*Mejor guión en la Competencia Internacional – Festival de Cine de Lima – PUCP – Perú, 2022. “Por articular una historia alrededor de un tema neurálgico de la realidad contemporánea latinoamericana, con humor, sin solemnidad y sin excesos paródicos”.
*Mejor guión en la Competencia Internacional – Festival de TriBeca, Nueva York, 2022. «Una historia de dolor y una hipocresía aparentemente insuperable finalmente se convierte en una de conexión humana. Aquel en el que la resistencia se convierte en vínculo entre un padre y una hija que han sufrido una pérdida.” Al mejor Guión Internacional, El Visitante.
Datos Sobre el director
Martín Boulocq – Director/Guionista
Martín Boulocq nació en cochabamba, Bolivia. Estudió cine en la Escuela Andina de Cinematografía, de Jorge Sanjinés.
A sus 25 años estrenó su primera película “Lo más bonito y mis mejores años”, proyectada en San Sebastián, Locarno y otros festivales recibiendo premios y aclamada por la crítica boliviana entre las 12 películas fundamentales de la historia de Bolivia.
Su segunda película “Los viejos”, fue estrenada en Busan (Corea del Sur) y ganó mejor película en Antofagasta. «Eugenia«, su tercer largometraje, se estrenó en competencia en Mar del plata y ganó el premio al mejor guión en Guadalajara.
Sus películas han tenido distribución en América Latina, Europa y Norteamérica, tanto en festivales como en museos, TV y streaming. El visitante es su cuarto largometraje.
Filmografía 2023 Cuerpo criminal, documental (post producción) 2022 El visitante 2017 Eugenia 2014 Los Girasoles, documental. 2011 Los Viejos 2009 Rojo,Amartillo, Verde (Fragmento Rojo), 2005 Lo màs bonito y Mis Mejores años
Todo lo que podés hacer con los niños en estas vacaciones
Con el adelanto de las vacaciones de julio, muchos padres se preguntan cómo mantener a sus hijos entretenidos durante este tiempo libre. ¡No te preocupes! Aqui te presento una lista completa de actividades emocionantes y educativas para disfrutar con los niños durante estas vacaciones.
En estas vacaciones de invierno L’Arcaza Teatro presenta las obras que ya se han vuelto clásicas en su repertorio. Una propuesta sutil que valora a niños, niñas y adultos. A través de la calidez de una puesta en escena que celebra la alegría del encuentro y el intercambio con el público con música en vivo, y un trío de actores que aseguran la risa, la sorpresa y la emoción. Son tres obras basadas en cuentos de Susana Olaondo:
Una Pindó: Funciones: Sábado 8, lunes 10, Domingo 16, Lunes 17 y Martes 18 de Julio DOBLE FUNCION a las 15 y 17hs. Domingo 9 de Julio a las 15:00hs
Olegario:Funciones: Martes 11, Miércoles 12 y Jueves 13 de Julio DOBLE HORARIO a las 15:00 Y 17:00hs. Miércoles 19 y Jueves 20 de Julio a las 15:00hs.
Julieta, ¿qué plantaste?: Funciones: Viernes 14, Sábado 15 de Julio DOBLE FUNCION a las 15:00 hY 17:00hs. Viernes 21 y Sábado 22 de Julio a las 15:00hs.
Recomendadas para niños de 2 a 8 años.
Venta de entradas: Teatro de la ACJ (Colonia 1870) RED TICKETS Entrada: $ 450.- La Diaria, Socios ACJ: 2 x $ 500.- Con 3 años cumplidos pagan entrada y ocupan butaca.
Luego del éxito rotundo en su primer temporada vuelve en las Vacaciones de Julio y a la SalaHugoBalzo del Sodre la obra para toda la familia ‘La increíble historia de Lucía, su padre y un chancho volador» del 19 al 22 de Julio a las 15 hs, para disfrutar, reírse e imaginar con este magnífico espectáculo de animaciones interactivas y títeres de gran porte del talentoso Damián Barrera.
La Experimental Centro Cultural – Viernes 7 de Julio a las 15 hs.
Inspirada en la vida y obra de Serafin J. García, se ubica en Treinta y Tres, en el Uruguay de 1915. Serafín y su prima Valentina se embarcan en una aventura en busca de su don, guiados y acompañados por su abuela Blanquita. Para encontrar este tesoro, los protagonistas nos invitan a recorrer distintos caminos, vencer algunos miedos y conocer personajes entrañables. Se encontrarán en un barco marino, en un circo criollo, y hasta en lo más oscuro del bosque. Finalmente, llegarán a descubrir ese tesoro particular, que cada uno de ellos guarda en su corazón.
La inscripción a los talleres tiene un costo de $300. Si comprás un libro infantil para llevarte a tu casa, no se cobrará la inscripción. Los talleres tienen cupos limitados, a asignarse a partir de las 14:00 del mismo día por orden de llegada en el salón de talleres de nuestra casa. No se realizarán inscripciones previo al día del taller. Además, para quienes tienen entre 3 y 6 años, la sección infantil de nuestra librería se llenará de actividades de acceso libre y gratuito que podrás descubrir en su agenda de actividades.
La otra feria – 21.a Feria del Libro Infantil y Juvenil:
Del martes 11 al domingo 23 de julio tendremos la segunda versión de la 21. ª Feria Infantil y Juvenil. El horario será de 12 a 20 horas. En la Explanada de la Intendecia de Montevideo
Museo Pedagógico José Pedro Varela: Ubicado en Plaza Cagancha tiene una muestra sobre la evolución de la escuela en Uruguay, con moviliario de las primeras escuelas y una interesante recorrido por los distintos métodos de enseñanza. Abierto de Lunes a Viernes de 8:30 a 19hs.
MAPI / Museo de Arte Precolombino e Indígena: Museo con artefactos de arqueología precolombinos y nativos. Ubicado en 25 de Mayo 279 (Ciudad vieja). Abierto de Lunes a Sábado de 10:30 a 18hs
Museo de Historia del Arte: El Museo de Historia del Arte, es un museo didáctico que exhibe diversas piezas originales así como réplicas de diferentes culturas y regiones. Ubicado en Ejido 1326, Intendencia de Montevideo. Horarios de Martes a Sábado de 12:30 a 17:45hs
Museo del Automovil: Fundado en 1983, el Museo del Automóvil “Eduardo Iglesias”, es el primer y único museo del país dedicado al automóvil y su historia. Fue creado con el objetivo de salvaguardar una parte fundamental del patrimonio cultural de la nación y es abierto al público de forma gratuita. Abierto de lunes a viernes de 14.00 a 19.00 horas. Estación Central de Servicios | Colonia 1251 piso 6
La inscripción a los talleres tiene un costo de $300. Si comprás un libro infantil para llevarte a tu casa, no se cobrará la inscripción. Los talleres tienen cupos limitados, a asignarse a partir de las 14:00 del mismo día por orden de llegada en el salón de talleres de nuestra casa. No se realizarán inscripciones previo al día del taller. Además, para quienes tienen entre 3 y 6 años, la sección infantil de nuestra librería se llenará de actividades de acceso libre y gratuito que podrás descubrir en nuestra agenda de actividades.
Lunes 3 de 15:00 a 17:00 Palabrerío: taller de expresión escrita para niñas y niños de 6 a 11 años A cargo de Lorena Hugo
La invitación es crear con palabras: las rimadas, las inventadas, las grandotas, las chiquitas, las olorosas, las que traen imágenes en colores, las que invitan a contar, las difíciles de pronunciar, las pesadas, las livianas, las que decimos siempre, las que no usamos mucho, las que nos entibian, las que nos gusta repetir, las que se oponen y todas las que se nos ocurran. En este camino nos acompañará una libreta personal que fabricaremos al comienzo del taller. Nos servirá para tomar registro de lo que cada uno elabore a partir de las consignas propuestas. Cada participante tendrá la suya y la llevará consigo luego de finalizados los encuentros para que continúe escribiendo en ella si así lo desea.
Martes 4 de 15:00 a 17:00 Taller de historieta para niñas y niños de 7 a 12 años A cargo de Andrés Alberto Farías
En este taller se trabaja el desarrollo de una historia, el lenguaje de la historieta, y la creación de personajes, a través de consignas disparadoras que ayuden a desarrollar y potenciar la creatividad de las niñas y niños que participen. Vamos a compartir trabajos de dibujantes y artistas de distintas épocas y lugares, y sobre todo vamos a crear y resolver historias dibujando mucho.
Miércoles 5 de 15:00 a 17:00 Islas imaginarias Taller de expresión escrita para niñas y niños de 7 a 12 años A cargo de Virginia Mórtola
Las islas son minúsculas extensiones de tierra dispersas en la inmensidad del océano, las imaginamos como lugares paradisíacos, con arena, cocos, palmeras, aventuras y descubrimientos. Pero, no todo es placidez en estos pequeños territorios, también hay islas inquietantes, donde abundan seres salvajes, sucesos desdichados, y en su geografía hay volcanes, hielo o quién sabe. En este taller nos embarcaremos en la aventura imaginar islas: cercanas o lejanas, exuberantes, áridas, olvidadas, congeladas, que esconden tesoros o seres misteriosos, reciben náufragos o acogen turistas en sus vacaciones. En las islas caben todas las fantasías. Para imaginar una isla inexistente, investigaremos algunas literarias y nos haremos muchas preguntas: ¿Cómo llamarla? ¿Dónde estará? ¿Será tranquila y paradisíaca o tendrá volcanes que escupen fuego y azufre? ¿Qué seres vivirán allí? ¿Qué tipo de embarcaciones navegarán sus aguas? ¿Cuál será su historia? ¿Cómo habrán llegaron sus pobladores? ¿Qué comerán? ¿Qué serán esos ojos que brillan en la maleza? ¿Estará desierta? ¿Será el escondite de un genio loco?Estas y todas las preguntas que se les ocurran guiarán la creación literaria y el mapa de las nuevas islas.
Jueves 6 de 15:00 a 17:00 Laboratorio de cine para niñas y niños de 6 a 9 años A cargo de Doménica Pioli y Carolina Sobrino
En este taller proponemos un espacio para la exploración colectiva del lenguaje audiovisual a través de juegos con luces y prácticas experimentales relacionadas al cine sin cámara y el precine. Durante dos horas pintaremos sobre celuloide, además de investigar y manipular soportes en desuso como retroproyectores, proyectores analógicos y proyectores de diapositivas. Invitando a las y los participantes a intervenir creativamente el material. Es una experiencia de cine vivo donde, aparte de jugar, haremos una creación audiovisual colectiva.
Viernes 7 de 15:00 a 17:00 Todos los animales… Identidad, hábitat y hospitalidad Taller de lectura y expresión plástica para niñas y niños de 7 a 11 años A cargo de Alfredo Soderguit
Te invitamos a leer, pensar, jugar e imaginar mundos ideales dónde cada uno pueda ser lo que quiera ser y todos sean bienvenidos; a partir de la lectura de Soy un animal y Los carpinchos. El taller se dividirá en dos momentos: 1) ¿Qué es un hábitat? Propuesta de expresión plástica en la que cada participante construirá un hábitat u hogar para un animal elegido de entre muchas opciones. 2) ¿Qué es la hospitalidad? Cada participante o grupo deberá modificar o ampliar el hábitat u hogar construido para poder recibir a un animal diferente.
Lunes 10 de 15:00 a 17:00 Taller de historieta para niñas y niños de 7 a 12 años A cargo de Andrés Alberto Farías
En este taller se trabaja el desarrollo de una historia, el lenguaje de la historieta, y la creación de personajes, a través de consignas disparadoras que ayuden a desarrollar y potenciar la creatividad de las niñas y niños que participen. Vamos a compartir trabajos de dibujantes y artistas de distintas épocas y lugares, y sobre todo vamos a crear y resolver historias dibujando mucho.
Martes 11 de 15:00 a 17:00 Dados inventados Taller de dibujo e ilustración para niñas y niños de 6 a 11 años A cargo de Luisa Sabatini
En este taller niñas y niños están invitados a crear historias con personajes de todo tipo, objetos extraños y lugares imaginados con la ayuda de un juego de dados inventados. Un espacio para jugar de forma grupal con dados creadores de historias hechos por ellas mismas. Nos serviremos de nuestra creatividad y manualidad para construir y dibujar dados creados de historias únicas e infinitas.
Miércoles 12 de 15:00 a 17:00 La danza y la palabra Taller de expresión corporal para niñas y niños de 6 a 12 años A cargo de Lucía Sismondi Alen
En este encuentro vamos a jugar a explorar entre la danza y la palabra. De forma lúdica se abordarán distintas dinámicas para entrar en un cuerpo que siente, piensa y baila.
Jueves 13 de 15:00 a 17:00 ¿Cómo suena el mundo? Taller de expresión musical para niñas y niños de 5 a 10 años A cargo de Salvador García
Se trata de un taller de exploración sonora y musical. Utilizaremos la música como canal expresivo para favorecer la comunicación, tanto individual como entre pares. En este espacio de experimentación encontraremos a través del juego, la estimulación sensorial y el disfrute, nuestra propia creación colectiva. Dividiremos el taller en tres momentos: 1) ¿Cómo suena el mundo? Exploración auditiva y sonora a través del juego, 2) ¿Cuáles son los ingredientes y los condimentos que hacen que una sopa quede riquísima? Pondremos en juego nuestras ideas, palabras, rimas, ritmos y sonidos, para luego pensar juntos cómo combinarlos y organizarlos musicalmente. 3) La canción de tod@s. En esta etapa vamos a crear nuestra propia canción. ¿De qué hablará? ¿Qué ritmo tendrá? ¿Qué instrumentación?
Por más información o consultas pueden escribir a actividades@escaramuza.com.uy, o enviar WhatsApp al +598 91 400 034.
Daniel K se presenta en Under Movie con su nuevo espectáculo de magia para toda la familia: Campamento Secreto.
En de vacaciones de julio (del 6/7 al 22/7) a las 16.30 hs te invitamos a conocer el escondite mágico de Daniel K. Un lugar donde además de divertirse y asombrarse con sus ocurrencias, van a poder ser magos por un rato. Campamento Secreto está pensado para desconectarnos de tanta tecnología y dejar volar la imaginación y los sentidos.
Espectáculo recomendado para niños de 6 a 99 años.
Precio de la entrada $ 550 en venta en movie por la web o en la boletería del shopping.
La Experimental Centro Cultural – Viernes 7 de Julio a las 15 hs.
Inspirada en la vida y obra de Serafin J. García, se ubica en Treinta y Tres, en el Uruguay de 1915. Serafín y su prima Valentina se embarcan en una aventura en busca de su don, guiados y acompañados por su abuela Blanquita. Para encontrar este tesoro, los protagonistas nos invitan a recorrer distintos caminos, vencer algunos miedos y conocer personajes entrañables. Se encontrarán en un barco marino, en un circo criollo, y hasta en lo más oscuro del bosque. Finalmente, llegarán a descubrir ese tesoro particular, que cada uno de ellos guarda en su corazón.
A lo largo de la obra, disfrutaremos juntos juegos, canciones, música en vivo, baile y mucha diversión !
Entradas en venta en TICKANTEL : 2 x $ 600 / 1 x $ 350 2 x 1 para La Diaria, Club Malvín y amigos de La Experimental (cupos limitados) Sugerida para niños y niñas en edad primaria (se puede sumar inicial desde nivel 3) Espectáculo declarado de interés cultural por el MEC.
Luego del éxito rotundo en su primer temporada vuelve en las Vacaciones de Julio y a la SalaHugoBalzo del Sodre la obra para toda la familia ‘La increíble historia de Lucía, su padre y un chancho volador« del 19 al 22 de Julio a las 15 hs, para disfrutar, reírse e imaginar con este magnífico espectáculo de animaciones interactivas y títeres de gran porte del talentoso Damián Barrera.
La Asociación Uruguaya de Músicos en el marco de su 85° Aniversario, presenta este espectacular Ciclo de Jazz Acústico en Sala Verdi con los mejores exponentes de nuestro medio. A lo largo del mes de Julio podremos disfrutar de 8 fechas con un gran despliegue de 16 grupos, que van desde dúos a quintetos y que representan a un espectro muy importante de la movida del jazz nacional reunidos en esta hermosa sala.
DETALLE DE GRUPOS POR FECHA:
LUNES 10/7 – Hora 20
EL ASESINO DEL OESTE Federico Graña – guitarra / Juan Correa – Contrabajo/ Noé Nuñez – batería, percusión y accesorios. TSUNAMI CUARTETO Joaquín Bértola/ Diego Banega/ Fabricio Rinaldi/ César Durañona
MARTES 11/7 – Hora 20
ROMPETAMBÓ Pablo Meneses, Andrés Pigatto, Álvaro Salas Gularte y Andrés Bedó ESTEBAN MONTAÑO & RAÚL MEDINA – “NOCTURNO” Esteban Montaño – voz/ Raúl Medina – piano.
MIÉRCOLES 12/7 – Hora 20
BETH SUZACQ & ROLO SUZACQ Beth Suzacq – voz / Rolo Suzacq – piano LAS RODETTS Jimena Molina/ Gabriela Rodriguez/ Eugenia Anton / Mariana Labrada – voces/ Mauricio Fernández – piano/ Santiago Bolognini – guitarra.
LUNES 17/7 – Hora 20
AIDA MARTÍNEZ Aida Martínez –voz/ Darwin Silva – piano/ Gerardo Alonso- bajo/ Tote Fernández – batería. ALBERTO MAGNONE TRÍO Alberto Magnone – Piano/ Nhils Di Concilio – Contrabajo/Jorge Rodríguez Stark – Batería
MIÉRCOLES 19/7 – Hora 20
NOLÉ / DE BELLIS / ROMANO Ricardo Nolé – piano/ Roberto De Bellis – Contrabajo/ Miguel Romano – batería. GABRIEL ESTRADA CUARTETO Pablo Somma – Flauta/ Pablo Meneses – batería/ Gerardo Alonso – bajo/ Gabriel Estrada – piano/ Aída Martínez – voz
LUNES 24/7 – Hora 20
MARIA NOEL TARANTO & RAÚL MEDINA – JAZZ DU0 Maria Noel Taranto – voz/ Raúl Medina – piano POPO ROMANO TRÍO Miguel Romano – batería/ Darwin Silva – piano/ Popo Romano – contrabajo y bajo acústico
SABRINA LASTMAN & HORACIO DI YORIO Sabrina Lastman –voz/ Horacio Di Yorio – Piano. HA DÚO Hugo Fattoruso & Albana Barrocas.
Entradas en venta por Tickantel – Red de cobranzas y boletería de la Sala.
Costo de las entradas $ 450
BIOGRAFIAS –
LAS RODETTS
Es un cuarteto vocal femenino, integrado por Gabriela Rodríguez, Eugenia Anton, Mariana Labrada y Jimena Molina, que se caracteriza por interpretar canciones populares versionadas en diferentes estilos del jazz, boogie, blues, soul y gypsi. Esta propuesta innovadora y llamativa, a nivel musical y escénico, tiene la esencia de resaltar la riqueza de los arreglos armónicos vocales, generando un sonido único y original.
HUGO FATTORUSO & ALBANA BARROCAS
Hugo y Albana con instrumentos electrónicos y acústicos, realizan temas propios y versiones de compositores/autores uruguayos. Las influencias y experiencias de cada uno, crean un ambiente musical muy particular. Esto es HA Duo, siempre en constante renovación, haciendo que cada recital sea irrepetible y tenga un marcado sello propio. Desde el 2013, han realizado más de 190 shows en territorio uruguayo, una parte extensa en Argentina, ciudades de Japón, España, Austria, Francia y Brasil. DISCOGRAFÍA : NEO (MMG) Ganador del Premio Graffiti 2014, categoría “mejor álbum de dúo o grupo de música popular y canción urbana” y ganador del Premio Graffiti 2022, categoría “Mejor álbum de jazz”
POPO ROMANO TRÍO
Popo Romano, ciudadano Ilustre de Montevideo – Premio Morosoli- Ganador del premio FABINI al mejor bajista, ha acompañado y grabado con artistas de la talla de Alfredo Zitarrosa, Eduardo Mateo, Jaime Roos, Ruben Rada, Leo Maslíah, Hugo Fattoruso, Malena Muyala, Jorge Drexler, Mauricio Ubal, así como con artistas extranjeros como la cantante Gloria Gaynor y el guitarrista Luis Salinas., Ha actuado en los más destacados festivales de jazz de nuestro medio (Punta del Este-, Jazz Tour Radisson –Montevideo), en el Festival del Agua de Estocolmo (Suecia) y en el Festival de Mälmo (Suecia), Participa en la Noche de la Improvisación («4° NUIT DE L ́IMPROVISATION» de Jean-Francois Zygel) en el Theatre Chatelet (Paris, Francia).
A la salida de su disco, Cuarto de música, la revista norteamericana Bass Player escribió: «El virtuoso bajista y contrabajista uruguayo Romano mezcla ritmos locales con fragmentos de fusión y esencia melódica…». Posteriormente la revista Rolling Stone calificó como excelente (cuatro estrellas) el CD editado por Ayuí. La propuesta Popo Romano Jazz Trío se conforma con contrabajo/ bajo acústico, batería y piano.
El repertorio incluye temas de los 5 trabajos editados de P. Romano, clásicos del jazz, así como también obras de autores uruguayos interpretadas con un concepto jazzístico.
Miguel Romano – batería/ Darwin Silva – piano/ Popo Romano – contrabajo y bajo acústico.
MATEAUDA TRÍO.
Trío de jazz fusión, fundado en 2013, temas propios. Participamos de el 4to festival de jazz de la Costa 2017, del 4to festival internacional de jazz de Valparaíso, Chile en 2018. Nos presentamos en El centro cultural Florencio Sánchez del Cerro en el día Internacional del jazz en 2022. Entre otras actuaciones destacadas.
Marcos Mateauda – guitarra/ Bruno López – Bajo acústico/ Lucas Soria- percusión
BETH SUZACQ & ROLO SUZACQ
Duo de voz y piano. Estilos jazz, pop, soul, blues.
Actualmente banda estable en el Enjoy de Punta del Este (ex Conrad).
Beth Suzacq, cantante, compositora y actriz; es reconocida por su voz y por su energía en escena. De adolescente desarrolla su carrera entre el jazz, blues y soul, tanto en Uruguay como en Argentina. En 2013 se afinca en Madrid donde participa en múltiples festivales de Jazz, compartiendo escenario con músicos de primer nivel. En 2016 lanza su primer álbum que resulta nominado en seis categorías de los Premios MIN, incluyendo Mejor Álbum de Jazz. En 2019 retorna a nuestro país para continuar con una carrera fructífera, deleitándonos en diversos escenarios montevideanos y esteños. En esta ocasión se presentará a dúo junto a su padre, Rolo Suzacq legendario pianista de la escena local.
En su repertorio interpretan clásicos de Jazz, Blues & Soul, pasando por Ella Fitzgerald hasta Amy Winehouse. Juntos crean un espectáculo novedoso, íntimo e intenso que no dejará a nadie indiferente. Beth Suzacq – Voz / Rolo Suzacq – Piano
GABRIEL ESTRADA CUARTETO.
Presentación de nuevas composiciones de Gabriel Estrada que formarán parte del quinto disco a editarse por sello Perro Andaluz, llamado «Eras y Labores»
Pablo Somma – Flauta/ Pablo Meneses – batería/ Gerardo Alonso – bajo/ Gabriel Estrada – piano/ Aída Martínez – voz
EL ASESINO DEL OESTE.
Surge como espacio libre de creación en el que se juntan el candombe con el funky y el rock psicodélico de los 70. La amistad entre los integrantes es un factor esencial a la hora de componer e interpretar el repertorio, lo cual cuenta como premisa fundamental a la hora de subirse al escenario. Las canciones (99,9% instrumentales) surgieron en la sala de ensayo fruto de improvisaciones e ideas de cada uno que fuimos puliendo sobre la marcha. Nuestra ópera prima tiene ya 2 años y cuenta con enormes artistas invitados como Miguel Leal, Nico Arnicho, Gonzalo Gravina, Nicolás Román entre otros. El disco fue grabado de manera totalmente «artesanal», y luego mezclado por el excelentísimo técnico de sonido don «Martín Brizolara». El proyecto se encuentra actualmente en fase de finalización del segundo material fonográfico el cual se estima que saldrá sobre la segunda mitad de éste año.
Federico Graña – guitarra / Juan Correa – Contrabajo/ Noé Nuñez – batería, percusión y accesorios.
AIDA MARTÍNEZ.
Una de las grandes voces de nuestro país que junto a excelentes músicos, estará presente en este ciclo de celebración de AUDEM, brindando temas reconocidos y propios en un espectáculo imperdible, de alto nivel musical.
Este es un proyecto de música creativa que fusiona elementos de música latinoamericana y jazz. Éste refleja las influencias que Sabrina ha recibido en los diferentes países donde ha vivido: Uruguay, Israel y los Estados Unidos. Sabrina expande las posibilidades de la voz hilando una variedad de sonidos, colores y texturas. Algunas de sus canciones se inspiran en la poesía de autores como Washington Benavides y Affonso Romano Sant’Anna. En esta instancia tocarán tanto composiciones originales de Sabrina, así como también arreglos de composiciones de músicos como Egberto Gismonti, Theo Bleckmann y Víctor Jara.
Nace en 1989 a raíz de la invitación de dos percusionistas a Andrés Bedó para actuar en el Café Central de Madrid. ¡Y qué fuerte le pegaban a los cueros esos percusionistas! “Chivo que rompe tambó con su pellejo paga” dice Bola de Nieve. Ya estaba claro el nombre que tendría el proyecto. El desafío de tocar sólo a percusión y piano iluminó la hermandad: los tambores percuten y cantan, el piano canta y percute. Llega un momento en el que no se sabe quién es quién. Pianotambor, Tamborpiano… El debut de Rompetambó en Uruguay, como quinteto, se produce en el Festival Internacional de Percusión (2010) y como dúo en el marco del Día del Candombe en la Facultad de Artes. Integrando el contrabajo los pianotambores pueden largarse a navegar en las olas del bajotambor. Cada habitante del mundo tiene su propia frase en el cuero. Por tratarse de un proyecto nuevo, esta formación en cuarteto ha estrenado su espectáculo recientemente y no hay video en las redes. Incluímos links a dos discos de Andrés Bedó :
Álvaro Salas /Pablo “Pelao” Meneses /Andrés Pigatto /Andrés Bedó
MARIA NOEL TARANTO.
Prestigiosa cantante de nuestro medio quejunto al Mtro. Raúl Medina se presenta en formato de dúo, en una recorrida de temas de jazz que ha desarrollado en su larga carrera solista. Reconocidos artistas de nuestro medio que darán su impronta al ciclo, para el disfrute del público.
ALBERTO MAGNONE TRÍO
La propuesta del concierto es un recorrido emocional por músicas originales y autores, que fusionan el Jazz con ritmos regionales como la bossa nova o el candombe. Todo de la mano del sonido único, del maestro ALBERTO MAGNONE.. El grupo está formado por algunos de los más destacados músicos del estilo en la escena local, NILHS DI CONCILIO en Contrabajo y JORGE RODRÍGUEZ STARK en Batería. Cada uno con su propia trayectoria local e internacional.
ESTEBAN MONTAÑO.
La voz masculina del jazz de nuestro país, estará presentando su propuesta “Nocturno”, en formato piano y voz.
Esteban Montaño – voz/ Raúl Medina – piano.
NOLÉ / DE BELLIS / ROMANO
Ricardo Nolé – piano/ Roberto De Bellis – Contrabajo/ Miguel Romano – batería.
Reconocidos profesionales de nuestro medio, con largas trayectorias cada uno de ellos, no podían estar ausentes en una velada de jazz. Ricardo Nolé, radicado en Argentina desde 1973, ha desarrollado una gran carrera musical en ese país. También entre 1979 y 1982 trabajó como músico profesional y de sesión en varios países de Europa.
Acompañó y participó en varios discos de Rubén Rada desde “En familia” (1982) hasta “Concierto por la vida” (1994).
Integró la banda de Beto Satragni, con quien grabó “Ecológico” en 1991 y “Ecológico II” en 1993, y la banda de Horacio Fontova en 1994.
Su formato de música preferido es el trío de jazz (piano, bajo y batería), formando su primer trío en 1990 con el que grabó los discos “Cuareim” en 1991 y “Afrombé” en 1993. En 2000 integró un trío con Osvaldo Fattoruso y Beto Satragni.
En 2017 se editó “Tríos… Uruguayos” su primer disco grabado en Uruguay donde trabajó con distintos tríos, entre ellos Nolé con Urbano Moraes y Martín Ibarburu.
En 2008 también formó un dúo de música de cámara con la trompetista Adriana Kahn, interpretando obras desde el período barroco hasta el siglo XX.
En 2016 grabó Homenaje a Rada junto a Lobito Lagarde y Nelson Cedréz , como The Rada’s Old Boys. El trío versiona temas de Rada en formato trío de jazz acústico. El disco ganó el Premio Graffiti a mejor álbum de jazz.
PIÚ es un proyecto lúdico musical que promueve el hacer música como una experiencia fundamental en el desarrollo de los seres humanos.
Dirigido por Lili Ramos y Natalia Goldberg (licenciadas en Musicoterapia especializadas en Primera Infancia y familia). En esta oportunidad les acompañará Camilo Routin (músico y próximo a recibirse como musicoterpeuta).
Piú nos invita a la Sala Undermovie a disfrutar de unviajelúdicomusical a través de canciones y objetossonoros que se compartirán con todos los participantes (grandes y chicos) para jugar y tocarjuntos a nivel de piso en una gran alfombra, que facilita la libertad de movimiento y la interacción por la cercanía.
«Este espectáculo fue concebido como una Experiencia Musical Oportuna, entendida ésta como un espacio-tiempo que promueve el encuentro lúdico en familia y entre familias, que potencia y estimula de forma integral el desarrollo de los más pequeños y pequeñas en todas sus dimensiones.
Las Experiencias Musicales Oportunas buscan redimensionar el juego musical como un lugar fundamental de encuentro entre niños y sus adultos referentes. Un estar presente y motivado que favorezca el placer, el disfrute y el amor. Por que es ahí donde las experiencias cobran sentido.”
Durante el espectáculo disfrutaremos de tiempo para compartir entre grandes y chicos. Mamá, papá, abuelas, abuelos, tías, tíos, todos a jugar.
Los detalles están cuidados para garantizar una experiencia en familia placentera, oportuna y muy divertida.
En esta ocasión apostamos a convocar en un horario que no es habitual para las salas de espectáculos: 11 AM, con el propósito de ofrecer a las familias un contexto más tranquilo con menos circulación de gente separando las propuestas culturales en cartel para los más grandes que suceden todas en el horario de la tarde.
Escuchame una cosa es una exploración artística en torno al tema de la comunicación entre humanos y otros animales, y se basa en experiencias de encuentro con animales como burros, carpinchos, caballos, gallinas, algunas llamas y una mona. Después de dos años de trabajo, se presentará un avance de la investigación entre junio y agosto de 2023 en el Zoológico de Villa Dolores, con una instalación audiovisual 3D.
«El momento que nos toca vivir vuelve urgente la necesidad de revisar los vínculos que como sociedad hemos generado con la naturaleza, en particular con animales de otras especies. Me interesa proponer un diálogo abierto y reflexivo sobre la interconexión que existe entre todas las formas de vida y sobre la capacidad de comunicarnos con otros animales.
Los estudios animales son un campo relativamente nuevo que integra antropología, biología, artes, filosofía, cine y otras disciplinas. Estudia las relaciones con animales no humanos mediante el empleo de distintas perspectivas teóricas, integrando también formas de conocimiento no académico.
Muchas de las referencias teóricas de este campo de estudio afirman que “el cuerpo humano no es simplemente humano”, y que por el contrario, los límites de nuestros cuerpos son abiertos, permeables y porosos. Afirman que las conexiones entre humanos y otros animales son conexiones relacionales que se pueden sentir y sintonizar. El problema es que la psiquis occidental está estructurada de tal manera que le da a la persona la sensación de que sus sentimientos son “suyos propios”, y que están contenidos física, energética y emocionalmente.»
El proyecto busca contribuir al fortalecimiento de una educación ambiental que fomente los vínculos respetuosos con todas las formas de vida. Durante el tiempo que dure la muestra se organizarán una serie de mesas de conversación donde el tema será abordado desde distintas disciplinas. La muestra estará abierta desde el 23 de junio de miércoles a domingos de 11 a 17hs.
Texto curatorial | Andrea Giunta
“Burros en las sierras de Maldonado, carpinchos en el lago del parque Lecocq, la mona rescatada del ecoparque Tálice. Sin una agenda previa, Pau Delgado Iglesias pasa días en su compañía buscando encontrar la clave de la comunicación, de la conexión con esas otras vidas. Silencio, pausa, escucha, respeto. Captar los campos mórficos. Conectar hacia adentro para conectar con lo demás. Sólo las horas que permaneció con ellos, logran crear la relación de confianza que se percibe en el film 3D Escuchame una cosa, que nos presenta el estado de una investigación en proceso. Una pesquisa que fue inicialmente impulsada por la trama teórica de los estudios animales que conoció cuando se formó en Inglaterra. Pero lo que nos propone escapa de la teoría. Se impregna de un tiempo real, dilatado, compartido con esas otras vidas que filmó en pocos momentos, ya que no se trataba de mostrar, sino de establecer un vínculo. Quedamos absortos, no solo en un sentido visual, sino también mental, ante esas imágenes de especies comunes, que no son exóticas, pero que atraen por su belleza, por la relación de proximidad, como si las tocásemos con los ojos. Escuchame una cosa capta el momento interespecie en el que la cercanía, el silencio, la mirada detenida, nos conecta con el afecto que impregna esta convivencia y logra ponernos en contacto con una emocionalidad que conmueve”
Black Mirror, la aclamada serie de ciencia ficción y suspenso, ha sido reconocida por su capacidad para analizar de manera provocadora los impactos de la tecnología en la sociedad, generalmente con un pronóstico desalentador del futuro que nos espera. Sin embargo, la última temporada parece haberse desconectado de la esencia que la definió en temporadas anteriores, perdiendo contacto con su leitmotiv.
La esencia de Black Mirror ha residido en su capacidad para exponer las consecuencias no deseadas de la tecnología y explorar los dilemas éticos que surgen de ella, exponiendo los peores rasgos de la humanidad. Sin embargo, en esta última temporada, en especial los capítulos «Loch Henry«, «Mazey Day» y «Demonio 79» no logramos ver esta premisa fundamental. Estos episodios se centran en aspectos más superficiales y por momentos entretenidos y se tornan predecibles y bizarros, dejando a los espectadores con una sensación de desconexión y una pérdida del factor distintivo de las primeras temporadas de Black Mirror. En lo personal, me hizo sentir que estaba viendo un nuevo episodio de «El gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro«.
En estas vacaciones de invierno L’Arcaza Teatro presenta las obras que ya se han vuelto clásicas en su repertorio. Una propuesta sutil que valora a niños, niñas y adultos. A través de la calidez de una puesta en escena que celebra la alegría del encuentro y el intercambio con el público con música en vivo, y un trío de actores que aseguran la risa, la sorpresa y la emoción. Son tres obras basadas en cuentos de Susana Olaondo:
Una Pindó,
Olegario y
Julieta, ¿qué plantaste?
Recomendadas para niños de 2 a 8 años.
Las tres obras elegidas son:
UNA PINDÓ: Una hormiga se perdió por cargar una hoja y no puede regresar a su hormiguero, debajo de una Pindó. Por suerte, se encuentra con varios amigos que la ayudarán a encontrar una de esas palmeras bien altas que se ven desde muy lejos. Funciones: Sábado 8, lunes 10, Domingo 16, Lunes 17 y Martes 18 de Julio DOBLE FUNCION a las 15 y 17hs. Domingo 9 de Julio a las 15:00hs
OLEGARIO: Olegario es un bicho de luz apagado, pero decidido a encontrar su luz. Es que un bicho de luz sin luz no se siente bien, ni en el aire ni en la tierra. Y no se trata solo de encontrar su luz, se trata de ser él mismo. Funciones: Martes 11, Miércoles 12 y Jueves 13 de Julio DOBLE HORARIO a las 15:00 Y 17:00hs. Miércoles 19 y Jueves 20 de Julio a las 15:00hs.
JULIETA, ¿QUÉ PLANTASTE?: Julieta, la mulita, y el zorro hacen un trato para compartir los frutos de la cosecha. El zorro parece un poco haragán y querrá engañar a su vecina. Sin embargo, Julieta tiene una sorpresa que el zorro no olvidará. Funciones: Viernes 14, Sábado 15 de Julio DOBLE FUNCION a las 15:00 hY 17:00hs. Viernes 21 y Sábado 22 de Julio a las 15:00hs.
Venta de entradas: Teatro de la ACJ (Colonia 1870) RED TICKETS Entrada: $ 450.- La Diaria, Socios ACJ: 2 x $ 500.- Con 3 años cumplidos pagan entrada y ocupan butaca.
SOBRE L´ARCAZA TEATRO
L’Arcaza Teatro surge en 1995 con la necesidad de encontrar nuevos espacios y con un claro objetivo: llevar el teatro a donde nunca llega. Es así que sus primeros espectáculos fueron propuestas callejeras que les permitieron actuar para un público sumamente diverso. Actualmente siguen planteándose como meta la creación de nuevos públicos y aportar a la democratización de la cultura en todo el país. Esta línea de trabajo, forjada durante estos años, los impulsa en la búsqueda de modos de comunicación directa con el público. En una sociedad caracterizada por la mediatización de las comunicaciones, se torna imprescindible lograr encuentros que prioricen el contacto cara a cara, el intercambio de vivencias, experiencias, emociones y sentimientos. Nuestra formación incluye la escuela Puertoluna (Montevideo) y varios talleres de perfeccionamiento con distintos maestros de todo el mundo, entre los que destacamos por ser los que más les influenciaron los seminarios dictados por miembros del Teatro Sunil (Suiza) y el Odin Teatret (Dinamarca). Forman este grupo: Fabiana García, Pablo Albertoni y Richard Riveiro.
Pablo Albertoni: Actor, dramaturgo, licenciado en Lingüística y Magíster en Ciencias Humanas, opción Lenguaje, Cultura y Sociedad (UDELAR). Se formó en actuación en la escuela teatral Puertoluna (Montevideo) y se perfeccionó en dramaturgia y danza con diversos maestros nacionales y extranjeros. Como dramaturgo obtuvo en dos ocasiones el Premio Anual de Literatura (Ministerio de Educación y Cultura), su obra “Sinfonía kafkiana” logró una mención en Solos en el Escenario (Centro Cultural de España). Estrenó adaptaciones de diversos cuentos de Susana Olaondo en el Teatro Solís. Integra el grupo L’Arcaza desde su fundación hace 26 años con el que ha realizado giras por Argentina, Chile y Brasil.
Fabiana García: Actriz y docente. Integrante de L’Arcaza Teatro, grupo independiente con 26 años de trabajo ininterrumpido. Se formó en actuación en la escuela teatral Puertoluna de Montevideo. Trabaja en espectáculos de teatro para niños desde el año 2000 realizando funciones en escuelas de diversas localidades de Uruguay. Presenta espectáculos para niños en el Teatro Solís desde el año 2011. Ha realizado giras en Argentina, Chile y Brasil y participado en diversos festivales y eventos nacionales e internacionales. Algunos espectáculos para adultos en los que participó son: “Con olor a miel”, “Muelas,… Por Supuesto”, “El viento sopla donde quiere”, “La princesa Malena”, “La Mariposa”, “Dínamo”, “Quemadura China”, “La Gran Pepino”.
Richard Riveiro: Actor, bailarín, director, compositor, dramaturgo. Integrante de L’Arcaza Teatro, estudió en la escuela de Formación actoral Trenes y Lunas. Se formó en seminarios con maestros como Daniele Finzi Pasca, Eugenio Barba, David Zambrano, Cesar Brié. Dirigió varios espectáculos entre los que se destacan: “Bardo Criollo”, “Muñecas Armadas”. Por su trabajo en “La Gran Pepino”, fue nominado como “revelación” y “ambientación sonora” a los premios Florencio. Su último texto “Frágil” fue editado por “dos en el escenario” en el Centro Cultural de España. En el 2009 dirigió el espectáculo “Bardo Criollo” de Teatro del Bardo grupo radicado en Paraná-Argentina.
El Hot Club de Montevideo es una institución cultural uruguaya fundada en 1950 como resultado de las inquietudes de un pequeño grupo de músicos, con la misión de desarrollar actividades relacionadas con la música jazz, y contribuir a su difusión y comprensión.
Su primera actividad oficial fue la distribución de una revista mensual, el 2 de marzo de 1950. Su contenido la haría figurar en el catálogo del Primer Salón Internacional de Jazz de París. Se puede decir que prácticamente todos los grandes músicos de Uruguay recibieron la influencia formativa de esta institución.
El Hot Club brilla desde 1950 cuando fue fundado y eso lo convierte en el más antiguo de Latinoamérica (70+ años) y por el que han pasado los mejores músicos de todo el mundo. Este documental cuenta la historia y anécdotas de esta notoria institución y sus integrantes.
Ficha técnica:
Director / Productor: Maximiliano Contenti Produccion ejecutiva: Gastón Contenti, Ailen Rodríguez Siqueria Jefa de producción: Alina Kaplan Dirección de fotografía: Maxi Contenti Cámaras: Benjamín Silva, Santiago Bednarik, Agustín Lorenzo, Ailen Rodríguez Siqueira Dirección de sonido: Santiago Carámbula Editor: Santiago Bednarik Postproducción: Santiago Bednarik Música: Hot Club de Montevideo
Este 1º de junio llega a las salas de nuestro país (Uruguay) «Ese soplo«, es un conmovedor y personal documental que captura la esencia de una relación única entre la directora y su abuelo. Valentina Baracco Pena, presenta su ópera prima y nos sumerge en un viaje íntimo y emotivo mientras exploramos el vínculo entre dos generaciones diferentes.
Fernando es su abuelo, tiene 88 años y le propone a Valentina hacer una película juntos justo cuando esta se prepara para mudarse de su casa. A través de la cámara, ambos protagonistas se ven de una manera completamente nueva, revelando aspectos de su relación que nunca antes habían sido explorados. «Ese soplo» se convierte así en un testimonio auténtico y sincero sobre el amor, las pérdidas y la búsqueda de comprender el significado de la vida.
La dirección de Valentina Baracco Pena es notable, ya que logra capturar la esencia de la intimidad y la emotividad en cada toma. Su habilidad para transmitir la conexión profunda con su abuelo a través de la cámara es admirable y crea una experiencia cinematográfica realmente conmovedora.
El estreno de «Ese soplo» en el mes del abuelo y la abuela añade un significado especial a la historia, ya que invita a reflexionar sobre la importancia de las relaciones intergeneracionales.
No se puede pasar por alto el reconocimiento que ya ha recibido esta película en festivales tanto nacionales como internacionales. En el 2022 tuvo un doble pre-estreno en DocMontevideo y el Festival de Cine Nuevo Detour festivales donde generó una gran expectativa en el público y la crítica. Además, también tendrá su estreno en el Philadelphia Latino Film Festival en Estados Unidos lo que promete llevar la historia a una audiencia aún más amplia.
Es importante destacar los fondos y apoyos recibidos para la realización de esta película. El respaldo del Fondo de Fomento Cinematográfico y Audiovisual, el Fondo Montevideo Filma, el Fondo Montevideo Socio Audiovisual y el Programa Uruguay Audiovisual demuestran el reconocimiento a la calidad y el valor artístico de «Ese soplo». Estos fondos y apoyos permitieron que la visión de Valentina Baracco Pena se hiciera realidad y que la película llegara a la pantalla grande.
«Ese soplo» es una joya cinematográfica que merece ser vista y apreciada. Su historia íntima y emocional, junto con la habilidad de Valentina Baracco Pena para capturarla en la pantalla, la convierten en una película que deja una profunda emoción en el espectador.
El estreno será en salas de Montevideo, Salto, Paysandú, Piriápolis, Rocha, San José, Mercedes, Canelones, Maldonado y Durazno.
Cinemateca Del 1 al 7 de junio De lunes a viernes 19.20hs Sábado y domingo 20.15hs. *Función del sábado 3 con la participación del equipo Promo 2×1 si vas con tu nieto/a o abuela/o de lunes a viernes Entradas: https://cinemateca.org.uy/peliculas/1779
Centro Cultural Florencio Sánchez 1 de junio, 20hs. Entrada libre. Con la participación del equipo.
Centro Cultural Artesano 2 de junio, 19hs. Entrada libre. Con la participación del equipo.
Centro Cultural La Experimental de Malvín 18 de junio, 19hs. Entrada libre. Con la participación del equipo.
Sala Lazaroff 21 de junio, 20hs. Entrada libre. Con la participación del equipo. Función accesible: LSU, audiodescripción y subtítulos descriptivos
Casa de la Pólvora 7 de julio, 18.30hs. Entrada libre. Con la participación del equipo.
CC Alba Roballo 8 de julio, 18.30hs. Entrada libre. Con la participación del equipo.
CC Julia Arévalo 28 de julio, 19.30hs. Entrada libre. Con la participación del equipo.
Piriápolis Cine Espacio Miramar 10 de junio, 20hs. Entradas 250$. Con la participación del equipo
Paysandú Casa de la Cultura de Paysandú 22 de junio, 20hs. Entradas 250 $. Con la participación del equipo.
Mercedes Cine Mercedes 28 de junio, 20hs. Entrada libre. Con la participación del equipo.
Rocha Cineclub Rocha 30 de junio Con la participación del equipo
Salto UDELAR Regional Salto 5 de julio, 19.30hs. Entrada libre. Con la participación del equipo.
San José Instituto Cultural Español 7 de julio. 19.30hs. Entrada 100$. Con la participación del equipo.
Sin dudas es uno de los estrenos más esperados del año y uno de los más controvertidos. Desde que se anunció el live-action de La Sirenita todos han tenido algo para decir. Esta producción ha enfrentado a fans y haters en una lucha sin final pero principalmente sin sentido. Las redes sociales se han inundado de cuestionamientos: que si era o no necesario traer esta historia al mundo real, que si el elenco seleccionado era el adecuado, una multitud indignada por la elección de Halle Bailey para interpretar a Ariel debido a su color de piel, no se salvó ni el diseñador de maquillaje Peter King, ya que el público se sintió ofendido considerando que debian contratar a alguien que esté dentro del mundo queer.
Lo cierto es que la cinta ya es una realidad y está en cartelera.
Si bien La Sirenita no era mi historia de Disney favorita, la recuerdo con mucho cariño. La versión live-action cumplío con mis espectativas, sin embargo estoy de acuerdo en que las imágenes, sobre todo debajo del mar me dejaron con una sensación de falta de color y brillo. Probablemente, el deseo de que la historia se viera lo más real posible le quita lo mágico a la cinta. Además considero que los efectos especiales bajo el agua, no están muy bien logrados, donde más se aprecia el artificio es en el movimiento, sobre todo, del cabello de los personajes, este se ve forzado, acartonado, tal vez la película «Avatar: the way of water» dejo el standar demasiado alto y uno no puede evitar compararlas.
Con respecto a los efectos especiales me pasó algo raro con el personaje de Flounder, que presiento fue resultado de ese afán de realidad y perdió lo simpático y carismático. Estamos viendo una historia en la que hay sirenas, animalitos que hablan, un Rey de los mares y una bruja que es un pulpo, creo que podriamos haber soportado que Flounder y Sebastian se vieran un poquito menos reales y más adorables.
La historia:
El personaje principal es Ariel (Halle Bailey), una sirena adolescente, hija menor del Rey Tritón (Javier Bardem). Ariel tiene una gran curiosidad por el mundo exterior y sobre todo por los humanos ya que es un tema prohibido dentro de su familia, la historia nos cuenta que su madre murió por culpa de los hombres.
Su hobby es coleccionar artículos que encuentra dentro de naves que han naufragado. Una noche, mientras observaba lo que estaba sucediendo en una enorme embarcación, esta naufraga por culpa de la tormenta y Ariel rescata a Eric (Jonah Hauer-King), es la primera vez que tiene la oportunidad de estar tan cerca de un humano y el enamoramiento fue instantaneo. Al enterarse de esta situación, su padre enfurecido, la castiga. Desesperada por volver a ver a Eric hace un trato con su tía Úrsula (Melissa McCarthy), se le transformará en una chica humana a cambio de su voz, Ariel acepta el trato, pero olvida una cláusula de suma importancia: si al tercer día no consigue un beso de amor verdadero, la joven no podrá regresar al mar.
Uno de los puntos a favor de esta cinta es su enfoque en la actualización del vínculo entre los personajes. La película nos presenta una relación más moderna y dinámica entre Ariel y el Príncipe Eric. En lugar de ser una historia de amor tradicional como Disney nos tenía acostumbrados a la generación de los 80`, se exploran temas de igualdad, comprensión mutua y aceptación. Esta evolución del vínculo entre los personajes ofrece una perspectiva más realista y contemporánea, lo que la convierte en una película más relevante para la audiencia actual.
La elección de Halle Bailey para interpretar a Ariel despues de tanta controversia fue un acierto. Su voz dulce y poderosa, combinada con su carisma y presencia en pantalla, le da vida a la famosa sirena de una manera fresca y auténtica. Además, su actuación capta a la perfección la determinación y valentía de Ariel, transmitiendo un mensaje de empoderamiento a las nuevas generaciones.
El 3 de Diciembre de 2022 se presento Abel Pintos en el Antel Arena con su Show: «Un show distinto y el amor de siempre” en una noche única, donde el artista repasó las canciones más populares de su carrera.
La artista que realizó la apertura y además interpreto un tema junto a Abel fue: FLORENCIA NÚÑEZ.
En la noche del pasado 9 de mayo 2023 se dio el esperado reencuentro de Alejandro Sanz con el público de Uruguay. Con el Antel Arena colmado en su capacidad brindó un show de alto voltaje musical y gran emotividad. … Sigue leyendo →
«CHICOS CATOLICOS, APOSTOLICOS Y ROMANOS» Dirección y producción: Federico Lynch
Texto: Juan Paya
Elenco: Rodrigo Garmendia – Emilio Meneses Costa – Fernando Amaral – Daniel Infante y Quique Massey.
Con ocho temporadas ininterrumpidas en Buenos Aires, estrenada en México, España, Panamá, Brasil y Perú vuelve a Uruguay “CHICOS CATÓLICOS APOSTÓLICOS Y ROMANOS”. Ellos son chicos católicos, apostólicos y romanos que, como todo niño, cuestionan con irreverencia aquello que descubren en el mundo. El sexo, la religión, la imagen y el poder de Dios, son algunos de los tabúes que irán echando por tierra de forma vertiginosa, con mucha inocencia, humor y picardía. ¡El resultado es explosivo!
Desde la producciòn de esta obra se aclara que la misma no pretende cuestionar la religion católica, sino que ésta es sólo el punto de partida para poder desarrollar la historia.
La obra estará en cartel los sábados de JUNIO a las 23 hs Teatro de La Candela (Jose Ellauri 308, Punta Carretas) 4 ÚNICAS FUNCIONES: 3, 10, 17 Y 24 DE JUNIO.
Esta dirigido a mayores de 18 años.
Informacíon sobre los integrantes de la obra:
Dirección: Federico Lynch
Actor, director y coreógrafo, egresa de su formación en Teatro de la Dirección de cultura departamental. A los 8 años comienza sus estudios en danza (ballet, contemporáneo y jazz). Continúa en Montevideo en la Esc. Nac. de danzas (división Ballet) y en la Escuela de Comedia Musical Luis Trochón, egresando de la misma en 2011. En 2014 funda y hasta la actualidad dirige IFA- Instituto de Formación Artística. Ha participado en diversos espectáculos como bailarín, actor, director o productor, en teatro y televisión, desde la coreografía de Carmen en el Auditorio Nacional en 2015 hasta la gira nacional y Argentina de Valeria Lynch en 2016, Comedias Musicales, Comedias para adultos, teatro para niños, espectáculos de danza contemporánea entre otros, han sido algunos de los géneros recorridos. Los Premios Florencio Sánchez al teatro lo ha galardonado en 2015 por la Mejor Coreografía, en 2017 y 2018 como Mejor Director de Musical.
Actúan: Rodrigo Garmendia
Actor, productor, director artístico, locutor y docente. Es egresado de la Escuela de Iniciación Musical, de la Escuela de Comedia Musical de Montevideo y de la Escuela Municipal de Arte Dramático.
Tiene estudios avanzados de Danza en la Escuela de formación Artística del SODRE (División Ballet) e innumerables estudios artísticos en el ámbito privado con maestros referentes en nuestro país y en el exterior.
Egresó recientemente del Programa de Desarrollo Directivo (PDD) del IEEM; Escuela de negocios de la UM y de la Tecnicatura en Gestión Cultural en la Universidad CLAEH.
Desde el año 2003 hasta la fecha ha estrenado más de 60 espectáculos profesionales tales como Cabaret, La Jaula de las Locas, Sugar, Mi Bella Dama, Chicago, Hamlet, Cuento de Invierno, Chicos Católicos, El Niño Argentino, entre tantos otros, abarcando gran variedad de estilos, desde comedias musicales, dramas, teatro clásico, contemporáneo y para niños. Tiene más de 10 Premios Florencios a Mejor espectáculo Musical, ganando en el 2022 Mejor musical infantil por “La Tribu” y Mejor Espectáculo Musical para adultos por “West Side Story”, ambos bajo su dirección.
En el 2009 ganó un Premio Florencio a Mejor Actor Infantil por su papel en “Robin Hood”. Ha generado varios proyectos corporativos en diferentes ámbitos apuntando al desarrollo de las personas y equipos en las organizaciones. Fundó y dirigió diferentes espacios culturales y escuelas de actuación y danza privadas (Espacio Arte y Espectáculos, MAD: escuela de música, actuación y danza y Sala Teatro Santander Arocena).
Además, hoy es docente de Artes Escénicas, Programador y Productor Artístico en la Escuela de Formación Artística del SODRE.
Fernando Amaral Actor, director y docente. Como actor tiene cerca de 80 espectáculos teatrales estrenados (Leonardo y la máquina de volar, 6 Seis, El juego de la silla, Los heridos, Apenas el fin del mundo, Pervertimento, Tengo una muñeca en el ropero, Snorkel, Luz negra etc.). Trabajó con directores como Fernando Gilmet, Alberto Zimberg, Marianella Morena, Alfredo Goldstein y Federico Guerra. En cine ha participado en varias películas y series en Uruguay y Argentina (El candidato; Las toninas van al este; Por un tiempo; Impuros; etc). Fue elegido por Daniel Hendler para ser el protagonista de su ópera prima Norberto apenas tarde, donde obtuvo varias nominaciones como actor protagónico en diferentes festivales.
En 2021 ganó el Florencio Revelación por su dirección de la obra Vitalicios, de José Sanchís Sinisterra. En 2022 fue nominado como actor protagónico de comedia por El enfermo imaginario y como director en Doña Ramona, obra también nominada a Mejor espectáculo, que obtuvo los premios a Mejor elenco y Mejor vestuario.
Emilio Meneses Costa Comienza su formación en el año 2001 teniendo como profesores a Rocío Villamil, Marcelino Duffau, William Soboredo, Isabel Sawer y María Pollak. Comenzando la actividad profesional en el año 2010 y participando en 26 obras teatrales en diferentes rubros hasta el momento. Siendo además profesor de teatro en “Apartamento 503, escuela de arte”, “Escuela MAD” y “BC, escuela de arte. Actualmente se encuentra en obras próximamente a estrenar. “Telarañas”. De Eduardo Pavlovsky. “Peter Pan” versión: Sebastián Silvera y “Chicos católicos apostólicos y romanos” de Juan Paya.
A partir del 3 de Junio se presenta, con 7 únicas funciones, los sábados y domingos de Junio, en la Sala 2 del Teatro Circular: «OTROS PROBLEMAS DE HUMANIDAD» de SEBASTIÁN CALDERÓN. Esta es su 5ta. temporada, al momento cuenta con más de 50 funciones, luego de girar por Brasil y Argentina.
Además, Sebastián Calderón publicará su libro en junio de 2023, con 3 de sus obras estrenadas (donde se encuentra Otros problemas de Humanidad) de la mano de la editorial FORMA (Ex editorial «Fardo»)
La obra fue traducida al inglés en Estados Unidos y al portugués en Brasil.
Sinopsis : Tres amigos conviven juntos e intentan desarrollar sus capacidades artísticas y humanas mientras los días avanzan sin pausa. Laura, Camila y José. La vida es lo que pasa entre que se sientan en la mesa y se sientan en la mesa de nuevo. Quieren ser felices, pero no les sale. Quieren ser personas, pero es difícil ser persona.
«Otros problemas de humanidad» se desarrolla en el living-cocina de una casa cualquiera en la ciudad.
Los tres personajes atraviesan los días mientras desempeñan acciones para obtener pequeños objetivos. Como lograr cocinar algo a la altura de sus expectativas, escribir un cuento exitoso o culminar su próximo cuadro. Entre medio sus problemas (ordinarios y no tanto) se atraviesan de forma arbitraria. Tomando como punto de partida un espacio no convencional y luego siendo adaptada a múltiples espacios, la obra plantea al público una experienciainmersiva en la que el espectador ingresará realmente a la casa de Laura, Camila y José. Siendo interpelados y consultados de forma constante sobre las decisiones y dudas que los personajes tienen y que encuentran solución en la comunicación con el público. Un misterio, sin embargo, se plantea casi al inicio: referencias a un cuarto integrante del grupo cuya ausencia habita la obra atravesándola a lo largo de las escenas y provocando la tensión constante entre los personajes. El pop como elemento sustitutivo de casi todo, permite la pluralidad de acciones desde la escasez de recursos económicos, algo propio y quizás identitario de parte de esta nueva generación teatrera.
Diálogos que devienen en monólogos por ausencia de réplicas, escenas frustradas o dichas a la mitad, inicios incómodos, ingresos tardíos, espacios inutilizados, problemas de letra, textos dichos en simultáneo por error, objetos que sobran, sillas en lugares que no van, canciones improvisadas para tapar agujeros, discusiones de fondo, incoherencias involuntarias, exabruptos, escapes, regresos improvisados … Son algunos de los problemas que la obra transita y demanda a quienes actúan solucionar primero los errores que hacen ruido y no dejan contar lo que debería contarse. Pero ellos –como sus personajes y varios objetos de la casa- están rotos y cargando con esas roturas construyen entre todos una historia que gira , epónimamente, sobre otros problemas de humanidad».
Elenco: Camila Parard, José Pagano y Laura Martínez Diseño: Florencia Wenzel y Matilde Santamaría Adaptación de diseño: Sofía Beceiro Dramaturgia y dirección: Sebastián Calderón Producción: Sofía Antonaz
Público al que se dirige –
La cercanía entre la escena y el público es esencial para el desarrollo de una obra teatral y fomenta la interacción y el convivio teatral. Los espacios descentralizados son ideales para propiciar la participación y la cercanía entre ambos. Además, la obra se beneficia de los accidentes o sucesos inesperados que puedan ocurrir durante la presentación, generando una «actualización» en el modo de actuar de los personajes. Se busca la identificación con lo uruguayo a través de temas interrelacionados con la vida cotidiana y un lenguaje natural e identificable.
El objetivo es involucrar a los vecinos en la experiencia teatral, creando un vínculo de cercanía e identificación con los personajes y la trama.
La obra podría ser atractiva para jóvenes estudiantes de secundaria y universitarios que buscan nuevas formas de entretenimiento y experiencias culturales en el territorio. Aunque también es apta para toda la familia, siendo una buena oportunidad para que se acerquen al teatro y descubran una nueva forma de expresión artística mediante la risa y la potencia metafórica y espectacular de la obra.
La obra podría interesar a personas que valoran la cultura y las artes, buscando experiencias teatrales distintas a las ofrecidas en salas convencionales. Asimismo, se considera la posibilidad de invitar a grupos comunitarios y organizaciones locales para generar vínculos y promover la participación activa de la comunidad en aspectos de la vida cotidiana.
Una familia de Superhéroes es una película de animación dirigida por Rasmus A. Siversten, director escandinavo de los más prolíficos de Dinamarca, con películas proyectadas en festivales como Annecy, en la Berlinale, en Shanghai, Giffoni y más. Estudió animación en la Escuela Universitaria de Volda (1993-95) y es copropietario de Qvisten Animation desde 1996.
La película llega a los cines el 16 de junio de 2023.
SINOPSIS: Hedvig tiene 11 años y ha encogido el disfraz de superhéroe de su papá, por lo que ahora, éste, ya no puede ser el “Súper León”. Su vida da un vuelco cuando tiene la oportunidad de asumir el papel de superheroína de la ciudad sustituyendo a su padre. Solo hay un problema: es torpe, perezosa, no está muy en forma y le interesa más jugar con videojuegos que ser una superheroína. Pero cuando su padre elige a su primo Adrián para que sea el próximo superhéroe, Hedvig se da cuenta de que tiene que reaccionar. ¿Podrá encontrar sus superpoderes?
Trailer oficial
· La cinta ha sido seleccionada por el Festival de Cine de Berlín para competir en la sección Generación KPlus y se ha llevado el Premio del Público del festival de cine infantil TIFF Junior de Noruega, entre otros.
· El cineasta noruego especializado en cine de animación, Rasmus A. Sivertsen, pone sobre la mesa debates como el nivel de exigencia de los padres hacia sus hijos o la calidad de las actividades que les dedican en su tiempo libre.
Palabras del director: «Just Super (título en inglés) es una conmovedora, divertida y espectacular película de superhéroes para toda la familia. Es la historia de Hedvig, una niña de 11 años, alegre y despreocupada, que de repente se ve obligada a heredar el puesto de superheroína del pueblo. Ella no tiene ninguna habilidad para convertirse en superheroína, y durante el transcurso de la historia tiene que encontrar su propio camino para convertirse en superheroína… ¿o realmente necesita ser tan súper después de todo? Just Super es un concepto original. Después de haber dirigido diez largometrajes de animación, todos ellos basados en una propiedad intelectual existente, para mí es una gran liberación crear algo desde cero, con temas que me interesan profundamente. Para mí ha sido importante contar una historia contemporánea. Una historia que trate y debata temas relevantes de hoy en día, como: ¿Cómo afrontan los niños las altas expectativas de sus padres y su entorno? ¿Está mal dejar que tus hijos estén todo el tiempo con sus teléfonos y pantallas de ordenador? ¿Todo el mundo tiene que ser súper, o está bien ¿ser tú mismo?»
El próximo 4 de mayo se estrena «I love my dad», comedia basada en una experiencia bastante traumática de James Morosini que no sólo realizó el guión de la película sino que también la dirige y protagoniza.
Poster de la película
La historia se presenta como una comedia familiar, pero en realidad, a pesar de tener algunos momentos divertidos, no es graciosa y además la historia se torna un tanto bizarra por ser basada en un hecho real.
La cuestión es la siguiente: Franklin acaba de ser dado de alta luego de un intento de suicidio y decide, por salud mental, poner distancia de su padre que siempre ha sido una decepción para él. Lo bloquea en redes sociales y en el teléfono por lo que deja a su progenitor totalmente fuera de su vida.
Su padre desesperado por la falta de contacto no tiene mejor idea que crear una cuenta falsa, con fotos del perfil de Becca, la camarera de un restaurante cercano a su casa. Con este nuevo usuario contacta a su hijo y comienza una amistad, sin caer en la cuenta de que este podría enamorarse de esa chica que se le presenta online.
Trailer de I love my dad
La historia es presentada como comedia, y esa fue la intención del director cuando quiso contar esta anécdota al mundo, sin embargo en realidad, si profundizamos en lo sucedido, nos encontramos con un drama con un trasfondo profundo que queda diluido en lo anecdótico. Tenemos un padre incapaz de comunicarse sin mentir, el peligro que presentan las redes sociales cuando se chatea con desconocidos en línea, la depresión, el suicidio, las relaciones entre padres e hijos, la avalancha que puede ocasionar una mentira, e incluso el perdón.
Es interesante que en las escenas en las que padre e hijo chatean se haya mostrado lo que pasaba online con los personajes de Frankie y Becca hablando como si estuvieran presentes, sin embargo (sin caer en spoilers) sobre el final de la película hay secuencias que sobran y haberlas mostrado era totalmente innecesario, el espectador ya tenía más que claras las acciones más vergonzosas del protagonista.
A principio de los noventa una serie de asesinatos de mujeres mantuvo en vilo al Uruguay. Luego de una extensa búsqueda el supuesto responsable fue capturado y procesado. Después de casi diez años de estar tras las rejas, Pablo decide contar su versión de los hechos, y para hacerlo convoca a uno de los periodistas más prestigiosos de nuestro medio. El asesino de Carrasco está basada en hechos que aún hoy continúan presentes en la memoria colectiva de nuestro país.
En el año 2000 Pablo Goncálvez se encontraba condenado por dos homicidios y una violación, y estaba a la espera de la resolución de un tercer caso de homicidio, que posteriormente también se le atribuyó. El 21 de julio de ese año, un artículo publicado en un importante diario, hace una revisión del último caso, narrando los sucesos con argumentos y descripciones que el acusado encontraría falaces. A partir de esto Goncálvez comienza a contactarse con diversos periodistas para que le hagan entrevistas, en las que poder profundizar sobre su versión de los hechos y tratar de rebatir así el artículo ante la opinión pública.
El asesino de Carrasco muestra una serie de encuentros entre uno de los principales referentes periodísticos de nuestro país y Pablo Goncálvez.
📍 FUNCIONES – VIERNES 23 HS – TEATRO DE LA CANDELA partir del VIERNES 5 de MAYO.
Precio de las entradas: $600.-
Beneficios 2×1 con Club el pais y Comunidad la diaria.
✴️ RESERVAS POR WATHSAPP: 098588787 o BOLETERÍA del teatro.
Elenco: Diego Devincenzi – Pablo Fernando Hernández – Néber Patricio Raurich – Cabo Gutiérrez
Dramaturgia: Diego Devincenzi, Fernando Hernández y Sebastián Carballido
¿Cuándo? – Fecha estreno: Sábado 29 de Abril 2023. Las funciones siguientes serán los sábados y domingos. 30 de abril, 6, 7, 13, 14, 20 y 21 de Mayo. Total: 8 funciones
¿En qué horario? – A las 15 hs.
¿Cuánto dura? – 50 minutos.
¿De quién es la obra? – Compañía «Bestia Peluda Teatro«. Texto y dirección: Damian Barrera. Director de la compañía y ganador de 4 Premios Florencio como Mejor Director de espectáculos para niños, (3 con trabajos de Bestia Peluda, “Señor M”, “Viaje al centro de la Tierra”, “El ilustrador” y uno con la Comedia Nacional, “El lugar de las luciérnagas”) vuelve a escribir y dirigir después de cuatro años.
¿Es apta para todo público? – Este trabajo está recomendado para niños y niñas a partir de los 6 años.
¿Qué tipo de espectáculos ofrece esta compañía? – Historias para toda la familia que disfrutan adultos y niños, animaciones interactivas en escena, títeres de gran porte que conviven con actrices y actores e historias de corte fantástico siempre ligadas a temáticas actuales que generan un intercambio para compartir después de la función.
El show, por su estética y los recursos en escena, invita a los espectadores a sumergirse en una aventura visual que transportará a la audiencia a un mundo imaginario repleto de personajes fascinantes que cobran vida en cada función.
¿De qué se trata esta obra?
Sinopsis: En un viejo altillo de la casa familiar, un padre y su hija deben ordenar los recuerdos del abuelo. Inesperadamente, entre cajas y objetos, aparece una pequeña foto que capta la atención de ambos y despierta antiguos recuerdos. Lo que no saben, es que el altillo encierra el secreto mejor guardado de su abuelo. La entrada a un mundo fantástico.
Al abrirse el portal aparece “Julián”, un curioso chancho alado parlanchín, que les pide con urgencia su ayuda. Es así que padre e hija entran a un mundo desconocido, poblado por seres inverosímiles como un caracol humano gigante, una enorme planta carnívora amigable y la “Guardiana de los sueños”, responsable de mantener, cuidar y guiar a los que duermen.
Los habitantes de este nuevo mundo están siendo perseguidos por un ser que acecha en la oscuridad. Padre e hija deberán averiguar dónde se esconde y la manera de enfrentarlo, intentando así cumplir esta misión, que los cambiará profundamente.
¿Dónde compro la entrada y qué precio tiene? – Entradas en venta en Tickantel y boletería de la sala. Precio: $ 400
Esta obra ha sido seleccionada por el Programa Fortalecimiento de las Artes 2022 de la Intendencia de Montevideo.
Luego del éxito de «Terrorismo Emocional» y «Llamaste a Walter», Clara vuelve al Teatro Solís en la Sala Zavala Muniz durante el mes de Mayo y se podrán volver a ver las dos obras.
Terrorismo Emocional: 2Funciones – Martes 9 y Miércoles 10 de MayoHora 20:30
Dramaturgia y actuación: Josefina Trías Dirección: Bruno Contenti Composición y músico en escena: Leandro Aquistapacie Producción: Sofía Antonaz
Premios: -Ganador Premio Florencio 2018 Actriz Unipersonal Josefina Trías -Ganador Premio Florencio 2018 Ambientación Sonora: Leandro Aquistapacie -Ganador Premio Escuela de Espectadores del Uruguay 2018 Actriz Unipersonal Josefina Trías. -Ganador Premio Escuela de Espectadores del Uruguay 2018 Ambientación Sonora Leandro Aquistapacie. -Nominación Premio Florencio 2018 Revelación Dramaturgia Josefina Trías.
Sinopsis: Clara, al volver a la casa de sus padres, comienza a vislumbrar en el dolor una catapulta creativa, y es por eso que la escritura se vuelve un motor de búsqueda personal y artística.
Dramaturgia: Josefina Trías Dirección: Vachi Gutiérrez Asistencia de dirección y producción: Ailín Osta Elenco: Agustín Martínez Cuello, Fernando Canto, Jenny Galván, Josefina Trías Elección musical y diseño sonoro: Vachi Gutierrez Música en escena y composición sonora: Michel Chattón, Rodrigo Curbello.
Premios: -3er. premio Nacional de Letras -3 Nominaciones Premios Florencio -Mejor espectáculo Premios Ojo Blindado -Mención de la Academia Nacional de Letras 2020 – Concurso de dramaturgia «Ariel» -Obra ganadora de Fondos Concursables – gran Formato 2019 –
Tres nominaciones Premios Florencio en las categorías: -Agustín Martínez Cuello por Actor revelación, -Josefina Trías por Espectáculo comedia, -Vachi Gutiérrez por Dirección espectáculo comedia.
Sinopsis: Clara escribe frases. Clara juega al teatro. Clara hace un ejercicio de memoria y reescritura trasladándose desde nuestros días al 2002, su adolescencia, nebulosa y último lugar seguro, para recrear la historia que atravesó la familia durante una de las mayores crisis que vivió el país en los últimos cuarenta años.
Entradas a la venta en boletería de la sala o Tickantel.
El miércoles 12 de abril se presentó en Magnolio Sala (Pablo de María 1015) el actual campeón mundial de magia de cerca, Luis Olmedo.
El público mayoritariamente se componía de magos y aficionados a la magia pero también estabamos los «humanos» como Olmedo denominó a los que no tenemos la experiencia de conocer el truco y los que más facilmente nos dejamos encantar por la magia. En escena presentó la rutina que lo llevo a ganar el título de campeón del mundo en magia de cerca (micromagia).
Los espectadores pudimos disfrutar viendo cartas que viajan de un lado a otro, que se multiplican, se reflejan, aparecen y desaparecen, monedas que se juntan solas, agujeros invisibles que crean un tunel. Para los «humanos» una experiencia inexplicable y asombrosa y para los conocedores una habilidad sensacional. En dos palabras Magia Pura.
Luis Olmedo obtuvo los premios: Campeón de España en 2019, Subcampeón de Europa en 2021 y Campeón del Mundo en Canadá 2022.
Pero, te estarás preguntando ¿Qué es la magia de cerca?. La Magia de Cerca es un tipo de show en el que el efecto mágico sucede con el espectador prácticamente al lado del ilusionista interactuando directamente con él y con los objetos utilizados en la ilusión.
De esa manera descubre que lo imposible se vuelve posible en sus propias manos y a escasos centímetros de sus ojos.
«Uruguay Magia» es un espacio creado en el 2018, que organiza y promociona espectáculos de magia, (principalmente Magia de Cerca) denominados «Sesiones Clandestinas». Cada Sesión es única e irrepetible, en ellas se presentan magos Nacionales e Internacionales y es una oportunidad para que el público acceda a este tipo de show. Además se organizan ciclos de conferencias denominadas «Clases Magistrales», en este caso para magos y aficionados, lo que les da la posibilidad de aprender magia con los mejores exponentes del mundo.
El fundador y responsable de Uruguay Magia es Willy Guedes, mago, apasionado por la magia de cerca, amante de la cartomagia y responsable de la organización y producción de todos los eventos.
El próximo 13 de mayo habrá una nueva oportunidad para presenciar un show de magia, esta vez en el Auditorio Adela Reta (Sodre). El espectáculo denominado «Magia 9 3/4» estará a cargo de Marcel del Lago, Willy Guedes, representando a Uruguay y Manuel Llaser mago argentino como invitado internacional.
«Amores Pendientes» es una película uruguaya escrita y dirigida por Oscar Estévez. Su primera exhibición fue en el 25° Festival Internacional de Punta del Este y ahora se presentó en el 41° Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay. Si todavía no la viste tendrás una nueva oportunidad el sábado 15 a las 18:30 en Cinemateca.
Sinopsis: Carla y Román son amigos desde la adolescencia, se quieren y se valoran, pero, ¿realmente se conocen? Al reencontrarse después de un tiempo, hablarán de lo pendiente entre ambos: la atracción mutua y el amor que se tienen.
Es una comedia romántica que presenta la historia de sus personajes de forma coral. Plantea temas como si es posible la amistad entre el hombre y la mujer, qué sucede cuando el amor entre dos personas queda suspendido en el tiempo y qué se hace con todo eso que no se dice a tiempo. La historia es tierna y tiene momentos muy graciosos, sus personajes son queribles, lo que hace que la película se torne ágil y todo el tiempo estes empatizando con ellos.
Estévez tuvo la inspiración para la película mientras trabajaba en el guión y dirección de la obra de teatro «Cuestión de amor«. Expresa: “La particularidad de este guión es que fue escrito para todos lo que hicimos aquel proyecto teatral, incluso, hasta la persona que hacía la boletería en el teatro tiene un personaje en la película”. Estévez aclara que la película no es reflejo de la obra -no es la obra de teatro filmada-, es una historia distinta; y que el proyecto teatral ayudó a la creación de los personajes y dio un marco para las locaciones de rodaje. La película se filmó colaborativamente entre todos los que trabajaron en ella, fue hecha a pulmón y con mucho amor y todo eso se transmite en cada escena de la misma.
Con motivo del estreno de «Bichero» Nicolás Kronfeld uno de sus productores nos dió una entrevista en la que nos cuenta todo lo relacionado a la producción de esta propuesta.
Nicolás Kronfeld es periodista con más de 10 años de experiencia. En los últimos años trabajó en el programa periodístico matutino No toquen nada, de Del Sol FM y ahí brindó especial cobertura a la temática de los Trastornos del Espectro Autista (TEA) en varias oportunidades. De este modo, conoció en primera persona las frustraciones que viven tanto las personas TEA como sus familiares.
El miércoles 12 de abril a las 14 hs en la sala B del Auditorio Nelly Goitiño del SODRE (18 de Julio 930) se llevará a cabo la proyección del documental «De Punta al futuro» y estamos todos invitados. La entrada es gratuita.
De Punta al futuro es un documental dirigido por Oscar Pozzoli y producido por Jorge Cancela. Narra los acontecimientos que actualmente están ocurriendo en Punta del Este, luego de que este punto haya sido elegido como vivienda para muchas personas durante la pandemia y estas hayan decidido quedarse aqui.
Muestra además el crecimiento de la ciudad y los proyectos de innovación que gracias a esta nueva población están surgiendo.
HANAMI La belleza de la existencia de Danna Liberman bajo dirección de Jimena Marquez y Luz Viera vuelve al teatro en la semana que va desde el 25 al 30 de abril a las21 hs exceptuando el domingo que será a las 19 hs en Sala Hugo Balzo del Sodre.
“Si me mirás bien, me falta un pétalo. Si me mirás bien, mi alegría, tan amarilla ella, florece en el dolor”
Hanami es un unipersonal biográfico y ficcional de Danna Liberman. Es un homenaje a su hijo Uriel y a todas y todos los que danzamos el dolor. Una invitación a caminar vulnerables, y tomar la vida así como es, integrando el dolor como parte de la belleza de la experiencia.
La pieza integra diferentes lenguajes artísticos que confluyen en una experiencia escénica conmovedora.
Danna Liberman fue nominada a Premio Florencio (actriz en unipersonal), Mención especial en el concurso literario Juan Carlos Onetti 2021 y Obra seleccionada por FIDAE 2022.
«Empecé a escribir para aliviarme, para leerme y repensarme, para acompañarme en el duelo por la pérdida de mi segundo hijo, para honrar lo que fue y lo que es. Hanami nace de la necesidad de procesar el dolor, de pensar sobre el sentido de la vida, de querer elegir estar en la tierra. De encontrar la belleza de la existencia. Como un manantial muevo mis dedos en un texto que es honesto, que soy yo y todos. Decido servir con mi historia, compartirme para reconocer mi camino y homenajear a Uriel. El siguiente paso, tomar el coraje de compartirlo, de ponerlo en escena, de interpretarlo. De darle voz y cuerpo a la palabra escrita. Para eso elijo un equipo que potencie, enriquezca y transforme el texto en teatro.
Llegan Jimena Márquez y Luz Viera mujeres talentosas y poderosas para dirigirme, Lucia Tayler y su vuelo poético para diseñar el mundo de la escena, Renata Sienra para levantar sensaciones y universos en visuales, Susana Liberman con su impronta y delicadeza en el diseño gráfico, Sara Sabah y Federico Righi con su música mágica, Paula Villalba aportando su mirada profunda y maravillosa en el vestuario, Nicole Berenstein con su profesionalismo y humanidad en producción.
En síntesis, el mejor equipo del mundo mundial para levantar un espectáculo luminoso: Hanami, la belleza de la existencia».
Danna Liberman
Entradas por TICKANTEL $ 600
Web, Abitab, Redpagos y boletería de la Sala
BIOGRAFíAS:
Danna Liberman. Actriz, directora y docente de artes escénicas. «Mirando por la ventana de un ómnibus sentí libertad y decidí ser actriz. Me formé como maestra y psicopedagoga, y me enamoré del teatro. Amo mi trabajo y su gente, me seduce la pavada poética y los procesos creativos. Trabajo potenciando a lxs demás desde la docencia y dirección, hago teatro para salvarme porque el mundo me duele. Improviso con ansias de libertad, adrenalina, honestidad y sorpresa. Me gustan los encuentros, el caos, el cosmos y poder inventar otros mundos para habitarlos». Se formó como Actriz, Maestra y Lic. en psicopedagogía. Participó cómo actriz en más de 50 espectáculos teatrales, cortometrajes y largometrajes nacionales y con elencos internacionales. Desde 2003 se dedica a la docencia en arte escénico, especializándose en improvisación teatral y clown, dictando clases en diversas instituciones dentro y fuera del país. Desde 2007 dirige el espacio teatral Sal, club de teatro. Facilita capacitaciones de improvisación aplicada a empresas de todo el mundo con Impros. Estudió en la escuela de Teatro del cuerpo (Metodología de Jaques Lecoq) y actualmente investiga en las técnicas de clown e improvisación (realizó talleres maestros de Canadá, Brasil, Argentina, Colombia, Costa Rica, México, España, Perú, Israel, entre otros). Desde 2017 comienza su formación en meditación, yoga, coaching, mindfulness y diversas disciplinas de desarrollo personal. Es miembro fundador de compañía teatral Impronta teatro, con la que organizó tres Festivales Internacionales de IMPRO en el Teatro Solís y Auditorio Nacional del Sodre.
Jimena Márquez.Dramaturga y directora. Profesora de Literatura egresada de I.P.A. Premio Nacional de Letras 2019 . Docente de Arte escénico en la EMAD y como docente de dramaturgia en la Tecnicatura Universitaria de Dramaturgia y en la Escuela Nacional de Danza, SODRE. Docente del Taller de dramaturgia en la Tecnicatura de dramaturgia de Facultad de Humanidades. En 2009 obtuvo el Florencio en el rubro Revelación por la dirección y la dramaturgia de su pieza “Cajas Chinas”. En agosto de 2020 estrenó su tercera dirección de una pieza de su autoría para la Comedia Nacional «Nociones básicas para la construcción de puentes». Obtiene la beca FEFCA, otorgada por el MEC en dramaturgia para la producción escrita de «El desmontaje» estrenada en agosto de 2021 en la sala Zavala Muniz, por la cual obtuvo el premio Florencio a mejor actriz de unipersonal. Actualmente coordina sus propios talleres de dramaturgia y actuación en Sala Emilia. Se desarrolla también como letrista de carnaval desde el año 2008, pasando por diferentes conjuntos y categorías, obteniendo dos veces el premio a Mejor letrista del Carnaval (2018 y 2019) y el premio a «figura máxima del carnaval» en 2022.
Luz Viera. Actriz. bailarina y docente. Se formó en la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático, E.M.A.D. en la Escuela de Comedia musical, en INDANS Escuela en artes del Movimiento y en el Espacio de Desarrollo Armónico. Se forma con distintos profesores siendo María Inés Dantés su pieza clave de formación e inspiración. Docente de danza para niños y adultos en La Escuela de Acción Artística (Luis Trochón) y en El Taller-espacio de Arte para niñxs, adolescentes y adultxs. Fundadora de Sala Emilia (Espacio de Impulso Creativo) junto a Jimena Márquez, donde brinda talleres en los que nuclea su carrera de actriz y bailarina. En el 2014 comienza a integrar grupos de carnaval como componente y coreógrafa, viaja a Córdoba y Tucumán a trabajar puesta en escena para murgas Argentinas. A lo largo de su trayectoria participa en variados espectáculos y realizó la dirección de la obra El Desmontaje que se estrenó en la sala Zavala Muniz.
Del 5 al 16 de abril 2023 se estará llevando a cabo la 41° edición del Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay. Las películas se exhibirán en las tres salas de Cinemateca uruguaya (Bartolomé Mitre 1236), Sala B del Sodre (auditorio Nely Goitiño), el complejo Life Cultural Alfabeta (Barreiro y Berro) y la Sala Zitarrosa (Av. 18 de julio 1012 esq. Julio Herrera y Obes).
Además se exhibiran películas en la sala virtual de +cinemateca (entre el 13 y 26 de abril), y habrá exhibiciones itinerantes en Canelones, entre el 6 y el 16 de abril se proyectará una selección de películas en el TeatroAlSur de Atlántida, el Auditorio Batalla de las Piedras en Las Piedras, en el Espacio Cultural Los Cerrillos y en Ajupen en la localidad de San Ramón. En el canal TV Ciudad en el espacio «Cinemateca te acompaña» los domingos de abril se emitirá un film seleccionado del festival.
El festival está compuesto por 200 películas en total, 130 largometrajes y 70 cortos en los que están representados 50 países.
La apertura será en el Teatro Solís el día 5 de abril a las 20:30hs. El film que da inicio al festival será «Les enfants des autres» (Los hijos de otros) de la directora francesa Rebecca Zlotwski. La protagonista de esta historia es Rachel, una profesora de 40 años que se enamora de un hombre recién separado. Él tiene una hija de cuatro años, Rachel no tiene hijos y su tiempo para convertirse en madre se está agotando. Opera en el film, una suerte de juego entre la sensualidad, los pequeños toques de comedia y una reflexión inteligente y sensible sobre la maternidad, las mujeres y el tema de los cuidados.
La noche de clausura será el sábado 15 de abril a las 19:30 en Sala Zitarrosa, luego de la entrega de premios se exhibirá el film «20.000 especies de abejas» , película vasca,dirigida por Estibaliz Urresola Solaguren. Este film recibió dos premios en la Berlinale, uno de ellos el Oso de Plata a la mejor actriz protagónica otorgado a Sofía Otero, además del premio a Mejor película española en el Festival de Málaga. Narra la historia de una niña trans, en esos días en que su entorno empieza a notar algunos cambios en su comportamiento y que en medio de la confusión, alertan a su cariñosa tía Lourdes, que es apicultora, y la primera que comienza a comprender lo que está ocurriendo. Una película sensible y valiente que aborda un tema complejo que nos interpela como sociedad.
Por más información del festival pueden consultar en la pagina oficial de Cinemateca
Hay una frase que viene a mi mente después de ver esta película y es «no hay un manual para ser padre/madre».
El 23 de marzo se estrena en cines «El hijo», dirigida por el dramaturgo Florian Zeller y basada en su obra de teatro. Esta película se presenta como la segunda pieza de una trilogía familiar que comenzó con «El padre», que ganó el Oscar en la categoría mejor guion adaptado y mejor actor para Anthony Hopkins, si no la vieron la recomiendo, pero hay que aclarar que una historia no tiene relación con la otra. La próxima pieza será «La madre».
Lógicamente la vara estaba demasiado alta para esta nueva entrega y a pesar de ser una buena película no logra superar el efecto que te produce ver «El padre». Sin embrago, es una película importante ya que deja planteados varios temas que vale la pena reflexionar después de verla.
En esta historia el protagonista es Peter (Hugh Jackman), que rehizo su vida junto a Emma (Vanessa Kirby) y tuvo un bebé. Pero todo se empieza a desmoronar cuando su ex esposa Kate (Laura Dern) le pide ayuda con el hijo adolescente de la pareja: Nicholas (Zen McGrath), que está atravesando un momento difícil y se ha tornado distante, un tanto agresivo y no ha asistido a la escuela en más de un mes. Kate siente que ya no logra comunicarse con él y que es momento de que Peter tenga más relevancia en su vida y educación.
Tráiler oficial
A partir de acá hay SPOILERS
Cuando te convertís en padre / madre empezás a tomar conciencia de que todas y cada una de las decisiones que tomes a partir de ese momento afectarán de alguna manera a ese ser que le diste vida. En esta película al igual que en «La ballena» vemos como la decisión del padre de tomar distancia de la familia para rehacer su vida afecta directamente a los hijos de ese antiguo matrimonio. En el caso de Charlie (Brendan Fraser) esto tuvo una reacción en su hija, que con el abandono y cúmulo de ira se convierte en alguien problemático. En el caso de Peter (Hugh Jackman) la misma decisión, le causa una profunda depresión.
Fotograma de la película
Es una pelicula que se desarolla de forma lenta y te deja una sensación de angustia y frustración. No intenta explicar qué es lo que le pasa al hijo, ni siquiera él lo sabe exactamente; pero deja planteado el tema de la depresión, que en la mayoría de los casos no tiene una explicación clara o razones lógicas y ese es el motivo de su gravedad, ya que le puede tocar a cualquiera, y los que rodean a quien la padece no logran comprender esta situación.
Otra de las temáticas que se plantean es el suicidio, por lo que es una película ideal para ver con hijos adolescentes y utilizarla para poner la temática sobre la mesa y abrir la conversación.
Las actuaciones de todos los personajes están muy bien logradas, pero la película cae en los cliches típicos de lo que se puede esperar de una depresión, llanto, tristeza, autoflagelación, etc. y no muestra otras facetas más complejas de percibirla.
Teatro sobre ruedas es un proyecto que nace en el año 2014. Son obras teatrales que se presentan de forma itinerante en escuelas, colegios y centros educativos, los espectáculos apuestan a la participación y la promoción de valores humanos, generando una experiencia artística, educativa y cultural para niños y niñas.
Su objetivo es difundir el arte y la cultura nacional, y facilitar el acceso a la cultura como derecho fundamental, es por eso que la función se realiza en el propio centro educativo e incluye un foro posterior de intercambio entre el público y los artistas.
Es importante destacar que con las obras se genera una propuesta pedagógica para trabajar en clase a partir del hecho artístico. Los artistas llevan banners, afiches, programas para cada estudiante y carpetas de actividades para docentes.
Las obras disponibles son:
👉»Las aventuras de Serafin»
Inspirada en la vida y obra de Serafín J. García, se ubica en Treinta y Tres, en el Uruguay de 1915. Serafín y su prima Valentina se embarcan en una aventura en busca de su don, guiados y acompañados por su abuela Blanquita. Para encontrar este tesoro, los protagonistas nos invitan a recorrer distintos caminos, vencer algunos miedos y conocer personajes entrañables. Se encontrarán en un barco marino, en un circo criollo, y hasta en lo más oscuro del bosque. Finalmente, llegarán a descubrir ese tesoro particular, que cada uno de ellos guarda en su corazón.
A lo largo de la obra, disfrutaremos juntos juegos, canciones, música en vivo, baile y mucha diversión!Es apropiada para niños y niñas en edad primaria (se puede sumar inicial desde nivel 3).
Fue declarada de interés cultural por el MEC, Nominada a los premios Florencio y seleccionada para festivales nacionales e internacionales de teatro para niños y adolescentes. Ha realizado más de 100 funciones de extensión cultural por diferentes barrios en escuelas, colegios, centros culturales, clubes y otras instituciones culturales educativas y sociales tanto en Montevideo como en el interior de nuestro país.
Elenco: Patricia Fry, Florencia Colucci, Agustin Urrutia y Bruno Tognola
Dirección: Pablo Dive
Dramaturgia: Dive + Fry
👉 «¿Qué me importa?»
En el surreal mundo de los sueños todo puede pasar, pero… ¿es real? ¿está sucediendo? ¿es posible que cuatro cerebros se sincronicen para soñar exactamente lo mismo? Quienes lo saben todo y todas las respuestas tienen, salen de su comodidad a partir de un hecho inusual, una niña ardilla preguntona siembra la duda y de pronto… ¡todo parece explotar!
Apropiada para niños y niñas de primaria.
Esta obra cuenta con el apoyo del FCC del MEC y el Centro Gen Arte y Ciencia. Sus personajes generan empatía y nos acercan al mundo de la curiosidad y el pensamiento científico. Estrenada en la sala Delmira Agustini del Teatro Solís.
Elenco: Patricia Fry, Florencia Colucci, Agustin Urrutia y Leonardo Martínez
Dirección: André Hübener
Dramaturgia: Agustín Urrutia
PARA PODER LLEVAR ALGUNA DE ESTAS OBRAS A TU AULA PUEDES CONTACTAR Y PEDIR INFORMACIÓN AL MAIL: teatrosobreruedasuy@gmail.com
También puedes obtener información en Instagram: teatro_sobre_ruedas_uy
Esta nueva edición de los Premios Oscar se caracterizó por los cambios empezando por la «red carpet» que este año fue color champagne, el motivo: simplemente se consideró que ese color iba mejor con la decoración. Además de ser una premiación sumamente aburrida y larga y a pesar de tener años de experiencia en problemas con chistes de mal gusto y ofensas hubieron varios momentos incomodos que no causaron mucha gracia.
La gran ganadora de la noche fue «Todo a la vez en todas partes» llevándose siete estatuillas incluyendo MEJOR PELÍCULA de las once a las que estaba nominada.
La siguió «Sin novedad en el frente» ganando cuatro premios y The Whale con dos premios incluido Mejor Actor.
El primer Oscar de la noche fue presentado por Emily Blunt y Dwayne Johnson en la categoría Mejor Animación y la ganadora fue ‘Pinocho de Guillermo del Toro’
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN ‘Pinocho de Guillermo del Toro’ – GANADORA ‘Marcel the Shell with Shoes On’ ‘El gato con botas: El último deseo’ ‘El monstruo marino’ ‘Red’
El segundo y tercer premio fue Actor y Actriz de reparto entregado por los ganadores del año anterior Troy Kotsur (CODA) y Ariana DeBose (WEST SIDE STORY), el ganador fue Ke Huy Quan por «Todo a la vez en todas partes» y Jamie Lee Curtis por la misma película.
MEJOR ACTOR DE REPARTO Ke Huy Quan por ‘Todo a la vez en todas partes’ – GANADOR Brian Tyree Henry por ‘Causeway’ Judd Hirsh por ‘Los Fabelman’ Brendan Gleeson por ‘Almas en pena de Inisherin’ Barry Keoghan por ‘Almas en pena de Inisherin’
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO Angela Bassett por ‘Black Panther: Wakanda Forever’ Jamie Lee Curtis por ‘Todo a la vez en todas partes’ – GANADORA Kerry Condon por ‘Almas en pena de Inisherin’ Hong Chau por ‘The Whale (La ballena)’ Stephanie Hsu por ‘Todo a la vez en todas partes’
Para Mejor Documental la ganadora fue:Navalny
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL ‘All that breathes’ ‘All the beauty and the bloodshed’ ‘Fire of love’ ‘A house made of splinters’ ‘Navalny’ – GANADORA
MEJOR CORTOMETRAJE DE ACCIÓN REAL – La ganadora fue ‘An Irish Goodbye’ ‘An Irish Goodbye’ – GANADORA ‘Ivalu’ ‘Le Pupille’ ‘The Red Suitcase’ ‘Night Ride’
MEJOR FOTOGRAFÍA resultó ganador James Frame para «Sin novedad en el frente» ‘Bardo’ ‘Elvis’ ‘El imperio de la luz’ ‘Tár’ ‘Sin novedad en el frente’ – GANADORA
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA los ganadores fueron el equipo de maquilladores de THE WHALE Adrien Morot, Judy Chin y Annemarie Bradley ‘Sin novedad en el frente’ ‘The Batman’ ‘Black Panther: Wakanda Forever’ ‘Elvis’ ‘The Whale’ – GANADORA
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO la ganadora fue Ruth Carter por el vestuario de Wakanda Forever ‘Babylon’ ‘Black Panther: Wakanda Forever’ – GANADORA ‘Todo a la vez en todas partes’ ‘Elvis’ ‘El viaje a París de la señora Harris’
Antonio Banderas y Salma Hayek presentaron Mejor Película Internacional y la ganadora fue «Sin novedad en el frente»
MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL ‘Sin novedad en el frente’ – GANADORA ‘Argentina, 1985’ ‘Close’ ‘EO’ ‘The Quiet Girl’
El premio a Mejor Cortometraje Documental fue para el cortometraje documental de Netflix «The elephant whisperers»
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL ‘The Elephant Whisperers’- GANADORA ‘Haulout’ ‘How Do You Measure a Year?’ ‘The Marsha Mitchell Effect’ ‘Stranger at the Gate’
MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO ‘The Boy, the Mole, the Fox, and the Horse’ – GANADORA ‘The Flying Sailor’ ‘Ice Merchants’ ‘My year of dicks’ ‘An ostrich told me the world is fake and I believed it’
The Boy, The Mole, The Fox and The Horse,25-12-2022
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN ‘Sin novedad en el frente’ – GANADORA ‘Avatar: El sentido del agua’ ‘Babylon’ ‘Elvis’ ‘Los Fabelman’
MEJOR BANDA SONORA ‘Sin novedad en el frente’ – GANADORA ‘Babylon’ ‘Almas en pena de Inisherin’ ‘Los Fabelman’ ‘Todo a la vez en todas partes’
MEJORES EFECTOS ESPECIALES fue para Avatar ‘Sin novedad en el frente’ ‘Avatar: El sentido del agua’ – GANADORA ‘The Batman’ ‘Black Panther: Wakanda Forever’ ‘Top Gun: Maverick’
MEJOR GUION ORIGINAL ‘Almas en pena de Inisherin’ (Martin McDonagh) ‘Todo a la vez en todas partes’ (Daniel Kwan, Daniel Scheinert) – GANADORES ‘Los Fabelman’ (Tony Kushner, Steven Spielberg ‘TÁR’ (Todd Field) ‘El triángulo de la tristeza’ (Ruben Östlund)
MEJOR GUION ADAPTADO ‘Ellas hablan’ (Sarah Polley – basada en el libro de Miriam Toews) – GANADORA ‘Sin novedad en el frente’ (Edward Berger, Lesley Paterson, Ian Stokell – basada en la novela de Erich Maria Remarque) ‘Living’ (Kazuo Ishiguro – basada en ‘Ikiru’ de Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni) ‘Glass Onion: El misterio de Glass Onion’ (Rian Johnson) ‘Top Gun Maverick’ (Peter Craig, Justin Marks, Ehren Kruger, Eric Warren Singer, Christopher McQuarrie – basada en los personajes creados por Jim Cash y Jack Epps Jr.)
MEJOR SONIDO ‘Sin novedad en el frente’ ‘Avatar: El sentido del agua’ ‘Elvis’ ‘The Batman’ ‘Top Gun Maverick’ – GANADORA
MEJOR CANCIÓN ‘Black Panther: Wakanda Forever’ – ‘Lift Me Up’ de Tems, Ludwig Göransson, Rihanna y Ryan Coogler ‘RRR’ – ‘Naatu Naatu’ de Kala Bhairava, M. M. Keeravani y Rahul Sipligunj –GANADORA ‘Tell It Like a Woman’ – ‘Applause’ de Diane Warren’Top Gun Maverick’ – ‘Hold my hand’ de Lady Gaga ‘Todo a la vez en todas partes’ – ‘This is a life’ de David Byrne, Mitski y Son Lux
MEJOR MONTAJE ‘TÁR’ ‘Top Gun Maverick’ ‘Elvis’ ‘Almas en pena de Inisherin’ ‘Todo a la vez en todas partes’ – GANADORA
MEJOR DIRECTOR Martin McDonagh por ‘Almas en pena de Inisherin’ Daniel Kwan y Daniel Scheinert por ‘Todo a la vez en todas partes’ – GANADORES Todd Field por ‘TÁR’ Steven Spielberg por ‘Los Fabelman’ Ruben Östlund por ‘El triángulo de la tristeza
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA Brendan Fraser por ‘The Whale’ – GANADOR Austin Butler por ‘Elvis’ Colin Farrell por ‘Almas en pena de Inisherin’ Paul Mescal en ‘Aftersun’ Bill Nighy por ‘Living’
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA Cate Blanchett por ‘TÁR’ Ana de Armas por ‘Blonde’ Andrea Riseborough por ‘To Leslie’ Michelle Yeoh por ‘Todo a la vez en todas partes’ – GANADORA Michelle Williams por ‘Los Fabelman’
El premio más esperado de la noche se lo llevó ‘Todo a la vez en todas partes’
MEJOR PELÍCULA ‘Sin novedad en el frente’ ‘Almas en pena de Inisherin’ ‘Avatar: El camino del agua’ ‘Elvis’ ‘Todo a la vez en todas partes’ – GANADORA ‘Los Fabelman’ ‘TÁR’ ‘Top Gun Maverick’ ‘El triángulo de la tristeza’ ‘Ellas hablan’
Bichero es la primera serie de consumo seguro para personas con Trastornos del Espectro Autista, será emitida desde el 2 de abril de 2023 por National Geographic para toda Latinoamérica.
Es una serie documental sobre fauna y diversidad humana conducida por Antonio Ripoll, un joven uruguayo con Síndrome de Asperger que siente una profunda fascinación por los animales. En cada episodio, Antonio se sumerge en la naturaleza con una misión: encontrar y fotografiar algunos de los animales que más admira. En el camino, aprende sobre distintas especies, conoce lugares hermosos y reflexiona acerca de la manera en que se relacionan los humanos.
Para la realización de esta serie la productora uruguaya Fusión realizó una investigación de dos años, a cargo de siete técnicos uruguayos especializados en los TEA, los cuales establecieron criterios específicos de tratamiento y lenguajes para garantizar una experiencia segura para todo el público.
Sinopsis: Gonza y Santiago son amigos y deciden poner un negocio juntos: el gimnasio Alí Sócrates. Para poder hacer un contrato hicieron un pacto con el dueño del local: deberán conseguir socios y reformar el gimnasio.
Gonza y Santi son muy diferentes, pero se necesitan mutuamente para lograr sus objetivos. Uno quiere tener un club rústico y viril, donde se practiquen artes marciales, el otro un club de moda. Uno lo hace por cumplir un sueño, el otro para recuperar un amor. Rodeados de personajes tan excéntricos como entrañables, deberán trabajar juntos para alcanzar sus objetivos.
Alí Sócrates es una serie de tv de 8 capítulos que tendrá su estreno el 10 de marzo en el canal TV CIUDAD. Es creada por Gonzalo Durante y Sebastián Pérez Perez, con la dirección de Sebastián Pérez Perez y Guillermo Carbonell, producida por Pedro Lafferranderie.
Reparto:
Su casting principal está integrado por:
Federico Torrado (Santi) y Gonzalo Durante (Gonza) quienes serán los dos amigos que emprenden el sueño del gimnasio propio. Paula Silva (Pame), Robert Moré (Donald), Lucas Barreiro (Agustín), Gustavo Pivotto (Willy), Cecilia Yáñez (Maggie), Mateo Tarabocchia (Mateo), Pablo Oyhenart (Burton), Soledad Ramírez (Lola), Iván Rezk (Tato), Miguel Montedónico (Nico), Oscar Pernas (Gómez), Carlos Sorriba (Ruben), Pablo Musetti (Marce), Rasjid César (Nochelino), Nataniel Lesnic (Elvio), Alan Futterweit (Hugo), Rodrigo Villalba (Paco), Ramiro Firme (Luis), Sergio Gorfain (Wilder), Luis Pazos (Director de foto), Rosario Martinez (Policía), Ignacio Duarte (Policía), Yu Li (Empresario asiático), Charly Alvarez (Mike), Federico Longo (Maxi), Santiago Musetti (Maucho), Pablo Galain (Vecino), Pablo Tate (Abogado), Jorge Sugo (Médico), Alejandro García (Jurado), Diego Alvarez (Gordito), José Carlos Gómez (Seguridad), Salvador Gonzalez (Patotero), Teresita Casella (Recepcionista). Cuenta también con invitados especiales: Pelusa Vera (Martita), Carmen Morán (mamá de Willy), Florencia Infante (Abogada), Josefina Tomás “Clipper” (Productora), Fabio Silva “Vozarrón” (Bubba), Eli Almic (Contable), Pía Bertalmio (Alumna Nochelino), Vero Zaiter (Periodista), Stefy Delay (Novia Lola).
Llegó a los cines la película más esperada del año: «The Whale» (La ballena), de Darren Aronofky. Esta cinta generó mucha espectativa desde setiembre del 2022 cuando tuvo su estreno en el Festival Internacional de Cine de Venecia donde recibió una ovación de pie, además de un aplauso de más de seis minutos contados para Brendan Fraser.
¿De qué se trata?
Charlie es un hombre gay de mediana edad que sufre de obesidad mórbida debido a un transtorno de apetito desenfrenado causado por una severa depresión. Vive encerrado en un pequeño apartamento, prácticamente confinado al sillón donde transcurren sus días. Da clases de escritura de forma online en una universidad y bajo la excusa de que su computadora tiene la cámara rota mantiene su imagen como incógnita para sus alumnos. Está solo, salvo por su mejor amiga Liz quien además es enfermera y se encarga de controlar su bienestar (en este caso malestar). Su salud está al borde del colapso pero se niega a recibir asistencia médica, con suerte le queda una semana de vida por lo que decide aprovechar sus últimos momentos para acercarse a su hija y librarse de las culpas que lo atormentan desde hace varios años.
Trailer Oficial The Whale
¿Por qué tanto revuelo?
Primero que nada esta película supone el «renacimiento» de Brendan Fraser o como los fans se han dispuesto a llamar #The Brenaissance. Para los de la generación nacida entre los 80´- 90´ Fraser fue un hito del blockbuster dejándonos títulos como la saga de «La momia», «George de la Selva», «Al diablo con el diablo», «Corazón de tinta» entre otras. Pero poco a poco fue consiguiendo papeles menores y proyectos que supusieron un fracaso en la taquilla y de repente desapareció del radar público. Los motivos fueron varios, entre ellos de salud, problemas personales, la muerte de su madre, un prolongado divorcio que lo llevó practicamente a la ruina no solo financiera sino mental, todo esto conjugado con una especie de cancelación indirecta por parte de la industria luego de que realizara una denuncia de caracter sexual contra Philip Berk (ex-presidente de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood).
El guion es una adaptación homónima de la obra teatral escrita por Samuel D. Hunter basada en sus propias vivencias, en la adolescencia descubre que es homosexual lo que significó una experiencia traumática no sólo por su propia aceptación sino por la forma en que reaccionaron su familia y sus amigos. En esos momentos comenzaron sus crisis de ansiedad, la depresión que sentía al ser rechazado por los demás lo llevaron a sufrir transtornos alimentícios en los que los atracones eran la manera de sentirse complacido. Para él esta situación no duró mucho tiempo y logró encontrar la ayuda necesaria para salir de esa situación autodestructiva. Conoció a su futuro esposo que significó un apoyo permantente y su infierno tuvo un final feliz. Toda esta situación lo llevó a escribir «La ballena«, cuando comenzó a hacerlo, tenía en mente una única pregunta: “¿Qué pasaría si esta es la historia de alguien que no encontró la ayuda y salida que yo sí encontré?”.
Hunter participó en la cinta adaptando su obra al guion y comentó al respecto: “Adaptar mi obra a un guion ha sido una verdadera labor de amor para mí. Esta historia es profundamente personal y estoy muy agradecido de que tenga la oportunidad de llegar a un público más amplio. Soy fan de Darren desde que vi Requiem for a Dream cuando era estudiante de primer año en la universidad escribiendo mis primeras obras de teatro, y estoy muy agradecido de que haya aportado su singular talento y visión a esta película”.
La cinta ha obtenido varias nominaciones y premios a lo largo de su recorrido en festivales, resultando ganadora en:
Las Vegas Film Critics Society – Brendan Fraser ganador a Mejor actor
Mill Valley Film Festival – Premio a Favorito del público: cine de EE. UU
Montclair Film Festival – Premio Junior del Jurado
Asociación de Críticos de Cine de San Luis – Brendan Fraser ganador a Mejor actor
Critics’ Choice Awards – Brendan Fraser ganador a Mejor actor
Actualmente se encuentra esperando los resultados a sus nominaciones en los Premios Oscar
Ver esta película puede resultar un poco duro ya que en todo momento el espectador se está sometiendo a presenciar el lento suicidio del personaje. Lo ves en el límite de su salud y tambien lo ves entregado, comiendo a reventar sin hacer nada para revertir la situación. En este punto nos podemos identificar con el personaje de su amiga Liz y su frustración que trata de mil formas de hacerlo reaccionar, de convencerlo para recibir verdadera asistencia médica, de revertir la situación. A la vez Liz es una de las personas que le proveen comida y no precisamente sana. Esa faceta de su relación me hizo acordar a las historias de parejas «feeder» que alguna vez vi en el canal Home and Health, obviamente su relación no es de caracter sexual ni nada por el estilo, pero queda más que explícito en la película que a pesar de que ella no está a favor de esta situación tampoco puede evitar darle de comer de forma excesiva, tal vez por lástima, tal vez por un fallido intento de hacerlo sentir un poco mejor.
La cinta se basa en una obra de teatro y así está presentada, se desarrolla una sola locación que es el pequeño y agobiante apartamento de Charlie y nos da apenas un vistazo de las demás habitaciones, el baño, el cuarto, el pequeño pasillo, la habitación de su ex a la cual no logra ingresar no sólo por su peso sino también por los recuerdos, la entrada y su comedor con cocina integrada donde pasa la mayor parte del tiempo. Los acontecimientos se llevan a cabo en la última semana de Charlie y en los intentos de acercarse a Ellie a su hija adolescente interpretada por Sadie Sink. Charlie las abandonó a ella y a su ex esposa Mary (Samantha Morton) hace más de 9 años para poder vivir su historia de amor con un alumno de la universidad en la que daba clases. Desde esa decición nada ha ido bien en la vida del protagonista y sus acciones lo sumen en la culpa y la vergüenza.
Como nos tiene acostumbrados Aronofky, otros temas se esconden en la trama, como por ejemplo la maldad de los seres humanos, ¿hay seres intrínsecamente malos? ¿o son así por las circunstancias que les ha tocado vivir? ¿tienen remedio?. También está el tema de la religión, la salvación, el pecado y el perdón. Y más de soslayo nos presenta el desgano y desinteres de la sociedad en la que vivimos, sobre todo de los adolescentes, no solo con el personaje de su hija que no se muestra interesada en sus estudios sino tambien de sus propios alumnos.
Es una buena película, con excelentes actuaciones ya que considero que cada uno de los actores puestos en escena cumplen su rol a la perfección pero que también trabaja utilizando la morbosidad y la manipulación. La banda sonora nos va introduciendo en ese estado de espectador indefenso que termina siendo manipulado hasta las lágrimas.
El próximo 9 de marzo se estrenará en salas de nuestro país (Uruguay) IMPERIO DE LUZ. Película escrita y dirigida por el realizador británico Sam Mendes. La historia está ambientada en una pequeña ciudad costera de Inglaterra durante los primeros años de la década de los ‘80, transcurre principalmente en un viejo cine local donde la gerenta, Hilary (Olivia Colman), entabla una amistad muy especial con Stephen (Micheal Ward), el nuevo empleado que llega con su energía y simpatía.
Trailer oficial Imperio de Luz
El cine actúa en esta historia como un personaje más, dotado de magia, capaz de curar las heridas y brindar protección, una forma de escape a la realidad que los demás personajes están viviendo.
Hilary, interpretada por la reconocida actriz Olivia Colman, encargada del local, es una mujer solitaria pero sumamente servicial, exigente y perfeccionista en su trabajo. Es una mujer seria, que lucha contra una enfermedad psiquiátrica que le ha traído varios problemas en el pasado.
Stephen, por su parte, es un joven abierto, gentil y sumamente optimista, que batalla día a día con el racismo de la sociedad en la que vive, en una época atravesada por la política de Margaret Thatcher y la violencia de los skinheads.
La relación de amor-amistad que entablan les sirve de evasión a las realidades que ambos enfrentan y le da a la película la ternura que le falta a la sociedad en la que viven, dejándonos un mensaje de optimismo.
Para darle vida en la pantalla a esta obra, Mendes convocó al director de fotografía Roger Deakins con quien ya habia trabajado anteriormente en Solo un sueño, 007: Operacion Skyfall y 1917, y esta fue una decisión acertada, no sólo porque la fotografia de la película es maravillosa sino porque además resultó nominadoal premio Óscar a Mejor Fotografía.
Del 5 al 11 de febrero de 2023 se llevó a cabo la edición N° 25 del Festival Internacional de Cine de Punta del Este. La selección de películas participantes se dividió en dos categorías: Competencia Iberoamericana – Documental y Competencia Iberoamericana – Ficción
Durante el festival se pudieron visualizar de forma gratuita, no solo las películas en competencia sino que tambien una lista especial de films seleccionados. Además, directores, actores y productores brindaron conferencias de prensa para exponer sobre sus películas.
Nicolás Pauls – Presentando «Mar de Lobos» Cecilia Roth y Maricel Álvarez – «Conversaciones sobre el odio»Juan Zapata «La versión de Anita»Carlos Malave «One way» y Claudia Sainte-Luce «El reino de Dios»Oscar Estevez y elenco de «Amores Pendientes»Nacho Sánchez – Actor protagonista de «Mantícora» Santiago Mosquera y Gabriel Carrizo «Ad10s»
El Festival contó con tres equipos diferentes de jurados: uno para la Competencia Iberoamericana – Documental otro para la Competencia Iberoamericana – Ficción y un tercer equipo compuesto por miembros de la ACCU (Asociación de Criticos de Cine del Uruguay). Además el público también eligió su ficción y documental favoritos.
Los premios se repartieron de la siguiente forma:
Jurado Iberoamericano Competencia Ficción:
Premio Litman Mejor Película: «Mantícora» de Carlos Vermut Premio Litman Mejor Director: «La Jauría» de Andrés Ramirez Pulido Mención especial a mejor dirección: «El río de los deseos» de Sergio Machado Premio Litman Mejor Actor: Felipe Duarte de «Nunca pasó nada» Mención especial a Mejor actor: Diego Armando Lara Lagunes de «El reino de Dios« Premio Litman Mejor Actriz: Inés Aires Pereira de «Nunca pasó nada» Mención especial a Mejor Actriz: Sophie Charlotte de «El río de los deseos« Premio Litman Voto del Público: «La uruguaya» de Ana Garcia Blaya
Jurado Iberoamericano Competencia Documental:
Premio Lobo Marino: «Por construir un relato nihilista y desgarrador, donde la muerte es una presencia inevitable. Por tomar riesgos en su lenguaje y puesta en escena, convirtiendo la obra en una reflexión íntima y desesperada de una generación sensible que debe hacerse espacio y sobrevivir a la violencia. Estamos ante una voz única, autoral, queer y que es capaz de reunir elementos testimoniales de jóvenes que van desapareciendo y de un cruce con una ficción de espectros que van poblando todos los espacios. Un documental que excede todos los recursos tradicionales, siendo una obra contemporánea híbrida que nos empuja a observar de forma crítica la nefasta herencia de la violencia en Latinoamérica. El premio lobo marino es para ANHELL69 de Theo Montoya«
Mención especial:«Por traer al presente una figura estereotipada, olvidada y desconocida para Latinoamérica, a través de un diálogo con las problemáticas contemporáneas. Porque hoy es necesario desplazar las tradicionales figuras históricas masculinas dominantes, por la de mujeres que lucharon por la libertad y que la historia y todas las formas de representación como el cine han caricaturizado. Y por su exhaustiva investigación, de testimonios, documentos y archivos junto a una puesta en escena de ficción, la mención especial es LA VERSIÓN DE ANITA de Luca Criscenti«
Lobo Marino Voto del Público: «AD10S» de Santiago Mosquera y Gabriel Carriso
Jurado de la Asociación de Críticos del Uruguay:
Mejor Película Documental: «Por el abordaje complejo de la situación urgente que vive el pueblo de Arakbut, que nos pone en contacto con su costado trágico sin omitir la esperanzadora resistencia de las organizaciones comunitarias. «WANDARI» de Daniel Lagares y Mariano Agudo«
Mejor Película Ficción: «Por su precisa elaboración formal y la manera poética en la que sitúa el drama psicológico dentro de un entramado social en el que se revelan profundas desigualdades étnicas, de género y de clase. Además, pone en manifiesto el enorme potencial que tiene el cine ecuatoriano de cara al futuro. «LO INVISIBLE» de Javier Andrade»
Desde el 5 al 11 de febrero se está llevando a cabo el Festival de Cine de Punta del Este.
La vigésima quinta edición presenta una nueva competencia de perfil iberoamericano para producciones documentales que premiará con el «Lobo de Mar» a la mejor realización.
Mantiene su competencia de largometrajes de ficción con diez títulos que se disputarán el premio «Mauricio Litman» a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Actor y Premio del Público.
Se están exhibiendo estrenos nacionales e internacionales y hay diferentes homenajes: a la reconocida actriz argentina Cecilia Roth y al cineasta uruguayo José Ramón Novoa, con un ciclo retrospectivo de su obra.
La grilla con más de 40 títulos se exhibirán en forma gratuita en cuatro salas de Maldonado y Punta del Este: *Sala Cantegril *Teatro Casa de la Cultura *Teatro de Verano Margarita Xirgú *Grupocine
El evento está organizado por la Intendencia de Maldonado a través de la Dirección General de Cultura.
Bette Davis, ¿estás ahí?» Vuelve con 9 únicas funciones en Febrero del 16 al 19 y del 22 al 26 a las 20:30 hs excepto domingos que se exhibirá a las 19:30 hs. Sala Zavala Muniz Teatro Solís
La obra del director Domingo Milesi fue ganadora de 2 Premios Florencio 2022; en el rubro mejor elenco y rubro mejor espectáculo y dirección de comedia.
Sinopsis: Azucena busca el amor y el sentido de la vida, luego de la pérdida de su madre y su retiro laboral. Transita el duelo, junto a su amiga Graciela, rastreando nuevas señales y motivaciones, en sus visitas diarias a un viejo cine de barrio, que se resiste a morir. Allí conocen a Aníbal, y este es el disparador de un juego entre la realidad y la ficción; donde también aparecen elementos sobrenaturales, a través de prácticas esotéricas que podrían establecer una nueva interpretación del presente y una línea de comunicación con el más allá.
La obra cuenta con tecnología sonora binaural, por lo que será escuchada con auriculares.
¿Qué es el sonido binaural? Es una forma de grabar y reproducir el sonido que emula el modo en el que los seres humanos escuchamos. Imita las señales auditivas naturales creadas por el cerebro y el oído, producto de la interacción acústica entre nuestros cuerpos y el entorno que nos rodea; escuchado mediante auriculares, crea un mapa de sonido tridimensional que nos sumerge en los eventos propios del paisaje sonoro y nos ubica en el lugar exacto de donde provienen los sonidos, generando una nueva experiencia inmersiva. Los casos de su uso en el mundo, son de gran impacto, como una potente herramienta de accesibilidad e inclusión para personas con baja visión o ciegas.
Entradas en venta a través de Tickantel y en boletería de la sala Zavala Muniz.
Costo $ 600
Autoría y Dirección: Domingo Milesi.
Elenco: Martha Vidal, Ma. Elena Pérez y Carlos Sorriba.
Diseño de sonido: Gustavo Fernández.
Diseño de vestuario y caracterización: Mavi Amigo.
Diseño escenográfico: Martín Siri.
Diseño lumínico: Jimena Romero.
Asistencia de dirección y traspunte: Maria Jose Morales y Patricia Canén.
Diseño gráfico: Julia Tiscornia.
Fotografía: Mauricio Rodríguez.
Prensa: Lic. Beatriz Benech.
Producción: Lucía Etcheverry.
Autor-Director: Domingo Milesi es un creador teatral, egresado de la EMAD, que trabaja profesionalmente como actor, director, dramaturgo y docente.
Como autor-director, investiga en una poética personal que juega con elementos narrativos y visuales del cine en búsqueda de una traducción teatral.Tiene dos obras estrenadas que recibieron nueve nominaciones a los Premios Florencio, incluido Mejor Texto de Autor Nacional (en ambas ocasiones). Realizó una asistencia de dirección en el Teatro de La Abadía. Madrid, España (IBERESCENA). Como dramaturgo fue seleccionado por el Royal Court Theatre (Inglaterra) y por la Sala Beckett (Barcelona). Como actor ha realizado giras en Uruguay, España, E.E.U.U., Brasil, Ecuador, Colombia, Venezuela y Argentina.
Ha realizado diversos talleres y seminarios con: Alistair McDowall, Tanika Gupta, Julio Chávez, Maurice Durozier, Alejandro Catalán, Carolina Adamovsky, Max Cúccaro, Hugo Gargiulo, Santiago Loza, Compañía Española Katubeltz, Ernesto Álvarez, Ana Katz, Nora Moseinco, entre otros.
Actores:
Martha Vidal es Lic. en Psicología egresada de la UDELAR, cantante y actriz egresada del Ictus en 1986 y de la Escuela de Teatro del Sur en 1994.
Se ha desempeñado como actriz en diversos espectáculos bajo la dirección de Walter Cotelo, Juan José Brenta, Homero Naranjo, Álvaro Borges, Sergio Lazzo, Taco Larreta, Elena Zuasti, Raúl Acosta, Gloria Levy, Ernesto Clavijo, Virginia Marchetti, Álvaro Correa, Juan González Urtiaga, Domingo Milesi, entre otros.
Fue nominada al premio Florencio por “Mujeres de Lorca” (como actriz de reparto) y por “El loco y la camisa” (como actriz de reparto).
Ha participado en la miniserie REC para Canal 5, y en el corto Matilde (El Joven Batlle) de Fernández Prando.
En la actualidad permanece en cartel con las obras “El loco y la camisa” y “Declive”.
María Elena Pérez Algortaes actriz, egresada de la Escuela Municipal de Arte Dramático “Margarita Xirgú” en el año 1990.
Desde esa fecha ha trabajado en forma ininterrumpida en diversos espectáculos teatrales, con directores como Nelly Goitiño, Eduardo Schinca, Juver Salcedo, Mariana Percovich, Jorge Denevi , Gabriel Calderón , Domingo Milesi, Ana Pañela, Cecilia Caballero, Lucia García , entre otros.
Fue nominada al premio Florencio a Mejor actriz de reparto por “Juego de Damas Crueles”.
Ha participado en diferentes producciones nacionales e internacionales de cine y televisión, con directores como Beatriz Flores Silva, Álvaro Buela, Esteban Schroeder, Diego Arzuaga, Daniela Esperanza, Guillermo Casanova, Matías Ganz Pablo Stoll, Adrián Biñiez, Sebastian Benardick , Jesús Braceras entre otros.
Recibió el Premio Tabaré a Mejor Actriz por “Una forma de bailar”.
Ha sostenido un proceso de formación permanente realizando cursos y seminarios con docentes uruguayos y extranjeros como Jimena Márquez , Ricardo Bartís Alejandro Catalán ,Ciro Zorzoli, Danielle Finzi Pasca, Guillermo Heras, Iñaki Moreno, Guillermo Cacacce, Claudio Méndez Casariego, Nora Moseinco y otros.
Actualmente dirige su propio Estudio de Actuación.
Carlos Sorriba es uno de los actores fundadores del Teatro Eslabón de Canelones. Desde 1980 a la fecha viene desempeñando un trabajo ininterrumpido en los escenarios, ha trabajado con directores como Leonel Dárdano, Pepe Vázquez, Omar Varela, Nacho Cardozo, Levón, Mariana Percovich, Mario Ferreira, Fernando Toja, Daniel Romano, Gastón Borges, Diego Araújo, Hugo Giachino, Gerardo Begérez, Alberto Coco Rivero, Damián Barrera, entre otros.
Participó como actor invitado por la Comedia Nacional en tres espectáculos: “La Orestíada”, con dirección de Levón, “Terrorismo”, dirigido por Mario Ferreira, y “El Casamiento de Fígaro”, bajo la dirección de Coco Rivero.
Nominado en varias entregas, obtuvo el premio Florencio en dos oportunidades, como actor y como director.
También obtuvo un Florencio en teatro para niños.
Ha realizado algunos trabajos para publicidad, televisión y cine. También participó como integrante del conjunto de parodistas “Los Antiguos” en el concurso oficial de carnaval del Teatro de Verano.
Actualmente dirige el grupo Teceo (Teatro de la Central Obrera), de reciente formación, y da clases de teatro y humor en las ciudades de Las Piedras y Canelones.
En el marco del 9no. FESTIVAL INTERNACIONAL TEMPORADA ALTA DE GIRONA EN MONTEVIDEO se re-estrena «Yo soy Fedra«, escrita y dirigida por Marianella Morena.
La obra tendrá lugar en la Sala Verdi con un total de 8 funciones: Sábado 4, Domingo 5, Sábado 11, Domingo 12, Sábado 18, Domingo 19, Sábado 25 y Domingo 26 de Febrero 2023. Los cupos son limitados, las entradas están en venta por Tickantel y Boletería de Sala Verdi. Costo de las entradas $ 600. El horario de los dias sabados es 23hs y para los domingos 12hs.
Sinopsis: 30 espectadores/as entrarán al dormitorio de Fedra para respirar con ella, y vibrar en la cercanía del espacio reducido. 30 espectadores/as adentro del dormitorio-casa, con las herencias rotas, y el fetiche musical: Hipólito. 30 espectadores/as y una porción de ficción íntima.
«Somos parte de una sociedad hipócrita que no acepta el sufrimiento que provocan los sentimientos, y nos obligan a mentir sobre ellos. Podemos faltar a trabajar por un resfriado, pero no por una pérdida amorosa. Inspirado en el mito, esta Fedra toma elementos contemporáneos que van desde la presión social por la belleza y eterna juventud —somos carne y como tal nos siguen tratando—, los limites de la fertilidad, hasta la corrección política sobre nuestros cuerpos y el relato promocionado sobre los mismos. Un grupo reducido de espectadores/as ingresan al dormitorio de Fedra y terminan de conformar el dispositivo escénico. El público respira con ella, la ve exponerse sin escondite y por un momento la experiencia de la representación se diluye. No hay cuarta pared. No hay restos de textos anteriores. Aunque el pasado se impone por sobrevivir, ella se resiste, y apela performativamente a sus vibraciones, al placer, y a cantar con Hipólito, quien es ausente/presente a través de sus canciones y su música ecléctica. Una habitación contiene la casa. Fedra rompe los límites del amor en acciones hiperrealistas como comer, cantar, ordenar, pero también en relatos oníricos, dolorosos, donde se despoja sin vergüenza y confiesa su desamparo. Morir y renacer, para volverse otra/o en el próximo parlamento. Afuera el tránsito, las compras, las reuniones, los días y las noches que organizan la vida social, afuera el frío, aunque sea verano.»
Los Fabelman, es la nueva película semi biográfica y a la vez ficticia de Steven Spielberg. Es un retrato de sus recuerdos, de lo que fue crecer entre los 50 y 70, y de lo fundamental que resultó ser el cine durante su vida. Es un coming of age sobre los años previos a la mayoría de edad en el momento preciso de descubrimiento, entre la búsqueda de los sueños y las proyecciones al futuro.
La cinta acaba de recibir 7 nominaciones a los próximos Premios Oscar, entre ellos mejor dirección, mejor guion y mejor película.
La idea de plasmar sus recuerdos en celuloide comenzó a gestarse hace muchos años, pero fue luego de la muerte de sus padres y durante los años de pandemia que estas reflexiones fueron tomando forma. Un hecho fundamental para que sucediera fue su amistad con Tony Kushner (dramaturgo y guionista ganador del Pulitzer). Mientras trabajaron juntos en el rodaje de «Munich» este le preguntó: «¿Cuándo decidiste que querías ser director de cine?», este fue el puntapié inicial para mantener entrevistas y encuentros de escritura durante 16 años. Spielberg bromeando recuerda estas charlas como «sesiones de terapia» donde las anécdotas sobre su infancia y la historia de su familia eran relatadas, “Lo único que importaba era que pudiera abrirme a alguien, desempacar todas mis maletas delante de alguien y no sentirme nunca avergonzado o incomodo”.
“No quería que la historia se contara en un espejo de vanidad”, dice Spielberg. “Quería que la historia fuera un espejo comunitario para que la gente pudiera ver a sus propias familias dentro de la historia. Porque esta historia trata de la familia, de los padres, de los hermanos, de la intimidación, de las cosas buenas y malas que pasan cuando creces en una familia que permanece unida, hasta que deja de estarlo; y es una historia sobre el acto del perdón y lo importante que es dicho acto”.
Los personajes:
Sammy Fabelman (Gabriel LaBelle) quien representa a Spielberg en esta historia, ama el cine y se dedica a ello de forma amateur desde que vió su primera película. Mitzi (Michelle Williams) es su madre, quien comprende desde el inicio su pasión por el cine y lo motiva. Ella es una ex-concertista de piano que dejó todo para dedicarse a su familia. Paul Dano es quien da vida a Burt, padre de Sammy, él apoya la pasión de su hijo por el séptimo arte pero lo ve como un pasatiempo del que no podrá vivir en el futuro. Bennie Loewy (Seth Rogen) es el mejor amigo de Burt y trabajan juntos, siempre está acompañando a la familia y es conciderado como un tío.
Tío Boris (Judd Hirsch) a pesar de que su personaje permanece en pantalla por pocos minutos, su desempeño le valió una nominación como mejor actor de reparto. Boris aparece en un momento crucial de la vida de Sammy y es el primero en advertirle que la vida del artista no es siempre color de rosas.
Completan la familia de Sammy: Reggie, Natalie y Lisa, que representan en la ficción a Ann, Sue y Nancy, sus hermanas menores, quienes también estuvieron involucradas en el proyecto.
Los Fabelman es sin duda un retrato de Spielberg, el artista, cuando era joven, y un intento de recordar a sus padres con gratitud por sus virtudes y perdonarlos por sus defectos.
Se estrena el jueves 26 de enero en cines de nuestro país (Uruguay).
El próximo 12 de marzo en el Dolby Theatre de los Ángeles tendrá lugar la 95.ª edición de los Óscar, organizada por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Premiará las mejores películas estrenadas en 2022.
Los Fabelman, Almas en pena de Inisherin, Tár, y Todo a la vez en todas partes, aspiran a liderar las nominaciones.
Aquí te dejo la lista completa de nominados:
MEJOR PELÍCULA ‘Sin novedad en el frente’ ‘Almas en pena de Inisherin’ ‘Avatar: El camino del agua’ ‘Elvis’ ‘Todo a la vez en todas partes’ ‘Los Fabelman’ ‘TÁR’ ‘Top Gun Maverick’ ‘El triángulo de la tristeza’ ‘Ellas hablan’
MEJOR DIRECTOR Martin McDonagh por ‘Almas en pena de Inisherin’ Daniel Kwan y Daniel Scheinert por ‘Todo a la vez en todas partes’ Todd Field por ‘TÁR’ Steven Spielberg por ‘Los Fabelman’ Ruben Östlund por ‘El triángulo de la tristeza
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA Cate Blanchett por ‘TÁR’ Ana de Armas por ‘Blonde’ Andrea Riseborough por ‘To Leslie’ Michelle Yeoh por ‘Todo a la vez en todas partes’ Michelle Williams por ‘Los Fabelman’
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA Brendan Fraser por ‘The Whale’ Austin Butler por ‘Elvis’ Colin Farrell por ‘Almas en pena de Inisherin’ Paul Mescal en ‘Aftersun’ Bill Nighy por ‘Living’
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO Angela Bassett por ‘Black Panther: Wakanda Forever’ Jamie Lee Curtis por ‘Todo a la vez en todas partes’ Kerry Condon por ‘Almas en pena de Inisherin’ Hong Chau por ‘The Whale (La ballena)’ Stephanie Hsu por ‘Todo a la vez en todas partes’
MEJOR ACTOR DE REPARTO Ke Huy Quan por ‘Todo a la vez en todas partes’ Brian Tyree Henry por ‘Causeway’ Judd Hirsh por ‘Los Fabelman’ Brendan Gleeson por ‘Almas en pena de Inisherin’ Barry Keoghan por ‘Almas en pena de Inisherin’
MEJOR GUION ORIGINAL ‘Almas en pena de Inisherin’ (Martin McDonagh) ‘Todo a la vez en todas partes’ (Daniel Kwan, Daniel Scheinert) ‘Los Fabelman’ (Tony Kushner, Steven Spielberg) ‘TÁR’ (Todd Field) ‘El triángulo de la tristeza’ (Ruben Östlund)
MEJOR GUION ADAPTADO ‘Ellas hablan’ (Sarah Polley – basada en el libro de Miriam Toews) ‘Sin novedad en el frente’ (Edward Berger, Lesley Paterson, Ian Stokell – basada en la novela de Erich Maria Remarque) ‘Living’ (Kazuo Ishiguro – basada en ‘Ikiru’ de Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni) ‘Glass Onion: El misterio de Glass Onion’ (Rian Johnson) ‘Top Gun Maverick’ (Peter Craig, Justin Marks, Ehren Kruger, Eric Warren Singer, Christopher McQuarrie – basada en los personajes creados por Jim Cash y Jack Epps Jr.)
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN ‘Sin novedad en el frente’ ‘Avatar: El sentido del agua’ ‘Babylon’ ‘Elvis’ ‘Los Fabelman’
MEJOR MONTAJE ‘TÁR’ ‘Top Gun Maverick’ ‘Elvis’ ‘Almas en pena de Inisherin’ ‘Todo a la vez en todas partes’
MEJOR FOTOGRAFÍA ‘Sin novedad en el frente’ ‘Bardo’ ‘Elvis’ ‘El imperio de la luz’ ‘Tár’
MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL ‘Sin novedad en el frente’ ‘Argentina, 1985’ ‘Close’ ‘EO’ ‘The Quiet Girl’
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN ‘Pinocho de Guillermo del Toro’ ‘Marcel the Shell with Shoes On’ ‘El gato con botas: El último deseo’ ‘El monstruo marino’ ‘Red’
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO ‘Babylon’ ‘Black Panther: Wakanda Forever’ ‘Todo a la vez en todas partes’ ‘Elvis’ ‘El viaje a París de la señora Harris’
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA ‘Sin novedad en el frente’ ‘The Batman’ ‘Black Panther: Wakanda Forever’ ‘Elvis’ ‘The Whale’
MEJOR SONIDO ‘Sin novedad en el frente’ ‘Avatar: El sentido del agua’ ‘Elvis’ ‘The Batman’ ‘Top Gun Maverick’
MEJOR CANCIÓN ‘Black Panther: Wakanda Forever’ – ‘Lift Me Up’ de Tems, Ludwig Göransson, Rihanna y Ryan Coogler ‘RRR’ – ‘Naatu Naatu’ de Kala Bhairava, M. M. Keeravani y Rahul Sipligunj ‘Tell It Like a Woman’ – ‘Applause’ de Diane Warren ‘Top Gun Maverick’ – ‘Hold my hand’ de Lady Gaga ‘Todo a la vez en todas partes’ – ‘This is a life’ de David Byrne, Mitski y Son Lux
MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL ‘All that breathes’ ‘All the beauty and the bloodshed’ ‘Fire of love’ ‘A house made of splinters’ ‘Navalny’
MEJOR BANDA SONORA ‘Sin novedad en el frente’ ‘Babylon’ ‘Almas en pena de Inisherin’ ‘Los Fabelman’ ‘Todo a la vez en todas partes’
MEJORES EFECTOS ESPECIALES ‘Sin novedad en el frente’ ‘Avatar: El sentido del agua’ ‘The Batman’ ‘Black Panther: Wakanda Forever’ ‘Top Gun: Maverick’
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL ‘The Elephant Whisperers’ ‘Haulout’ ‘How Do You Measure a Year?’ ‘The Marsha Mitchell Effect’ ‘Stranger at the Gate’
MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO ‘The Boy, the Mole, the Fox, and the Horse’ ‘The Flying Sailor’ ‘Ice Merchants’ ‘My year of dicks’ ‘An ostrich told me the world is fake and I believed it’
MEJOR CORTOMETRAJE DE ACCIÓN REAL ‘An Irish Goodbye’ ‘Ivalu’ ‘Le Pupille’ ‘The Red Suitcase’ ‘Night Ride’
Hoy (19 de enero) se estrena en cines «Babylon», escrita y dirigida por Damien Chazelle (La la land, Whiplash).
Poster/Arte de la película
Esta película es el resultado de una idea que surgió 15 años atrás y una exhaustiva investigación para lograr la excelente ambientación de lo que fueron los comienzos de Hollywood. La historia es un homenaje al cine, sus comienzos, el ascenso y caída de sus personajes principales, sus excesos, excentricidades y ambiciones.
El relato comienza en los años 20, con la industria cinematográfica en pleno auge, sin sonido, sin color, con poca experiencia pero con ganas de experimentar en todo y sigue el recorrido por los años subsiguientes acompañando a sus personajes principales por los cambios técnicos y tecnológicos y lo que ellos implicaron. “Deseaba analizar bajo el microscopio los primeros días de una forma de arte y una industria cuando ambas daban apenas sus primeros pasos”, explica Chazelle; “y en un nivel más profundo, me gustaba la idea de ver cómo cambia una sociedad. Hollywood vivió cambios vertiginosos y en ocasiones cataclísmicos en la década de 1920, donde algunas personas sobrevivieron, pero muchas otras no. En términos actuales se llamaría una ruptura. Observas lo que vivieron estos individuos y percibes el costo humano que acompañó la ambición que atrajo a tanta gente a Los Ángeles en aquella época. En esta transición hay un aspecto más sombrío que yo había apreciado antes. Esto excede la llegada del sonido sincronizado para incluir nuevos códigos morales que culminaron finalmente en el Código de Producción de los años 30 y en la reorganización de una comunidad más libre, no reglamentada, dentro de la industria corporativa global que conocemos hoy en día. Y al mismo tiempo está la transformación de Los Ángeles de ser un poblado desértico básicamente rural al iniciar los años 20, para convertirse en una de las principales megalópolis del mundo al terminar la década. Gran cantidad de glamorosos edificios y estudios de cine surgieron de las cenizas, pero la catástrofe humana fue considerable”.
Sus protagonistas: Al tratarse de una historia coral, durante la cinta vamos conociendo diferentes figuras del mundo del espectáculo entre ellos directores, técnicos, actores, críticos, músicos, productores,etc, sin embargo hay seis personajes que se podrían considerar principales y son los hilos conductores del relato. Ellos son: Nellie LaRoy, una chica decidida a triunfar en Hollywood cueste lo que cueste, interpretada por Margot Robbie. A pesar de que el personaje de Laroy se inspiró en diversas estrellas del cine mudo, como por ejemplo Jeanne Eagels, Alma Rubens, Lia LaPutti, Thelma Todd y Mary Nolan, la historia real de Clara Bow es la preponderante y la que llevó a Robbie a entender y compenetrarse en profundidad en la vida de Nellie.
Manny Torres desea destacar en Hollywood y está en la búsqueda de un lugar dentro del mundo del cine, siempre listo para aprovechar las oportunidades que se le presentan. Es interpretado por Diego Calva, actor mexicano conocido por su personaje en la serie de televisión «Narcos».“Manny se transforma en nuestros ojos y nuestros oídos”, dice Chazelle. “Tenemos un mundo que excede todos los parámetros y queríamos mostrar cómo podría experimentar eso un forastero. Un extraño que se asomó a ese ambiente y tocó muchas puertas deseando formar parte de ese universo que observa desde sus márgenes. Él es nuestro punto de acceso y, a la larga, nuestro guía a través de la historia”.
Al igual que los demás personajes de esta película la inspiración para crear a Manny provino de varias figuras reales. Una de ellas fue René Cardona, un inmigrante cubano en el Hollywood de los años 20 que ascendió hasta ser el ejecutivo de un estudio de cine más joven en la ciudad y más adelante fue parte esencial en la Época de Oro del cine mexicano. Enrique Vallejo, un inmigrante mexicano que empezó como camarógrafo para Chaplin antes de convertirse en director y supervisor de producción, así como los hermanos Rodríguez, que participaron en el inicio del sonido sincronizado a finales de la década de 1920 en Hollywood.
Brad Pitt da vida a Jack Conrad, una estrella del cine mudo en la cúspide de su carrera. “Brad es uno de los pocos artistas actuales que te transmite la sensación de cómo podría haber sido una estrella de cine de la vieja escuela”, declara Chazelle. “Tiene esta especie de aura intemporal de un actor de esa época que expresa aparentemente sin esfuerzo. Esto es lo que ocurre con Brad, sobre todo en este punto de su carrera. No percibes el trabajo… es invisible e inherente. Es algo mágico que tiene él”. Jack evoca el aspecto de John Gilbert, Douglas Fairbanks y Rodolfo Valentino, los principales actores en la época del cine mudo.
Sidney Palmer (Jovan Adepo), es un trompetista de Jazz siempre presente musicalizando las excéntricas fiestas que se llevaban a cabo en Los Angeles. Con la llegada del sonido logra incorporarse al mundo del cine en roles protagónicos.
La inspiración para el personaje de Palmer fueron Duke Ellington, Louis Armstrong, Ethel Waters, Bessie Smith. Ellos trabajaban como actores en escena e interpretaban su música. También había músicos ubicados en Los Ángeles, como Curtis Mosby, Les Hite, Sonny Clay y otros que aparecen en películas con sus bandas. En palabras del director: “Yo deseaba que Sidney experimentara este salto de ser un músico trabajador en los márgenes de la industria cinematográfica hasta convertirse en estrella de Hollywood y, aunque tiene dudas al principio, a la larga se integra y lo acompañamos en ese camino”.
Lady Fay Zhu (Li Jun Li). En las fiestas es presentada como la “Esmeralda de Oriente y el Ornamento de Occidente”, mientras hace presentaciones que alimentan el fetichismo oriental que se vivía en esa época, sin embargo Zhu tiene varias funciones dentro de la industria, una de ellas es la de realizar los carteles (intertítulos) en las películas mudas, función que queda obsoleta con la llegada del sonido. Zhu está inspirada en Anna May Wong
Elinor St. John (Jean Smart) es la columnista de chismes del mundo del espectáculo y también la encargada de anunciar las últimas novedades tanto del cine como de sus protagonistas. Ella puede impulsar o destrozar la carrera de los famosos. Chazelle se inspiró en Elinor Glyn, Adela Rogers St. Johns y en Louella Parsons, aunque su musa fue el personaje de Addison DeWitt en «All About Eve».
Trailer oficial Babylon
Babylon es una película de 3 hs 9 minutos, sin embargo no se siente larga ni pesada gracias a la historia en sí y a la edición que estuvo a cargo de Tom Cross quien ya había editado anteriormente para Chazelle. La historia de cada personaje, el ritmo, el caos, la velocidad, la música, el drama y la comedia están perfectamente conjugados y hace que al ver Babylon sientas lo vertiginoso de esa época.
Desde tiempos inmemoriales el hombre se ha hecho una pregunta: ¿Qué hubiese pasado si…? (estoy segura de que alguna vez te lo has preguntado). El cine y la literatura también y es por eso que se han encargado de desarrollar todo tipo de historias en las que se explota esta idea.
El «efecto mariposa» (un pequeño cambio en un evento pasado puede generar una gran variación en el futuro), ha sido expuesto en películas divertidas como la saga de «Volver al futuro» o trágicas cómo «El efecto mariposa» precisamente.
Si sos una de esas personas que alguna vez se planteó esta incertidumbre seguramente disfrutes de estos estrenos de Netflix que te voy a recomendar:
Empecemos con una serie: «Si lo hubiera sabido». La protagonista de esta historia es Emma, una mujer de 30 y tantos, frustrada y con un matrimonio a punto de terminar. Una noche de eclipse, gracias a un deseo pedido a la llamada «luna de sangre» logra retroceder en el tiempo 10 años y cambiar su futuro de forma radical, lo que no tuvo en cuenta fue que al rechazar la propuesta de matrimonio con el que fue su marido perdió la posibilidad de que nazcan sus hijos.
En 8 capítulos Emma descubrirá una nueva vida y hará lo imposible para tratar de recuperarlos.
Lo interesante de esta serie es que a medida que avanzan los capítulos, la nueva Emma se aleja cada vez más de lo que había sido y la posibilidad de encontrarse con sus hijos se vuelve remota. Y uno como espectador se empieza a preguntar qué giro dará el guion para poder arreglar todo este embrollo y que no resulte un mamarracho.
«Si lo hubiera sabido» ha sido creada por Ece Yörenç, autora de Fatmagül, y para adaptar los guiones en español se ha contado con Irma Correa quien precisamente había sido la encargada de adaptar la famosa novela turca.
La segunda recomendación es «4 mitades«. Esta película italiana comienza planteando el concepto de las «almas gemelas» ¿existe en el mundo un único ser que nos completa, o cada una de las personas con las que nos relacionamos varía algo en nosotros y somos capaces de escribir nuestra historia de amor con cualquiera?
En este relato, una pareja de recién casados presenta a sus 4 amigos solteros Chiara (Ilenia Pastorelli), Matteo (Matteo Martari), Giulia (Matilde Gioli) y Dario (Giuseppe Maggio) con la intención de emparejarlos y nos muestra paralelamente la historia de las diferentes combinaciones, ¿Cómo se hubiesen desarrollado los acontecimientos según con quien se emparejara cada uno de ellos?
Lo interesante de estas dos recomendaciones es el planteamiento del concepto del destino y como cada una de nuestras decisiones (y las ajenas) ya sean cotidianas o importantes, nos pueden conducir a resultados totalmente diferentes.
El pasado 10 de enero se llevo a cabo la ceremonia de los Golden Globes, premiación que reconoce lo mejor del cine y la televisión y que abre camino a las predicciones de nominadas para los próximos premios Oscar.
Mejor película – Drama
The Fabelmans (Universal Pictures) (GANADOR)
Avatar: The way of water (Walt Disney Studios Motion Pictures)
Elvis (Warner Bros)
TÁR (Focus Features)
Top gun: Maverick (Paramount Pictures)
Mejor Actriz – Drama
Cate Blanchett – TÁR(GANADORA)
Olivia Colman – Empire of light
Viola Davis – The woman king
Ana de Armas – Blonde
Michelle Williams – The Fabelmans
Mejor Actor – Drama
Austin Butler – Elvis (GANADOR)
Brendan Fraser – The Whale
Hugh Jackman – The Son
Bill Nighy – Living
Jeremy Pope – The inspection
Mejor película no inglesa
Argentina, 1985(GANADOR)
All Quiet on the Western Front
Close
Decision to Leave
RRR
Mejor película – musical o comedia
The Banshees of Insherin (Searchlight Pictures)(GANADORA)
Babylon (Paramount Pictures)
Everything everywhere all at once (A24)
Glass onion: A Knives out mystery (Netflix)
Triangle of sadness (Neon)
Mejor interpretación para una actriz en una película – Musical o Comedia
Michelle Yeoh – Everything Everywhere All At Once(GANADORA)
Lesley Manville – Mrs. Harris Goes To Paris
Margot Robbie – Babylon
Anya Taylor-Joy – The Menu
Emma Thompson – Good Luck To You, Leo Grande
Mejor interpretación para un actor en una película – Musical o Comedia
Colin Farrell – The Banshees Of Inisherin (GANADOR)
Diego Calva – Babylon
Daniel Craig – Glass Onion: A Knives Out Mystery
Adam Driver – White Noise
Ralph Fiennes – The Menu
Mejor película animada
Guillermo Del Toro’s Pinocchio (Netflix) (GANADOR)
Inu-Oh (Gkids)
Marcel The Shell With Shoes On (A24)
Puss In Boots: The Last Wish (Universal Pictures)
Turning Red (Walt Disney Studios Motion Pictures)
Mejor interpretación para una actriz de reparto en cualquier película
Angela Bassett- Black Panther: Wakanda Forever (GANADORA)
Kerry Condon- The Banshees Of Inisherin
Jamie Lee Curtis- Everything Everywhere All At Once
Dolly De Leon- Triangle Of Sadness
Carey Mulligan- She Said
Mejor interpretación de un actor de reparto en cualquier película
Ke Huy Quan- Everything Everywhere All At Once(GANADOR)
Brendan Gleeson- The Banshees Of Inisherin
Barry Keoghan- The Banshees Of Inisherin
Brad Pitt- Babylon
Eddie Redmayne- The Good Nurse
Mejor director de película
Steven Spielberg- The Fabelmans(GANADOR)
James Cameron- Avatar: The Way Of Water
Daniel Kwan, Daniel Scheinert- Everything Everywhere All At Once
Baz Luhrmann- Elvis
Martin Mcdonagh- The Banshees Of Inisherin
Mejor guion de película
Martin Mcdonagh- The Banshees Of Inisherin(GANADOR)
Todd Field – TÁR
Daniel Kwan, Daniel Scheinert- Everything Everywhere All At Once
Sarah Polley- Women Talking
Steven Spielberg, Tony Kushner – The Fabelmans
Mejor banda sonora original para película
Justin Hurwitz – Babylon(GANADOR)
Carter Burwell The Banshees Of Inisherin
Alexandre Desplat Guillermo Del Toro’s Pinocchio
Hildur Guðnadóttir Women Talking
John Williams The Fabelmans
Mejor canción original de una película
“Naatu Naatu” — Rrrr/ Music By: M.M. Keeravani/ Lyrics By: Kala Bhairava, Rahul Sipligunj (GANADOR)
“Carolina” — Where The Crawdads Sing/ Music By: Taylor Swift / Lyrics By: Taylor Swift
“Ciao Papa” — Guillermo Del Toro’s Pinocchio/ Music By: Alexandre Desplat/ Lyrics By: Roeban Katz, Guillermo Del Toro
“Hold My Hand” — Top Gun: Maverick/ Music By: Lady Gaga, Bloodpop, Benjamin Rice/ Lyrics By: Lady Gaga, Bloodpop
“Lift Me Up” — Black Panther: Wakanda Forever / Music By: Tems, Rihanna, Ryan Coogler, Ludwig Göransson / Lyrics By: Tems, Rihanna, Ryan Coogler, Ludwig Göransson
Mejor serie de televisión – Drama
House Of The Dragon – Hbo Max (GANADORA)
Better Call Saul – Amc+/Amc
The Crown – Netflix
Ozark – Netflix
Severance – Apple Tv+
Mejor actor en una serie limitada, antología o película para televisión
Evan Peters – Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story(GANADOR)
Taron Egerton – Black Bird
Colin Firth – The Staircase
Andrew Garfield – Under the Banner of Heaven
Sebastian Stan – Pam & Tommy
Mejor actor de reparto para una serie limitada o película para televisión
Paul Walter Hauser – Black Bird (GANADOR)
F. Murray Abraham – The White Lotus
Domhnall Gleeson – The Patient
Richard Jenkins – Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story
Seth Rogen – Pam & Tommy
Mejor actor de televisión – Serie musical o comedia
Jeremy Allen White – The Bear(GANADOR)
Donald Glover – Atlanta
Bill Hader – Barry
Steve Martin – Only Murders in the Building
Martin Short – Only Murders in the Building
Mejor serie musical o comedia
Abbott Elementary(GANADOR)
The Bear
Hacks
Only Murders in the Building
Wednesday
Mejor actriz en una serie limitada, antología o película para televisión
Amanda Seyfried – The Dropout (GANADORA)
Jessica Chastain – George & Tammy
Julia Garner – Inventing Anna
Lily James – Pam & Tommy
Julia Roberts – Gaslit
Mejor actriz de reparto en una serie limitado o película de televisión
Jennifer Coolidge – The White Lotus (GANADORA)
Claire Danes – Fleishman Is in Trouble
Daisy Edgar-Jones – Under the Banner of Heaven
Niecy Nash – Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story
Aubrey Plaza – The White Lotus
Mejor interpretación para una actriz en una serie de televisión – Drama
Zendaya – Euphoria (GANADORA)
Emma D’arcy – House Of The Dragon
Laura Linney – Ozark
Imelda Staunton – The Crown
Hilary Swank – Alaska Daily
Mejor interpretación para un actor en una serie de televisión – Drama
Kevin Costner – Yellowstone (GANADOR)
Jeff Bridges – The Old Man
Diego Luna – Andor
Bob Odenkirk – Better Call Saul
Adam Scott – Severance
Mejor interpretación para una actriz en una serie de televisión – Musical o Comedia
Quinta Brunson Abbott Elementary(GANADORA)
Kaley Cuoco The Flight Attendant
Selena Gomez Only Murders In The Building
Jenna Ortega Wednesday
Jean Smart Hacks
Mejor serie limitada de televisión, antología o película para televisión
The White Lotus – Hbo Max(GANADOR)
Black Bird – Apple Tv+
Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story – Netflix
The Dropout – Hulu
Pam & Tommy – Hulu
Mejor interpretación para una actriz de reparto en una serie comedia musical o drama de televisión
Julia Garner – Ozark (GANADORA)
Elizabeth Debicki – The Crown
Hannah Einbinder – Hacks
Janelle James – Abbott Elementary
Sheryl Lee Ralph – Abbott Elementary
Mejor interpretación para un actor de reparto en una serie comedia musical o drama de televisión
Del 01 al 26 de febrero el Centro Cultural Terminal Goes, Centro de Exposiciones Subte, el Mercado Agricola de Montevideo (MAM), la Sala Lazaroff y la Sala Verdi serán expositores del neveno Festival Internacional Temporada Alta.
Este festival es extensión del emblemático festival catalán nacido en Girona. Festival que desde hace casi una década se ha multiplicado en Latinoamérica a través de Timbre 4 en Buenos Aires, de la Alianza Francesa en Lima y de Sala Verdi en Montevideo.
En esta edición se presentarán trece propuestas provenientes de Argentina, Colombia, España, Francia, Portugal y Uruguay; diversas entre sí, pero reivindicativas del hecho artístico como un universo de libertad sin concesiones.
Obras:
360 GRAMOS – España, Tragicomedia
Un espectáculo poético, que fusiona palabra, cuerpo y danza. Con sólo un pecho el cuerpo no deja de ser bello. Cuando la vida te parte en dos se despliega ante ti la oportunidad de atravesar el dolor y redescubrir el misterio de la belleza. Una belleza política que combate la superficialidad y desafía los estereotipos. Una belleza que es lo que es, con su diferencia. Una verdad que abraza y ama la vida. Tu mirada cuenta, es importante, suma. Y como dice John Berger «No estoy desnuda tal como soy, sino que estoy desnuda tal como tú me ves». 360 GRAMOS es un proyecto que nace de una experiencia personal de Ada Vilaró, muy íntima y frágil y que, por primera vez, se atreve a compartir.
ALTSASU – España, Teatro documental de La Dramática Errante
En la madrugada del 15 de octubre de 2016, se produce a las puertas del bar Koxka, en Altsasu (Navarra), un altercado en el que se vieron implicados varios vecinos del pueblo, dos agentes de la Guardia Civil y las parejas de estos. El resultado fue de dos detenidos y un tobillo, el del teniente, roto. En menos de 24 horas Altsasu se convierte en un plató de televisión y en menos de un día y medio el caso es un asunto de Estado. Los denunciantes se niegan a declarar ante la Policía Foral, algo que sí hacen ante sus compañeros de la Guardia Civil. El giro de este espectáculo se produce cuando COVITE, el Colectivo de Víctimas del Terrorismo en el País Vasco, denuncia los hechos ante la Audiencia Nacional. Esta organización introduce la acusación de terrorismo y se pone en marcha un operativo policial contra nueve jóvenes. Siete de ellos ingresan en prisión inmediatamente. A la vista oral, que comienza el 16 de abril de 2018, se llega con peticiones fiscales de entre 6 y 12 años de prisión para ocho jóvenes. El juicio es seguido con expectación en todo el estado español por lo que puede significar de cara al recorte de las libertades y el abuso de la expresión “terrorista” que impulsa la Fiscalía.
¡BAILEMOS… QUE SE ACABA EL MUNDO! – Argentina, Obra audio-interactiva para bailar con el público
La obra consiste en una experiencia para un grupo de espectadores a quienes se invita a bailar como si fueran a un baile de club del pueblo. Cada espectador-participante recibe auriculares donde escuchará un audio. En esta situación de baile transcurren escenas variadas y el público recibe distintas instrucciones y consignas que deberá realizar en grupo o individualmente. De este modo los espectadores entran en un juego de coreografías y actividades que les involucran como parte de situaciones ficticias. Mezclados con el público hay también actores y actrices-bailarines profesionales que forman parte de la obra. A veces se confunden entre los participantes y en ocasiones asumen otros roles como líderes de coreografías, realizando performances individuales o encarnando personajes.
CLOWNTI – Colombia, Farsa cómica de Jabru Teatro de Títeres
Clownti se siente muy solo y un poco triste por lo que decide abrir la maleta de sus sueños. Es grande su sorpresa al darse cuenta de que allí están todas las cosas bonitas que su padre se ponía para convertirse en el mejor payaso del circo: peluca, nariz, zapaticos grandes y bombachos… Y además, como en una cajita mágica, cada objeto que encuentra lo invita a descubrir y a jugar. Después de mucho probar, finalmente queda vestido de payaso, pronto para entrenar y aprender algunos números de circo. A pesar de la dificultad, de su torpeza, de sus caídas y del riesgo que corre en el difícil arte de ser payaso, su corazón se llena de alegría. Primero, porque recuerda a su padre y lo siente cerca; y segundo, porque jugando y riéndose de sus propias dificultades logra despertar la ternura en los otros y hacer muchos, pero muchos amigos.
FIGUEIREDO – Portugal / Brasil, Teatro documental
De la memoria, del olvido, del borrado, de la selección de lo que debe o no recordarse; de los archivos, los restos, las huellas, las pistas, los documentos, punta del iceberg que nunca llegaremos a ver en su totalidad. Documentos que se pierden, ya sea por intereses deliberados o no, documentos que se olvidan en el tiempo, ya sea porque el contexto no exigió el acceso o no hubo suficiente material humano para tratarlos, haciéndolos conocer al público. Los archivos pueden ser una mina de la que los artistas extraigan elementos importantes que sustenten su historia. Los pueblos indígenas —al igual que otros grupos considerados minoritarios: remanentes de quilombos, pueblos ribereños y caboclos— son el rostro de la población brasileña que se oculta deliberadamente. Este ocultamiento se produce a medida que se borran de la historia, de los relatos, de la memoria. Un documento oculto sirve de punto de partida para esta conferencia performativa que busca transitar entre la historia y la memoria, tejiendo vínculos en torno a una política de destrucción que se extiende desde 1500: el genocidio indígena en Brasil. Relatório Figueiredo fue el nombre con el que se conoció el informe concluyente elaborado por la Comisión de Investigación establecida en Brasil en julio de 1967, para investigar las irregularidades en el Servicio de Protección al Indio, la agencia estatal responsable de implementar la política indígena brasileña entre 1910 y 1967. Mientras, la investigación historiográfica se realiza mediante la búsqueda de una verdad subyacente al discurso, reconstruyendo los elementos de la memoria (datos, hechos, información) como piezas de un juego, cuyo objetivo no es probar una realidad, como en un rompecabezas, sino erigir un edificio donde los personajes y documentos sean parte constitutiva de la historia. Pasado resignificado en el presente. Voces que resuenan y, la mayoría de las veces, ahogan y sofocan las voces de quienes son los sujetos de esta historia: los indios.
LA CELESTINA, TRAGICOMEDIA DE LITA – Argentina, Versión libre de “La Celestina” Tragicomedia – Clown
Las voces de la clásica obra de Fernando de Rojas atraviesan a Lita que está en permanente riesgo de muerte: con sus manos debe sostener una escenografía que se le ha caído encima. Todo pende de un hilo y ya no le quedan fuerzas. Aún así reirá, llorará y gozará hasta el final.
LOCO AMORIS – España, de La Bella Otero
Una pareja. Tú y Yo. Yo me voy a estudiar a París. Tú te quedas en Barcelona. Decidimos seguir con la relación a pesar de la distancia. Pero, ¿cómo seguir siendo Nosotros, si Tú y Yo no estamos juntos? Quien más quien menos ha vivido, está viviendo o vivirá una relación a distancia: la soledad, la impotencia, la euforia de los reencuentros, y la sensación de que el mejor sitio del mundo es una persona. Nosotros dos vivimos a distancia, uno en París y la otra en Barcelona. Fueron dos años llenos de experiencias, estados de ánimo y reflexiones de todo tipo. LOCO AMORIS (“lugar del amor”en latín) lleva al escenario la esencia de esas vivencias, extrayendo el humor del amor, el absurdo de los malentendidos y la belleza de las situaciones dolorosas. Cuando nos preguntan si todo lo que pasa en la obra ocurrió de verdad, siempre contestamos lo mismo: al final, cualquier relación tiene un punto imaginario, ¿no?
MA SOLITUD – España, Teatro visual, humor, títeres de Guillem Albà
El nuevo espectáculo de la compañía es un regreso a sus raíces: su característico universo visual. Esta vez a través de los títeres y la comicidad de pequeño formato, y de una vibrante experiencia colectiva de proximidad. Un viaje de la comedia a la poética, con sus manos como punto de partida, esa parte del cuerpo que nos devuelve a lo tangible, cotidiano y artesanal, y nos reconecta con la comunidad. Manos que han creado la mayoría de cosas que utilizamos. Manos que han desatado la belleza más sublime y las más terribles atrocidades. Manos que cuentan las historias que hace tanto tiempo que nos unen. Reivindicarlas para que no queden solas y olvidadas entre tanta tecla, pantalla y sobreinformación. Una experiencia para recordar la importancia de lo humano, sencillo y compartido.
MORIA – España, Experiencia inmersiva de teatro documento de Unahoramenos producciones
Esta puesta en escena cuenta la historia de dos refugiadas y sus respectivas familias a las que no les ha quedado más remedio que huir de sus países de origen. La dramaturgia se sostiene a partir de testimonios reales filmados en el campamento de Moria junto a la mirada de Nicolás Castellano. Zohra Amiryar tuvo que sobrevivir a cuatro bombardeos y diversos atentados en su país, Afganistán, perder a su hermano en uno de ellos y ver cómo sus cuatro hijos acababan heridos en el último de esos ataques. Todo esto la motivó a emprender el éxodo en busca de un refugio, pero cuando consiguieron llegar encontraron un auténtico infierno. La coprotagonista, Douaa Alhavatem, una treintañera iraquí, tuvo que abandonar su Bagdad natal después del secuestro de su marido por miedo a que ella y sus tres hijos pudieran correr la misma suerte. En el viaje, ella y sus pequeños, lo dieron todo por perdido después de 11 horas en alta mar sin señal de ningún barco de rescate. Ambas mujeres tenían sus esperanzas puestas en Moria por ser suelo europeo, pero lo que las esperaba era una nueva etapa de sufrimiento que jamás hubiesen imaginado. Y junto a ellas cientos de miles de personas viviendo el mismo infierno humano.
MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO – Uruguay, Obra teatral basada en la nouvelle homónima de Alicia Migdal
Las mujeres tiran por la ventana los trajes de los hombres, o los queman en una fogata que ni siquiera es ritual, solo rabia contra la corporalidad de la ropa. Hay un hombre que se va a un parque lejano a morir, sentado bajo un árbol. Otro lo hace en la rambla, sobre ese mar que lo trajo. Fragmentos de múltiples mujeres; ancianas, muchachas que recuerdan su infancia y se vuelven niñas, y el descubrimiento de la ciudad como espacio de búsqueda para ejercer el peligro aprendido en la intimidad. Los resabios de un contexto opresor se despliegan como un collage, la memoria compartimentada o los recovecos desconocidos del inconsciente. MUCHACHAS DE VERANO EN DÍAS DE MARZO puede ser la historia de una época o la agonía de todas las muchachas que alguna vez conocieron la inmensidad de un pueblo cualquiera en un día vacío de verano o en el romper de la nueva estación en marzo.
ROTA – Argentina
Una obra que nos interpela como sociedad, a través de la historia de una madre que debe reconstruir su existencia en torno a la muerte de su hijo, que se suicida después de cometer un femicidio. Una temática lamentablemente actual, que nos interesa llevar a la escena desde un enfoque distinto: la trama no estará centrada en la figura del femicida ni en su víctima, sino en la voz de esta mujer que tuvo que criar a ese hijo en soledad. Ella, a quien se juzga y señala como culpable, tratará de conseguir un poco de amor y comprensión; como cualquier otra mujer, lo merece. Desde la soledad en que la encontramos en escena, la madre del asesino, irá mostrando a quienes la juzgan, la hipocresía sobre la cual edifican determinados valores y lo que significa ser mujer y madre frente a la estigmatización social y el rechazo que sufre en su vida cotidiana.
VANITAS – Argentina / Francia, Video-instalación de danza Proyección continuada
VANITAS TRILOGÍA, llevado a cabo entre 2020 y 2022 por los coreógrafos y bailarines Agustina Sario y Matthieu Perpoint, es una video instalación que explora los contactos de la piel con territorios diversos, del bosque al cemento, del musgo natural a volcanes artificiales y a edificios en ruinas. La trilogía trabaja, como el género pictórico barroco, sobre el eje Eros/Thánatos al que se incorpora el eje cuerpo-entorno. Las tres partes, presentadas en instalaciones a veces activadas por los mismos performers, resultan ser la historia de un acercamiento íntimo a la textura de unos planetas, reales o inventados. VANITAS 1- QUIÉN TE QUITA LO BAILADO(2 canales, HD-27 Min) Un cuerpo femenino en un bosque (filmado en el Parc Naturel Régional du Pilat-Francia) como una manera de entrar en sintonía con todas las capas de lo vivo y el vínculo, tanto erótico como morboso, con lo vegetal y lo orgánico, investigación enraizada en el pensamiento ecofeminista. VANITAS 2-LHOOQ (2 canales, HD-27 Min) Un cuerpo masculino se vuelve escenario extremando sus posibilidades como geografía, redimensionando la escala y reinsertándola en la grilla urbana (filmado en Ciudad de Buenos Aires).
YO SOY FEDRA – Uruguay, Teatro inmersivo
Somos parte de una sociedad hipócrita que no acepta el sufrimiento que provocan los sentimientos, y nos obliga a mentir sobre ellos. Podemos faltar a trabajar por un resfriado, pero no por una pérdida amorosa. Inspirado en el mito, esta Fedra toma elementos contemporáneos que van desde la presión social por la belleza/la eterna juventud —somos carne y como tal nos siguen tratando—, los limites de la fertilidad, hasta la corrección política sobre nuestros cuerpos y el relato promocionado sobre los mismos. Un grupo reducido de espectadores/as ingresan al dormitorio de Fedra y terminan de conformar el dispositivo escénico. El público respira con ella, la ve exponerse sin escondite y por un momento la experiencia de la representación se diluye. No hay cuarta pared. No hay restos de textos anteriores. Aunque el pasado se impone por sobrevivir, ella se resiste, y apela performativamente a sus vibraciones, al placer, y a cantar con Hipólito, quien es ausente/presente a través de sus canciones y su música ecléctica. Una habitación contiene la casa. Fedra rompe los límites del amor en acciones hiperrealistas como comer, cantar, ordenar, pero también en relatos oníricos, dolorosos, donde se despoja sin vergüenza y confesa su desamparo. Morir y renacer, para volverse otra/o en el próximo parlamento. Afuera el tránsito, las compras, las reuniones, los días y las noches que organizan la vida social, afuera el frío, aunque sea verano.
ENTRADAS: Los espectáculos del Festival tienen localidades diferenciales:
CLOWNTI y VANITAS Entrada gratuita.
360 GRAMOS, ALTSASU, LA CELESTINA…, LOCO AMORIS, MORIA, MUCHACHAS DE VERANO…, ROTA, YO SOY FEDRA Entradas generales: $ 600 Club El País, Comunidad La Diaria y Fucvam: 2 x 1 Socio Espectacular y SUA: 50 % Jubilados: $ 300 Jóvenes hasta 21 años: $ 200 Promoción especial: 3 espectáculos por $ 600
BAILEMOS, FIGUEIREDO, MA SOLITUD Entradas generales: $ 400 Club El País, Comunidad La Diaria y FUCVAM: 2 x 1 Socio Espectacular y SUA: 50 % Jubilados: $ 200 Jóvenes hasta 21 años: $ 100 Promoción especial: 3 espectáculos por $ 600
A pesar de que el origen de San Nicolás o Papá Noel, (como le decimos nosotros) está en el obispo cristiano Nicolás de Bari, nacido en el siglo III d. C. todos asociamos una imagen del mismo utilizada desde el año 1931 por la marca de refrescos Coca -Cola.
Desde esa época Coca-Cola ha utilizado a este icónico personaje y esta festividad para crear magia, presentando campañas publicitarias inolvidables.
Hoy lo hace una vez más y nos presenta su primera miniserie navideña. La misma cuenta con tres cortos unitarios en los que el concepto es: «La navidad siempre encuantra la manera»
ALMA: Imaginate vivir en una ciudad en la que todos los días es Navidad. Cuando sus habitantes empiezan a perder su espíritu festivo, algo inesperado sucede.
Corto Navideño episodio 1
MORDIDAS DE NAVIDAD: Durante la víspera de Navidad, estos dos legendarios personajes tendrán que resolver sus diferencias.
Corto Navideño episodio 2
LOS PEQUEÑOS MUNDOS DE NAVIDAD: En vísperas de Navidad, el encuentro del empleado de una tienda de discos y una misteriosa vecina le dan un giro insperado y lleno de emociones a esta historia.
10 Funciones : 1, 2, 3, 7, 8, 9, 10, 15, 16 y 17 de Noviembre a las 21hs.
Texto y dirección:
Alejandra Gregorio
Actriz:
Cecilia Placeres
Músicxs:
Agustina Racchi
Gonzalo Rodríguez
Ficha técnica :
DISEÑO DE ILUMINACIÓN – Ivana Domínguez DISEÑO DE ESPACIO – Ivana Domínguez y Mariana Pereira DISEÑO DE VESTUARIO – Mariana Pereira SONIDISTA – Juan Andrés Lepore ASISTENCIA DE DIRECCIÓN – Marisa Riera PRODUCCIÓN – Lucía Etcheverry
PRENSA & DIFUSIÓN – Beatriz Benech
Sinopsis :
Recital teatral. Monólogo que recorre con urgencia distintos años y sucesos, que se construye entre canciones y pesadillas, que deambula entre un grito y varias llamadas telefónicas, que invoca a una infancia y a un padre, o al recuerdo de ese padre, mientras el mundo se sigue terminando y la vida se sigue viviendo.
Entradas en venta en Tickantel y boletería de la sala
Entre Nos. Libros, Cine y más 