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Acaba de llegar a Netflix la película sueca «Gracias, lo siento«. La película está categorizada como comedia dramática aunque tiene poco de comedia y bastante de drama. La historia comienza cuando Sara, a semanas de dar a luz a su segundo hijo es abandonada sorpresivamente por Daniel, su esposo, pero lejos de ser un drama de parejas o la historia de un divorcio la trama da un giro porque esa misma noche Daniel muere durmiendo, debido a una falla cardíaca.
Esta situación deja a Sara en medio de un torbellino emocional, por un lado con la responsabilidad de cuidar sola a su hijo Elliot de 5 años, esperando al nuevo bebé, intentando sobrellevar el dolor del duelo y la realidad que suponía que Daniel la pensaba abandonar. A eso se le suma la presencia de sus suegros que a pesar de tener buenas intenciones, se entrometen.
Con este panorama planteado aparece Linda su hermana mayor de quien Sara estaba distanciada y con su llegada la historia toma su curso y se desarrolla. Nos encontramos con un drama sencillo que habla sobre el perdón, sobre las relaciones de familia, sobre las diferentes maneras de enfrentar las situaciones que nos toca en la vida.
El 22 de Diciembre de 1972, hace exactamente 51 años, Fernando Parrado y Roberto Canessa se encontraron con la salvación y la esperanza al lograr hallar al arriero chileno Sergio Catalán. En ese momento, habían transcurrido 72 días desde que el avión de la Fuerza Aérea Uruguaya se estrelló en la cordillera. De los 45 pasajeros que partieron el viernes 13 de octubre desde Montevideo, únicamente 16 lograron sobrevivir. Como Uruguaya crecí con el relato de este suceso tan increible como impactante, tan presente en nuestro imaginario y en nuestra historia.
¿Por qué es importante revivir los hechos y que esta historia se vuelva a contar?
Primero que nada, la historia es un testimonio de la capacidad humana para enfrentar desafíos extremos y superar situaciones adversas. La lucha por la supervivencia en condiciones tan difíciles sirve como una lección inspiradora y motivadora.
La historia plantea preguntas éticas y morales cruciales sobre las decisiones que las personas deben tomar en situaciones límite. Examina cómo la moralidad se pone a prueba cuando la vida está en juego, proporcionando reflexiones valiosas sobre la naturaleza humana.
Al revivir esta historia, se rinde homenaje a los héroes que emergieron en medio de la tragedia y nos enseña cómo la solidaridad y el compañerismo son fundamentales en las circunstancias más difíciles.
El 4 de enero se estrenará en Netflix , pero hoy tenemos la oportunidad de ver esta historia en pantalla grande y afirmo que es la mejor forma de vivir esta experiencia. La sociedad de la nieve dirigida y escrita por J. A. Bayona, está basada en el libro homónimo de Pablo Vierci. Se destaca por su impactante cinematografía, efectos visuales y sonoros que sumergen al espectador en la experiencia de acompañar a los personajes en esta travesía.
La película se mantiene fiel a los hechos reales, capturando con precisión los eventos históricos y ofreciendo una representación auténtica de la tragedia. Los sobrevivientes han comentado que es la adaptación con la que realmente se han visto reflejados. Los actores hicieron un trabajo magnífico demostrando un compromiso excepcional con sus personajes, entregando interpretaciones conmovedoras y auténticas.
Y uno de los puntos más destacables a mi criterio es el respeto y sensibilidad con la que se abordan todas las situaciones vividas por quienes estuvieron en la montaña, evitando sensacionalismos y tratando con empatía las complejidades de la historia.
Black Mirror, la aclamada serie de ciencia ficción y suspenso, ha sido reconocida por su capacidad para analizar de manera provocadora los impactos de la tecnología en la sociedad, generalmente con un pronóstico desalentador del futuro que nos espera. Sin embargo, la última temporada parece haberse desconectado de la esencia que la definió en temporadas anteriores, perdiendo contacto con su leitmotiv.
La esencia de Black Mirror ha residido en su capacidad para exponer las consecuencias no deseadas de la tecnología y explorar los dilemas éticos que surgen de ella, exponiendo los peores rasgos de la humanidad. Sin embargo, en esta última temporada, en especial los capítulos «Loch Henry«, «Mazey Day» y «Demonio 79» no logramos ver esta premisa fundamental. Estos episodios se centran en aspectos más superficiales y por momentos entretenidos y se tornan predecibles y bizarros, dejando a los espectadores con una sensación de desconexión y una pérdida del factor distintivo de las primeras temporadas de Black Mirror. En lo personal, me hizo sentir que estaba viendo un nuevo episodio de «El gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro«.
Desde tiempos inmemoriales el hombre se ha hecho una pregunta: ¿Qué hubiese pasado si…? (estoy segura de que alguna vez te lo has preguntado). El cine y la literatura también y es por eso que se han encargado de desarrollar todo tipo de historias en las que se explota esta idea.
El «efecto mariposa» (un pequeño cambio en un evento pasado puede generar una gran variación en el futuro), ha sido expuesto en películas divertidas como la saga de «Volver al futuro» o trágicas cómo «El efecto mariposa» precisamente.
Si sos una de esas personas que alguna vez se planteó esta incertidumbre seguramente disfrutes de estos estrenos de Netflix que te voy a recomendar:
Empecemos con una serie: «Si lo hubiera sabido». La protagonista de esta historia es Emma, una mujer de 30 y tantos, frustrada y con un matrimonio a punto de terminar. Una noche de eclipse, gracias a un deseo pedido a la llamada «luna de sangre» logra retroceder en el tiempo 10 años y cambiar su futuro de forma radical, lo que no tuvo en cuenta fue que al rechazar la propuesta de matrimonio con el que fue su marido perdió la posibilidad de que nazcan sus hijos.
En 8 capítulos Emma descubrirá una nueva vida y hará lo imposible para tratar de recuperarlos.
Lo interesante de esta serie es que a medida que avanzan los capítulos, la nueva Emma se aleja cada vez más de lo que había sido y la posibilidad de encontrarse con sus hijos se vuelve remota. Y uno como espectador se empieza a preguntar qué giro dará el guion para poder arreglar todo este embrollo y que no resulte un mamarracho.
«Si lo hubiera sabido» ha sido creada por Ece Yörenç, autora de Fatmagül, y para adaptar los guiones en español se ha contado con Irma Correa quien precisamente había sido la encargada de adaptar la famosa novela turca.
La segunda recomendación es «4 mitades«. Esta película italiana comienza planteando el concepto de las «almas gemelas» ¿existe en el mundo un único ser que nos completa, o cada una de las personas con las que nos relacionamos varía algo en nosotros y somos capaces de escribir nuestra historia de amor con cualquiera?
En este relato, una pareja de recién casados presenta a sus 4 amigos solteros Chiara (Ilenia Pastorelli), Matteo (Matteo Martari), Giulia (Matilde Gioli) y Dario (Giuseppe Maggio) con la intención de emparejarlos y nos muestra paralelamente la historia de las diferentes combinaciones, ¿Cómo se hubiesen desarrollado los acontecimientos según con quien se emparejara cada uno de ellos?
Lo interesante de estas dos recomendaciones es el planteamiento del concepto del destino y como cada una de nuestras decisiones (y las ajenas) ya sean cotidianas o importantes, nos pueden conducir a resultados totalmente diferentes.
El pasado 10 de enero se llevo a cabo la ceremonia de los Golden Globes, premiación que reconoce lo mejor del cine y la televisión y que abre camino a las predicciones de nominadas para los próximos premios Oscar.
Mejor película – Drama
The Fabelmans (Universal Pictures) (GANADOR)
Avatar: The way of water (Walt Disney Studios Motion Pictures)
Elvis (Warner Bros)
TÁR (Focus Features)
Top gun: Maverick (Paramount Pictures)
Mejor Actriz – Drama
Cate Blanchett – TÁR(GANADORA)
Olivia Colman – Empire of light
Viola Davis – The woman king
Ana de Armas – Blonde
Michelle Williams – The Fabelmans
Mejor Actor – Drama
Austin Butler – Elvis (GANADOR)
Brendan Fraser – The Whale
Hugh Jackman – The Son
Bill Nighy – Living
Jeremy Pope – The inspection
Mejor película no inglesa
Argentina, 1985(GANADOR)
All Quiet on the Western Front
Close
Decision to Leave
RRR
Mejor película – musical o comedia
The Banshees of Insherin (Searchlight Pictures)(GANADORA)
Babylon (Paramount Pictures)
Everything everywhere all at once (A24)
Glass onion: A Knives out mystery (Netflix)
Triangle of sadness (Neon)
Mejor interpretación para una actriz en una película – Musical o Comedia
Michelle Yeoh – Everything Everywhere All At Once(GANADORA)
Lesley Manville – Mrs. Harris Goes To Paris
Margot Robbie – Babylon
Anya Taylor-Joy – The Menu
Emma Thompson – Good Luck To You, Leo Grande
Mejor interpretación para un actor en una película – Musical o Comedia
Colin Farrell – The Banshees Of Inisherin (GANADOR)
Diego Calva – Babylon
Daniel Craig – Glass Onion: A Knives Out Mystery
Adam Driver – White Noise
Ralph Fiennes – The Menu
Mejor película animada
Guillermo Del Toro’s Pinocchio (Netflix) (GANADOR)
Inu-Oh (Gkids)
Marcel The Shell With Shoes On (A24)
Puss In Boots: The Last Wish (Universal Pictures)
Turning Red (Walt Disney Studios Motion Pictures)
Mejor interpretación para una actriz de reparto en cualquier película
Angela Bassett- Black Panther: Wakanda Forever (GANADORA)
Kerry Condon- The Banshees Of Inisherin
Jamie Lee Curtis- Everything Everywhere All At Once
Dolly De Leon- Triangle Of Sadness
Carey Mulligan- She Said
Mejor interpretación de un actor de reparto en cualquier película
Ke Huy Quan- Everything Everywhere All At Once(GANADOR)
Brendan Gleeson- The Banshees Of Inisherin
Barry Keoghan- The Banshees Of Inisherin
Brad Pitt- Babylon
Eddie Redmayne- The Good Nurse
Mejor director de película
Steven Spielberg- The Fabelmans(GANADOR)
James Cameron- Avatar: The Way Of Water
Daniel Kwan, Daniel Scheinert- Everything Everywhere All At Once
Baz Luhrmann- Elvis
Martin Mcdonagh- The Banshees Of Inisherin
Mejor guion de película
Martin Mcdonagh- The Banshees Of Inisherin(GANADOR)
Todd Field – TÁR
Daniel Kwan, Daniel Scheinert- Everything Everywhere All At Once
Sarah Polley- Women Talking
Steven Spielberg, Tony Kushner – The Fabelmans
Mejor banda sonora original para película
Justin Hurwitz – Babylon(GANADOR)
Carter Burwell The Banshees Of Inisherin
Alexandre Desplat Guillermo Del Toro’s Pinocchio
Hildur Guðnadóttir Women Talking
John Williams The Fabelmans
Mejor canción original de una película
“Naatu Naatu” — Rrrr/ Music By: M.M. Keeravani/ Lyrics By: Kala Bhairava, Rahul Sipligunj (GANADOR)
“Carolina” — Where The Crawdads Sing/ Music By: Taylor Swift / Lyrics By: Taylor Swift
“Ciao Papa” — Guillermo Del Toro’s Pinocchio/ Music By: Alexandre Desplat/ Lyrics By: Roeban Katz, Guillermo Del Toro
“Hold My Hand” — Top Gun: Maverick/ Music By: Lady Gaga, Bloodpop, Benjamin Rice/ Lyrics By: Lady Gaga, Bloodpop
“Lift Me Up” — Black Panther: Wakanda Forever / Music By: Tems, Rihanna, Ryan Coogler, Ludwig Göransson / Lyrics By: Tems, Rihanna, Ryan Coogler, Ludwig Göransson
Mejor serie de televisión – Drama
House Of The Dragon – Hbo Max (GANADORA)
Better Call Saul – Amc+/Amc
The Crown – Netflix
Ozark – Netflix
Severance – Apple Tv+
Mejor actor en una serie limitada, antología o película para televisión
Evan Peters – Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story(GANADOR)
Taron Egerton – Black Bird
Colin Firth – The Staircase
Andrew Garfield – Under the Banner of Heaven
Sebastian Stan – Pam & Tommy
Mejor actor de reparto para una serie limitada o película para televisión
Paul Walter Hauser – Black Bird (GANADOR)
F. Murray Abraham – The White Lotus
Domhnall Gleeson – The Patient
Richard Jenkins – Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story
Seth Rogen – Pam & Tommy
Mejor actor de televisión – Serie musical o comedia
Jeremy Allen White – The Bear(GANADOR)
Donald Glover – Atlanta
Bill Hader – Barry
Steve Martin – Only Murders in the Building
Martin Short – Only Murders in the Building
Mejor serie musical o comedia
Abbott Elementary(GANADOR)
The Bear
Hacks
Only Murders in the Building
Wednesday
Mejor actriz en una serie limitada, antología o película para televisión
Amanda Seyfried – The Dropout (GANADORA)
Jessica Chastain – George & Tammy
Julia Garner – Inventing Anna
Lily James – Pam & Tommy
Julia Roberts – Gaslit
Mejor actriz de reparto en una serie limitado o película de televisión
Jennifer Coolidge – The White Lotus (GANADORA)
Claire Danes – Fleishman Is in Trouble
Daisy Edgar-Jones – Under the Banner of Heaven
Niecy Nash – Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story
Aubrey Plaza – The White Lotus
Mejor interpretación para una actriz en una serie de televisión – Drama
Zendaya – Euphoria (GANADORA)
Emma D’arcy – House Of The Dragon
Laura Linney – Ozark
Imelda Staunton – The Crown
Hilary Swank – Alaska Daily
Mejor interpretación para un actor en una serie de televisión – Drama
Kevin Costner – Yellowstone (GANADOR)
Jeff Bridges – The Old Man
Diego Luna – Andor
Bob Odenkirk – Better Call Saul
Adam Scott – Severance
Mejor interpretación para una actriz en una serie de televisión – Musical o Comedia
Quinta Brunson Abbott Elementary(GANADORA)
Kaley Cuoco The Flight Attendant
Selena Gomez Only Murders In The Building
Jenna Ortega Wednesday
Jean Smart Hacks
Mejor serie limitada de televisión, antología o película para televisión
The White Lotus – Hbo Max(GANADOR)
Black Bird – Apple Tv+
Dahmer – Monster: The Jeffrey Dahmer Story – Netflix
The Dropout – Hulu
Pam & Tommy – Hulu
Mejor interpretación para una actriz de reparto en una serie comedia musical o drama de televisión
Julia Garner – Ozark (GANADORA)
Elizabeth Debicki – The Crown
Hannah Einbinder – Hacks
Janelle James – Abbott Elementary
Sheryl Lee Ralph – Abbott Elementary
Mejor interpretación para un actor de reparto en una serie comedia musical o drama de televisión
En un posteo anterior había recomendado una lista de miniseries documentales, casos policiales de la vida real que han llamado la atención del público, por su complejidad, porque encierran un misterio o simplemente por lo morboso de la situación. Hoy vuelvo con una nueva lista que también dará que hablar.
Recomendaciones SIN SPOILERS
La niña de la foto: Todo comienza con el hallazgo de un cuerpo en la ruta de Oklahoma, una joven con heridas que no coinciden con las de un accidente automovilístico. La chica reconocida como Tonya Hughes era madre de un pequeño niño y esposa de Clarence Hughes.
Vamos conociendo su historia a través de testimonios de personas que llegaron a conocerla. Una compañera del club de stripers en el que trabajaba es quién da el puntapie inicial para la historia, luego nos encontramos con ex compañeros de la secundaria a la que asistió, donde era considerada como una alumna ejemplar.
En esta pelicula documental de 1h 42 minutos nos encontramos con un caso que encierra secuestro, abuso infantil, femicidio, homicidio y pérdida de identidad, entre muchos otros.
La niña de la foto
El asesino de mi hija : Kalinka, una chica de 14 años es encontrada muerta en su cama, su padre biológico no logra comprender los hechos y sospecha del marido de su ex esposa, un reconocido médico cardiólogo que administró una misteriosa inyeccion a su hija con la excusa de salvarle la vida.
Luego de que la muerte de su hija fuera declarada como natural, Andre Bamberski comienza una investigación privada con el fin de conocer la realidad, desenmascarar al asesino de Kalinka y hacer justicia.
El asesino de mi hija
Nuestro Padre: Donald Cline fue un médico especialista en fertilidad de Indianápolis reconocido por el éxito de su clínica en los años 80.
El caso de este documental inicia cuando Jacoba Ballard se realiza una prueba de ADN y al poner sus datos en la red descubre que tiene varios medios hermanos, sin comprender la situación se pone en contacto con ellos y en ese momento comienza su investigación, todas las personas con las que compartía ADN tenían en común el hecho de haber sido producto de una inseminación artificial en la clinica del Dr. Donald Cline.
Nuestro Padre
Todos estos documentales están disponibles en Netflix
Sinopsis: «Dos mujeres coinciden en una habitación de hospital donde van a dar a luz. Ambas están solteras y se quedaron embarazadas por accidente. Janis (Penélope Cruz), de mediana edad, no se arrepiente y está exultante. La otra, Ana (Milena Smit), una adolescente, está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean por los pasillos del hospital. Las pocas palabras que intercambien en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que por casualidad se desarrolla y se complica, afectando a sus vidas de forma decisiva«.
El 18 de febrero se estrenará en Netflix la nueva película de Pedro Almodóvar«Madres Paralelas».
Penélope Cruz y Milena Smit – Madres Paralelas
Intentando no caer en spoilers que rompan con los giros sorpresivos que este film tiene preparado a sus espectadores, se puede decir que Madres Paralelas comienza siendo una historia más sobre ser madre y lo que ello conlleva para transformarse en algo totalmente diferente, imprevisible. En la cinta se desarrollan varios subtemas relacionados no sólo a la maternidad y a lo femenino sino tambien a la política.
Fotograma de la película – Madres Paralelas
El último trabajo del director manchego ha estado presente en las diferentes entregas de premios de esta temporada. Penélope Cruz ganó la Copa Volpi en el Festival de Venecia por su papel de Janis. La película también consiguió dos nominaciones en los Globos de Oro, la de Mejor Película de Lengua no Inglesa y la de Mejor Banda Sonora, pero no logró llevarse ningún premio. Cuenta con ocho candidaturas incluyendo Mejor Película Dramática, Mejor Dirección y Mejor Actriz Protagónica para Cruz, en los Premios Feroz a desarrollarse el próximo 29 de enero. Y en los Goya que se llevarán a cabo el 12 de febrero logró varias nominaciones incluyendo Mejor Actríz de Reparto. En cuanto a la 94ª edición de los Premios de la Academia de Cine Hollywood (Oscar) , lamentablemente, perdió la posibilidad de ser la representante de España.
Cuando el año comienza y las fiestas tradicionales ya terminaron empieza para todos los cinefilos una época de pencas ya que arranca la temporada de premios. Pensar en las películas que viste en el último año, cuáles pueden tener las características para alcanzar algún que otro galardón, leer lo que se escribe en la prensa mundial, etc, etc.
En este 2022 una de las películas que viene resonando y con gran fuerza es «El poder del perro» estrenada en Netflix en diciembre del 2021.
Benedict Cumberbatch – El poder del perro – fotograma
The power of the dog (título original) es un drama psicológico y western basado en la novela homónima escrita por Thomas Savage y publicada en el año 1967. El guion de la película fue adaptado por Jane Campion (Secreto en la montaña) que también es su directora.
Sinopsis:«Un hacendado dominante pero carismático emprende una cruel guerra contra la nueva esposa de su hermano e hijo, hasta que viejos secretos salen a la luz»
Desde su anuncio en Netflix con un trailer que llamaba mucho la atención, un reparto que prometía y la crítica llenándola de alabanzas con frases como «una de las grandes joyas del 2021», mis espectativas con este film eran altas.
Kirsten Dunts, Jesse Plemons – El poder del perro – fotograma
Lamentablemente esta película no fue lo que estaba esperando. La trama quedó corta en una cinta demasiado larga, por momentos aburrida, en la que todo se queda a medias. En la sinopsis se anuncia: «una cruel guerra» que en definitiva no se desarrolla, más que en la escena inicial donde Phil (Benedict Cumberbatch) se muestra realmente desagradable con Peter (Kodi Smit-McPhee), burlandose de él y sus maneras. Luego se da un cruce de palabras con Rose (Kirsten Dunst) donde queda claro que no es bienvenida y que la considera una «oportunista». Después de esto la cosa no pasa a mayores, Rose es ignorada casi por completo no solo por Phil sino que también por su reciente esposo George (Jesse Plemons) que casi nunca está en casa. No existe en el film ningún enfrentamiento digno de un premio, ni algo tan perturbador que justifique las borracheras cotidianas a las que se somete Rose.
A pesar de que no me parece una película digna de toda la alabanza y galardones que está recibiendo, sí estoy de acuerdo en que la fotografía y la ambientación de época está muy bien lograda. Aunque no me haya gustado la manera en que la historia se desarrolló, considero que las actuaciones de Benedict Cumberbatch y de Kodi Smit-McPhee son buenas y que el final tiene un giro imprevisible que sorprende, pero más que nada por lo injusto.
Benedict Cumberbatch, Kodi Smith-McPhee – El poder del perro – Fotograma
Premios:
Globos de Oro: mejor película – drama y dirección.
Festival de Venecia: León de Plata – Mejor dirección.
Festival de Toronto: 2ª finalista a Mejor película (Premio del Público).
American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año.
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor dirección, actor y actor sec.
Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor dirección, actor sec. y fotografía.
Critics Choice Awards: 10 nominaciones incluyendo mejor película y dirección.
Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor, actriz sec. y actor sec.
Asociación de Críticos de Chicago: 7 premios, incluyendo mejor película.
Asociación de Críticos de Boston: Mejor película en habla no inglesa y fotografía.
Satellite Awards: Mejor reparto. 13 nominaciones, incluyendo mejor película.
No hace mucho Netflix anunciaba entre sus próximos estrenos una película llamada La Hija Oscura, pero lo más llamativo de esto era Olivia Colman como protagonista, que para mi se ha convertido en sinónimo de buena película.
Sinopsis:
Leda es una profesora de literatura inglesa de mediana edad, divorciada y con dos hijas adultas que han decidido ir a vivir un tiempo con su padre y trabajar en Canadá. Con la partida de sus hijas Leda en lugar de sentirse abandonada o triste se siente liberada. Aprovechando esta nueva independencia decide tomarse un tiempo de descanso y realiza un viaje a un pequeño pueblo costero. Los días transcurrían tranquilos hasta que llega al lugar una familia de napolitanos ruidosos, acaparadores y bastante maleducados. La calma que Leda estaba experimentado termina cuando se encuentra a sí misma raptando a la muñeca de la integrante más pequeña de esa familia. Un acto irracional que termina desencadenando recuerdos y culpas del pasado donde descubrimos los rasgos ambivalentes y más desagradables de la maternidad.
Sinceramente la historia me mantuvo atrapada y la película me gustó, aunque en varios momentos me sentí desorientada, con la sensación de que había algo de la historia que me estaba faltando, que no me cerraba del todo. Para ser franca cuando llegue al final de la cinta me sentí un poco defraudada. Algo se había perdido en esta adaptación de la historia, por lo que decidí ir a la fuente original. La película está basada en la novela homónima de ElenaFerrante, publicada en marzo del 2018.
Fotograma de la película – Olivia Colman
Sin duda el filme dirigido por Maggie Gyllenhaal respeta en gran parte a la historia original aunque faltan detalles que a mi entender eran clave para poder comprender más a fondo la personalidad del personaje, estos detalles podrían haber marcado la diferencia entre una historia más y una gran historia. La crítica que le hago a la versión cinematografica es no haber logrado (del todo) transmitir la psicología interna del personaje principal, transformando a un ser perturbado por sus frustraciones y culpas a una veterana sola y aburrida que no tiene mejor cosa que hacer que robarse una muñeca.
Fotograma de la película – Jessie Buckley
En la película conocemos parte de lo que fue la experiencia de Leda como madre, a través de flashbacks, en estas instancias la protagonista pasa a ser interpretada por Jessie Buckley, que francamente realiza un trabajo estupendo no solo de interpretación sino mimetizandose con su versión adulta, adoptando a la perfección el tono de voz y dicción de Olivia Colman. Lo que se ignora casi por completo (salvo por una discusión en la que Leda reclama que no quiere que su madre cuide de sus hijas) fue su infancia. Los sentimientos que ella tenía hacia su madre, a quien la consideraba un ser tosco, ignorante y de la que sentía vergüenza fueron practicamente ignorados. Incluso parte de la trama en la novela se basa en que la familia de napolitanos le recordaran a su propia familia.
Evidentemente la literatura tiene un abanico mucho más amplio de posibilidades y con un costo muy inferior al momento de desarrollar la psicología, carácter y pensamientos de un personaje. Al transportar la historia a la pantalla se deben tomar decisiones que afectan el presupuesto y el producto final, de todas formas creo que en este caso hubiese sido una buena idea reflejar de alguna manera más efectiva todos los sentimientos que invadían a Leda.
Apesar de todo esto “La hija oscura” ganó Mejor Película, Guion, Actriz y Dirección Revelación en los Gotham Awards 2021. También está nominada a dos premios en los Critics’ Choice Awards 2022 y nominada a Mejor Película, Dirección, Actriz de Reparto y Guion en los Spirit Awards 2022.
Trailer oficial de la pelicula
Sobre la novela:
Su «escritora» es Elena Ferrante, y escritora va entre comillas ya que nadie sabe con certeza quién es Elena Ferrante y sus editores procuran tener una discreción absoluta sobre su identidad. Muchas veces se ha sospechado de que podría ser un hombre. Tampoco se sabe nada sobre su origen, aunque muchos afirman que nació en Nápoles para luego trasladarse a Grecia y finalmente a Turín. Lo cierto es que nada de esto importa. Lo único importante es que «Elena Ferrante» sea quien sea sabe contar historias y logra que empaticemos o al menos comprendamos a sus personajes.
La Hija Oscura nos brinda una comprensión sobre la dualidad de sentimientos que se experimentan en la maternidad. Durante mucho tiempo se ha acostumbrado visualizar el ser madre con la ternura, la entrega, ese instinto que hace que al dar vida toda tu dedicación gire en torno a ese nuevo ser. Pero ¿a qué costo?, ¿a dónde van los planes, sueños y proyectos de la mujer que decide transformarse en mamá? ¿Está permitido expresar abiertamente la sensación de sofoco y agobio que muchas veces sienten las madres?
¿Ya viste esta película? ¿Leíste la novela? ¿Que te pareció?
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La vida es un conjunto de días concatenados, uno tras otro. Estamos inmersos en una rutina, planes, sueños, metas. Se podría decir que generalmente podemos predecir casi con exactitud que va a pasar mañana. Pero existen momentos claves, a veces en un simple segundo, nuestra rutina cambia y hace que toda la vida como la conocemos tome un nuevo rumbo.
¿Cuántas veces reconocemos ese preciso instante en el que nuestra vida cambió para siempre?
Life Itself (Como la vida misma) es un retrato de estos momentos. Dan Fogelman (guion y dirección) nos presenta una historia coral, donde el amor, la vida y sobre todo la muerte se van interconectando con sus personajes a través de varias generaciones. Está protagonizada por Oscar Isaac, Olivia Wilde, Mandy Patinkin, Olivia Cooke, Laia Costa, Annette Bening y Antonio Banderas. Su estreno fue en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 8 de septiembre de 2018 y recientemente fue agregada a la lista de estrenos en Netflix.
Fotograma de la película.
La película está dividida en capítulos y el relato comienza con la historia de Will (Oscar Isaac), un guionista frustrado, que sufre de depresión severa luego de que su esposa Abby (Olivia Wilde) , con quien esperaba a su primer hijo, ya no está a su lado. A medida que la historia avanza vamos cambiando de narrador, pero siempre sobre las bases de la conexión que existe entre los personajes.
A pesar de que Como la vida mismaha recibido reseñas negativas por parte de la crítica y puntuación mixta por parte de la audiencia, yo la recomiendo. Se la ha culpado de poseer diálogos forzados y de tener personajes acartonados que son movidos como títeres por situaciones poco probables. Tal vez, quienes percibieron eso de este guion no han tenido que lidiar con «esos momentos» en los que la vida cambia drásticamente en un segundo. Tal vez no han sido capaces de percibir qué tan conectados estamos unos con otros, aunque no nos conozcamos. Probablemente todavía no se dieron cuenta de que una sopa de murciélago bebida por una persona al otro lado del mundo puede cambiar el curso de la historia para todos.
Se llama El Inocente aunque luego de verla puedo decir que bien podría llamarse «El culpable de hacerme perder el tiempo».
Desde su estreno en Netflix el 30 de abril El Inocente se encuentra en el puesto Nº 1 como lo más popular para Uruguay. Y no es de extrañarse ya que la propuesta suena muy atractiva: 8 capítulos que duran entre 50 y 70 minutos, una muerte accidental, dirigida y con guion adaptado por Oriol Paulo (Contratiempo, Durante la Tormenta, Los ojos de Julia) y como frutilla de la torta Mario Casas (El practicante, El fotógrafo de Mauthausen) de protagonista ¿Qué podría salir mal?
La serie está basada en la novela de mismo nombre escrita por Harlan Coben. En el primer capítulo conocemos a Mateo Vidal «Matt» y su circunstancia: hace nueve años en una fiesta, participó de una pelea en la que accidentalmente dio muerte a su contrincante, cumplió condena y pudo rehacer su vida. En la actualidad trabaja en el bufete de abogados de su hermano, está casado con Olivia y va a ser padre. Todo parece marchar relativamente bien hasta que su mujer tiene que realizar un viaje de negocios en el que desaparece.
En el segundo capítulo nos olvidamos de Matt, esta vez la historia es narrada por Lorena Ortiz, inspectora de homicidios. En su relato conocemos su vida, su infancia y como llegó a ser una de las mejores policías de su generación. Este episodio parecería no tener relación con el primero ya que se plantea la investigación de un suicidio en un convento, pero en la escena final llegamos al supuesto punto de conexión.
Hasta aquí la historia venía funcionando, como espectadora quería saber por un lado que estaba sucediendo con Matt y que tenia que ver eso con toda la historia de la monja suicida.
En el tercer capitulo es donde para mi gusto todo empieza a desbarrancar y nos queda una serie de eventos unidos a la fuerza, sin lógica, planes y venganzas macabras y exageradas, escenas violentas hasta el hartazgo y una sensación de que todas las acciones de los personajes son puramente realizadas para darle un poco más de metraje a la cinta.
A partir de acá mis comentarios van a estar cargados de SPOILERS, de modo que si tu deseo es verla sin conocer detalles importantes a la trama te recomiendo que dejes la lectura, la veas y luego vuelvas a ver si estás de acuerdo con mis comentarios.
Comencemos con las inconsistencias, para empezar Sor Irene, la Monja que es encargada del orfanato llama a Lorena para investigar el suicidio de María, dice que quiere que ella se encargue del caso personalmente porque es de confianza (Lorena se había criado allí y consideraba a esta Hermana como una madre) a pesar de esto no le brinda nada de toda la información que tenía, se puede decir que Irene dominaba, casi casi, todo lo relevante al caso, pero decide ocultarle la información a la persona que le pide ayuda. La monja conocía el pasado de María, poseía cartas y documentos con «pistas» para resolver este misterio, pero no se las da. Sin embargo en cuanto llega la gente de la UDE ( Unidad de Delitos Especiales) a ellos sí les da todas las pistas.
Sor Irene y Lorena
En segundo lugar la venganza de Kimmy, un golpe bajo desde donde se lo mire. Se puede entender el enojo, la rabia, el odio que este personaje había acumulado, pero se supone que «amaba» a Olivia. Compartieron momentos durísimos, siempre la protegió, su amistad se forjó en el dolor compartido durante sus años juntas en «El Paraíso» (club de strippers). Esto podría sugerir que había generado un poquito de empatía en Kimmy y que tendría la capacidad de ponerse en el lugar de su amiga y entenderla aunque no justificarla.
Al enterarse que estaba viva comenzó a idear un plan tan macabro como irreal. La encontró y la atrajo. Olivia le contó todo lo que le pasó y los motivos por los que no volvió a contactarla, le pidió perdón y le dijo que no había día en que no pensara en ella, en lo que le hizo, que sentía su traición y que se arrepentía. Le contó que estaba embarazada nuevamente (Kimmy sabía todo lo que habia sufrido Olivia al tener que entregar a su primera hija), nada de esto importó ni conmovió a la mujer que quería vengarse. Llevó a cabo su venganza tal y como la había planeado. Pero le salió mal y es recién en ese momento que se da cuenta de que realmente Olivia había hecho lo que hizo porque no le quedaba otra opción, pidió perdón y todo bien, borrón y cuenta nueva.
Kimmy
Hablando de venganzas tenemos la principal de toda la serie, Jaime Vera, padre de Dani, el muchacho que murió en la pelea con Matt en el episodio uno. Al no poder conformarse con que Matt obtuviera y cumpliera la pena máxima y su vida tuviera otra oportunidad decide llevar a cabo un plan tan pero tan rebuscado como ridículo. Más allá de esto, hasta el episodio final dicho plan había resultado a la perfección, todo cerraba bien porque se podía culpar de los acontecimientos a otros personajes que también formaban parte de las otras venganzas y Jaime hubiese podido salir sin manchas de todo el embrollo, pero no. Después de mandarse el plan perfecto decide contarlo con lujo de detalle para terminar preso.
Jaime Vera
Si todo esto no fuera poco para que la serie sea un culebrón de intrigas y venganzas sin ton ni son, tenemos el tema de las cintas. Videos en los que importantes y reconocibles personalidades realizan cualquier tipo de atrocidades ocultos tras una máscara. Las chicas utilizadas para esto son menores de edad conseguidas por Aníbal Ledesma, dueño del club donde trabajaban Olivia, María y Kimmy. No me voy a poner exquisita con todo el tema de lo que en este club sucedía, con la droga, la violencia y con la forma en que estas cintas fueron grabadas, porque en la literatura y el cine hay material de sobra para saber que en este tipo de lugares pasan cosas escabrosas.
El tema es que en estas cintas precisamente en la Nº 27 aparece Teo Aguilar, un policía investigador de la UDE al que se le zafó un tornillo. Pasó de ser un hombre de familia, respetable, que se infiltró en el club para investigar lo que allí sucedía a disfrutar con un poco de culpa de ser atendido por las chicas del club hasta finalmente convertirse en un asesino totalmente despreciable, sin escrúpulos, culpa, ni coherencia.
Teo encuentra su final en una escena eterna y sin sentido en la que está acorralado por un montón de policías que lo dejan suicidarse sin mover un pelo para detener la acción. Muy parecido a lo que sucedió en la escena con Kimmy, lo que te deja pensando que en la serie ningún policía hace absolutamente nada para frenar las acciones de los personajes ni cambiar sus destinos.
Arte de la serie
Mas allá de todos los desaciertos en la historia, de los planes rebuscados que terminan haciendo que la trama se vuelva poco creíble, de las reacciones incoherentes de los personajes y de que en mi caso personal no logré conectar con ninguno de ellos, hay que reconocer que a los espectadores les está gustando esta serie y está consiguiendo buen puntaje en los rankings. Narrar cada capítulo desde la perspectiva de un personaje diferente no es algo nuevo pero funciona y hay que reconocer que aunque en cierto punto nos deje de gustar la seguimos viendo porque en definitiva engancha y uno quiere saber el desenlace, aunque más no sea por pura curiosidad.
Ahora para finalizar te voy a dejar una recomendación que seguro te va a enganchar si esta serie te gustó, y es Sky Rojo.
Luego de haber sido múltipremiada en toda la temporada de premios 2019 / 2020, logró el Óscar no sólo a mejor película extranjera sino también como mejor película, mejor director y mejor guion original. Arrasó en el Festival de Cannes (mejor director – mejor guion – premio del jurado- mejor actriz – mejor actor – gran premio) – destacó en los premios del sindicato de actores en mejor reparto. Ganó como mejor película de habla no inglesa, mejor guion y mejor director en los Globos de Oro, ahora llega a Netflix y promete ser el mejor estreno de setiembre.
No es para menos, en una era donde el cine parece no tener nada nuevo que presentarnos, más que tecnología y remakes, aparece un film como PARÁSITOS, desde Corea del Sur de la mano del director Bong Joon-ho. Una historia de familia, que mezcla drama, critica social, humor negro, una pizca de terror y suspenso, con giros tan inesperados que sorprenderían al mismísimo Alfred Hitchcock.
Sinopsis: Ki-taek (Kang-ho Song) es el patriarca de una familia humilde que con trabajos precarios a duras penas sobrevive. Cohabitan en un subsuelo de un barrio pobre de Seúl y hasta roban wifi de sus vecinos. Su situación comienza a cambiar el día que su hijo es recomendado por un amigo para dar clases particulares de inglés en casa de los Park, una familia adinerada. Utilizando su simpatía e ingenio, el joven logrará ganarse la confianza de la señora de la casa, y poco a poco conseguirá introducir a su familia en distintos trabajos del servicio doméstico. Esto desencadenará un sin fin de situaciones escabrosas de las que les será difícil escapar.
Esta película, además de ser entretenimiento, tiene como base una cruda representación de la realidad y choque social. Es cruel y a la vez entretenida. Hace que pases de un momento de risa al asombro y luego a la tristeza total.
Desde hace un tiempo Netflix ha agregado a su biblioteca de contenido una lista de miniseries documentales, casos policiales de la vida real que han llamado la atención del público, por su complejidad, porque encierra un misterio o simplemente por lo morboso de la situación. Lo que es seguro que si sos aficionado a la investigación, si te atraen los policiales estos relatos te atraparán desde el minuto 0.
Afiche publicitario de «Escena del crimen: desaparición en el Hotel Cecil»
«Escena del crimen: Desaparición en el Hotel Cecil»:
En esta miniserie se nos presenta el caso de la desaparición de Elisa Lam, una chica canadiense de descendencia china que se hospeda en el enigmático y monumental Hotel Cecil en la ciudad de Los Ángeles.
Graduada de la Universidad de Columbia Británica en Vancouver con sus veintiún años decide salir a explorar el mundo en busca de algo más emocionante que su aburrida rutina, a pesar de sufrir de bipolaridad y depresión sus padres permiten el viaje con la condición de que todos los días realice una llamada telefónica para que ellos puedan asegurarse de su bienestar, no solo físico sino que también mental. El 28 de enero del 2013, su llamada diaria faltó, lo que preocupó a sus padres que decidieron realizar la denuncia correspondiente a la policía de Los Ángeles.
Con una chica que parece haberse esfumado en el aire el director Joe Berlinger nos lleva por los lugares más oscuros de una ciudad a la que (desde afuera) se la asocia al glamour, al brillo y la fama, pero que en su centro alberga «el desecho social» junto a la historia de un oscuro hotel, con un prontuario de asesinatos, suicidios, sobredosis, misteriosos accidentes y episodios psicóticos, que hospedaba tanto turistas como indigentes, ex presidiarios o asesinos en serie. La policía lo denominaba «el retrete vertical» y la sola historia del hotel ya valía la realización de esta miniserie.
«El caso Watts: El padre homicida» A pesar de que desde el título ya se sabe como terminará esta historia su desarrollo te mantendrá expectante e incrédulo. Los horrores de los que son capaces los seres humanos logran superar cualquier ficción.
Imagen de la familia Watts
En esta película documental de 1h 23min. iremos descubriendo la inquietante historia de un asesino sin escrúpulos. Todo comienza cuando Chris Watts se contacta con la policía para denunciar la desaparición de su esposa y sus dos pequeñas hijas. Realizado con videos e imágenes que Shanann Watts posteaba en sus redes, recopilación de conversaciones con amigas y familiares y entrevistas policiales poco a poco nos vamos adentrando en lo que fueron las últimas semanas de esta familia hasta descubrir el macabro desenlace.
Luego de la aparición de un siniestro video en internet donde un muchacho mata sin piedad a tres gatitos se desata una implacable cacería por parte de los cibernautas que no acabará hasta dar con el culpable de tal atrocidad. Durante los tres capítulos vemos los esfuerzos de los aficionados ciber detectives para lograr advertir y convencer a la policía de que este monstruo que comenzó matando pequeños e inocentes animales terminaría asesinando a un ser humano.
Un relato atrapante en el que uno mismo va sintiendo la desesperación de quienes intentan atrapar y detener a este ser sin ponerse a pensar en los daños colaterales.
«Misterios sin resolver»
Afiche promocional de la serie
Como su título lo indica, en estos relatos no conseguirás ninguna respuesta a lo que ha sucedido, aunque puedes plantearte tus propias hipótesis. En su dos temporadas de seis capítulos unitarios cada una, encontrarás recreaciones, narraciones y entrevistas de los casos más misteriosos ocurridos en EE.UU. en los últimos años.
Crímenes, desapariciones, eventos paranormales y todo tipo de situaciones inexplicables son narradas en este Reboot que fue transmitido por primera vez en la década de los 80′ por la cadena NBC y ahora llegó a Netflix dirigido por John Cosgrove y Terry Dunn Meurer.
Tal ha sido el éxito de esta docuserie que ha colaborado a que el FBI reabra uno de los casos allí narrados (caso Brooks episodio 4 volumen 1) gracias a nuevas pistas brindadas por televidentes. Y esto no sería una sorpresa ya que en su edición original existen registros de que se lograron resolver aproximadamente 260 casos gracias a la colaboración ciudadana.
Estos cuatro títulos son solo una pequeña muestra de lo que se puede conseguir en la plataforma, ya que mes a mes se van sumando realizaciones de este estilo, en próximos posteos seguiré recomendando títulos que considere recomendables.
Las historias entre hijos y sus progenitores, las familias disfuncionales y también las ensambladas, siempre han dado buen material no solo a la literatura sino que también a la gran pantalla.
En esta columna les voy a recomendar las últimas películas y series que he visto y que giran en torno a esta temática.
Poster de la película
«El Castillo de Cristal»: Protagonizada por Brie Larson (hija), Woody Harrelson (padre) y Naomi Watts (madre) esta cinta dirigida por Destin Cretton (Las vidas de Grace) se basa en el libro homónimo de Jeanette Walls, periodista y escritora estadounidense que en el 2005 publicó sus memorias junto al gran secreto de su familia. Walls creció dentro de una familia disfuncional, nómadas y cargados de deudas y problemas como el alcoholismo de su padre y el odio a la vida convencional y las responsabilidades de su madre. Los cuatro hermanos aprenden a cuidar de sí mismos y se protegen unos a otros.
Una historia de familia que vive al margen de la sociedad, que podría compararse a la gran «Capitán Fantástico» de Matt Ross (que si no la vieron también recomiendo).
Uno de los puntos a destacar de esta película además de la historia es la interpretación de sus personajes, Jeanette Walls es representada no solo por Brie Larson sino que también por Chandler Head y Ella Anderson y las tres lo hicieron de maravilla.
Afiche de la película
«El sol que abrasa»: desde Taiwán llega este drama familiar que ganó cinco Golden Horse (premio que distingue al cine en idioma chino) incluidos mejor película y mejor director. La historia se centra en una familia que trata de reconstruir su vida luego de que el hijo mayor se suicida y el menor es condenado a prisión por ser autor de un violento ataque. El film atraviesa varios géneros como el thriller, la vida carcelaria y el suspenso pero se centra en el drama familiar. Una historia de redención y reconciliación que logrará sorprender por sus giros y que descarta la idea de quienes piensan que no se puede encontrar buen cine en plataformas de Streaming.
Afiche de la película
«Todo para mi ex»: También desde Taiwán llega esta historia conmovedora y emotiva. Después de la muerte de su padre Song Chengxi descubre que este habia nombrado a otro hombre como beneficiario de la póliza de seguro, dispuesto a descubrir la verdad queda atrapado en la disputa entre su madre y el amante de su padre. Una verdadera historia de amor, perdón y aceptación.
Afiche de la película
«Lazos de sangre» (Mother): En este caso el drama viene de Japón y está inspirado en una historia real. Nos muestra la relación tóxica de una joven madre con su hijo y como la vida de este deriva en tragedia gracias a su manipulación.
Una madre controladora, sin principios ni escrúpulos capaz de cualquier cosa con tal de satisfacer sus necesidades, que utiliza el amor de sus hijos en ventaja propia. Una película diferente, que no busca en lo mas mínimo la empatía con esa madre que llega a tornarse insoportable para el espectador.
Afiche de la película
«Crímenes de Familia»: ¿Qué tan ciego puede ser el amor de una madre? ¿Hasta donde llega la incondicionalidad? Estas son algunas de las preguntas que se nos plantean en esta película que llega desde Argentina de la mano del director Sebastián Schindel.
Daniel (Benjamín Amadeo) es acusado de intento de homicidio por parte de su ex. Sus padres, una pareja adulta de un barrio adinerado de Bs.As. deben enfrentar la vergüenza de la situación. Alicia (Cecilia Roth) hará lo imposible para sacar a su hijo de la cárcel. Como si esto no fuera suficiente Gladys (Yanina Ávila) empleada de la familia también es llevada a la cárcel (no vamos a decir de que se la acusa porque arruinaríamos la película), todo esto hace que Alicia replantee sus prioridades y demuestra que cada familia es un mundo. Durante toda la película se trata el tema de la violencia de género, la desigualdad, la violación, la adicción a las drogas e incluso la corrupción judicial.
Afiche de la película
«Hillbilly una elegía rural»:
Decido cerrar esta lista igual que la comencé, con una película basada en un libro autobiográfico, las memorias de J.D.Vance.
Dirigida por Ron Howard, y con las brillantes actuaciones de Glenn Close y Amy Adams nos cuenta la vida de J.D Vance (Gabriel Basso), ex-marine del sur de Ohio y actual estudiante de derecho de Yale, está a punto de conseguir el trabajo de sus sueños cuando debe retornar a su pueblo natal para ayudar a su madre (Amy Adams). Utilizando el flash back como recurso narrativo vamos conociendo la difícil infancia que ha tenido que soportar junto a su inestable e irresponsable madre adicta al alcohol y las drogas, la relación con su abuela, y los conflictos internos que el autor sentía a medida que se hacía adulto, interactuaba con los demás y se alejaba de sus orígenes Apalaches.
Bonusfamiljen
Y como yapa les recomiendo una serie sueca «Bonusfamiljen» en tres temporadas explora la vida de dos familias ensambladas que tienen que aprender a convivir con el divorcio, las nuevas parejas, los hijos ajenos y los propios. Con momentos de drama, comedia y por qué no de tragedia, vemos como Lisa y Patrik intentan llevar adelante su relación tratando de conformar a sus dolidos ex y sus hijos, además de enfrentar sus propios problemas de pareja.
Por supuesto que fuera de esta lista me quedan muchas películas y series con temáticas familiares que son excelentes, pero solo elegí las que vi durante el 2020 y que se pueden encontrar en Netflix para que el artículo no se torne interminable.
Me gustaría que me comenten si vieron alguna de estas películas, si les gustó, y en su opinión cuál debería estar dentro de la lista.
«El conocimiento y la empatía es el mejor remedio contra el bullying«, este es un mantra que me repito continuamente y que quiero inculcar a mis hijos. Por esta razón hoy vuelvo a ver «Wonder» junto a mi niño de seis años y mientras la miramos intento responder a sus dudas.
Trailer subtitulado en español
-Mamá ¿que enfermedad tiene «Auggie«? es la primera pregunta que surge al ver esta película.
– August Pullman «Auggie» nació con el Síndrome de Treacher Collins, una enfermedad genética que se caracteriza por malformaciones del cráneo y del rostro. Afecta específicamente a la forma en que se desarrollan los huesos de la cara antes de que nazca el bebé.
Zack de 2 años en su visita a Jono Lancaster – Ambos tienen el Síndrome foto: Noelle Bobrige
Enseguida le surge otra duda que considero válida para un niño de seis años, pero que tal vez es una pregunta que otros tienen frente a enfermedades que no conocen: – ¿Eso es contagioso? Con una sonrisa y los ojos un poco mojados por la historia le respondo que no, que es una enfermedad que a veces surge en la panza de la mamá y que los niños que la padecen ya nacen así. Con esta respuesta terminamos de ver la historia de Auggie y logró no solo conocer algo al respecto de esta enfermedad sino también aprender sobre la empatía.
Este síndrome surge por una mutación en un gen del cromosoma 5, puede aparecer de forma espontánea o por la transmisión hereditaria del gen defectuoso, su presencia impide la correcta formación de los huesos del cráneo, los pómulos y la mandíbula, no afecta la inteligencia y ni la esperanza de vida de quienes la poseen. Pero como se muestra en el filme, para que esto sea posible el tratamiento para estos niños empieza desde el nacimiento. Los recién nacidos que padecen este síndrome suelen tener dificultades para respirar ya que sus vías respiratorias son estrechas, lo que se soluciona con tratamientos quirúrgicos y en algunos casos traqueotomía.
Fotograma del filme – Auggie siendo presentado a sus nuevos compañeros
«Wonder»(Extraordinario en Latino-américa) está basada en «La lección de Auggust», primer libro la serie «Wonder» que se compone de cuatro títulos. Su autora R.J. Palacios comenta que la idea para estas novelas infantiles surgió después de un incidente en el que su hijo pequeño comenzó a llorar cuando vio a una niña con severas malformaciones faciales. En ese momento Palacios retiró a su hijo del lugar para no entristecer a la niña y a su familia y empeorar la situación pero luego de escuchar la canción «Wonder» de Natalie Anne Merchant (en la que habla de un niño que nació con una enfermedad congénita) decidió que este tipo de situaciones pueden ilustrar un valioso conocimiento sobre las diferencias. Así surgió la idea para el nombre de la serie de libros y además utilizó el estribillo de la canción para el prólogo del primer libro:
«Oooh, creo, el destino, el destino sonrió Y el destino se rió cuando llegó a mi cuna Sepa que este niño será capaz Reí mientras mi cuerpo ella levantaba Sepa que este niño será dotado Con amor, con paciencia y con fe. Ella hará su camino, ella hará su camino»
Libros de la colección Wonder
Video clip de la cancion Wonder de Natalie Merchant
El libro fue llevado al cine de la mano del director Stephen Chbosky y se estrenó a fines del 2017. Actualmente es uno de los estrenos destacados de Netflix, siendo número uno en el ranking de vistas en Uruguay.
La historia es sencilla y conmovedora, nos presenta a August Pullman, interpretado por Jacob Tremblay («The Room», «Dr Sueño») un niño de diez años al que su familia llama Auggie, fanático de Star Wars, amante de la ciencia y que un día quiere llegar a ser astronauta. Lo único que lo diferencia con cualquier otro niño de su edad es que padece el Síndrome de Treacher Collins, por lo que desde su nacimiento se ha tenido que someter a más de veintisiete cirugías y ha crecido sabiendo lo que es ser observado de forma extraña, curiosa y siempre incómoda tanto por otros niños como por adultos.
Jacob Tremblay en la sesión de maquillaje para su personaje
Su vida da un giro cuando su familia decide que es momento de que empiece a asistir a la escuela secundaria (hasta ahora había sido educado en casa), esto hace que tenga que enfrentar los desafíos del mundo exterior sólo por primera vez. Situación nueva para toda la familia, sobre todo para su madre Isabel (Julia Roberts) que desde que él nació puso su vida en pausa para atenderlo. Abandonó su sueño de ser ilustradora de libros infantiles y la tesis que debía presentar para obtener su título.
Pero la película no se centra solamente en Auggie, a pesar que gira alrededor de él, la historia está dividida en pequeños capítulos donde conocemos las perspectivas de los diferentes miembros de la familia, como por ejemplo su hermana mayor «Vía» (Izabela Vidovic) y cómo la llegada de su hermanito cambió su mundo.
Fotograma de la película – Primer día de clases – Auggie acompañado de sus padres y hermana
Considero que «Wonder» es una película que todos deberían mirar y no pasar por alto los mensajes que esta tiene, el principal es que la belleza de cada ser está en su interior y que si no sos buena persona de nada sirve ser «bello». Pero además, a lo largo del film encontraremos preceptos como el que enuncia Summer en la primera clase de Auggie «si tienes que elegir entre tener razón y ser amable, elige ser amable».
Filmax acaba de estrenar el tráiler de la nueva película del director David Victori «No matarás». Un thriller que nos muestra como todo puede cambiar en una sola noche.
Dani interpretado por Mario Casas, es un estudiante de medicina que ha dedicado varios años de su vida a cuidar de su padre, enfermo de cáncer. Luego de que este muere, decide retomar su vida y emprender un largo viaje, pero justo antes de eso, conoce a Mila (Milena Smit), una joven muy misteriosa con un carácter inestable, que convertirá su última noche en la ciudad en una auténtica pesadilla.
Los acontecimientos de ese encuentro llevarán a Dani a plantearse cosas que jamás habría imaginado y que harán que su vida no vuelva a ser la misma.
Su estreno está previsto para fines de octubre en los cines de España, esperemos que pronto llegue también a Uruguay
Y lo cierto es que a Mario Casas no lo detiene ni siquiera el Covid-19 porque desde su debut en la serie juvenil SMS en el 2006 no ha parado de darnos material.
Su último estreno fue «Hogar» de Álex y David Pastor, que protagoniza junto a Javier Gutiérrez y la podemos disfrutar en Netflix, al igual que «Contratiempo«, «El fotógrafo de Mauthausen», «El Bar», «Bajo la piel del lobo», «Palmeras en la nieve» y otras.
Para lo que queda del 2020 además de «No matarás» le queda por estrenar «El practicante» una película del género thriller donde interpreta a un técnico en emergencias sanitarias que trabaja a bordo de una ambulancia, y luego de un grave accidente que lo obliga a permanecer en una silla de ruedas se obsesiona pensando que su pareja lo engaña. Esto lo lleva a vivir un auténtico infierno.
Y, por último, «El inocente» una serie del género drama basada en la novela del mismo nombre escrita por Harlan Coben donde se narra la historia de Mateo, un joven que al intentar mediar en una pelea acaba matando a alguien de manera accidental. Después de cumplir una condena de nueve años intenta seguir con su vida hasta que su pareja recibe una llamada que vuelve a poner la vida de Mateo en peligro.
Les comparto el Tráiler oficial de «No matarás» y me cuentan qué les parece.
«Maudi – El color de la vida» es una película biográfica que retrata la vida de Maud Lewis. Fue estrenada en Canadá en el Festival Internacional de cine de Toronto en el 2016, pero su reciente estreno en Netflix le ha otorgado una nueva notoriedad.
Maud Lewis (1903 – 1970) fue una pintora de la localidad de Nueva Escocia (Canadá) considerada hoy en día como un icono de la pintura folclórica canadiense. Ejemplo de superación y resiliencia ya que a pesar de sufrir de artritis reumatoide (trastorno que causa dolor, inflamación, rigidez y pérdida de la función de las articulaciones) no se detuvo y pintó hasta sus últimos días de vida.
La película escrita por Sherry White, dirigida por Aisling Walsh y protagonizada por Sally Hawkins y Ethan Hawke nos muestra la vida de Maudi desde el momento en que decide independizarse de su tía Ida, quien la maltrataba y la creía incapaz de valerse por si misma. Decide presentarse en la casa de Everett Lewis, un pescador/vendedor de la zona, en respuesta a un anuncio que él había publicado hacía unos días en el que buscaba: “una mujer para la limpieza con residencia incluida para un hombre de cuarenta años».
Él era tosco, solitario, con malos modales y agresivo, pero esos no fueron motivos suficientes para volver a vivir bajo el régimen de su tía. Poco a poco ella fue ganando su lugar, limpiando, cocinando, cuidando de aquel hombre y pintando cada trocito de hogar que le era cedido en aquella pequeña casita de apenas 12 m² que hoy permanece intacta en el museo «Galería de arte de Nueva Escocia» gracias a un grupo de ciudadanos de la zona de Digby, que fundaron la «Lewis Painted House Society», con el único objetivo de salvar el inmueble.
Sus pinturas eran coloridas, siempre utilizaba colores puros (no mezclaba), simples y frescos, preferentemente flores y pájaros aunque también pintaba paisajes, otros animales y personas. Debido a su enfermedad las pinturas eran de tamaño 20 x 25, que era lo máximo que podía estirar sus brazos, aunque realizó algunas pinturas de 60 x 60 solo por encargo.
Los turistas paraban a comprar sus cuadros y la prensa comenzó a interesarse por ella, la revista «Toronto Star Weekly» le realizó una nota, luego fue la estrella invitada de un programa prime time de la cadena «CBC Television» y su máxima notoriedad fue en 1970 cuando el presidente Richard Nixon compró dos de sus cuadros para decorar la casa blanca. A pesar de eso la pareja se mantuvo humilde, en la pequeña casa, con lo mínimo imprescindible para vivir y pintar.
Murió el 30 de julio de 1970, a sus 67 años, debido a una pulmonía.
Sus últimas palabras: «Fui amada», fueron para Everett, que nueve años después, murió en su cabaña, victima del disparo de un ladrón.
Si te gustan los biopics no podes perderte de esta cinta que ganó siete «Canadian Screen Awards» entre otros premios y que actualmente está en Netflix.
Cuando lees el título «Historia de fantasmas» lo menos que pensás es que va a ser una película para terminar llorando. Lo cierto es que no me gusta para nada el cine de terror pero a pesar de su nombre me dio intriga por sus protagonistas: Casey Affleck y Rooney Mara.
Esta no es una película convencional, desde el comienzo uno percibe algo diferente, planos estáticos, el formato 4.3 de bordes redondeados, y el color sepia dan la sensación de estar mirando una fotografía vieja.
Tiene escenas extremadamente largas y abrumadoras, diálogos reducidos al mínimo y silencios eternos, pero lejos de tornarse aburrida nos da la sensación de ser nosotros mismos como ese fantasma, un testigo que está observando como la vida continúa y se repite constantemente.
¿Quién podría imaginar que una sábana con agujeros en lugar de ojos pudiera transmitir tantos sentimientos?
Ciertamente el director de esta cinta David Lowery sí lo pensó y no falló. La historia es sencilla y original a pesar de que ya se haya escrito sobre la vida después de la muerte una y mil veces.
«C» (Casey Affleck) muere en un accidente de tránsito dejando a su pareja «M» (Rooney Mara) sola. Sorpresivamente vemos como se levanta de la camilla en la morgue, quedando cubierto por la sábana que ahora tiene «ojos». Lentamente se dirige a la que fue su casa y observa a la persona amada. Con elipsis de tiempo mágicamente logradas vamos presenciando junto al fantasma como la vida continúa.
Lo original en la cinta es que cualquiera pensaría que la historia se dedicaría a mostrar como el alma, que no puede separarse del ser amado lo sigue y cuida a donde vaya, sin embargo cuando M reanuda su vida y se va de la casa que compartieron, C queda ahí, varado, navegando en el tiempo sin tiempo, observando, escuchando, perdido.
La clave está en que no es una película de amores perdidos, de duelos no resueltos, sino que es una película que habla de los espacios que ocupamos, de la historia de los lugares, del eterno bucle del tiempo y de la búsqueda constante de permanecer.
A primera hora de la mañana, mientras desayunaba tranquila, en ese momento en que la casa está en silencio y aprovecho a leer las noticias, me encuentro con la triste historia de Choi Sook-hyeon, una triatleta sur-coreana de veintidos años que se quitó la vida luego de haber recibido agresiones físicas y verbales por parte de su entrenador y un médico del equipo durante largo tiempo y no encontrar ningún tipo de respuesta por parte de las autoridades luego de las múltiples denuncias que realizó.
Justamente hace dos días miré en Netflix el nuevo documental recientemente publicado llamado «Atleta A».
En el mismo se relatan los múltiples acosos físicos y psicológicos que recibieron las niñas gimnastas olímpicas estadounidenses de parte de sus entrenadores y los abusos sexuales que perpetraba el Dr. osteópata Larry Nassar cuando realizaba «masajes terapéuticos» a las niñas.
Estos abusos salieron a la luz después de que un equipo de reporteros de «The Indianapolis Star» publicara un artículo sobre los maltratos dentro de Usa Gymnastic, donde las denuncias de las afectadas permanentemente eran ignoradas por los directivos del gimnasio, la Federación e incluso por el FBI.
Todo esto removió algo de mi propia historia en el deporte.
Un día del año 1995 cuando tenía once años decidí que no iba a seguir haciendo patín. Hacía siete años (cuando apenas tenía cuatro) había comenzado en un club del barrio donde vivía . Todo empezó como un juego, un lugar al que iba, disfrutaba de algo que me gustaba, me divertía y de paso practicaba un deporte. Con el pasar del tiempo me mudé y esa mudanza implicó cambiar de lugar de entrenamiento. Comencé nuevamente en un club de barrio pero con otras características, esta nueva profesora tenía un perfil «profesional», estaba federada y llevaba a sus patinadoras a competición. Lo que había comenzado como un juego, una diversión se estaba tornando en un deporte profesional de competencia.
En un primer momento todo marchaba bien, yo era una niña petisita y robusta, a mis padres se les comunicó que tenía «condiciones» para este deporte y cuando nos dimos cuenta los entrenamientos y requisitos se fueron incrementando. Pero ese no era el gran problema, lo triste pasaba por otro lado.
Ese día del 95, con once años decidí que no quería volver a subirme a un patín, que no quería volver al club y que no quería volver a ver a esa mujer. Si bien con esa edad no lograba entender por qué todo ese tema me generaba tanto odio había algo dentro de mí que sentía que lo que sucedía no estaba bien, patinar ya no me hacía feliz y tampoco era divertido.
Hasta el día de hoy recuerdo sus ojos claros, sus pecas, sus arrugas, y el aliento a goma quemada que despedía su boca de dientes amarillos cada vez que me decía «gorda», «inútil», «si no dejas de caerte nunca vas a calificar», «cuando mires a los jueces tu puntaje va a ser cero», «no sos buena para nada», «sos un desastre». Otro asunto inolvidable son los constantes controles que nos realizaba, la balanza, el metro, las palabras descalificadoras cuando subías de peso. Sus manos sacudiendo mis brazos cada vez que no lograba saltar y caer de forma correcta, la violencia con que «nos ayudaba» a estirar nuestras piernas. El tirón cuando te levantaba del piso después de una caída.
Nunca hubo una palabra de aliento, nunca un mensaje de orgullo, nunca una felicitación, ni siquiera cuando logré medalla de plata y fui la única ganadora del club. Recuerdo su cara de desprecio, sus desaires, su mal humor.
Obviamente mi experiencia no se compara con el de las chicas de esta serie, no fui víctima de un abuso de carácter sexual, pero sí fui víctima de un abuso psicológico y en alguna que otra oportunidad físico.
El tiempo pasó, hoy con treinta y seis años puedo reflexionar y darme cuenta de que todo lo que te sucede en la vida, sobre todo en la infancia te deja marcas. Determinadas conductas y pensamientos del día de hoy, como nunca lograr estar conforme con el físico, sentir que no das la talla en ningún sitio, estar continuamente obsesionada con la perfección y la baja autoestima seguramente sean cicatrices de esos días en los que una señora decidió que tratarnos así nos iba a hacer mejores patinadoras.
El único consejo que puedo dejarles hoy en día, como madre, es que nunca dejen a sus hijos solos en instituciones deportivas, muchos sitios tienen como excusas que los niños se distraen con la presencia de sus padres, que pierden la concentración, yo no confiaría. Ninguna medalla, reconocimiento, ni logro vale más que una psique sana.
Perdida entre la lista de películas para adolescentes de Netflix me encontré con este título. Confieso como guilty pleasure que a veces se me da por mirar este tipo de películas: pubertos que están buscando el camino, que se enfrentan por primera vez a ciertas dificultades de la vida, acoso escolar, el famoso “Prom” y todas esas cosas.
Crecimos mirando y anhelando la vida estadounidense, quienes rondan mi edad recordarán “Ten Things I Hate About You”, “Jamás besada”, “High School Musical” y muchas otras, donde la menos popular era aceptada y todos eran felices para siempre.
Para mi sorpresa este no fue el caso y me encontré con algo un poquito más profundo y escabroso.
“Salvando a Zoe” es un thriller/drama basado en la novela homónima de Alyson Noël. Y retrata la existencia de Echo, una chica de 15 años que lucha por seguir adelante con su vida y comenzar el secundario un año después de que su hermana mayor Zoe fuera brutalmente asesinada.
Zoe era la típica chica perfecta, popular, buenas notas, novia del deportista y todos los clichés que nos podamos imaginar, Echo como la menor y tímida hermanita siempre se sintió poca cosa y aún luego de su muerte sigue viviendo a su sombra. Un día encuentra el diario íntimo de su hermana y comienza a leerlo. Esto le abre todo un nuevo panorama, no solo se da cuenta de que no la conocía para nada sino que comienza a tener pistas sobre qué fue lo que realmente le sucedió.
Si bien la historia tiene algunas inconsistencias con respecto a la personalidad del personaje principal y su forma de actuar y reaccionar en determinados momentos me gustó el paralelismo entre pasado y presente a través de la lectura del diario.
También es bueno el trato que se da de ciertos temas que no voy a nombrar para no caer en spoilers. Realmente me pareció una buena película para ver junto a sus hijos adolescentes (si es que los tienen) ya que puede ser la herramienta de apertura a ciertos temas difíciles de tratar.
Al parecer con el pasar de los días en cuarentena todos nos hemos puesto de acuerdo en visualizar más o menos el mismo contenido, y cuando por algún motivo alguno de estos destaca, las opiniones, referencias, críticas y chistes no se hacen esperar.
Este es el caso de «El Hoyo», película española del director Galder Gaztelu-Urrutia, estrenada en el 2019 en el marco del Festival Internacional de Cine de Toronto donde ganó el premio People’s Choice Award for Midnight Madness y recibió buenas críticas.
Además ganó cuatro premios, entre ellos, mejor película en el Festival de Cine de Sitges, convirtiéndose así en la primera película española en ganarlo en las 52 ediciones que ha tenido el festival. En los Premios Goya 2020, consiguió ganar por Mejores Efectos Especiales y otras dos nominaciones a Mejor Dirección Novel y Mejor Guion Original.
Netflix la estrenó el 20 de febrero de 2020, pero no fue hasta los primeros días de reclusión (obligatoria y/o voluntaria) de los televidentes (o debería decir netflixvidentes) que su popularidad explotó y se convirtió en trending tópic.
Y no es para menos, ya que las películas que muestran sin piedad las aberraciones del ser humano suelen ser atractivas para todos.
La premisa es la siguiente: nuestro personaje principal «Goreng» despierta en una habitación que parece ser una cárcel, junto a un compañero de celda llamado «Trimagasi»; en el dialogo entre ellos vamos conociendo el funcionamiento de este recinto que tiene reglas muy sencillas, donde todo parece «obvio». El edificio es una torre vertical, no se conoce la cantidad exacta de pisos que tiene, cada habitación es ocupada por dos personas, una vez al mes estos individuos, de forma aleatoria, cambian de piso sin conocer el nivel que les tocará la próxima vez.
A todos se les permite ingresar un objeto personal.
Pero el tema fundamental del funcionamiento de este «centro de auto-gestión» es que el alimento desciende por una plataforma , desde el piso 0 (que es el más alto), la misma esta repleta de exquisitos manjares, alimentos que van desde platos exóticos, hasta frutas, pasando por las ensaladas, verduras, carnes y postres. Pero a medida que va descendiendo, la vorágine y el egoísmo del ser humano acaba con estos alimentos, siendo imposible que los pisos inferiores consigan algo. La plataforma se detiene 2 minutos en cada piso y la única regla establecida es que los individuos no se pueden quedar con nada de lo que hay allí.
Aunque muchos opinan que el film es solo una crítica al sistema capitalista yo prefiero pensar que también es una metáfora y un juicio al ser humano, al individualismo, al egoísmo, a lo más ruin que todos llevamos dentro.
Y es que esto no es ninguna novedad, el tema de la naturaleza humana y la maldad / bondad intrínsecas del individuo es un problema filosófico desde el comienzo, que tiene posturas enfrentadas y hasta el momento no han sido resueltas por completo.
Cada espectador se pondrá del lado que más le convenza, pero solo basta con escuchar las noticias para poder ver reflejado todo el planteamiento de la película en cada nivel de nuestras vidas. Y no solo hablo de cubrir necesidades básicas como la alimentación, estoy hablando del egoísmo que lleva a algunas personas a, por ejemplo, no acatar las ordenes de aislamiento cuando saben que están enfermos, sin importarles poder enfermar y hasta matar a otros, agotar los recursos sin pensar en los demás (todos hemos visto las góndolas del supermercado vacías, sin sentido), salir a pasear (porque no aguantan) y un largo camino de etcéteras que ya todos conocemos. Ojo, que también existen los solidarios, pero desgraciadamente son los menos.
Tal vez a partir de aquí caigamos en algún tipo de spoiler por lo que si no querés conocer algún detalle importante, podes retomar la lectura luego de verla.
Volviendo a la película, y al tema filosófico, cada uno de los personajes representa un tipo de sistema que de alguna forma falla frente a la situación de los individuos.
Hobbes –inglés, siglo XVII– afirma que “el hombre es un lobo para el hombre” y que en estado primitivo lo que impera es la guerra de todos contra todos. El ser humano es malo por naturaleza, de modo que para poder convivir se necesita un poder absoluto, una ley autoritaria que controle el impulso agresivo que surge de la motivación egoísta de todos los seres.
Si analizamos a los personajes esta postura es la que tiene Trimagasi, cuando explica el funcionamiento del hoyo. Cuando te toca hay que comer, y no hay nada que hacer, los de arriba no te escuchan porque están arriba, y los de abajo no importan, porque están debajo. Solo queda sobrevivir a como de lugar.
Por el contrario Rousseau defiende que el hombre es bueno por naturaleza, con empatía y dispuesto a ayudar cuando el otro sufre, pero a partir del sentido de propiedad, cuando el primero dijo «esto es mío» aparece la agresividad, la envidia y la competencia.
En este sentido «Imoguiri», segunda compañera de Goreng apela a la solidaridad, intentando que los demás sean comprensivos y repartan el alimento, que solo consuman lo necesario para que alcance para todos, planteamiento que no es escuchado por nadie hasta que no es establecido a través de la fuerza, por Gorenh y «Baharat» (tercer compañero del protagonista).
No importa en que lugar geográfico ni en que época está ubicado el hoyo, porque nos plantea una problemática atemporal que nos afecta a todos por igual, por este motivo no se nos dan referencias de este tipo. Los individuos que se encuentran en esta infraestructura también son variados, en culturas, razas, religiones, edades y sexos.
El final está abierto a interpretación de cada espectador, pero la crítica y el mensaje es a todos los individuos y sistemas de distribución, dejando claras todas las fallas en los mismos.
El propio director en una entrevista dijo: «Puede haber una crítica al capitalismo desde el inicio, pero mostramos que tan pronto Goreng y Baharat prueban el socialismo, intentando convencer a los otros prisioneros de compartir voluntariamente su comida, acaban matando a la mitad de esas personas, a las que se supone que deben ayudar»
Cada obra tiene un momento ideal para ser descubierta.
Su temática, su mensaje, podrá ser recibido de una u otra forma en relación a las experiencias y conocimientos del espectador. Por eso, tal vez, en algún momento de tu vida viste una película y no la entendiste, o te encantó, o te afectó profundamente. Tal vez estuviste de acuerdo o en desacuerdo con algunos de los personajes y con el pasar de los años la volviste a ver y tu concepto de la misma cambió completamente.
En estos momentos de cuarentena quiero invitarte a repasar y repensar un título del 2004 “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”.
Y si aún no la viste ¿qué estás esperando?
Sin duda el público ideal para esta película es aquel que ya ha sufrido por amor, aquel que ha vivido una relación amorosa desastrosa o quienes sepan lo que es extrañar.
“Aquellos que no aprenden nada de los hechos desagradables de sus vidas, fuerzan a la conciencia cósmica a que los reproduzca tantas veces como sea necesario para aprender lo que enseña el drama de lo sucedido. Lo que niegas te somete. Lo que aceptas te transforma”
Dijo el médico psiquiatra Carl Gustav Jung
Clementine (Kate Winslet) desea desesperadamente borrar a Joel (Jim Carrey) de su mente y lo hace, contratando los servicios del Dr. Howard Mierzwiak (Tom Wilkinson), director de Lacuna Inc., una clínica especializada en un innovador sistema que borra toda la red mental de recuerdos relacionados al problema que te causa angustia.
Joel se entera de la decisión de Clementine, dolido y desesperado decide pagarle con la misma moneda y también contratar el servicio, de esta forma estarían a mano. ¡Ambos olvidados!
¿Quién no ha deseado, alguna vez, borrar de su mente todos aquellos recuerdos que lo hacen sufrir?
¿Es real que quien no aprende de sus errores está destinado a repetirlos?
¿No es esto precisamente esto lo que sucede en la vida real? De forma natural, como mecanismo de defensa, nuestro cerebro borra y confunde nuestros recuerdos, mitigándolos para que no nos hagan daño.
Si esto no sucediera, no se podría explicar cómo es que después de un tiempo muchas parejas decidan darse una segunda oportunidad, “olvidando” qué fue lo que los llevó a separarse en primer momento.
“Eterno resplandor de una mente sin recuerdos” es una película que te hace plantearte todas estas cuestiones respecto a las relaciones amorosas que no han resultado exitosas. Con una propuesta diferente comparada a las clásicas historias de amor, contada de forma no lineal, vamos experimentando junto a Joel cómo fue su relación con Clementine. A través de sus recuerdos, experimentamos los momentos tiernos, los divertidos y los desagradables. Logramos empatizar con sus sentimientos enamorándonos de los personajes hasta el punto de pensar que ambos merecen una segunda oportunidad.
En medio del proceso de borrado Joel se arrepiente e intenta revertir la situación. En el fondo él no quiere olvidarse de los momentos vividos junto a Clementine.
El tiempo cura, las heridas sanan y si tenemos suerte y aprendimos algo de los errores cometidos y de nosotros mismos, tal vez si lo volvemos a intentar, esta vez resulte.
Porque todos sabemos como dijo Lord Alfred Tennyson que “es preferible haber amado y perdido, que nunca haber amado”
Se estrenó en Netflix la miniserie de 4 capítulos «Poco Ortodoxa». La misma es una ficción libremente adaptada del libro autobiográfico de la escritora Deborah Feldman “Unorthodox: The Scandalous Rejection of My Hasidic Roots” (Poco Ortodoxa: el escandaloso rechazo de mis raíces Hasídicas).
Antes de verla algunos datos que te pueden ser de utilidad: El judaísmo actualmente se divide en tres grandes ramas, Conservadora, Reformista y Ortodoxa. La diferencia entre ellas es el grado de adherencia que cada una tiene a las leyes judías.
Los judíos siguen 613 preceptos que controlan cualquier ámbito de sus vidas, incluido por ejemplo la forma de vestir, de llevar el cabello, de alimentarse, cómo enterrar a sus muertos entre otros.
El judaísmo ultraortodoxo es una corriente interna del judaísmo ortodoxo, cuya práctica religiosa es especialmente devota. Para ellos la Torá entregada en el Monte Sinaí por Dios, con sus respectivas leyes, constituye el «manual de instrucciones del mundo».
Los jaredíes se casan jóvenes. Las bodas a menudo están pactadas por un casamentero (Shadkhanim) y el objetivo de todo matrimonio es tener el máximo número posible de hijos.
Las mujeres casadas solo pueden mostrar su cabello a sus maridos, por eso lo cubren con pañuelos o pelucas para evitar que lo vean el resto de los hombres. Deben vestir de forma sencilla, siempre llevar medias de nylon, polleras largas y colores discretos. No se pueden mostrar los hombros.
Antes de volver a mantener relaciones sexuales después de la menstruación o partos deben realizar un baño de inmersión en el micvé (bañera que normalmente se encuentra en las sinagogas), las normas marcan que debe tener agua fría, que corra y debe realizarse de noche.
Los hombres dejan crecer el cabello que crece entre las orejas y las cienes, y le dan forma de tirabuzón, estos reciben el nombre de peot, y también usan barbas largas. Cuando están casados llevan un sobrero de piel con forma circular que sobresale considerablemente de la cabeza (shtreimel).
La nueva serie de Netflix trata de la búsqueda de libertad de Esther Shapiro (Esty) interpretada por Shira Haas. Esta chica de 19 años, criada en el jasidismo, donde su destino es ser buena esposa y madre, escapa de Brooklyn a Berlín, donde intentará contactar a su madre y comenzar de cero en un mundo totalmente diferente para ella. Su esposo junto con un primo van tras ella para hacerla regresar a la comunidad.
Fue creada por Anna Winger y Alexa Karolinski, con la ayuda de Deborah Feldman (escritora del libro en que se inspiraron). Nos habla de liberación femenina, de la lucha por conseguir la realización propia y de la diversidad cultural.
Uno de los puntos a destacar de la serie es su agilidad, comienza con la decisión de Esther de abandonar a su marido, y poco a poco vamos conociendo la historia completa, vemos el presente de la chica y los flashbacks nos relatan como era su vida en el seno de la comunidad de judíos ortodoxos de Williamsburg, en Brooklyn, Nueva York.
También me gustaría destacar que no es una obra para denunciar algún tipo de violencia o de critica social, sino que nos muestra las costumbres de una religión totalmente diferente a las que estamos acostumbrados. Nos muestra una visión del mundo que para los que no pertenecemos a ella es incomprensible, pero todos los que ahí dentro llevan ese estilo de vida lo hacen convencidos de que las cosas se hacen así y no de otra forma. Actúan con respeto a sus propias normas y no por maldad. Esa es la sensación que me quedó analizando el personaje de Yakov “Yanky” Shapiro (Amit Rahav), esposo de Esther, quien auténticamente estaba convencido de que las cosas debían hacerse como lo mandaban las leyes y por eso se percibe como un muchacho ingenuo e inocente.
Es una serie digna de una maratón y también vale la pena ver el capitulo extra «behind de scene» donde las creadoras y los protagonistas hablan de la realización de la misma.
Con las salas de cine cerradas y los festivales cancelados los estrenos se viven sólo a través de plataformas de streaming.
En este caso los hermanos David y Alex Pastor presentan «Hogar»
Se trata de un thriller psicológico protagonizado por Javier Gutiérrez y Mario Casas que nos habla de la envidia, los celos, la confianza o la falta de ella.
¿Hasta dónde llegaría una persona que no está conforme con su vida? ¿De qué sería capaz para alcanzar lo que cree que merece?
Javier Muñoz es un hombre de mediana edad que tiene el concepto de familia feliz idealizado. Para él, padre trabajador y exitoso, una mujer e hijos perfectos que lo esperan amorosamente en un hogar amplio, limpio y luminoso es sinónimo de felicidad. Esta idea se ve reflejada en sus exitosas publicidades realizadas algunas décadas atrás.
La realidad del publicista se ve actualmente desmoronada cuando luego de estar en el paro por más de un año se da cuenta de que sus 15 minutos de fama se han terminado. Las familias perfectas que él mostraba en sus anuncios publicitarios son hoy un estereotipo al que nadie hace caso.
Él mismo se encuentra en una familia con la que no se siente a gusto, su esposa se ve obligada a trabajar en una empresa de limpieza, su hijo le causa vergüenza y además es victima de bullying en el colegio. Está sin trabajo y sin esperanzas, siendo remplazado por creativos más jóvenes, nuevas tecnologías y medios que no comprende o con los que no se siente cómodo.
Toda esta situación lo lleva a abandonar su piso de ensueño con vista a Barcelona y mudarse a un pequeño apartamento. Un día se da cuenta de que todavía tiene las llaves de su antiguo hogar y decide colarse para ver cómo viven los nuevos inquilinos. No quedan claros los motivos que lo llevan a convertir esta acción en rutina, pero ya sea por añoranza de su vida perdida, envidia, o pura maldad se transforman en un plan interminable para volver a tener la vida que cree merecer.
En un acto que casi podría compararse con «Parásitos» (simplemente por la actitud del personaje, de absorber la vida de su antagonista) comienza a interactuar con la familia y ganarse su confianza hasta límites insospechados.
La idea de esta película surgió cuando David Pastor encontró luego de sus múltiples mudanzas las llaves de uno de los apartamentos que había dejado. Y pensó en que pasaría si se le ocurriera entrar y ver quien vivía allí.
Sin duda uno de los puntos fuertes que tiene el film es la actuación de Javier Gutierrez que nuevamente nos demuestra que no le da miedo generar en el público la repulsión y odio total. Aunque quienes hayan visto «El autor» no podrán dejar de encontrar similitudes entre sus protagonistas.
(Ya de paso les recomiendo que vean El autor, que también se encuentra en Netflix)
Siento que a la película le faltó algo, tal vez una motivación más fuerte, muchas veces no queda claro por qué el personaje hace lo que hace, ni son convincentes las reacciones que generan sus acciones. Un desarrollo un poco más profundo de los personajes habría ayudado, tal vez una crítica social un tanto más arriesgada, pero lo cierto es que logra entretener y en estos momentos sirve, aunque sea por una hora cuarenta y tres minutos, para que pensemos en otra cosa.
Seamos realistas, estamos en medio de un caos mundial. Tal vez todos pensábamos que el final iba a venir de la mano de zombies o mutantes, un tsunami o una lluvia de fuego que acabara con todo, pero no, un virus invisible nos tiene encerrados en casa, en pijama, limpiando sin parar, y comiéndonos el coco pensando en lo que pasará si no podemos volver a trabajar. Los días pasan, las cuentas se acumulan y los ánimos empiezan a mermar. Compartimos memes, chistes, bromas, intentamos cambiar de tema pero siempre volvemos a lo mismo. Estamos todos encerrados y preocupados.
Me he propuesto mirar diferentes cosas para poder recomendarles y que se distraigan un poco del tema principal que es el Covid-19, pero la verdad no encuentro nada interesante, que tenga un mensaje, algo en que pensar y que a la vez sea divertido. Me niego a empezar a recomendar películas de chiste fácil, así que voy a seguir recomendando cosas que realmente creo que valen la pena, advirtiéndoles que no serán divertidas y que probablemente les haga llorar. Lo que si estoy segura es que por un momento, pensaran en otra cosa.
Advertencia hecha voy con el título de hoy:
«Dime quién soy» Es un documental de Netflix publicado en agosto del 2019. Fue nominado a mejor documental en el premio de cine independiente británico. Producido por Simon Chinn y dirigido por Ed Perkins nos narra la historia de los gemelos Alex y Marcus Lewis. En la adolescencia Alex sufre un terrible accidente automovilístico, el golpe lo deja sin recuerdos, no conoce su nombre, no reconoce a sus padres ni su casa, el único recuerdo que tiene es la existencia de su hermano Marcus. Este decide acompañarlo y narrar para él la historia de su vida, su infancia, sus amigos, todas sus experiencias. Esto es recibido por Alex con alegría, formando sus recuerdos nuevamente con los cuentos de Marcus.
Decir que es un documental alcanza para saber que es una historia real, que todo lo sucedido es verídico, aunque obviamente con escenas recreadas.
Los años pasan y las fotografías, anécdotas, e historias de Marcus comienzan a formar la nueva memoria de Alex, hasta la muerte de su madre. Cuando comienzan con la limpieza y el orden de la casa familiar, Alex descubre una foto oculta en el fondo de un cajón del ropero de su madre, en ese momento la historia que Marcus había creado con tanto cuidado y sobre todo con amor se cae a pedazos y la verdad sale a la luz.
Como decía mi abuela «la mentira tiene patas cortas, tarde o temprano la verdad encuentra por donde colarse». Es en este momento que junto con Alex el espectador comienza a unir las piezas del puzzle y descubrir todos los secretos familiares, las perversiones, los maltratos y abusos que Marcus había negado hasta el momento.
No solo el tema del documental es interesante, sino que nos plantea hasta que punto es bueno conocer la verdad.
Nos presenta a la mentira como un acto de amor, a través de la cual Marcus le dio a su hermano una nueva infancia, le evitó la vergüenza, lo salvó de la desgracia y a su vez con la nueva vida creada, se salvó a sí mismo, borrando lo malo, inventando la felicidad. Nos habla de esas mentiras que repetidas tantas veces las cree el propio creador.
La película les da la oportunidad ahora, con más de 50 años, de ser un catalizador para hablar del trauma, hacer frente a la historia, manejar la culpa y sanar las heridas que todo esto les dejó.
Antes de comenzar esta nota quiero recomendarte que si sos de esas personas que todavía no ha visto Breaking Bad, lo hagas. Este es el momento ideal para hacerlo. Se ha decretado en casi el mundo entero una recomendación de cuarentena, no hay fiestas, ni reuniones, se cerraron momentáneamente la mayoría de las empresas, no hay cines, ni shopping, ni lugares para ir a comer, los que estudiamos lo hacemos desde casa y los que pueden teletrabajan, así que, si este no es el momento ideal de engancharte con una serie, no se cuál será. Aparte de todo esto, te aseguro que es una de las mejores series que se han hecho, así que es una win win situation por donde se la mire.
Dicho esto, hablemos de Better Call Saul, esta serie es un spin off (serie de televisión, película, etc. creados a partir de una obra ya existente) de la ya recomendada Breaking Bad, que sigue el origen del carismático pero amoral abogado Saul Goodman. Siendo realistas las cuatro temporadas que se habían publicado se hicieron un poco largas y tal vez la mayoría de los fans sentimos que tenían escasa conexión con la narrativa acelerada a la que nos tenían acostumbrados Vince Gilligan y Peter Gould (creadores) en su predecesora. Pero lo cierto es que fueron un largo camino hacia esta quinta temporada que desde el comienzo nos ha indicado que es lo que estábamos esperando, la definitiva transformación de Jimmy McGill en Saul Goodman.
Con el anuncio de que la serie terminará en su sexta temporada, vamos viendo como Jimmy desaparece dando paso a Saul , quien vertiginosamente se va introduciendo en el lado oscuro, acercándolo cada vez más a los personajes conocidos por todos como Gustavo Fring, Héctor Salamanca, Nacho Vargas y el viejo Mike. Con 5 capítulos ya publicados estamos más que seguros que la linea temporal entre las series se esta acortando. Ya hicieron su aparición Hank, el cuñado agente de la DEA de Walter White y su compañero Steven Gomez, y a pesar de que sabemos cuales son los destinos de todos estos personajes eso no hace que estas dos últimas temporadas nos dejen más que satisfechos con la serie.
Realmente estuve unos días pensando si debía o no escribir una nota sobre esta miniserie documental que se puede ver en Netflix. La razón de mis dudas deriva del motivo que llevó al perpetrador a realizar los atroces actos que cometió y que no eran otros que «popularidad», «visibilidad» y «fama» a cualquier costo. Tal vez escribir sobre este caso es otra forma de darle un poco más de difusión y eso me detenía, pero también pensé en la gente que ayudó a atraparlo y en como nadie (autoridades) les dio credibilidad. Por eso escribir sobre el caso, puede ayudar en un futuro a que se investigue y se detengan a tiempo este tipo de criminales.
«No te metas con los gatos. Un asesino en Internet» es una miniserie documental de tres episodios que se puede visualizar en Netflix.
Realmente su título captó mi atención y la comencé a ver solo para saber de que se trataba y si era interesante. La verdad fue que me atrapó desde el comienzo y miré los tres capítulos seguidos porque necesitaba saber como iba a concluir esta espeluznante historia real. Sus creadores Dimitri Doganis y Adam Hawkins sacan provecho de una historia macabra, convirtiéndola en atrapante, logrando que formes parte de lo que vivieron sus protagonistas frente a la investigación del caso.
Quiero avisar que todos aquellos que son sensibles a imágenes con alto contenido de violencia no deberían verla, ya que aunque no todo se muestra, se describe y eso es suficiente para dañar la sensibilidad de muchos.
Todo comenzó con un video casero en el que un chico asesina a dos pequeños gatitos quitándoles el aire con una bolsa de almacenaje al vacío y una aspiradora. Ese material fue suficiente para el repudio colectivo de todos los que de una forma u otra visualizaron el video. Rápidamente se organizó un grupo de facebook en el que la consigna era saber quien fue el creador de ese material y darle captura. Como su primer capítulo se titula, comienza el juego del «gato y el ratón», donde este personaje quería ganar notoriedad y fama e iba dejando pistas para sus persecutores.
Deanna Thomson, analista de datos de un casino en Las Vegas, y John Green, informático especializado en Los Ángeles, son dos «nerds informáticos» que se ponen la investigación al hombro, sabiendo que el video de los gatitos iba a ser solo el principio de una serie de eventos desagradables teniendo en cuenta que quien comienza lastimando animales tarde o temprano terminará haciéndolo con una persona.
Una cosa que seguro logra esta miniserie es hacernos pensar en los límites de Internet, en la cantidad de información personal que compartimos y en el peligro que esto conlleva. En las consecuencias de todos los actos que cometemos y en el alcance de nuestras acciones. Y que nunca, nunca sabes realmente quién es la persona que está del otro lado de la pantalla.
Tal vez esta serie le dé más difusión al asesino, al psicópata que cometió estos actos, pero tal vez ayude para que cierres la pantalla y salgas de Internet.
Luego de haber sido múltipremiada en toda la temporada de premios 2019 / 2020, logró el Óscar no sólo a mejor película extranjera sino también como mejor película, mejor director y mejor guion original. Arrasó en el Festival de Cannes (mejor director – mejor guion – premio del jurado- mejor actriz – mejor actor – gran premio) – destacó en los premios del sindicato de actores en mejor reparto. Ganó como mejor película de habla no inglesa, mejor guion y mejor director en los Globos de Oro, ahora llega a Netflix y promete ser el mejor estreno de setiembre.
No es para menos, en una era donde el cine parece no tener nada nuevo que presentarnos, más que tecnología y remakes, aparece un film como PARÁSITOS, desde Corea del Sur de la mano del director Bong Joon-ho. Una historia de familia, que mezcla drama, critica social, humor negro, una pizca de terror y suspenso, con giros tan inesperados que sorprenderían al mismísimo Alfred Hitchcock.
Sinopsis: Ki-taek (Kang-ho Song) es el patriarca de una familia humilde que con trabajos precarios a duras penas sobrevive. Cohabitan en un subsuelo de un barrio pobre de Seúl y hasta roban wifi de sus vecinos. Su situación comienza a cambiar el día que su hijo es recomendado por un amigo para dar clases particulares de inglés en casa de los Park, una familia adinerada. Utilizando su simpatía e ingenio, el joven logrará ganarse la confianza de la señora de la casa, y poco a poco conseguirá introducir a su familia en distintos trabajos del servicio doméstico. Esto desencadenará un sin fin de situaciones escabrosas de las que les será difícil escapar.
Esta película, además de ser entretenimiento, tiene como base una cruda representación de la realidad y choque social. Es cruel y a la vez entretenida. Hace que pases de un momento de risa al asombro y luego a la tristeza total.
Este es el caso de «El Hoyo», película española del director Galder Gaztelu-Urrutia, estrenada en el 2019 en el marco del Festival Internacional de Cine de Toronto donde ganó el premio People’s Choice Award for Midnight Madness y recibió buenas críticas. 
Con las salas de cine cerradas y los festivales cancelados los estrenos se viven sólo a través de plataformas de streaming.
«Dime quién soy» Es un documental de Netflix publicado en agosto del 2019. Fue nominado a mejor documental en el premio de cine independiente británico. Producido por Simon Chinn y dirigido por Ed Perkins nos narra la historia de los gemelos Alex y Marcus Lewis. En la adolescencia Alex sufre un terrible accidente automovilístico, el golpe lo deja sin recuerdos, no conoce su nombre, no reconoce a sus padres ni su casa, el único recuerdo que tiene es la existencia de su hermano Marcus. Este decide acompañarlo y narrar para él la historia de su vida, su infancia, sus amigos, todas sus experiencias. Esto es recibido por Alex con alegría, formando sus recuerdos nuevamente con los cuentos de Marcus.
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